实用绘画技巧和心得体会(通用16篇)

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实用绘画技巧和心得体会(通用16篇)
时间:2024-01-21 06:46:02     小编:GZ才子

心得体会是思考和总结的过程,可以帮助我们对自己的学习和成长进行规划和调整。总结心得体会时应注意结构清晰、重点突出,避免过于琐碎和废话。小编为大家搜集了一些优质的心得体会范文,希望能够给大家带来一些灵感和思考。

绘画技巧和心得体会篇一

绘画构图是绘画创作过程中至关重要的一环,它决定了作品的视觉效果和表现力。在长期的实践过程中,我逐渐摸索出了一些构图技巧,使我的作品更加生动、有趣和具有艺术性。以下将结合我个人的体验,分享一些关于绘画构图的心得体会。

第二段:平衡构图的原则。

绘画构图的一个重要原则是平衡。首先,在画面中物体的位置应该谨慎选择,避免集中在画面的一侧或者是只将重要元素放在画面的中央。其次,要注重画面的整体性,通过合理布局各种元素,使画面的左右上下对称或者是形成黄金分割等比例关系,增加整体的和谐感和美感。

第三段:运用线条和空间构图。

线条是构图的重要基础,它不仅可以连接画面上的各个元素,还能够引导观者的目光。我发现,在构图时要注意运用线条的方向和变化,画出动态感强的线条可以使作品更富有活力。同时,空间构图也是非常重要的一部分。在绘制三维物体时,要善于运用透视和投影的原理,合理安排物体的位置和大小,使画面显得更有立体感。

第四段:色彩和光影的运用。

色彩和光影是绘画构图中最能吸引观者眼球的部分,运用得当可以让作品更富有魅力。在选择色彩时,要根据作品所要表现的氛围和主题进行选择,同时避免颜色过多过杂,以免干扰观者的视线。光影的运用也是非常关键的一步,通过增强或减弱光影的明暗对比,可以使画面中物体更加立体、有质感。

第五段:小技巧和总结。

在绘画构图过程中,还有一些小技巧能够使作品更加出彩。例如,选择适当的前景或背景元素,能够增加画面的深度和层次感;布局对称或对比的元素,可以制造画面的平衡和张力;运用重复或反复的图案,可以提高作品的节奏感和整体性。综上所述,绘画构图是一门既有技术性又需要发挥创意的艺术。通过不断学习和实践,我相信,每个人都可以在绘画构图中找到属于自己的风格和技巧。

绘画技巧和心得体会篇二

通过这次人文专题课程——中国绘画艺术欣赏几次课的学习,虽然时间并不长,但是对于自己来说还是有一定的收获的。虽然之前并没有任何绘画艺术知识的学习,但是绘画艺术作为从古至今的一种艺术形式,作为承载人类社会与自然社会灿烂文化的艺术载体,是具有非常重要的意义与价值。作为一个从小画画就不好的工科女来讲,当时选这门课程时的确也不清楚这门课程到底是讲些什么内容,对自己的知识体系是否会有所提升,不过在我完成这几次课程之后,对于中国古代绘画艺术有了一个大体的认识,填补了之前这方面知识的空白。同时,之所以为欣赏课程,我想并不是要我们深入地去研究去理解中国古代绘画艺术,只要能对于古人的绘画艺术、绘画形式以及画家想传达的绘画思想有一个大体的认识就可以了。在欣赏和学习的过程中,提高自己的艺术欣赏能力,陶冶自己的情操,这些对于我们这样一直接受理性教育的工科生来说,提高自己的艺术欣赏能力绝对算是一种感性教育,更是对自己创造性思维的另一种激发与培养的方式。

课程中,老师利用五次课程分别介绍了中国近古五大时期的美术绘画艺术,分别是:原始社会至秦汉时期、魏晋南北朝时期、隋唐五代时期、宋辽金元时期和明清时期。每一个时期,都有各自不同的绘画艺术形式与特点,也体现了不同时期社会生活与人们意识的不同形态。在这五个时期里,我对于唐代时期的绘画艺术是最感兴趣的。

唐朝作为中国古代国力最为强势,社会生活最为安定,思想最为开放的朝代,也随之孕育出了繁盛的唐代艺术形式,而其中的绘画艺术也是中国封建绘画的鼎盛时期。唐代的历史也是我了解最多的一个朝代,唐代国力强盛,文化繁荣,唐太宗“柔怀万国”,贞观之治为邻近列国所仰慕。由于唐代具有对各种文化艺术兼容并蓄的非凡气度,儒、释、道“三教”并立,诗文、乐舞、书法、绘画以及文论莫不昌盛。唐代的绘画作为盛唐气象的重要组成部份,为中国美术史留下了璀璨的一笔,绘画名家辈出,见于史册者就达二百余人。唐代张彦远在《历代名画记》中评价初盛唐的作品是“灿烂而求备”,指绘画精神、美学追求、艺术表现和包括构图、造型、笔墨、色彩等技术因素在内的完美统一,这也是对整个唐代绘画风貌的概括。

中国传统绘画中的各个门类,在这个时期都以独立的姿态立于画坛。通过课程和文献了解,唐代的绘画已经分人物、山水、花鸟等科,技法可分工笔和写意。国画传统的核心是“意境”,“形神兼备”、“气韵生动”都是意境的内涵素质,其艺术魅力就是画已尽而意不止,笔虽止,但意无穷。不单单在于用笔,技法,更重要的在于作者要表达的思想境界。画家们的艺术审美思想和审美取向,皆取源于以儒释道为代表的传统文化。唐代绘画折射着儒释道思想的精髓,追求“天人合一”之境。佛、道理论不仅为绘画艺术提供了一个超越时空的广阔的创造空间,而且直接促进画者思想境界的提升。儒家在于对社会理想人格的塑造,在把绘画作为修身养性的手段的同时,指出其“成教化、助人伦”的道德教化作用。唐代张璪总结的“外师造化,中得心源”一直为后人所奉行,指出绘画是一种心灵化的艺术,造化和心源的凝合。唐代的画论、画史著作亦显示了唐代美学理论的深度,与当朝绘画创作一道共同谱写了大唐绘画的辉煌乐章,完善了民族绘画体系。

唐代的诸多著名画家中,我最喜欢的一位是阎立本,可能是因为我和他同姓,所以在看他的画作时,总有一种亲切感。阎立本以人物肖像画著名。他的作品用线劲健坚实,显示出刚劲的铁线描,有丰富的表现力,古雅的设色沉着而又变化,在人物塑造上不仅重视形貌的描写,而且十分着意人物心理与细节的刻画,造型准确生动,因而被誉为“丹青神化”而为“天下取则”,在绘画史上具有重要地位。他画的《凌烟阁二十四功臣图》,由唐太宗亲自为每一位功臣写了赞语。他还画了唐太宗肖像《太宗真容》、《唐太宗纳谏图》等。他画的《步辇图》,描绘了贞观十五年唐太宗会见吐蕃使禄东赞的重大历史事件,唐太宗雍容大度有气魄,禄东赞的谦卑有礼又自信的神态皆刻画的生动传神,气氛隆重而融洽。歌颂了唐太宗的英明睿智,记录了汉、蕃两族的友好。他画的《职贡图》描绘了南洋的婆利国、罗刹二国的使节前来朝贡,途中又与林邑国结队,全幅共二十七人,画中人马各自成组,由右往左前行。描绘出初唐时“万国来朝、百蛮朝贡”的情景。

人物画是以人物形象为主体的绘画之通称,在唐代绘画中仍占主要地位,大体分为道释画、肖像画、仕女画、风俗画、历史故事画等,取得了极高的成就,无论是吴道子、阎立本、周昉、张萱还是带有西域画风的尉迟乙僧等,均对后世产生了重大的影响。唐代道释画兴盛,重要人物画家皆擅佛道壁画,当时宫殿、衙署、厅堂、寺观、石窟都有壁画装饰,气势恢宏,色彩灿烂,塑造的佛道故事中佛、菩萨、神仙等栩栩如生的形象,飞天凌空飞舞,表现天国世界的美好,画面的繁复与盛大既给人敬畏与向往,又给人以美感与享受。壁画艺术水平也非常高超,外型描画准确而生动。唐代卷轴画也开始兴起,并因便于创作、收藏、观赏而逐渐流行。

在课程的结束,对自己的课程进行一个总结,梳理了一下课程内容以及课件知识,又自己在网上找了一些关于阎立本、吴道子的绘画评价,虽然对于同一画作也有不同的艺术评价,但大都也是对于表现手法的一些分歧,主题的脉络都是一样的。在我看来,艺术对于不同的人来说本来就有不同的理解,只不过在我们接受了一些艺术欣赏的指导和熏陶,对于理解和欣赏艺术作品就更为深入与细致,也能逐渐体会到作品所体现出来的创作者的思想与灵魂,我认为这就是学习欣赏艺术的真谛所在。最后,感谢李老师这几次课程的悉心指导与耐心讲解,在课程结束时让我有所收获有所提高。

绘画技巧和心得体会篇三

幼儿绘画是一种把立体空间关系表现在平面的纸上的艺术活动,幼儿操作绘画时,其构图与造型能力与他的空间知觉能力有密切的关系。我们观察孩子的绘画作品会发现:他们绘画的立体感大多只能注意一些明显的前后位置的差别,不能察觉细微的变化,在一些物体间的透视不明显,或前后关系比较复杂时,会顾此失彼或用过去的形象来补充或调整,错误大大增加;尽管孩子绘画的立体感不成熟,但已开始萌芽,我们应该引导培养孩子绘画的积极性。

为此,按照由易到难的原则,排列了以下的课时活动,有步骤的培养幼儿的空间知觉能力,使幼儿掌握一些简单的绘画技能,让画面具有初步的立体感。

准备一只较大的盘子,将幼儿熟悉的水果:如苹果、香蕉、葡萄等随意放置在盘中,引导幼儿观察盘中水果的前后位置,注意后面的水果某些部分被前面的水果遮住,在绘画时,先画前面的水果,然后逐渐向后画,被遮挡的部分不用画出来。

在天安门图片的前面,放置几个民族娃娃,以各民族娃娃在天安门前拍照为题,引导幼儿观察:幼儿可以看到娃娃的脚的位置,比天安门城脚的位置要低,墙角越高,天安门离娃娃就越远;教幼儿用两条线画出娃娃和天安门的前后位置,先画娃娃,后画天安门。

结合国庆活动,引导幼儿观察周围的行人、彩灯或图片:它们置于无数个远近不同的点上,离我们近的位置低,远的位置高;作画时,教幼儿从低的下部逐渐向上画,并继续启发幼儿在画人群时,适当的画出前后之间的遮挡,使画面显得生动热闹。

在以上几次教学活动的基础上,课余还有组织室内外的幼儿独立观察作画活动,如室内画雨具(伞和套鞋),室外画房子等建筑物,从画面效果看,幼儿的立体感都有显著提高;在幼儿作画时,应该加强个别指导,站在幼儿的位置上,引导他们不断将观察的对象与自己的画面进行比较,让幼儿自己做出判断,纠正画面上那些明显不合理的部分,鼓励幼儿大胆尝试,要照顾幼儿的个别差异发展,切忌用成人的观察去代替幼儿,勉强他们去画那些他们暂时不理解的东西。

对幼儿画画中立体感的培养,是同幼儿对周围事物的兴趣,以及空间知觉能力的发展紧紧联系在一起,相互促进的。在教学活动中,还要多次带幼儿去公园、超市等实地参观、观察,扩大幼儿眼界,增长大量感性知识,这就体现出兴趣与观察能力是幼儿绘画立体感的前提。

绘画技巧和心得体会篇四

绘画构图是绘画创作过程中至关重要的一环。一个好的构图能够使作品更加有吸引力和感染力,能够让观者更容易地理解和接受作品所要表达的信息。在我的绘画创作实践中,我不断探索和学习,积累了一些关于绘画构图的技巧心得和体会。

首先,构图的平衡性十分重要。平衡是指画面上物体、形状、色彩等元素的分布均匀,没有明显的倾斜或偏向一方。一个平衡的构图能够给人一种稳定、和谐的感觉,而一个不平衡的构图则会使人感到不安和杂乱。在进行构图时,我常常利用对称、重复、层次等手法来实现平衡。并且,在选择主题和内容时,我也会尽可能地避免使用过于复杂和繁杂的元素,以免给观者造成压迫感。

其次,构图中的对比和留白是增强视觉效果的重要手法。对比是指在画面中运用明暗、大小、形状等因素形成明显差异,以突出画面中的主题或要表达的情感。而留白则是指画面中的空白部分,它能够为观众提供思考和联想的空间,也能够增强画面的立体感和层次感。我常常利用对比和留白来强化画面的重点和焦点,让观者更容易被吸引和引导。

另外,构图要考虑画面的透视和动感。透视是指在二维平面上通过使用线条和形状的变化,来营造出三维画面的一种手法。透视能够增强画面的立体感和深度感,使画面更富有观赏性。同时,动感是指画面中物体、人物或场景所表现的一种运动状态或变化过程,能够使观者感受到画面的活力和生命力。在我的绘画创作中,我常常注重通过绘画技巧和手法来表现画面的透视和动感,使作品更加生动和有趣。

此外,构图中的色彩运用也是十分关键。色彩对于画面的表现力和感染力有着重要的影响。不同的色彩能够传达不同的情感和心理状态,能够给人带来不同的感觉和联想。在我的绘画创作中,我常常运用色彩对比来强调画面的重点和焦点,使画面更加鲜明和有力。同时,我也会注意色彩的选择和搭配,以营造出特定的氛围和情绪。

最后,绘画构图是一个需要不断学习和实践的过程。只有通过探索和实践,不断积累经验和提高自己的绘画技巧,才能够更好地运用构图技巧。因此,我时常参加绘画培训班和交流活动,通过观摩他人的作品和借鉴他人的经验来提升自己的构图水平。我也会在生活中多观察和感受,不断积累素材和灵感,以便能够更好地表达自己的情感和理念。

综上所述,绘画构图技巧是绘画创作过程中不可或缺的一部分。我通过长时间的实践和学习,总结出了一些关于绘画构图的技巧心得和体会。平衡性、对比和留白、透视与动感、色彩运用等方面都是我在构图中不断探索和努力的方向。不断学习和实践,提升自己的构图水平,是我未来绘画创作的重要目标。

绘画技巧和心得体会篇五

xxxx年3月5日,我非常荣幸的在乐东中学聆听了王中年老师的'精彩讲座,他的讲课条理清晰、生动有序,时常举一些事例,使道理深入浅出,渗透人心,我被深深的吸引了,长达两个小时的讲座,听起来一点累的感觉都没有,反而觉得是一种享受。

王中年,满族,1943年生于辽宁省凤城市。中国美术家协会会员、国家一级美术师、现为中央社会主义学院、中华文化学院教授。享受国务院授予的政府特殊津贴。早年就读于鲁迅美术学院,后入广州美术学院研究生室,师从关山月、黎雄才等大师。艺术修养全面,山水画造诣颇深,对油画、水彩画、人物画亦有研究,也是一位瓷器绘画艺术家。作品曾多次参加全国美展,并获金、银、铜大奖。1982年起多次在中国美术馆、日本、韩国、新加坡、马来西亚、香港等国家和地区举办个人画展或讲学。部分作品被人民大会堂、国务院、天安门城楼、中央统战部、中国美术馆及国内外博物馆和美术收藏家珍藏。

绘画技巧和心得体会篇六

学习绘画鉴赏已经有一学期了,其实刚刚开始的时候觉得一个理科生还是计算机科学与技术学院的学生为什么要去开这么一个课程——绘画鉴赏。

这学期学习了绘画鉴赏这门课程,同时也是第一次学习这门课程,当然初中高中有学过几年,多种原因没有坚持下去。嗯,是件挺遗憾的事情。

仅仅是画,还包含多方面的内容,所涉及的面也非常广泛,让我学到了许多,尤其是欣赏古代绘画时。学会了欣赏古代绘画,不能以现代的眼光去欣赏,而要结合历史,讲究意境、章法和笔墨。

通过了解知道:美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料,如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等,塑造可视的平面或立体的'视觉形象,以反映自然和社会生活,表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。同时绘画鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助学生在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中,逐步提高审美能力,形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。

这学期我从不了解美术,到懂得欣赏美术;从无视美的存在,到学会发现美;从对美术不感兴趣,到喜欢上美术,这就是这学期学习美术鉴赏课的最大收获。美术欣赏课将我带到了一个全新的世界,带到了一个我以前从未涉足过的领域,带到了艺术的殿堂,我可以说出那些美丽的作品的故事,它让我发现原来世界是这么美,原来一个人的思想可以这样表达,原来先代们是那么的智慧。

通过美术鉴赏课,可以使我们的视野开阔,可以扩宽我们的知识面。在课堂上,我学到了很多知识,也让我学会了如何去真正地欣赏一幅画,以及画家画一幅画是抱着何种心情。还有作者到底在一幅画中所想表达的意思。

美术在现实生活中到处可以感受到美术的气息,一张桌子、悬挂的衣服等等,这些随处可见。学习了美术鉴赏课,让我受益匪浅,对生活粗略的观察也变得细心起来了。我渐渐的发现原来生活那么美好,有时观察一棵树,我会呆呆地看很久,仿佛自己身临其境。

通过学习本课程,可以使我们了解更多的美术知识,提高我们的美术鉴赏能力,培养我们的艺术审美兴趣,而这对提高我们的全面素质起着十分巨大的作用。

虽然这门课程只有一学期,不过我会一直学习关于绘画鉴赏的知识,我觉得绘画鉴赏课教我的不仅仅鉴赏的是一幅画同时也学会如何去看一个人,感谢丁老师一学期的辛苦教导,我会继续坚持下去。

绘画技巧和心得体会篇七

前段时间我参观了学校美术系的作品展览,在展览现场,有很多当场画的作品,这些作品十分的优秀,令我无比羡慕,心里一直有个想拿笔画画的想法,所以在报选修课的时候,毫不犹豫地选择了绘画基础。

选修的第一节课迎来了我们和蔼可亲的崔老师,值得幸运的是,崔老师不同于其他选修课老师,她特别希望我们能学到些东西,不浪费宝贵的十六周课。崔老师是一位教学经验十分丰富的老师,她有信心也有能力将我们这些对绘画知之甚少的孩子们培养出来,在她的指导下,我们逐渐恢复了自信。

素描作为一门绘画基础课,以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点,研究造型的基本规律,画面以视觉艺术效果为主要目的。崔老师在遵循这些基本规律的基础上,以个人的独特的绘画技巧让我们尝试了从未体验过的画法。这种富有强烈层次感的绘画技巧让我们尤为赞叹。

德加说:“素描画的不是形体,而是对形体的观察”。崔老师正是本着这样的理念对我们进行超越造型的表现。所以我觉得在这短短的十六周里,我的素描有了一次飞跃式的进步。学会了用眼用脑来画画。并且能把这种表现方法运用到我以后的绘画中。

在此特别感谢为我们辛苦苦付出的崔琳琳老师,并真诚地道一声:老师,您辛苦了!!

绘画技巧和心得体会篇八

绘画构图是绘画创作中至关重要的一环,它决定了画面的结构、平衡与美感。有着丰富经验和技巧的画家们在实践中总结出了许多有效的构图方法,今天我将分享我的一些心得体会。

首先,构图的基本原则是平衡与对比。画面的平衡是指画面元素在空间上的平衡感,对比则是指画面元素之间的对比关系。在构图时,我们需要让画面的元素分布均衡,避免画面左右重量不平衡或者密集与稀疏不均的情况出现。同时,通过对比关系的设置,可以突出画面中的主题,增强视觉效果。例如,可以通过色彩对比或者明暗对比来增强画面中的层次感和立体感。

其次,给画面添加一个主题或焦点是构图的重要手段。画面中一个突出的主题或主体可以使观者更加容易理解画家的意图,同时也能增加画面的吸引力。要实现这一点,可以通过各种手段来突出主题,如放大、夸张或者通过对比使主体更醒目。

此外,透视是构图中常用的技巧之一。透视是指在二维平面上通过画出一些特定的线条,使画面呈现出三维空间的感觉。透视可以使画面更具有立体感,增加观者的投入感。这个技巧需要我们通过学习和实践不断积累,掌握合理运用的方法。

还有一个重要的构图技巧就是使用线条引导视线。线条可以在画面中引导观者的视线,从而实现画面的层次感和引导视线的作用。我们可以利用线条的形状、长度或者方向来引导观者的目光,达到画面中元素关系更加流畅与和谐的效果。这种技巧在绘画中经常被使用,可以帮助观者更好地理解画家的意图。

最后,构图时的整体感觉也是必不可少的。画家在构图时需要关注整体画面的效果,而不仅仅是个别细节。通过调整画面的整体构图,画家可以达到整体与部分之间的和谐,从而更好地传达画家的情感和意图。在实践中,我们可以通过多方位的锻炼来提高对画面整体效果的把握。

绘画构图技巧是一项需要不断实践与学习的技巧,因此画家们需要在不同的创作过程中不断探索,积累经验。通过实际操作和不断反思,我们可以逐渐提高自己的构图技巧,并且在实践中创造出属于自己独特的构图风格。希望我分享的这些心得能够对其他绘画爱好者有所帮助。

绘画技巧和心得体会篇九

绘画艺术在二度平面上创造物象与空间,展示现实生活与想象世界的多样景观,传达人的思想感情。下面是小编为你带来的如何提高绘画技巧 ,欢迎阅读。

有些人画了好多年的画,真正领悟到绘画的真谛可能只在一瞬间。

——前言

很多时候,我们问别人如何学好画画时,往往只得到一个答案:就是多画多练多观察。当然我也知道多练多观察才能画出好画,但是我总感觉里面还有些什么东西隐隐需要我们去了解,不然盲目的去画去练,我们越画越糟糕,心情也变得烦躁,不想再画下去了。

这里把我的学画的经历和感悟写出来与大家分享,希望能帮助更多还困在里面的朋友走出来。

当初我还是一个初学者的时候,虽然我很喜欢画画,但是无论我怎么画怎么改,就是画不好,更要命的是,明明知道不好看,就是找不出原因。

我没经过正规的美术培训,所以学画时比一般专业生要累很多。虽然以前有上过美术课,老师也只是简单教我们画些基本立方体和苹果,然后我们就跟着画,很多都是靠我们自己的感觉去画画,结果发现越画越不对劲。

画了好长一段时间,我的画画水平一直没有多大的进步,顶多也就把整体画得看起来舒服一点。水平一直上不去。很是苦恼。

直到后来我悟出了下面几点绘画要领之后,我的绘画水平才慢慢走上专业轨道。

我的绘画技法突然间提高经过几个转折点,这几点说起来很简单,却是花了我好长的时间断断续续摸索出来的。

采用长线作画。

刚开始学画的时候,总喜欢一点一点慢慢的描,花了很多时间,终于把一个物体画完了,最后一看,很不专业,线条看起来很乱。这段经历延续了好几年的时间,后来经一个人的无意中的一句话,才知道应该采用长线画画,顿时发现好轻松,以前花一两个小时才能打完的线稿,用这种方法,半个小时就可以画好了。用长线作画,第一次让我感受到的画画的快感。

整体作画。

以前画画的时候,习惯从上往下画,或从左往左画,或先把一个细节画得非常好,再画其它的。最后花了几个小时画下来,发现走型了。

后来我开始采用定点,用长线连起来,从整体入手,先把大体轮廓打出来,再刻画细节,从此画面整体效果及物体结构再很少出现变形或变歪的情况,速度也提高了好几倍。

暗部尽量加深。

很长一段时间画画时,暗部不敢涂黑,担心会把画弄脏,而最后画面都是灰色的,没有立体感。后来采用电脑画画时,才敢画黑。从此我的画体积感要比以前强很多,画面再也不是灰色的`。

学会铺大调。

以前不管是上色还是上明暗,总喜欢一块一块的上,上好这一块,再上另一块,整张画上完色下来,发现很不协调。后来因为偷懒,想画得更快一些,就给它大体明暗,结果不小心发现了这种方法,很科学,很实用。从些绘画技术又更上一层楼。

理解透视原理

以前画画时,总找不出图变形的原因,其实变形80%都是因为透视错误,百分之20%是因为结构错误,当我研究了透视原理后,不但知道近大远小,近实远虚,近疏远密等原理,还知道什么是一点透视,两点透视和三点透视。到后来研究的四点透视,五点透视,曲线透视,对我的创作都有相当大的帮助。现在想画什么角度就画什么角度,很轻松。学透视,关健在于理解。理解透了,你的作品效果也会极速提高很多倍。

光影的一致性

很长一段时间,一直观察不好光线,总感觉这里光那里也有光,最后画的时候也都留光,结果一幅画下来,到处都是黑点和光块,很乱很脏。

有时候是上半身光从左,下半身光从右,经常发生光影混乱。虽然当时感觉挺好,但是后来看多了大师级作品,才发现自己的作品很不符合常理。从那开始,我才注意到画画必须要设定一个主光源,光和影必须要一致,我的作品又提高了一个层次。

放松心情作画

以前画画时,总喜欢看个东西画(临摹),才能画得出来,如果什么都不看,自己想脑子就会一片空白。不知道从哪下笔。

后来一次搬家,很多书都没带,自己很无聊就拿笔乱画,自己想到什么画什么,突然间发现好轻松,再也没有那么多的条条框框约束,那个时候起,我才第一次体会的画画是件最快乐的事。想什么就画什么,那种感觉很舒服。 从此我再也没有临摹过任何东西,也喜欢上了原创,相反我还感觉临摹是一种痛苦。

采用电脑作画

以前画画的时候,什么都是一笔一笔画的,往往一幅画下来,花了很长时间,效果都不是很理想,后来开始接触电脑绘画后,发现以前用很复杂的方法表现的一个效果,电脑只用一个滤镜几秒钟之内就可以表现了,从此我发现了一个神奇的绘画世界!

后来再去研究物体的结构,体积,透视,光影,空间,质感,力学,色彩等等,绘画手法也越来越成熟,发现绘画的世界真的很精彩。

初学者要一下子改掉以前的绘画习惯,估计得经过很漫长的心理斗争。

什么时候突破了以上几点,你的绘画水平肯定会闪电般的提高!

绘画技巧和心得体会篇十

一些人物具体形象的速写,但这个速写是有一定要求的,下面是小编为你带来的速写绘画技巧,希望对你有所帮助。

静态速写指在一段时间内相对静止不动的动态,如男女青年站姿或者坐姿、看书等。此类考题主要是考查考生对人物整体结构的把握能力和表现能力。静态速写考题经常出现,其目的是要求考生把对象的结构比例画正确,形象刻画充分。但是由于绘画的参考对象是静止的,所以考生还是比较容易掌握的。

动态速写有规则性动态和不规则性动态两种,它是现在美术高考中速写命题的大趋势。

规则性动态速写是指绘画对象进行规律性地重复运动的动态。如拍篮球这一动态,主要是速写对象基本的位置不变,只是局部处于循环往复的运动动态;又如跑步的动态,主要是速写对象整体所做的规律性动作。今年广东联考的速写考题是要求考生画骑自行车的人,就属于此类。画动态速写,关键是要抓住有代表性的.某一动作瞬间。一般来说,一个动作在开始或结束时较有代表性。

不规则性动态速写是指那些重复动作较少的动态。如打球、舞蹈等动作,要画好这些动态对于考生来说是比较困难的,但是,这些动态形象在生活中往往也会反复出现,虽然说千变万化,但如果考生反复观察过这些动态形象也就不难了。因此,考生要画好不规则动态速写,除了要掌握解剖知识和运动规律外,还要多关注现实,随时随地留意观察生活中人物的各种动态特征。没有一定的生活知识,我认为是很难画好这类速写的。

表现某一环境中的相互关系的几个或一群人的速写称为场景速写。美术高考中的场景速写一般以人物为主体,以环境为辅,如市场一角等,主要是表现几个人物形象为主的一个小场面。人物一般要求三个以上,画面要有生活情趣。那么考生一定要交代清楚人与人之间的动态、神态,人与物之间的相互关系。当然,最重要的还是要自然生动、主题突出,有主次、有呼应、有远近,不能各不相顾,缺乏对比。这类速写考查的主要是考生的表现能力和审美能力,虽然难度较大,但是有天赋的考生也会脱颖而出,所以那些专业性比较强的高校一般都会采用类似的考题。

考生要理解人物结构的透视、比例、穿插以及运动规律,采用概括的手法来表现人物的动态特征;在对大的形的把握的同时,要注意交代每个转折部位的相互关系,注重绘画的视觉感受,这是画好人物速写的前提。

一幅好的速写也会给人强烈的审美享受,这是无可辩驳的事实!好的速写必须要求描绘对象的动态自然、协调,让人看起来比较舒服。要达到这一点,绘画者的眼光就显得尤为重要。所以说如何构图,怎样选取绘画角度,怎样的姿态更合乎审美情趣,这些都是考生要思考的问题。

线条主要是通过长短、轻重、疏密和浓淡来表现的。流畅的线条可增强画面表现力和生动性。线条与形体结构的巧妙结合,是生动表现人物的前提。以浓淡、缓急的线条来表现人物,有利于增加层次感,区分质感,提高艺术的感染力。

用笔的果断与否,直接反映了考生对速写技法掌握的熟练程度,同时也反映出了考生的个性以及绘画修养。那种犹豫用笔的速写是很难表现出速写的感觉的!考生应牢牢把握住整体、大局,以最简练的用笔去概括地表现对象的主要形象特征,适当放弃一些细微末节,这样才能达到速写的有效办法。

绘画技巧和心得体会篇十一

生长在湖泊、湿地,全身洁白,弯曲的脖颈、修长的双腿,给人一种亭亭玉立的感觉,尤其是那头顶一点鲜红的颜色,更加显得妩媚、动人。

主要以鱼为食,主要的生长结构包括:头、颈、身体、翅膀、尾、腿等几个主要部分,本章内容主要介绍丹顶鹤的头的画法。丹顶鹤的画法在中国画中主要有工笔、写意两种。

使用工笔画法表现丹顶鹤的头颈部时,首先要使用白描画法来勾勒鹤的外轮廓型,并且要根据丹顶鹤头颈部不同的颜色来确定墨色的深浅。第一步,使用浓墨、较干的笔勾画鹤的嘴,一般来情况下,使用较细的毛笔,如叶筋、红毛、衣纹笔等,画出的线条流畅且富有韧性。鹤嘴部分用三条线来表现。第二部,画鹤的眼睛,画鹤眼使用同样的较浓墨色,画一个椭圆形,在靠近嘴的部分点出瞳孔。第三部,画鹤头颈部黑色斑纹,先用铅笔浅浅勾画出黑色斑纹外轮廓,再用罩染的`方法逐遍罩染,直至达到预想的效果。第四步,用浅墨勾勒头部羽毛,注意层次关系。其次在勾勒完线条后,利用分染方法,分染羽毛,这个步骤颜色要浅,逐步完成。

第一、第二步与工笔方法相同,第三步使用大白云笔饱蘸较浓的墨色,由眼睛下方开始,呈“s”型画出颈部斑纹,收笔时用力要轻,可以出现飞白效果。第四步用较浅的墨色勾画头部羽毛,按鹤的生长结构勾画至颈部,这样,一幅写意丹顶鹤的头部形象就已经完成。

前面我们已经介绍过丹顶鹤的头部画法、腿的画法,本章继续介绍怎样画出一幅完整的丹顶鹤作品。

丹顶鹤 谭照昆

丹顶鹤的中国画画法一般情况下有两种形式--工笔画法、写意画法。其中工笔画法表现细腻,把丹顶鹤的型表现的淋漓尽致,能够把极细致的内容表现出来,比如层层覆盖的羽毛、腿上的鳞状斑纹等;而写意画法主要表现出丹顶鹤的内在神韵,用笔自然潇洒、不拖泥带水,画面产生一种空灵、幽雅的视觉效果。下面分别介绍两种丹顶鹤的画法。

运用工笔画法表现丹顶鹤,在选择工具材料上极为考究,笔一般使用像红毛、衣纹、叶筋等较细的毛笔,纸张一般选用像清水、云母等较好的熟宣纸,颜料也基本使用块状颜料,颜料加水浸泡,再细细研磨后才能使用。

运用工笔画法表现丹顶鹤的步骤为:首先要勾勒线条。勾勒线条前最好先用木炭轻轻的勾勒出丹顶鹤的外部形状和主要结构,然后从丹顶鹤的嘴部开始勾勒。用笔时要注意线条的力量变化,起笔、收笔用力较重,中间行笔轻,这样勾勒出的线才会有耐人寻味的效果。其次要进行对丹顶鹤的局部分染,分染对表现丹顶鹤极为重要,尤其是对羽毛的分染,能够把羽毛层层的覆压关系表现的十分清晰,视觉效果良好。第三是进行罩染,如颈部斑纹等,用较浅的墨色一遍遍的把要罩染的部位表现出来,直到画面达到满意效果为止。

用写意画法表现丹顶鹤比使用工笔画法简单,但是在表现时要注意墨色的掌握,要按照丹顶鹤不同部分的深浅来调试墨色,如在表现羽毛时,要使用极浅的墨色表现,这样才能把丹顶鹤的洁白的身影表现好。

绘画技巧和心得体会篇十二

xxxx年xx月xx日上午,有幸能够听到王中年大师在乐东中学的有关于中国绘画和他的艺术人生讲座,这次讲座对于我们非美术专业老师来说,是一次非常难得的学习机会,时间虽短,但感收获颇丰。

接触美术最早是从素描开始,所以慢慢就觉得画得越像就是越好的,但是现在才发现其实不然,就像王中年大师讲中国绘画和西方绘画的时候说:“中国绘画注重意境而西方绘画注重写实。”西方绘画是表象的,具体的,非常的写实,讲究的是对自然的真实表现。所以西方的画很像十分逼真。而中国绘画不同于西方绘画重于写实,中国绘画重在写意,这个写意可不是大概其意,写的是意象、理想,写的是画境、意境,更是一种境界。所以有那么一句“诗中有画,画中有诗”的说法。所以中国画光靠技术是不行的,你不仅要画得好还得有文化。他涉及到诗、书、画、印各方面的修养,这也是中国画中总是有着深刻的内涵!同时中国绘画是圆中求方而西方绘画是方中求圆!

美术对于我来说一直只是一种兴趣爱好,虽然它现在成为我工作的一部分,但是我却从来没有系统的认真的去学习它、接触它。而我们在教学的时候也只是教一些简笔画和手工之类的,很少教学生学习中国绘画,可能这和学生的能力程度有关,但是不可否认这也是我们的存在的'缺失,我们不了解中国绘画,同时在美术的教学中我不能以像与不像来评价孩子的作品,要多去看看学生作品所表达的意思,而王中年大师的讲座正好为我们打开了这扇窗!在以后的教学中如果有机会可以让学生都接触和了解中国绘画,在教学的过程中和学生一起了解中国绘画,让人生充满艺术!

绘画技巧和心得体会篇十三

1.画将无脖项,少女应修肩,佛容宜秀丽,神佛须伟壮;仙贤意思淡,美人要修长,文人如颗钉,武夫势如弓。

2.若要人脸笑,眼角下弯嘴上翘;若要人带愁,嘴角下弯眉紧皱。

3.心神畅然手拈须,气怒眼者眼拱张;手抱头者心惊慌,急步行走事紧张。

4.怒像眼桃把眉拧,哀容头垂眼开离;喜相眉舒嘴又俏,笑样口开眼又眯。

5.贵家妇,官样妆;耕织女,应时样;娃娃样,要肥胖;庄稼汉,衣裳越薄越显壮。

6.人各有习,习能有宜,认得此意,画无不奇(泛指人的动作与其生活习惯有关,画者如领会此意,画出人物必须新奇可观)。

7.美人样:瓜子脸,鼻如胆,樱桃小口蚱蜢眼;慢步走,勿奎手,要笑千万莫张口。

8.贵妇样:目正神怡,坐如山立(不歪不倚)。

9.丫环样:眉高眼媚,笑容可掬;咬指弄巾,掠鬓整衣;

10.贱妇样:薄唇鼠眉,剔牙异带,叠眼露掌,托腮依榻。

11.娃娃样:短臂短腿大脑壳,小鼻大眼没有脖;鼻子眉眼一块凑,千万别把骨头露。

12.贵人样:腰肥体重,耳厚眉宽;颈粗额隆、行动猪样。

13.寒士样:头小额窄,口小耳薄;垂眉耸肩,两脚如跛。

14.卑者(坏人)样:口斜胸凸,头低仰视;齿露眉错,必是细作(奸细)。

15.魔鬼样:头如牛、眉如帚、称砣鼻子火喷口,铃铛眼、核桃脸(起皱不平),锯齿燎牙带耳环,胞臂腿壮生筋腱,袒胸露腹衣不全。

16.老者:抬肩、曲背、呆容、硬膝、转身慢、步平、手战(颤)、起迟、立歌、支杖、头摇摇点点。

17.少者:耳容、佻达、风流、身如弓、行步俏、双袖垂、两眼转。

18.立者:舒眉、凝眉、正容、恭袖、身端、步踱、背前探、手拈指。

19.武者:威容、眉锁皱、挺胸脯、腰劲直、步阔,侧立不可立、肘曲如抱月,手作推舟势。

20.贫者:愁容、锁眉、穷袖、腐肘、摩腕、搔鬓、缩头、耸肩、套手、擦涕、端正步酸子气、低视。

21.富者:欢容、捻指、昂头、仰面、舒眉、抹鼻、拍胸、撑手、圈指。

22.癫者:定眼、呆视、目直、斜步、手摇、头僵、胸露、身侧。

23.醉者:呆容、模糊眼、目倦、步跑、手欲扶、口欲吐、身摇、头垂、坐斜、浑身呈软状、独脚梗硬。

田:平头百姓、频洞脸宽,鼻大口方,耳腮有鬓,刚毅正直,适合表现武将和绿林好汉等一类人物,如《三国演义》中的周仓。

由:稳重自爱、憩静周正、安逸自在、宽待为协、长者之风、仁者之态、适合表现正派人物,如十八罗汉中的布袋罗汉。

国:五官结构,疏密匀称,庄重有谋,才华横溢,深思熟虑,韬略过人,器宇不凡,才须眉之感,适合表现有本领,或大器的人物,如文能表现李白、苏轼;武能表现岳飞、郑成功等英雄名士。

用:平顺正直,秀伟挺拔、满腹经论、纵横言谈、忧国爱民,宜于表现五柳长须的文人秀士,如杜甫、文天祥等。

目:青年俊秀,举止收敛,温雅文静,才思敏捷,风度翩翩,适宜表现小生、小姐一类的人物,如“梁山伯与祝英台”、“贾宝玉与林黛玉”等等。

甲:耳朵外撑、脸颊狭尖、频窄窄短、鬼头鼠形、三角眼眶、绿豆眼珠,适合表现小偷之类的人物,如戏剧《十五贯》中的娄阿鼠、《胭脂》中的毛大等,有时也可表现正面人物,象《水浒传》中的时迁等。

风:刚正慈善、融乐自如、潇洒超脱,不拘世俗,可用于表现仙道人物,如八仙中的吕洞宾、曹国舅等。

申:见财忘义、品格低微、如颜婢膝、露牙咧嘴,宜于表现讼棍一类的人物,如《水浒传》中的差役董超、薛霸等。

同:方形简洁,笑口珠唇、眉淡鼻秀,文相武身,常用于表现少年英雄,如《说唐》中的罗成,《三国演义》的赵云等,有时也可用于表现“如来佛”、“观音”和“文殊”。

王:上大下大,中间狭窄,霸气十足,骠悍勇猛。亦有刚正不阿,侠肝义胆,赤肠忠心。适合表现京剧中的“净”角,如武能表现《薛刚反唐》中的薛刚、《秦汉演义》中的项羽;文能表现《海瑞罢官》中的海瑞、《平妖传》中的钟馗等。

1.龙脸愁的像,出现必升降,龙身扁体甲,其数却无量;鹿角、牛鼻、虾眼睛、鱼鳞、鸡爪、蛇身体。龙有三停:脖停、腰停、尾停。

2.吊眼白额虎、正中写三横、虎尾斑点匀,为数十三整。

3.朝阳啸的凤,姿势欲翔腾。凤有三长:眼长、腿长、尾长。

4.笑的狮子脸,嬉球又跳升;九斤狮身,十斤头,一斤尾巴拖后头。

5.若要画肥猪,腿短拖地肚。

6.昂头挺胸马,画法三块瓦。

7.抬头羊、低头猪、怯人鼠、威风虎、鸟噪夜、马嘶蹶、牛行卧、犬吠篱。画戏猫,常洗脸;画白兔、前腿短;画雄鹰,两口眼;画麒麟,头似龙。

8.十鹿九回首(回首即是招呼群鹿共食,又是勾画鹿时时警惕异兽袭击的特征)。

9.蝙蝠从来行不拘,如龙似虎方称奇,虎头云身自如鼠,两翅斜飞有高低。

10.雀鸟行学画爪嘴;走兽先学画鲤鱼,尾鳃鳍。虫蝶先学画翅膀,花卉先学画瓣蕊。

1.丈山尺村。寸马豆人;远人无目,远树无枝,远水无坡,远山无皴,远阁无基,远船无帆桅。

2.山要高,用云托;石要峭,飞泉流;路要窄,车马塞;楼要远,树木掩。近山不可接远山(指应有隔隙);远水倒可接近水(指近处有湖塘,远处可画水口),旅舍不宜半山腰,水路最忌去无路。

3.青树叶点点,夏树不露梢,秋树叶稀稀,冬树不点叶。

4.行云:缠延似流水、卧云平摆象如意,大云通身连气,小云巧而生灵。

5.四时点景:正月张彩礼,二月放风筝,三月花丛丛,四月放蚱蜓,五月酒帘红,六月荷花生,七月看天星,八月日当空,九月登高阁,十月调鸟虫,十一月摆盆景,十二月桃符更。

1.牡丹:小瓣尖端宜三缺,大瓣尖端四、五最,老干缠枝如波纹,花头空处托半叶。

2.梅花:枝不得对发、花不可并生,叠花如品字,发梢似燕飞。

3.果实:叶从果间生,不露大块,果中有斑纹,不显全身。

4.大花大果:花大不宜独梗,果大皆用双枝。

5.缠枝莲:梗细恰如明月晕,莲藤形似老苍龙。

1.文相软、武将硬。画戏剧题材时,文戏多用软色,如《西厢记》、《断桥会》、《昭君出塞》等;武打戏多用硬色,如《野猪林》、《李白成坐金銮》等。

2.软靠硬,色不楞。意指画衣装服饰或桌案景物时,大绿和深蓝或是大绿和大红靠近时,必须在两色间加一软色,如红袄要加扮蓝裙子就好;若粉蓝裙子,淡红上衣,腰间可加一深蓝腰带,则显得软中有硬而美。

3.要想精,加点青。古装画中的妇女或书生多用软色,以显清丽,但没有硬色,缺乏对比,故需要在人物衣领、底裙、袖口等处加一黑边,就和娇嫩粉面形成对比衬托作用,显出人物的精神。

4.红靠黄、亮晃晃。画神仙道释红袍黄项光,或红柱黄幔帐,袍带故事中红袍绣黄龙,黄袍骑红马,都显得华丽明耀。

5.精青绿、人品细。画故事画中的妇女,如用粉裙、青上衣、绿腰带;或绿衣、青色裙、粉腰带、画出的人品俊秀细美。

6.要想俏,带点孝。画面中的五颜六色,容易杂乱无章,重点不突出,如果加点黑、白、灰,就能重点俏然突出。

7.黑靠紫,臭狗屎。紫色和黑色都是“硬色”两色放在一起显得楞而不活。在吉庆题材的绘画中,最忌这两色相近,即使是粉紫色也很少和黑色靠近。

8.青紫不宜并列,黄白未可随肩。青与紫色相接近,配在一起不醒目。黄与白明度接近,二者配合在一起容易产生“同化”作用,彼此的个性都显现不出来。

9.紫是骨头绿是筋,配上红黄色更新。紫和绿是间色,红与黄是原色,红与绿是互补色;黄与紫也是互补,利用它们之间的强烈对比关系,乃属用色特点之一。

10.女红、妇黄、寡青、老褐。画少女穿红戴绿得活泼俊秀;画少妇加黄衣或巾带以示贵显;画寡妇身著青色益显肃穆;画老人用褐色最适宜。

11.红忌紫、紫怕黄、黄喜绿、绿爱红。红衣不配紫裤,红袍忌靠紫袍,紫(茄花)色相和黄接近,黄和绿靠近无妨,绿和红配显喜庆。

瓷板画《假寐》赵梦歌

瓷板画《云动》罗小聪

“我出生在景德镇陶瓷世家,记得小时吃饭的时候,使用的就是官窑的碗。”陶瓷艺术家罗英桂十七岁进入陶瓷厂,而在此之前来自家庭的熏陶早已使她深深爱上了古老而美丽的陶瓷艺术。但如今,她所探寻的,是要通过创新超越传统,发展当代陶瓷艺术。她说:“景德镇的陶瓷要完成从工艺到艺术的转化,需要漫长的过渡。而只有‘借力’具有国际语言的当代艺术,进行‘艺术嫁接’,才能加快这个过程。只要具有艺术和思想上的高度,不论是油画家还是国画家,都完全可以在陶瓷上实现自己的艺术想法。”

罗英桂创建的“人间瓷画”长期以来致力于瓷板画创作的推陈出新,营造了一所“没有围墙的学院”,她签约的艺术家也是风格迥异。

刘正作品中重叠相连的人体造型体现了瓷板画具有展现雕塑这一艺术形态的可能性。“我一直觉得我挣扎在一张网中,这张网是由复杂的历史文化构成的。一方面,我需要依赖这张网,使自己不至于悬浮在空中。另一方面,我需要挣脱这张网,使自己减少被束缚的痛苦和被窒息的危险。”这就是他的当代艺术创作理念。他的釉下彩瓷系列作品,立意新颖,逻辑思维缜密,通过具有生命力的线条,张扬了瓷板画的哲学空间。

赵梦歌从优雅的唐代仕女图中汲取灵感,以西方油画技法进行渲染,创造出青花风格的抽象人体作品。她以“我的精神自画像”思想为背景,进入当代瓷板画创作,成功塑造出中国传统文化中女性情感“无时间性”的欲望主题。她的作品不仅展现出了来自内心深处对爱和欲望的理解,还通过熟练的丰满的线条,勾勒出女性固有的想象旋律。在大千世界,具有无限的色彩斑斓的空间,然而真正属于每一个人自己的总是仅有的那样有限的一点,有时候,为了这样有限的一点,需要人付出一生的守候。赵梦歌的陶瓷绘画女性题材,就能够让人充满期待,处在永恒的交错感觉之中。

马丁民的作品借鉴了西方的色彩语言和中国传统画的写意手法,呈现出一种独特的色彩张力和韵味,传达出一种优雅与质朴的东方意蕴。人为控制与自然天成的功底,使得陶瓷颜色釉绘画艺术具有无限的可能性。他认为:为了思考传统,必须抛弃模式的概念束缚,转向经验的创新。他以高温色釉进行绘画研究,保留了陶瓷材质的天然性和生命力,形成陶瓷绘画的一种天然、率真的油画实验方法。

“开始时,习惯了传统瓷器的人们都不理解我,也看不懂我挚爱的瓷板画。但如今情况就不同了。”这些年,罗英桂所提出的当代陶瓷绘画的艺术框架得到了业内人士的广泛赞同,许多陶瓷学院、美院的艺术家都加入了与她的合作。近十年的时间里,罗英桂与近百位国内外艺术家合作,创作了千余幅当代瓷画作品。虽然投入了大量的精力与心血,但罗英桂并不觉得累,她说:“过去,我经常思考,作为深爱陶瓷的当代景德镇人,我们应该为陶瓷做些什么?应该给未来留下什么?如今,当代瓷板画替我解答了这个疑问。”

“历史上的瓷都是景德镇,这没有疑问。但是,到了当代景德镇是不是瓷都,我们曾感到怀疑。但是当看到了当代瓷板画以后,我们打消了这个疑问,瓷都还是景德镇。”在一篇题为《发现瓷都》的文章里,来自美国的一位博士发出了这样的感叹。“中国陶瓷在历史上的辉煌是无法忽视的。而当今中国陶瓷艺术的发展则体现在它的绘画性与当代性上,这一点正是当代瓷板画展示给世界的。”艺术品策展人关蕴科向我们这么解释。

关蕴科认为陶瓷艺术由三部分组成,即绘画、器型、窑变。由于传统陶瓷艺术最大的功能在于它的装饰性,而人们又往往出于实用性的考虑,因而不将绘画这个陶瓷艺术的重要构成部分作为陶瓷艺术的主要内容。对于陶瓷艺术的绘画性千百年来受到的淡化和忽视,关蕴科感到惋惜,“中国传统的陶瓷艺术长期经历着皇权左右的特殊历史阶段,皇帝喜好的图绘,由宫廷画师画好,再带到窑厂交由工匠仿制。因为传统陶瓷上的绘画并不是一次性创作完成的,在工匠们复制的过程中,原作的气韵必然流失不少。这也就造成了传统陶瓷一直以来不被归为艺术品,而被归为工艺品的事实。”陶瓷绘画由于不是“创作”,而是“复制”而成,因而一直属于陶瓷艺术的附属部分。

“这个问题不难解答,其实在清末民初,一部分文人已经思考并着手这个问题了,景德镇的‘珠山八友’就是开端和代表。”关蕴科认为以“珠山八友”为代表的中国早期陶瓷绘画艺术是以民国初期为开端的,而“珠山八友”最重要的贡献就是文人对陶瓷艺术的亲自参与。“陶瓷一直处于工艺品的地位。过去的文人以士大夫、知识分子阶层自居,是不屑与工匠相提并论的。到了清末民初,产生了文人参与陶瓷绘画的新现象。”但由于受到材料、颜料的客观限制以及封建文化背景的主观局限,他们的创作还停留在较为原始的层面。“他们的创作依靠着传统的生活材料和生活经验,在作品方向、主题和绘画语言上都是需要与时俱进的。”

既然传统的'“梅兰竹菊”不能完美地体现陶瓷的艺术价值,那么怎样才能使陶瓷艺术得到真正的艺术独立性呢?如今人们越来越重视绘画性对陶瓷艺术的重大进步作用。“作为当代艺术,陶瓷绘画一定要有国际语言或者说是普世价值观。”那么,同样存在一个问题,在陶瓷上能否出现当代艺术的表现。“过去人们只在陶瓷器皿的方寸之间进行创作,瓷板做到三十厘米已经很不容易。而现在的瓷板最大限度能做到五米的尺幅。过去颜料只有几种,如今瓷板画颜料与油画一样,有无限多种。针对这一现状,我们提出一个概念:瓷板是美术界的第三载体。”对于这个说法,中国有自己的艺术品牌、文化定位和自己的解释权:“去年,我们把一些优秀的瓷板画作品在美国做了一个展览,感受到他们对中国传统陶瓷创新的认可。”

材料的问题解决了,剩下的就是画家的问题了。“传统的继承确实很重要,但那只是对历史的记录,而真正有意义的其实是创新。我认为当代陶瓷的绘画性体现,应该是新世纪中国对国际陶瓷艺术的贡献。”这种承担着历史责任的“绘画性”则不仅仅是传统陶瓷上的青花、斗彩、云卷纹和“梅兰竹菊”,而是一种可以与国际对话的艺术语言。西方人甚至没有办法理解写意的中国水墨画,因而“要在瓷板绘画上表现出当代艺术,则必须要求艺术家本身具有当代艺术的思想。”

如今,越来越多的艺术家关注到瓷板画这种全新的艺术表达形式。“一大批学院派陶瓷艺术家都开始拿出相当一部分精力进行陶瓷艺术的创新,尤其是年轻的艺术家。他们有着相当好的文化理论背景,很多就是学西方绘画理论出身的。”

瓷板画不同于一般的绘画作品,它有釉上釉下之分,因而它既可以造成像油画那样的堆积效果,也可以渗入材质造成国画大写意一般的效果。艺术家们可以根据构思的需要来自己选择创作的手段,这样的艺术宽度是一般的绘画作品无法达到的。比如,姜宝林以白描、大写意为长;刘正则擅以抽象的线条表现肢体和季节的变化;赵梦歌的油画抽象人物则展现了青花大写意的艺术生命力等。景德镇“人间瓷画”日前在中国美术馆举办的中国当代陶瓷绘画艺术展,以近年来国内外著名画家的数千件绘画精品为创作主题,集中体现了当代瓷板画创作的新方向,在瓷画收藏和学术领域都具有独特的意义。

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关蕴科说,瓷板画所突出的陶瓷艺术的绘画性,使世界读懂了中国的陶瓷语言,让当代艺术家的创作思维得以在瓷板上表现出来,证明陶瓷艺术仍具有相当的艺术宽度。

王廷佐:字少雄,安徽泾县人。清同治、光绪年间景德镇瓷画名家。其浅绛彩瓷画独具特色,方法是用墨皱染后,再施淡墨浅袾渲染。色泽柔和,操作简便。所作浅绛彩清明雨景小方酒杯,现藏景德镇陶瓷研究所。除山水画,还擅长画猴。

程 门

程 门:字雪笠,安徽歙县人。清光绪时景德镇瓷画名家。擅长浅绛彩绘山水、花卉瓷画。邓之诚《骨董琐记》中称许其瓷绘“极勾勒渲染之妙,得者珍之”。其子次笠、小笠承父业,都是清末民初著名瓷画家。

收藏大鳄涉足瓷板画看好其升值潜力

综观近年来的拍卖市场,在书画、瓷器价格纷纷走高的情况下,瓷板画开始成为收藏新宠。作为陶瓷收藏品中的高端品,瓷板画的价值随着近年来瓷器价值的升温出现几级跳。

北京保利集团2012年的春拍中,首开“新月雅集——民国文人瓷绘与现当代艺术陶瓷专场”就取得不俗成绩。其中,民国“珠山八友”之一的景德镇瓷画名家何许人的作品粉彩四季山水长条瓷板挂屏(四屏)以2242.5万元人民币成交,刷新艺术家作品成交纪录,创八友瓷价格新高。拍得此幅作品是资深收藏大鳄包铭山,他是新疆广汇集团广汇美术馆馆长。

近年来,包铭山在拍卖市场叱咤风云,事实上,他在30年前就开始涉足收藏,自九十年代初进入拍场,多年来致力于中国近现代书画的研究与收藏,是国内最早涉足拍卖圈的资深藏家之一,张大千的《侍女》,林风眠的《仕女》、《山水》以及徐悲鸿《九州无事乐耕耘》等作品均被他收入囊中,并将于2013年广汇美术馆开馆时正式展出。

包铭山此次在保利高价拍得何许人的瓷板画作品令人震惊,这是佚今为止瓷板画珠山八友作品拍出的最高价。包铭山认为,历代传世的和出自近现代名家的瓷板画都具有不菲的收藏价值,加上目前已经有许多当代画家参与在瓷器上作画,瓷板画潜力巨大、行情将井喷。

据了解,在明朝时期,中国陶瓷之乡景德镇就有大量瓷器出口到中东、亚洲、欧洲等地。瓷板画就始于明代,其艺术地位经历了几度起落后的今天可谓百花齐放,大型瓷板画的佳作不断涌现,山水画的气势磅礴,人物画的形神兼备,花鸟画的多姿多彩,使瓷板的创作达到了一个新的境界。越来越多在书画界享有名气的书画家参与陶瓷绘画,进行艺术探索。其中不少当代名家的瓷绘板画作品在艺术品市场上走强。

瓷板画是在平板素瓷上手工绘画后再经高温烧制所成的陶瓷艺术品,明清时期开始,瓷板画日益兴盛,清末民初,瓷板画几乎成了达官贵人家中必备之物,艺人们纷纷设立画室,陶瓷工艺中的青花、五彩、釉里红等等在瓷板画上得到充分发挥。而在众多作品中,以民间技艺超群的陶瓷艺术家“珠山八友”的作品最受欢迎,清末民国瓷器大热时,“珠山八友”瓷板画的市价甚至堪比清末官窑。

据悉,“珠山八友”成员分别是王琦、王大凡、汪野亭、邓碧珊、毕伯涛、何许人、程意亭、刘雨岑,他们从事瓷画创作的年代大约在20世纪初至20世纪60年代。其中,“珠山八友”之一的代表人物何许人终其一生探索瓷上雪景山水技法,独树一帜,开启了景德镇瓷上雪景山水画之先河,并发展成为具有景德镇特色的一个瓷绘体系,影响了一代又一代的瓷画名家。

几百年来,瓷板画在陶瓷艺术与绘画艺术的边缘获得了发展空间,呈现出旺盛的生命力,并将陶瓷艺术推向了更高的境界,使他们具备更纯的文化品格。瓷板画的价值也不断在升温,继2011年5月中国嘉德(微博)的拍卖会上,“珠山八友”王大凡的一幅《禹王治水图》 粉彩瓷板画拍出920万元的高价后,保利集团在今春拍卖会上的“新月雅集——民国文人瓷绘与现当代艺术陶瓷专场”表现不俗,成交额近8400万元,除了刷新艺术家作品成交纪录的何许人的粉彩四季山水长条瓷板挂屏,王步粉彩东篱秋菊图象耳尊成交额也达到908.5万元。现当代艺术家的作品也不遑多让,戴荣华1990年作粉彩四美图花鸟双面釉长条瓷板屏风(四屏)也以667万元成交。

据悉,2011年开始,文化部与对中国外文化交流协会先后在美国等地举办陶瓷艺术精品展,作为中美高层文化交流、中日韩文化部长交流的项目之一,让瓷板画走向世界。

绘画技巧和心得体会篇十四

莫奈油画印象派油画的代表,他一直是印象主义画家集团的核心人物,以下是小编为大家精心搜集和整理的莫奈的绘画技巧,希望大家喜欢!

莫奈, 是法国最重要的画家之一,印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技 法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法,在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影,看不到突显或平涂式的轮廓线。除此之外,莫奈对于色彩的运用相当细腻,他用许多相同主题的画作来实验色彩与光完美的表达。莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果,常常在不同的时间和光线下,对同一对象作多幅的描绘,从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。

印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰,也可以看作是现代艺术的起点。克劳德·莫奈的名字与印象派的历史密切相连。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法,比其他任何人贡献都多。这一点是毋庸置疑的`,印象派的创始人虽说是马奈,但真正使其发扬光大的却是莫奈,因为他对光影之于风景的变化的描绘,已到出神入化的境地。

莫奈曾说过:作画里,要忘掉你眼前是哪一种物体,想到的只是一小方兰色、一小块长方形的粉红色、一丝黄色。因此,就出现了画家的创作中的注意力,不是集中于要表现的景物上,而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上,或只是局限于表达在一定条件下,景物着光给画家留下的瞬间印象上。因此,就有可能导致只抓住了细微的变化,而失去了解对全局的把握;只反映了微妙的色彩层次,而忽略了景物形体的后果和全局。

:莫奈很喜欢反复画在不同时间与光线下的同一景物来捕捉瞬息万变的色彩印象,他在这方面的能力似乎无人可及,不愧为印象派的领军人物。莫奈又是最典型的外光派画家,几乎所有重要作品都是在户外完成的,甚至连有人物的大型作品也不例外。

:由于莫奈忠实于印象派的原则,只画眼睛所感觉到的,所以他往往会同时画好几幅画,但每一幅画则分几天画完,而每次少到只画十几分钟,甚至几分钟,以便保持光线的同一性。在已经干燥了底色上,莫奈使用稠厚的油画颜料而不加调色媒介剂,为的是保持色彩的饱和鲜明。

莫奈的用笔松动灵活,时而薄擦,时而厚涂,点,划、堆、抹、随心所欲。但是这一切都是建立在坚实的造型功底、科学的色彩理论、过人的勤奋努力和莫奈个人独有的色彩天赋基础之上的。

绘画技巧和心得体会篇十五

创作出一幅深刻印象的画作,用眼睛来观察形状,阴影和色彩,在挥洒颜色和负空间中享受快乐,水彩创作中还有很多技巧。以下仅供参考!

阴影是水彩画中最重要的元素之一。光线越强,对比越强,阴影的边线越清晰明显;如果光线可以穿透物体,投下的阴影则轻淡一些;穿透性越差的物体,其投下的阴影越重。

在绘制被光线穿透的这三瓣花瓣的形状时,我们发现画中并没有明确的阴影分界线;唯一使花瓣跃然纸上的方法就是将角落的阴影涂暗。在背景中使用更深的颜色可以带来色彩的反差,增加画的景深。

描绘清晰明了的阴影边线和变换的明暗度,可以带来强烈日光照射的视觉效果,让观众在不同的层次中流连。

结合阴影的柔硬来创造最佳的视觉效果。仔细观察这幅玫瑰的细节,你会发现柔和、清脆的阴影和明暗的变化在构图和加强立体感上起了多么重要的作用。

在调色板上用深赭和法式群青调制灰色。一次描绘一片花瓣。首先用清水湿润花瓣,然后用8号貂毛合成圆头画笔在花瓣上涂上简单几笔调制好的灰色。

使用之前同样的灰色颜料,用8号貂毛合成圆头画笔在阴影处涂上调制出来的更深色的颜料。这样能制造一种立体感。如果需要混合更多的颜色,使用大号的天然毛发画笔。

为花瓣增加深色的有对比度的背景,用20号貂毛合成圆头画笔涂绘面积较大的区域,8号貂毛合成圆头画笔描绘面积较小的区域。将最暗的灰(或直接用靛青)涂在干燥的画纸上,这样可以使明亮些的色彩跃然纸上,让暗的区域增加景深。

制作一个有各种绿色的表格,将黄色与蓝色,蓝色与绿色混合等等。这比使用单一的绿色管状颜料要带来更多的颜色变换。

用大号天然毛发画笔将花茎蘸上足够的清水,使颜料能够在水上自由流动。

用8号貂毛合成圆头画笔在花茎两侧涂上永固暗绿色或其他绿色混合色。为了避免两侧看上去一样,将一边画得比另一侧宽一些,并在花茎中间留有足够的空白,让颜色能够从两侧向中间自然地过渡。这种颜色和明暗的渐变能使花茎看上去有立体的圆柱形视觉效果;如果整根花茎上大部分颜色都一样,则看上去太平坦且没有立体感。

当纸表依然湿润时,在一侧涂上永固茜素红,另一侧涂上新藤黄。中部更为明亮的区域有助于描绘形状和增强色彩,同时允许两种颜色自然地混合且不会覆盖彼此。为避免颜色的混合,使用8号貂毛合成圆头画笔,用尽量少的笔触来完成。

为了增加深度,在花茎完全干后进行下一层涂层。在混合绿色中添加少许靛青来加深绿色。然后使用14号貂毛合成圆头画笔将混合好的颜色直接涂在干燥的画纸上(将颜色涂在画纸干燥处可以保持颜色的完整性,不至于流失太多)。用大号天然毛发画刷将花茎内部边缘柔化,使之看上去内部明亮,外部灰暗,这样花茎看上去更加有型。

5.混合

如果有过多的颜料流至中部,可以用干净潮湿但不是湿润带水的大号画笔将多余的水或颜料吸走。使用大号画笔可以避免过多笔触及晕染和散色的可能性。

6.营造幻影

我们可以从右图中发现,柔和的混色和颜色的过渡可以让高光的中部营造出最佳的形状效果。花茎两侧的深色使之看起来有圆柱形的效果,而不是扁平的。

让构图紧凑且生动的一个途径是使用互补色。这个技巧与上面运用在花茎上的.技巧相似,在外部涂上深绿,在内部涂上明亮的色彩,这样你就有空间来涂互补色。

草绘完绿叶的形状后,用大号画刷在叶内区域涂上清水,画刷尽量接近叶子勾勒的边缘,但不要触碰。如果超越了边缘,上色时,边缘很难保持清爽。涂上足够量的清水,让颜料能够自由流动。

用8号貂毛合成圆头画笔将新藤黄和永固暗绿的混色或你最喜欢的混合绿色沿着叶子边缘涂色,尽量避开中间区域,好让边缘的绿色颜料逐渐回流到清水处,营造出柔和的混合效果。

当纸表变得没有光泽时,用20号合成圆头画笔涂上互补的红色。此图中,永固茜素红的效果不错。合成画笔能更好地控制水和色彩。尽量减少笔触,在叶子中部一笔将颜色沿着叶子边缘的形状涂上。因为叶子中部的绿色比边缘的绿色更为明亮,红色能够很好地保持它的颜色,而不会因过度混合变成中性灰色。

用画丙烯画的合成画笔中的尼龙画笔比水彩画笔的笔毛要硬挺,可以更容易地画出自然的纹路。从最大最明显的脉络开始,将画笔倾斜一定角度,然后用画笔的笔端勾勒出纹路。

勾勒出脉络并等叶子变干后,用8号貂毛合成圆头画笔在每根经脉旁边轻轻描上一抹颜色,以增加深度。用干净的20号貂毛合成画笔拭去多余的粗线条。需要时将画纸斜提起,让颜料自然混合。放置晾干。

画作变干后,重新审视画面颜色。如果颜色变淡,增添涂层。重复步骤4和步骤5。涂层越多,经脉越显得生动。

绘画技巧和心得体会篇十六

绘画的构图是绘画的重要构成部分,也是前期的工作,下面就是小编整理的绘画的构图技巧,一起来看一下吧。

构图是直接影响人们感官和视觉感受的基本因素,这里所讲的构图,不是一般绘画当中对于构图的要求,而是针对美术高考特点提出的要求。首先,要根据考试用纸的大小(大多为八开,也有少数为四开)来考虑如何充分的利用空间。这里以八开素描纸为例,八开纸本来就小一些,如果考生不会充分利用纸大小来表现写生对象,你的考卷就会在直观的视觉感受上打了折扣,高考中主要出现的问题不是把写生对象画的太大,而是画小了,使得素描纸上留下较多的空白的地方,这样你画的人物头像就小了一些,在与其他众多考卷的比较中,就显得比较弱,直接影响写生作业的整体效果。

郑州力度美术工作室表示:构图中模特面部朝向纸边的一面,空白要留的多一些。考生还要注意素描考试提出一些不同的要求,比如是要求画到衣领还是要求画到肩膀,以此来决定构图下部的位置。

构图初步画好之后,要确定大的形体比例关系。这一步骤考生是最容易出问题的。比例的正确与否凭借画者的直觉基本就可以判断出来,一些考生认为画面上眼睛或鼻子偏高或偏低一两个毫米不算什么,明明发现比例上有偏差,也觉得不是问题不加以改正,使得整个人物形象受到了损害,即使你深入刻画得很好,仍然无法得到高分数,这就是比例在高考评分当中的分量。

形体比例是在素描的第一阶段重点解决,但是并不意味着在以后的步骤当中就再也不考虑了,这也是对比例问题的误解,无论是铺大关系还是深入刻画阶段,随着画面效果的显现,你还会发现一些部位比例不舒服,这时候你千万不要懒,发现问题就要顺手改过来,改正错误比例的最好方法是先将你认为正确的位置画出来,再擦掉错误的部位,而不是发现了错误就统统擦掉重新画。

当大比例关系处理好之后,铺大关系是一个重要的环节,有些考生不大注意这个步骤,而直接进入画面的深入刻画,这样就影响了绘画的进度。素描考试时间一般为三或四小时,在这样相对比较短的时间内,要完成一幅比较深入的素描作业,只有大略的完成画面的大关系,才会给深入的刻画留有比较充分的时间。

所谓铺大关系是指在一定时间里,在画面上总体的大略的处理写生对象的空间、形体、结构以及黑白灰关系,这个阶段考生可以在教师的指导下适当的用手擦一擦涂的线条以提高进度,到了深入刻画阶段用手擦色调的办法就要十分谨慎了。

当画面的大关系处理好之后,就进入深入刻画的阶段,它包括通过表象对于人物头像内在骨骼结构关系的`处理,以及人物五官细节结构的刻画。

我们经常看到一些考生费了很大的力气,画面仍然没有深入进去,出现这样问题的主要原因是缺少对人物头骨解剖结构的认识。考生应当利用课余时间对人物头骨的解剖结构下一些工夫进行研究和理解,你再面对模特的时候,才能够在直观的、生动的感觉中,找到内在的骨骼肌肉的相互联系,当你将这个若隐若现的内在结构不遗余力的刻画的时候,你的素描才真正的深入进去。

深入刻画的另外一个内容就是对头像五官的具体表现,画五官不是简单的画眼睛画眉毛,而是要将眼睛眉毛与眼眶骨连接起来画,要表现出长在眼眶骨上面的眉毛和镶嵌在眼眶骨里面呈球体的眼睛;对于鼻子的表现要注意对鼻根、鼻梁、鼻头、鼻翼结构的认识和刻画;画嘴要与下颌骨、嘴轮匝肌联系起来进行表现,不要孤立的画鼻子和嘴的外形。平时在北京好画室还可以通过临摹一些优秀范画来提高对于五官结构的认识和理解。

最后要留出一些时间对于画面进行整体收拾,例如头发与整个脸部暗面的关系;眼窝、上眼睑、鼻子的底部、下颌骨的底部的深度够不够;受光面中的灰色调和亮灰色调的把握如何;大是空间和形体的表现如何都要整体的调整,使得大效果展现出来。

据郑州力度美术工作室介绍:对于美术的培训,不能急于求成,最主要的还是需要美术培训班的学生进行多练习,记住技巧,抓住关键,这才能有质的提高。

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