在日常学习、工作或生活中，大家总少不了接触作文或者范文吧，通过文章可以把我们那些零零散散的思想，聚集在一块。那么我们该如何写一篇较为完美的范文呢？以下是我为大家搜集的优质范文，仅供参考，一起来看看吧
我眼中的未来绘画我眼中的未来篇一
;最近，一篇名为《顶尖高校：绩点考核下的人生突围》的文章成功吸引了廣泛关注。中国最顶尖的高校们正在面临一个严峻的现实困境：为了追求gpa、托福成绩，积攒专业学分，定制求职经验，中国最聪明的年轻人们正提前陷入各类“指标”的竞争中。在绩点文化面前，学术理想不再成为年轻知识分子的心之所向，校园pk让人精疲力竭。
相比需要想象和不断试错的“未来的问题”，绩效主义自诞生之日起，代表的就是组织内部对精准的业绩结果和投入产出效率的考核文化——组织内的专业化分工就是要责任到岗，流程闭环。而马云指出的却是“公司价值观如何长期得以延续”的另一问题。这是一个要“效应”还是要“意义”的选择。价值观的延续和公司的延续往往是两个层面的指向，后者是活下去的命题，前者是为什么活下去的命题。后者存在的基础是绩效，前者存在的基础则是使命感。正是因为绩效常常取代了使命感，所以大企业病才会让人如此深恶痛绝，却又让身陷其中的每个人都束手无策。企业如此，高校亦如此。
从这层意义上来说，有关组织这个有机体的进化讨论就显得格外具有挑战性和实验意义。如何让组织的价值不仅仅只等同于各部门绩效之和？如何让个人的价值选择不再依赖于考赢每一场试，积攒每一个必要的学分？现在到了需要对绩效主义say no的时候了。
那么，如何寻找改变的勇气？胡泳教授在本期《重新思考数字化》一文中给出了一些启发。从数字化生存，到数字化之后，数字化让人从最初的期待——being digital，到全面地被渗透——been digital，技术带来的焦虑感几乎让人无处遁逃。这是数字化理念的提出者在当时不曾设想到的未来。就像当初汽车这一“无马的马车”的发明者从来不曾预测汽车给人类经济和生活可能带来的颠覆式改造一样。人们不仅倾向于将新发明建立在旧的基础上，而且还试图从已知的方面去解释新发明，最终显得可笑而又无力。对此，传播学奠基人麦克卢汉早已给出了“我们透过后视镜来观察目前，我们倒着走向未来”的思考。
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;【摘 要】语文学习的鉴赏活动中，经常出现其他艺术门类尤其是绘画的术语，甚至借用绘画技巧变成文学技巧，学生由于知识面窄，对这些术语难以理解，本文结合现行高中人教版教材，力求深入浅出地对几个难度较大的术语进行联系比较的阐释，帮助学生理解。语文教师在教学中也应极力培养学生的形象思维，让学生找到不同艺术门类之间的联系，更好地帮助学生理解运用。
【关键词】语文教学；文学赏鉴；绘画术语；联系比较；形象思维
【中图分类号】g632 【文献标识码】a
文学鉴赏中使用了大量的绘画术语，由于现在学生只重视文化课的学习，而对非高考科目要么不学，要么学了没有理解，导致知识面狭窄，阅读文学类文本出现理解上的障碍，进而答题表述不能到位。
为什么文学中会出现绘画的术语呢？这是因为艺术总是相通的，中西方早就认识到了诗歌与绘画之间的关系，古希腊诗人西蒙尼德斯曾说过：“绘画是无声的诗，诗是有声的画。”我国大诗人苏轼评价王维时说：“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”国画上画家总习惯在画上题一首小诗，而西方的小说和诗集总喜欢配上精美的插图，图文并茂，大大增强了作品的感染力。
文学尤其是诗歌与绘画有一个根本点是相通的——那就是空间想象，既然在形象思维上一样，两者相互印证，互相诠释也就理所当然了。文学的想象全是基于文字，想象空间更为广阔，读者再创造的空间也就更大，但对于文学素养还不高的中学生来说，也就显得更虚幻，难以捉摸；而绘画更侧重根据视觉展开想象和联想，相对更加直观，就如画中的王语嫣远比书中的王语嫣好把握得多一样。因此，借用绘画术语来诠释文学中的技法，就可以达到化实为虚，变抽象为相对具体可感的效果，进而在表达上可以更加简明准确。
下面就以高中人教版教材為例，对所涉及的几个理解难度较大的绘画术语作一些浅易的解说，以帮助学生更好的理解。
一、白描
1.《360百科》：白描是中国画技法名，指单用墨色线条勾描形象而不藻修饰与渲染烘托的画法；白描也是文学表现手法之一，主要用朴素简练的文字描摹形象。归属：描写。
在文学创作上，“白描”作为一种表现方法，是指用最简练的笔墨，不加渲染，描画出鲜明生动的形象，这种写作手法就是白描。
2.特点：不写背景，只突出主体；不求细致，只求传神；不尚华丽，务求朴实。
即：用最简单的几句话，抓住事物最主要的特征，不加任何藻饰的勾画。
3.示例：
作者几次写祥林嫂的外貌都不写全貌，只求传神，只抓住能表现人物命运、心理特征的地方，用不加修饰的文字，简单几笔勾勒出人物形象。“一个小铺盖”说明她的全部家当仅此而已，“白头绳”说明有丧事，后面几笔写脸色，可以看出营养不良、受到打击、悲伤过度、精神恍惚。言简意丰，精当传神。
这是马致远笔下的一幅羁旅荒郊图，被赞为秋思之祖，从多方面体现了中国古典诗歌的艺术特征。但作者营造意境，只抓住眼中最具代表性的事物，罗列出来，仅在每个物象前加了一个形容词，点出事物特征而已。语言之少，线条之简，无与伦比。此之谓白描。
二、工笔
1.《360百科》：亦称“细笔”，与”写意”对称。中国画技法名，属于工整细致一类密体的画法。用细致的笔法制作，工笔画着重线条美，一丝不苟。如宋代的院体画，明代仇英的人物画，清代沈铨的花鸟走兽画等。
2.特征：工整、细致、全面地描写某个场景或人物，仔细而润色丰富，而且是稍带个人色彩或观点的描写。所属：描写。
表现在文字上就是观察细腻，描写全面，刻画细致入微。
与白描相对。白描只是简单几笔，而工笔则是细细描绘，文字相对较多。
3.示例：
《林黛玉进贾府》中的王熙凤、宝玉出场的外貌描写；传统小说中的外貌描写。
从头写到脚，有些有助于刻画人物，有些对表现人物就没有任何作用或作用很小。今天已经不多用，嫌其繁琐，浪费文字。在此也不必赘述。当然也有表现力很强的，如《孔雀东南飞》中“鸡鸣外欲曙，新妇起严妆”一节和太守迎亲的场面，作者都采用了工笔的手法，细致描摹，其效果在后面“渲染”中再解说。
三、烘托
1.《360百科》：指陪衬，中国画技法名；用水墨或淡的色彩点染轮廓外部，使主要事物鲜明突出。文学创作的一种表现手法，即通过侧面描写，使所要表现的事物鲜明突出。
2.特征：通过侧面描写，突出所要表现的中心对象；与衬托略有不同，（有人将烘托与衬托等同，也无不可），衬托可以文字很少，一物衬一物居多；烘托则文字相对较多，用多个事物或多个侧面去突出所要表现的事物，多用侧面。所属：描写。
3.示例：
作者意在写罗敷之美，却未对罗敷的美貌作任何正面描写，而是通过描写行者、少年、耕者、锄者见到罗敷时的惊叹、赞赏、痴迷等各种反应，从侧面突出了秦罗敷的美貌，把读者的联想向篇处延伸、扩散，从而间接构成了极为活跃的视觉艺术效果。这就是烘托，侧面多，中心点只有一个，明写侧面，实写正面。
作者要塑造的人物形象是周瑜，却从“千古风流人物”说起，由此引出赤壁之战时的“多少豪杰”，最后才集中为周瑜一人，烘托了周瑜在作者心中的主要地位——他的感慨主要是因周瑜而发。
示例3：东船西舫悄无言，唯见江心秋月白。——白居易的《琵琶行》
琵琶女第一曲弹完，作者明明是要说琵琶女的琴技高超，却把视线转向听众和景物，明写听者的醉心神往的情思，实则突出了音乐的神妙动人。
烘托由于使用文字较多，所以常常又包含了渲染的技巧，后面接着解释。
四、渲染
1.《360百科》：中国画技法的一种。以水墨或淡彩涂染画面，
以烘染物像，增强艺术效果。文艺创作的一种表现手法。对所写对象作突出的描写、形容、拱托。
2.特征：正面描写，展开的面较宽，使用文字较多。所属：描写。
理解这些绘画术语，最好多点形象思维，“线条”就说明使用语文简短，而渲染的解释中用了“涂染”二字，说明使用文字相对较多，就像用墨涂抹一样，面积较大。
3.示例：
刘兰芝即将离别焦家之时，写她穿戴之认真，打扮之精细，都细加描绘，接着不厌其烦地写其足、头、腰、耳、指、口，最后写步态。唯其如此，才能突出表现刘兰芝在离开焦家时的沉着、冷静，因为她坚信自己并无罪过，要光彩艳丽、正大光明地离开焦家，以自己的“严妆”表示对迫害自己的封建家长的抗议。同时这一段描写与开头的“十三能织素”一节相互补充，既正面为读者刻画了一个美丽贤淑、知书达礼、能干多才的女子形象，也暗示了兰芝外柔内刚的性格特点，使形象更加完整丰满，加深诗歌的思想内涵。
前三联无非是写贬谪之地环境恶劣，条件艰苦，但却占了全诗的主要内容，层层铺写，情景交融，具有极强的感染力，下文的直接抒情也就水到渠成了。比重之大，分量之重，因而突出作者感触之深。
回答“愁”有多少，一句就够了，作者刻意用了三句比喻进行描写，效果迥异，一下就打开了读者的想象，愁之多，之深，连绵不绝，挥之不去，形象可感，跃然纸上。
渲染使用文字多是相对的，由于诗歌语言本身简洁，不一定面积非要很大才算渲染；小说、散文都用渲染的技巧，诗歌在文字用量上当然与之无法相比，只要是铺开来写就算。理解了渲染也就理解了早期诗歌的“赋”，二者内涵基本一样。
除以上几个术语之外，还有像漫画、水墨画、浓墨重彩等等，内涵相对容易理解，在此不再赘述。
艺术中术语，交叉使用很常见，除绘画外，雕塑、音乐等领域的词汇，如旋律、节奏、主旋律、变奏、交响曲等都来自音乐，目的只有一个，就是互相阐释，要么是为了形象可感，要么是为了让读者通过想象与联想更容易把握内涵。因此，学生在学习时不能光靠死记，因为语言是艺术，文学是艺术，学习它主要靠的是形象思维，而非机械记忆；还应该粗略地了解艺术其他门类的一些基本常识，这些内容高中音乐、美术教材都有涉及，最好能大致理解，掌握了这些概念的基本特点和内涵之后，再通过联想和想象去理解语文中的这些术语就容易多了。只有理解了，才能记得更牢固，才能变成自己的，判断、赏析、运用自然会轻松自如。
作为语文教师也应该充分认识到，语文素养是语文教学的核心，语文教学不能仅仅停留在语文知识和语文能力层面上，还有诸如思维品质、品德修养、审美情趣、个性品格等方面的重要内容需要我们在学生学习中去渗透，去培养，去矫正，而艺术的其他门类的常识，作为语文教师，也有责任在平时的教学中进行适当的渗透，以提高其艺术修养。而培养学生的形象思维，更是语文教师的基本任务。总之，学生不理解，责任在教师。
作者简介：王世平（1964.2-）男汉族中学语文高级教师，研究方向：教育教学。
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;摘要 学习绘画艺术，首先要从临摹开始，尤其是一些初学者，在没有经验的时候需要借鉴其他人的作品特点。已经具备一定基础的绘画学习者，为了不断地提高自己，也要借助临摹范画来进行学习。
【关键词】临摹范画；
绘画学习；
作用
为了学习绘画，首先就要进行临摹范画，临摹范画主要是指按照某一个艺术作品进行摹制描绘，临摹范画在古代已经受到了重视，尤其是一些初学者能够经过临摹范画掌握绘画的技巧，有助于今后更好地从事绘画工作。
1 临摹范画的意义
临摹范画具有重要的意义，临摹范画的意义主要在于：第一，学习者可以尽快的融入绘画的情境，理解了具体的语境，能更好的感受作品的含义，明确作者想要表达的思想，因此可以在学习中借鉴作品的表达手法，这样能够更快的提高自己的绘画能力。第二，采用临摹的方式，能够跟名人对话，尤其是可以学习具有一定高度的绘画技巧，在不断地学习过程中，感受不同风格的作品，能够增长自己的见识，吸收前人的经验。通过临摹，能更快地掌握基础的造型和绘画技巧，然后逐渐地融会贯通，在自己进行创作的时候也会文思泉涌。第三，由于绘画作品是画家对一些客观事物的感受、理解和认识，所以采用绘画的形式表现出来，本身就具有一定的美学技巧，在这个基础上，作者也将自己的艺术灵感发挥得淋漓尽致。因此美术作品虽然是一种对客观事物的描绘，但是其中也掺杂了很多作者自己的情感和技巧。
2 分析范画的特征，学习范画的创作方式
很多历史流传下来的名画，由于其本身价值极高，同时也是不同历史时期的名人名画，因此具有极高的绘画技术和艺术价值。在临摹范画的过程中，能够对范画的创作方式进行学习和研究，从中领悟其造型和创作的技巧，着重理解绘画整体的表达方式和内在情感，有助于更好地学习绘画。目前范画主要有几个构成要素。
2.1 学会构图
构图主要是把作者想要表达的内容在画面上進行排布，尤其是将画面的各个部分进行结合和对比等，在一个有限的空间内，要注意所有物象的组织，做好基本的布局，尤其是要让所有的内容排布符合自己要表达的思想。学会构图是绘画的基础，尤其是要培养一种基本的绘画美感，在画面中可以充分地展示艺术性和思想。比如《开国大典》这部作品，画家主要采用的是现实主义的表现手法，将庄严和喜庆的情感都融入绘画之中，尤其是打破了常规的创作手法，主要使用的是构图法则，将整体的空间扩大，让城楼和群众连接在一起，因此构成了和谐统一的画面，此外人物的布局也是主次分明。临摹这幅画，需要注意除了基本的感情表达外，要重视构图的方法。
2.2 学会比例安排
物象张建民以及物象自身的大小以及长短对比关系就是比例，因此一些作品在创作的时候会格外重视比例的作用，比如“三庭五眼”这一说法，就是人体部位的比例，在欧洲文艺复兴时期，米开朗琪罗这位绘画大师对其进行了研究，他认为人体其实分为八个头长，不过每个人的身高等特点各不相同，所以比例的特征也不适宜当做一种模式。还有不同种族的人也存在体型的差异。在临摹范画的过程中，要注意学习掌握比例的内容，这样就可以使得整个绘画作品更加协调。
2.3 学会运用透视
透视强调的是绘画活动的观察方法和研究视觉画面空间的术语，因此可以及时归纳出视觉空间的变化规律。观察点存在一定的差异，透视的分类也不同。比如“欲穷千里目，更上一层楼”主要就是透视的原理，通过平视、仰视和俯视的方法，看到的景色也各不相同。意大利文艺复兴使其的《最后的晚餐》采用的是焦点透视法，主要是将耶稣放置于画面的中心，然这样就能够将所有的目光吸引到基督的形象上，因此学会使用透视，就能从更多的角度去进行创作。
2.4 学会表现质感
质感主要是指人们对不同物体的触觉感受，比如厚薄、光滑等，在范画中体现出来的质感，比如可以看到透明的玻璃、光滑的服饰等。质感主要应用于写实绘画中，为了表现物体的真实感，就要呈现出其独特的质感。最具代表性的作品就是《蒙娜丽莎》，尤其是眼角和唇边的设计，给人以丰富的人物美感，一抹微笑成为后人一直研究的对象，好的质感，给人以美的享受。
2.5 形成自己的风格
风格主要是画家在积累了一定的绘画经验之后形成的自己的个性，尤其是能够将自己的情感自如的发挥在作品中。作家需要经过仔细的思考和细腻的情感表达来展示自己的作品。虽然一些绘画是对客观事物的描绘，不过很多作品带有强烈的个人主观色彩。尤其是画家在了解了众多作品的绘画风格之后，就能够逐渐形成自己的风格。
2.6 创造一定的意境
艺术的最高境界就是意境，人们从日常的生活中获得一定的感悟，并且逐渐获得精神的升华。很多艺术家对生活有不同的感受，尤其是在不断学习过程中，创作出的作品具有独特的魅力，这种魅力能够吸引更多的人去观看和思考。画作上的内容可以引起观赏者和作者的共鸣，从而形成的一种情感上的交流，在无形之中也在提高人们的审美能力。
3 结论
采用临摹范画的方式，能够不断提高绘画学习者的绘画技巧和表达能力，主要是在跟名人名作对话的过程中，学习者接触的都是绘画作品的精华，包括在学习构图、比例、透视、质感、风格等内容的过程中，不断研究和练习，就能够掌握绘画技法，形成自己的特点。
参考文献
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flash mx 中的鼠绘绘画有什么技巧吗，下面一起去了解一下小编为你整理的flash mx 中的鼠绘绘画小技巧吧！
其实flashmx是很适合用鼠标绘画的，它比起flash5来有很多改进。在flash5里面画图会感到画出来的线条很飘，没有准头，线条的轨迹很难跟着你所画的位置走。在flashmx里这些问题得到了很好的解决，画出来的线条沉稳并且柔和，所以如果你现在使用的还是flash5的话，就赶快换成flashmx吧。
在flashmx里使用鼠标画图，必须先树立一个观念，那就是你不可能把一条线一次性的画准确。所以作画的方法也和在纸上画画有很大的不同：每花一份时间来画一条线，然后就需要花两份或者更多的时间来调整这条线。不过这点上花费的时间可以在上色的时候得到补偿。
在打开flash之前，需要做好一些准备，这会让你事半功倍。
准备1：耐心。俗话说万事开头难，在flashmx里面用鼠标画图，在这副图初具规模前是肯定不会看到很好的效果的。这时千万不要半途而废。切记坚持就是胜利，只要坚持把它完成，你一定会得到极大的鼓舞。
准备2：一个好用的'鼠标。看看你的鼠标是否灵敏?难用的鼠标是你前进道路上的最大阻碍，它会很快的吞噬掉你的信心和灵感，让你的精力不知不觉中转移到和鼠标作对上面去。
做好准备后，打开flashmx，如果你是初学者，那现在请梢等一会，用一点点时间思考一下，确定你到底要画什么。想好以后不要变动，直到将它完成。完整的作画过程会给自己完整的经验积累，你需要这种经验来告诉自己，在作画的每个阶段自己该做些什么。
步骤1：画出轮廓。推荐使用工具：铅笔工具。快捷键：y
⑴：勾出大概的形状。这一步很快，目的是让你要画的东西有个大概的位置，几条线就可以完成，甚至可以不必调整。
⑵：根据大概的形状勾出轮廓。勾的不准确没关系，这时也不必调整。
步骤2：调整轮廓。推荐使用工具：黑箭头工具。快捷键：v
黑箭头工具主要用来调整线条的位置和形状。它可以拖动所选中的区域，也可以改变线条的长度，弧度和方向等。使用黑箭头工具能准确的把一条歪歪曲曲，不知所云的线条调整为你需要的具体的形状。
这个步骤比较繁杂，也是作画的主要步骤，最需要的是耐心。先看看线条的位置对不对，不对的话选中它，把它放到正确的位置上去：再检查它的长度，弧度是否正确：最后把它和周围的其他线条连接上。如果需要再加一条线，就再用铅笔工具画一条。这样一条线一条线的调整好，定下的轮廓基本上就是最后完稿的时候的轮廓了。
步骤3：上色。推荐使用工具：颜料桶工具。快捷键：k
这是一个轻松愉快的步骤，选好颜色填进需要的地方即可。
需要说明的是，很多时候会出现填不上颜色的怪事。因为flashmx里面填色必须在一个封闭的区域才有效，如果填不上色的话，就需要检查一下你填色的区域是否是封闭的，你可以使用放大镜工具放大视图，以方便找到那些不易发觉的小断头。这些断头都是画轮廓的时候没有及时把两条线连接起来引起的后遗症。
到此为止，一张图就算是画好了。总的说来就是画出线条，然后调整线条，最后上色的过程。其中最重要的还是调整线条的过程，它决定了你所画的图是否能按照你所希望的样子呈现。
1：建议你打开flashmx后第一件事就是将主要栏上的磁铁工具取消激活状态。磁铁工具的作用是让两条线容易粘合在一起。不过对画图来说它弊大于利，它会让你使用黑箭头工具调整线条的时候感到旁边象块磁铁在吸，十分别扭。
2：经常使用ctrl+z。cyrl+z的作用是返回到上一步操作。简单的说就是这步不算，重来，而且几乎可以无限的不算。
3：使用铅笔工具时选取合适的模式。铅笔工具有3种模式，一是伸直模式，是用来画直线的：二是平滑模式，画曲线最好：三是墨水瓶模式，画出来的线条可以完全跟踪鼠标轨迹，用来画一些特殊效果很管用，比如树林的边缘线等。
4：活用任意变形工具。任意变形工具有四种：一是旋转和倾斜：二是缩放：三是扭曲：四是封套。有时候有些线条可能怎么改也看不顺眼，这时放大一下、旋转或者扭曲一下会好很多。值得一提的是，在flash5里面是没有任意变形工具的，只有其中的旋转和倾斜、缩放这两个子工具，它们是被放在黑箭头工具里边的，在flashmx把它们提出来，再新增了扭曲和套封工具组成任意变形工具，足见起重要性。
我眼中的未来绘画我眼中的未来篇五
;摘 要：凌叔华集文学创作、绘画于一身，在国内外的文学界和绘画界赢得了一席之地。本文从跨学科角度对其小说《一件喜事》中的绘画技巧和写作手法的相互融合阐发做一分析，旨在揭示凌叔华作品中前者对后者的渗透，并影响到其独具的温婉含蓄，悠然意远创作风格的形成。
关键词：凌叔华；《一件喜事》；绘画技巧；写作手法
一 不该被遗忘的才女——凌叔华
在中国现代文学史上，凌叔华与林徽因﹑韩湘眉﹑谢冰心并称为“四大美女”；她极富才气，与当时的冰心、庐隐、冯沉君、苏雪林齐名。然而时至今日，她却渐渐被动地从中国文学史上淡出，关于她的研究更是寥寥可数。
本文就其小说《一件喜事》中的绘画技巧和写作手法的相互融合和阐发从比较文学跨学科之角度做一简单的对比分析。
二 《一件喜事》中绘画技巧与写作手法的融合阐发
《一件喜事》述说了一个以男权统治为核心的传统的旧式家庭中，以家中四太太的女儿“凤儿”的角度描写爸爸又要娶新姨娘（六太太），给孩子们一人一个小元宝，连姨太太也是每人一张一百块的票子，家里到处都像是过年一样地喜气洋洋，带给孩子们的是无比快乐，而另一方面却又处处透出本来受宠的五娘的苦闷悲伤，甚至想到死一了百了的反常，这件喜事对她而言可能却正是痛苦的开端。这篇小说从孩子的视角客观冷静地写出旧式女性的哀伤、苦闷和无奈，而且是凌叔华小说中融入各种绘画技巧的典范之作。
1 气韵vs意境
绘画的气韵是无形的，是一种精神的实质，是一种潜移默化的逸笔草草，绘画者的境界越高，思想内涵越丰富，画出的作品才有那种说不出的飘逸感和气韵感。
台阶两侧的苹果树，开满了粉红色的花，沐浴着金色的阳光。方形花坛里开满了红色、白色的大朵牡丹和黄色的鲜花。阳光明媚，空气中充溢着香甜、苦涩的花粉香味。（凌叔华 2003：31）
一群雪白的鸽子在蔚蓝的天空安详地飞来飞去，绑在脚上的小竹哨发出悦耳的声音。（凌叔华 2003：33）
在这两段自然景物的描写中，作者用一双画家的眼睛观察大自然的绚丽景色，特别敏感于伴随着时空变换的景物色彩变化，描写天然风景对于颜色特具敏感，用凤儿眼中的自然景物的明丽色彩来反衬五娘的悲苦忧伤心绪，以景写情且处处渗以画意，营造出耐人寻味的意境。
2工笔细描vs细节描摹
《一件喜事》中凌叔华对凤儿爸爸的衣着外貌就属于典型的细节描摹“爸爸穿着一件大团龙宝蓝的绫绸袍子，黑缎皮帽子上有个大红结子。脚上蹬着一双黑缎鞋，衬着雪白的线纱袜。他本来生得高大，立在廊前朱红的粗圆柱子旁，格外显得合适。”(（凌叔华 2003：33）龙宝蓝﹑黑色﹑大红色﹑雪白色﹑朱红色等各种颜色一股脑地从作者笔下涌出，就像作为画家身份的凌叔华在画布上尽情地用各种颜色泼墨挥洒，体现了具有作家和画家双重身份的凌叔华对色彩的极其敏感和喜爱。工笔细描手法被凌叔华移植的吸收决不只是技巧上的，同时也是一种精神追求，它不仅体现在形式层面，更包含了丰富的内涵。凌叔华的画痕淡远欲无，秀韵入骨，被称为“文人画”。在这种富有抒情诗意的绘画中，画家常借画事物来表现自己的灵魂，发展了中国文人画最为独特的“写意”传统。
3 留白vs空白
所谓留白，是中国画的一种特殊技巧，中国画家在描绘景物时，不肯让物的底层阴影填实了物体的“面’，而是用写意的方式创作，使有形与无形在画面中结合起来，赋予空白以韵味和生机。同样，对笔墨而非线条的重视则使中国画较西洋画更为简洁、灵动。
凌叔华对传统绘画讲求“留白”的领悟，导致小说《一件喜事》“画簿”式结构的产生。传统绘画强调“画中之白即画中之画，亦即画外之画”，把有形之画与无形之画融化结合，才能创造深刻的画境，这便是“虚实相生“的传统美学思想在绘画领域的具体运用。凌叔华将其引入小说，通过她对时间的压缩与空间画面的放大来形成画簿，在《一件喜事》中，整个故事就发生在从早上起床到晚上睡觉一整天这个极短的时间段内，情节的进程甚至被缩减为零，成为空白，空间和场景被作家的一支绘画般的笔铺展成为一个个生活的断面：凤儿因为爸爸要迎娶新姨娘被保姆张妈打扮的漂漂亮亮并通过两人的对话引出本来受宠的五娘的悲伤；一家人像过年时一样人人都穿了新衣服笑嘻嘻乐哈哈的在装饰一新的堂屋等待新姨娘的到来，唯独五娘打扮的比往常更美丽却一反常态“狠狠的闭着嘴”，吃过早饭就一溜烟的跑回自己房里去了；新姨娘终于到来并遵循传统在内院堂屋拜祖宗牌位互给红包，一派热闹喜庆的场面让凤儿觉得更像是过年；晚上凤儿在五娘房里让她讲故事陪她说话聊天，然而凤儿不能理解的却是五娘不住的叹气流泪。整个故事其实就是由这些画面组成的，将它们排列起来便组成了整个画簿。
三 那双善于调理丹青和摆弄文字的巧手
凌叔华在《一件喜事》中那平实、疏淡，浓淡相济的色彩，那富有中国山水画的空蒙、悠远的意境，透出淡雅而迷人的韵致，使该小说具有了空灵之感，并蒙上了一层朦胧永恒的色彩，增强了淡远隽永的艺术效果。她温柔含蓄的个性，娴静优雅的气质，加上中国山水画、古典诗词那幽雅静穆的意境的熏染，使她具有古代文人淡泊、宁静的情怀，在小说创作中自觉追求温婉、雅淡的美学风格。
她的小说中，文学创作和绘画艺术的相互融合和阐发，既大大增强了文本的表现力，同时也形成了其小说创作独特的艺术品格。她以那双善于调理丹青的巧手,调理她所需要的文字的分量,将她所熟知的、平凡的，甚至有点琐屑的材料,提炼成独具特色的文学作品,为现代文学作出独特的贡献。
参考文献：
［1］ 陈学勇．《凌叔华文存》［m］．成都：四川文艺出社1998年。
［2］ 傅光明．《古韵一凌叔华的文与画》［m］．济南：山东画报出版2003年。
［3］ 王德威．《现代中国小说十讲》［m］．上海：复旦大学出版社2003年。
［4］ 彭修银．《中国绘画艺术论》［m］．太原：山西教育出版社2001年。
［5］ 凌叔华．《凌叔华散文选集》［m］．天津：百花文艺出版社2004年。
［6］ 陈学勇．《旧痕新影说文人》［m］．北京：中华书局2007年。
［7］ 张昌华．《民国风景—文化名人的背影之二》北京：东方出版社2009年。
［8］ 陈淳，刘象愚．《比较文学概论》［m］．北京：北京师范大学出版社2000年。
［9］ 李奇志．《凌叔华小说“温婉淡雅”的风格》［j］．现代文学研究丛刊1993(2)。
［10］ 宋生贵．《凌叔华的古韵梦影》［m］．北京：东方出版社2008年。
［11］ 凌叔华著，傅光明译．《古韵》［m］．济南：山东画报出版社 2003年。
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;研究人物造型艺术是陶瓷人物绘画最重要的课题之一。因人物造型的各异，所表达的语言也就有所不同。自古以来，绘画者们就应用人物造型设计再现历史场景、突出人物身份和性格特征，以具象的方式展现抽象的人物形象，并且在宗教题材绘画中营造一种精神气氛，由此各种人物形象特征己演变为不同类型的精神符号，因此，这种特有的绘画形式已成为人类历传承文明的重要工具。
一、造型设计理念
纵观中国古代绘画史，人物画是起源、发展、成熟最早的画种。早在汉唐时期，人物画就已经达到了成熟鼎盛的高峰，出现了诸如顾恺之、阎立本、张萱、周防、吴道子等一大批人物画大师。因人物画有着“成教化、助人伦”的功用，符合统治阶级治理天下的需要，为此人物画得到了统治者的重视，从而大兴。因受传统绘画观念的影响，以人物为主要题材的绘画方式，也就一直主导着陶瓷绘画艺术，时至今日题材辈出。无论是神话传说中人们崇拜的人物、古典文学里的故事人物，以及文革时代人们崇拜的领袖人物，都对人们起着教导的作用，不仅如此，人们在“教化”之中还欣赏了“美”，可谓一举两得。
人物绘画相对于静物和风景，为什么人物绘画艺术很容易打动观赏者，因为它更贴近观赏者的实际生活，更具有打动人心的艺术力量。造型是塑造人物形象最重要的方式，创作者通过人物形象的描绘，其目的是能够真实反映当时的社会生活状态， “以人喻人”，将自己的所思所想融入到人物形象之中，借绘画艺术之笔来充分表达自己的思想感情。如民国时期广大民众普遍喜爱的一种人物绘画图案，习惯称为的“刀马人”，该图案选自古典名著中精彩场景。要求作者不但有深厚的文学基础，还要有扎实的绘画技艺，人物刻画要贴近文学作品的真实内容，还要把战场上武将那种威武雄健阳刚之气描绘出来。虽然这类瓷上图案属大图案，但在图案设计和绘画技巧上也非常严格和讲究。因此绘画时如何巧妙地设计人物造型，是否能取得良好画面效果取决于人物造型设计理念。
二、历史人物形象解读
自原始人使用有颜色的泥巴和矿石在洞窟上勾勒出动物的形象之时起，绘画就天然地具有记录事件的功能，这种功能性在人物绘画中体现得更为明显。如果按照真实与想象的标准来区分，历史上陶瓷绘画作品中出现的人物大概能够分为历史人物形象和宗教人物形象两类。历史人物形象首先是写实性的人物肖像画，如“红色”陶瓷绘画，这个时期的陶瓷绘画是一种服务于政治，追随于现实权势，排斥人性和个性的美术。因此在形式语言方面，所谓的创作者没有什么艺术选择，更谈不上艺术的独创性，美术在体制中绝对服从政治，排斥所谓的“封建”，由此陶瓷绘画对个人迷信和崇拜达到了历史顶峰，如以领袖毛泽东同志为题材的人物肖像，以及工农兵、红卫兵形象成了陶瓷绘画主题，可谓是层出不穷。这是历史性的宣传式的陶瓷绘画。这时期的陶瓷绘画好像没有任何的创作性，反过来我们用辩证唯物主义的观点去审视文革时期的陶瓷绘画，“文革”陶瓷绘画艺术也有它的独创性。重要的是这些“文革瓷”能很直观地反映当时的政治气候和高超的制作水平、艺术水平，反映出这一特殊年代中的人和事，为人类留下了宝贵的真实史料。故“文革美术”为陶瓷绘画史留下了浓笔重彩。
三、宗教人物形象解读
其次是宗教人物形象，画面重点突出人物的气质和身份，以创作对象为原型力求真实可信，没有过多的修饰和夸张成分。画面的背景处理一般都比较简单，只起到衬托主体的作用。例如以达摩为题材的作品，着重的不是他的宗教形象，而是他那种面壁十年的坚忍不拔的意志美和傲视尘世的精神美。“八仙”人物形象塑造，当然是有感于八位仙人弃世脱俗飘逸的人格美。宗教在中国有着源远流长的历史。因而陶瓷与宗教的关系自然也就非常密切。如佛教、道教、基督教、儒教素材经常作为创作题材，包括宗教人物、宗教故事，常见的有释迦牟尼、观音、罗汉、达摩、八仙、老子、庄子以及孔子、孟子等人物形象以及与他们有关的故事。相对于真实的历史人物形象，绘画中的宗教人物形象所受的限制则要小的多。佛教人物画是中国画中具有典型代表性的宗教题材人物绘画，魏晋南北期早期中国佛教人物绘画无论是题材、形象、表现方法均带有明显的西域特色。南北朝时期战事频繁、社会动荡不安，苦难中的人们需要心灵的慰藉，于是出现了杜牧诗中“南朝四百八十寺，多少樓台烟雨中”佛教大范围快速传播的盛况。以本生、本源故事为主题，宣扬舍己为人、勇于牺牲、忍辱负重的佛法宗义的佛教人物画很快完成了其在中国的民族化、世俗化的过程。在著名的敦煌莫高窟壁画《鹿王本生故事图》、《五百强盗成佛图》，创造了具有鲜明民族风格和丰富多彩的形式手法，形成了独具中国意味的绘画语言体系，在东方以至世界艺术中都具有重要的地位与影响。
四、人物绘画中的造型“美”
任何风格的造型艺术，除了传输作者思想、情感以及时代气息的教化之外，那么另一种功用是为人们创造“美”。爱美之心人皆有之。也正因为人们对美的追求，因此“美”是一切艺术表现手段的基石，陶瓷人物绘画艺术当然更不例外，陶瓷人物绘画继承和发扬了前人的绘画艺术风格并有所创造，人物造型更趋完善。从这个意义上说，不同时代的人物作品，反映的是不同的社会历史，不同时期的生活习惯，以及政治经济。但更有意义的是它创造和发展了前人的墨迹，人物造型由粗犷转向优美，由此形成了不同时代的文化审美标准。就拿女性人物造型来说吧，唐代与清代对女性的审美就截然不同。唐代时期的“美女”有“环肥燕瘦”之说，就如敦煌壁画上天女的手丰腴多姿。而清代以后人们赏析的“美女”似乎是“窈窕淑女”，固有“窈窕淑女，君子好逑”之说。如清代仕女画“十指尖如笋，腰间如束素”，从这一点可以看出两朝代对人物造型的审美差异。虽有差异，但他们的审美观念还是朝着“美”的方向来发展，因而画家们把女性用于人物造型并视为表现美的最佳素材。仕女画也就形成了委婉含蓄、深沉文雅、曲折内向的传统绘画特征，因而表现出来就是一种含蓄、庄重、恬静的美。因此女性的“美”足以使许多艺术家在前人的步伐上，造就更多丰富多彩的陶瓷仕女绘画作品。
在传统的仕女图脸部尤以眼、眉、唇表现至为重要，凤眼、柳眉、樱桃小口方为美。发髻、服饰在各朝代风格迥异，仕女图中以深色发髻衬白肤为俊美，这足以说明了不同时代、不同地域，造就了不同审美理念。因此陶瓷人物绘画艺术在创作美的同时，首先离不开探索造型“美”在历史的应用。陶瓷仕女画题材虽来源于历史典故，终究还是来源于生活。陶瓷写意画中，仕女的想象描写也特别，受空间制约，仕女往往被省略去嘴唇等，而仅仅以发髻与简单勾勒眼神为主。这种仕女创作方法，往往给欣赏者更多的想象空间，取得了以少胜多的作用。东方传统女性清丽含蓄委婉、深沉内在，情感表达而柔绵，秀行妙语，嫣然一笑是仕女画的美妙之处，这种美是东方女性特有的美，是传统审美观在文化艺术领域里的再现，是人文思想对女性夸张的表现方式，更是古典女性“美”达到极至。故而对女性有“千金一巧笑，百万两鬓姝”赞美之说。
陶瓷人物造型艺术从古到今不知有多少画家在创作，人物画和山水、花鸟画一样，是人们用来摹拟自然表现思想，自我陶醉的表现方式。正因为创作者们有着崇拜、留恋、欣赏、向往的境界，从而将美好的东西加以提炼，有机组合、高度概括，最后按照画家的意愿独具匠心的挥毫泼墨，将主观的东西客观地加以定格，最后展现在人们眼前的是完美的有说服力的艺术佳作。
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每每出现这种现象，不少老师简单地归结为：学生学习不努力、不刻苦，学习习惯差，甚至是认为学生头脑笨，不开窍。其实，在很大程度上是教师不顾学生的认知能力，违背学生心理发展规律，在教学设计、教学手段选择等方面存在偏差，致使学生思维滞后，无法理解和掌握所学知识。
1. 师、生思维不对称
心理学研究表明，思维敏锐、灵活具有创新性和批判性有助于问题的理解;相反，思维迟缓、不敏捷则不利于问题的解决。在课堂教学中时常会发现一头热的现象，教师讲得是口若悬河，津津有味，自得其乐。而学生是不知所以，一头雾水，其根本原因是师、生的思维不对称。学生处于智力、思维的发展上升期，其思维的广阔性与深刻性、思维的独立性与批判性、思维的逻辑性、思维的灵活性与敏捷性还都不完备，无法达到与教师的思维同步，特别是像一些具有发散、开放性问题或是规律揭示、空间想象及综合运用等思维要求较高的问题，学生更是应接不暇，无法跟上教师预设的思维要求，出现思维滞后或“掉队”。
2. 学、教需求不吻合
在课堂教学中常常会发现被教师认为是难点的知识，而在学生看来并非真正的难点。相反，对于一些难以理解和把握的知识，学生迫切需要教师进行深入的剖析、仔细的讲解，教师却轻描淡写一带而过。再有，教师讲到自己得意之处，十分兴奋，对学生已懂的问题和已掌握的知识仍然滔滔不绝地重复讲解，引起学生的厌恶，表现出情绪不安，不愿听讲。这就导致了教师的教与学生的学的需求不相吻合，当学生真正遇到那些难点时思维无法跟进。
3. 学、教思路不合拍
学生的学习是一环扣一环，逐层推进，是一种螺旋式上升，如果某一环节中出现了差错必将加大后续学习难度。此时，教师若仍然按照自己的教学习惯，沿用过去的教学思路组织教学，而忽视当下学生现有的知识基础和学力，其教学效果是不言而喻的。另外，我们时常发现在指导学生解决具体问题的过程中，很多教师只是根据自己对问题的理解，按照自己固有的思路讲解，而没有沿着学生的思路去分析错误原因，没有理解学生的心思，以至于同样的问题是一错再错，屡教不改。师、生之间这种学、教思路不合拍必然会导致师生思维的脱节。
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长大后我们才知道，月球是能够登陆了，只是不是一般人能去的；车是不少了，只是在路上走的有点拥挤；钱也不是努力了就能赚来的；蜘蛛侠，蝙蝠侠，猪猪侠都有超能力了，只是人还是平凡着！如今，我们不敢做那么冠冕堂皇的梦了！能解决温饱就阿弥陀佛了！
中国大现状，每天十几个小时的劳作，没有休息日，一个月下来，除去房贷，车贷，所剩无几！月月省吃俭用，月月光！这还是体面人的生活，还有奋斗一辈子交不了房子首付，孩子娶不了媳妇，愁的以泪洗面的！不是吗？我们看来都过的不错，其实我们都生活的不容易！为了多赚点钱，加班加点，外国人都说中国人廉价，中国人傻！为了那么一点工资，不计时间，不计身体本钱，其实我们不傻！只是没办法！
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