读后感是我们与作者心灵对话的过程，可以让我们更加深入地理解书中的世界。如何写一篇较为完美的读后感呢？首先我们需要对书中的内容进行仔细的阅读和理解。以下是小编为大家精心搜集的读后感范文，让我们一起探寻其中的情感共鸣和人生感悟。
中国诗与中国画读后感篇一
教材分析：
中国画小果子是小学国画教学课第三节，四年级两节国画课是指导学生认识中国画工具，体会中国画的笔墨趣味，熟悉中国画基本的用笔、用墨的技巧。而此课是引导学生运用中国画基本的用笔、用墨、用色技巧，进行简单的造型表现。是第一堂国画创作课。也是小学国画学习的重要启蒙课。学生因刚刚尝试中国画创作，中国画工具的独特性和技巧要求的熟练性都使学生初学创作的学生无所似从。如何激发学生自信，鼓励学生的探索精神，开发学生的动手能力、创造力，是本课教学成功的关键。
教学目标：
1、巩固、学习中国画用笔、用墨、用色的基本技法。
2、尝试、探索中国画小果子的表现技法。
3、培养学生的探究能力、创造能力和对国画的鉴赏能力。
教学重点：
1、大胆运用中国画用笔、用墨、用色的方法，巧妙表现。
教学难点：
1、小果子的水墨画画法。
2、小果子的组合变化及画面构图。
说教法：
本课的教法我有两大突破：
1、中国画小果子是一节典型的技法课，知识性强。多采用教师“传”、学生“受”的教学形式，力求技法传授层次分明，深入浅出。该教法学生技法掌握扎实。但容易造成学生对教师产生依赖感，作品多临摹或模仿教材或老师范画，技法表现格式化，作品缺乏创造力。而此课教学我灵活运用尝试教学法、发现教学法、自学法、研讨法、小组学习法等，始终学生让担任探究者、创造者的角色，教师是学生攀登知识高峰的引路人。建构主义认为：世界是客观存在的，但是对于世界的理解和赋予意义都是由每个人自己决定的；其反对传统教学机械地对知识做预先限定，让学生被动地接受；主张要提供建构理解所需要的基础，同时又要给学生留下广阔的建构空间，让他们针对具体情境采取适当的策略。美术活动中让学生体验创作，从而获得美术创作的乐趣，这一步在技法型课中显得尤为重要，也是最为困难的。
让学生亲身参与活动的每个环节，并在每个环节中大显身手，一展才能。这样的体验活动改变了以往传统的教学方法，让学生能动探索知识、掌握知识，体现了以“学生为主体”、以“学生为本”的教学理念。如：画果篮常用的表现技法一般采用浓墨、干画法，以表现竹篮的质感。此课教学中我鼓励学生不据一格，大胆进行不同的表现技法的探索，分组尝试用干、湿、浓、淡不同的笔墨方法来表现。不仅让学生找到四年级笔墨趣味课的游戏感，重拾自信，而且培养了学生的探究精神和自主学习的能力。作品大胆，富有表现力。
2、在教学步骤上我也进行了大胆尝试。中国画小果子的传统画法是先画小果子，后画果篮。因为国画强调先画主体物即小果子，后画其他东西，以突出主体物。此课教学我大胆采用了先画果篮，后画小果子的绘画步骤。因为对于初学国画的小学生而言，构图能力差，笔墨表现具有一定的任意性，学生用铅笔打稿掌控不好笔墨最终效果，限制了学生的创造力。而先画果篮利于学生把握画面的整体构图，降低了这副画的难度，激发了学生的学习自信。同时果篮的表现技法主要是上学期所学中国画基本用笔、用墨技法的温习和运用，而小果子的表现技法新、难度大。
教学设计：
本课教学设计分为四大块：
1、复习、导入。
2、引导果篮的用笔、用墨技巧。
3、引导小果子的墨色表现技巧。
4、作业练习、展评。
一．复习、导入：
1、因课时量的限制，我采用开门见山，提问导入的方式。温习上学期学习的中国画用笔、用墨的方法。直接导入课题：中国画小果子。
二．引导果篮的用笔、用墨技巧：
1、分析判断：引导学生仔细观察分析学生范作《小果子》中果篮的用笔、用墨技巧。并通过flash课件进行实时判断。构建了一个师生平等、互动交流的平台。
2、技法拓展：引导学生发散思考是否还有其他表现技法？学生分组讨论书中范图它们的表现方法有何不同？这样学生通过自究讨论认识到水墨画果篮或器皿的表现技法的灵活多变，可以大胆采用上学期所学的各种用笔、用墨技法来表现。
3、造型引导：老师出示各种造型的果篮和器皿，使学生直观认识果篮或器皿造型的丰富性、变化性。鼓励学生大胆设计造型独特的果篮。
4、范画总结：老师范画一个造型别致、浓淡墨结合的果篮，强调水墨画要点：意在笔先，下笔如神。
5、尝试练习：学生分组尝试练习，要求各组要尝试用不同的笔墨表现方法，造型生动变化。老师巡回辅导。
6、练习讲评：评选出笔墨表现方法丰富、造型生动的小组。老师讲评学生作业中存在的主要问题。如：果篮太小，无法盛果子。用笔不自信修修补补等。
三．引导小果子的墨色表现技巧：
1、学习画法：课件演示小果子的画法，让学生体会学习。以儿歌的形式将绘画步骤归为四句画：先用曙红清水拌，笔尖颜料稍浓蘸。中锋两笔成果子，浓墨点脐再勾柄。使之与学生更贴近。
2、难点突破：学生学画果子最常见的问题就是：“填涂法”和“留白多”。针对难点我采用了老师范画的形式。我画了三颗果子：第一颗采用先勾线再填涂颜色的方法；第二颗果子按小果子画法两笔画成，但因侧锋不够果子中留白面积太大：第三颗果子才按照正确的画法完成。这样学生通过比较直观认识小果子的正确画法，突破了难点。
3、技法拓展：老师提问除了小樱桃外还有哪些小果子？学生回答。进而老师引导学生观察自己课前准备的各种小果子，强调要抓住小果子的颜色和造型的特点。这时老师出示国画颜料配色图。让学生思考葡萄、荔枝的颜色如何调配？荔枝的造型有什么特点？该如何表现？学生自由发言。老师对学生回答不作评价，鼓励学生自己动手找答案。
5、总结解疑：老师讲评学生练习作业，学生谈色彩尝试体验。
老师总结使果子一笔之中产生色彩变化的方法：
1、笔肚、笔尖的水分不同。
2、笔尖加入少量淡墨。
3、色彩调和变化。
6、组合构图：果子的组合排列也是本课的教学难点之一。利用交互功能强大的flash课件，我精心设计了一个拼摆游戏。学生可以直观认识小果子排列组合的方法。老师先选出五个大小、方向一致的荔枝整齐排列成一行，然后问学生美不美？直观引导学生归纳分析出小果子组合要有大小、前后、疏密、高低、方向的变化。并请一位学生来重新将荔枝装入果篮或桌子上。师生共同探讨构图方面还有什么不完善的地方。这样设疑——探讨——实践——归纳四个环节有效解决了构图难点。
四．作业练习、展评：
1、提出要求：老师归纳出本课的学习要点，明确指出作业要求。
2、学生作业：老师巡回指导，及时指导学生作业中存在的问题。
3、学生自评：学生作业展示，学生上台谈学习体验，根据五点作业要求，学生自评。每个要求就是一颗星，学生自评达到了哪些作业要求，可以评出几颗星。
4、老师总结：肯定学生在今天作业中能大胆表现，巧用中国画用笔、用墨、用色的方法。并鼓励学生在中国画学习的过程中要不断探索，敢于创新，将中国国粹中国画发扬光大。
板书设计：
本课的板书设计直观、清晰展现本课的教学设计的层次，重要的知识点、难点。而中国画颜料配色图不以课件的形式演示，而以挂图的形式展示，便于学生随时参考、运用。
中国诗与中国画读后感篇二
摘要：中国文化，上下五千年，博大精深，绘画艺术贯穿其中。
尤在文字出现之前，三皇五帝带领子民走出蒙昧，创造出华夏民族璀璨文化，由原始的岩壁涂鸦创造出沿用至今的象形文字-汉字，无不显露出华夏民族绘画艺术的传神气韵。
中国绘画作为华夏民族独特的文化艺术表现形式，不拘于人物山水的写实，以意达情，以情动人，独创具有独特魅力的东方绘画，屹立世界艺术之林。
本文通过对我国历朝历代绘画热点的分析，着重论证了中国画“气韵生动”的独特魅力。
中国诗与中国画读后感篇三
认真读完一本著作后，大家心中一定是萌生了不少心得，为此需要认真地写一写读后感了。那么你真的会写读后感吗？以下是小编整理的《中国诗与中国画》读后感，欢迎阅读，希望大家能够喜欢。
在我手头的这部浙江文艺出版社出版的《钱锺书散文》里，《中国诗与中国画》是《七缀集》的第一篇。这篇文章到底作于什么时候，我不知道。但从我手里这部散文集里作品的排列顺序，给我的感觉是，这篇文章好像是钱锺书文章前后期的一个分界。就这部《钱锺书散文》里的文章来说，都具有钱锺书写作时候体现出的机灵、幽默的特点，尤其善用巧妙地比喻来明、刺现实生活中的情况。亚里士多德说：善用比喻是天分高的表现。钱锺书在文史哲一类的读书、写作上确实有一股天生的机灵气，只是在前面的一些文章中这种机灵体现的更多一点。例如《魔鬼夜访钱锺书先生》、《窗》、《论快乐》等等，让我读起来，感觉和写作《围城》的那个钱锺书很接近。估计这些文章和《围城》的写作年代也差不多，都是钱锺书早期的作品。这些早期的作品，我感觉，更像是典型的散文，篇幅都不是很长，引经据典的现象不是很多，主要是自己主观意识的发挥，随处可见他的那种机灵幽默，读起来很轻松。而之后的文章，文学韵味越来越少，学术气质越来越强。钱锺书的文笔，他的旧体诗暂且不论，就说他在小说、散文中的文笔，是偏于瘦、硬的，没什么肥词腴句，但就连这么一点文学韵味也在逐渐减少。越往后的文章关注的问题越学术化，写作方式中的引经据典的现象比比皆是，真有掉书袋的味道，仿佛他的思想由文学的阔而漫转变为学术的精而专，形成的每一种观念都不是单纯凭自己的主观意愿而要有充足的理论依据，写下的每一笔都不再像文学写作那样随意挥洒而要引经据典的笔笔皆有根据，文章的篇幅从总体来讲都增大了，读起来感觉沉甸甸的，好像说一点就是确凿的一点。直到《七缀集》的第一篇《中国诗与中国画》，基本形成了在《管锥编》中可以见到的写作风格，虽然《七缀集》的文章都是用白话文写成，但神理一致。所以，他后来的文章如果再叫做散文，我真感觉有点不准确了。我总以为，散文更多的属于文学范畴，用散文来称呼《七缀集》的文章，从文学魅力来讲，美化了它们，从思想理论来讲，委屈了它们。或许我对散文这个概念的外延在理解上有局限，现在不是有很多所谓的文化散文、学术散文么，例如余秋雨之辈的作品，我认为，那只是伪学者跑到散文中来装腔作势。我对钱锺书还是尊敬的，不能用这种不伦不类的名称来称呼他的文章，姑且称为论文吧。
杨绛先生在为《管锥编》做的代序中写到，钱锺书称他早年的作品是“小时候干的营生”，现在看来会使他“骇且笑”，认为那是他成长过程的表现。这说明钱锺书确实有一个由文学者成长为文史哲学者的过程。他曾是个作家，但他并没有停留在作家的'身份上，更进一步成为了学者。
就我读《中国诗与中国画》，本人业余读书人一个，就不进行什么学术探讨了，只说点个人想法。这篇文章确实符合“管锥之义”。一管窥去、一锥刺下，虽小虽微，但是确凿的一点一星。《中》文里，长篇大论的引经据典，这是《七缀集》里文章的共同特点，钱锺书丰富的学识、谨慎的治学态度由此体现，但也由此受到一些人的诟病。说实话，这样掉书袋的风格真不是十全十美，《诗可以怨》我就耐着性子读下来的，无论如何不欣赏。但在这里我还是理解并叹赏的。《中》文的核心意旨很明白，就像文末一段总结的，对历史上的泛泛的诗画并举的论调做了精辟的指摘，确凿的指出具有南宗画风的诗、也就是神韵派诗风的诗不是中国诗中的高品、正宗，相当于神韵派诗风的画、也就是南宗画却是中国画中的高品、正宗。那么长的篇幅，那么多的引经据典，就为了这个观点的明确。我看到这里，当时就有个感觉，至于吗？中国画我不知道那么多，要说中国诗，王维的诗明显比李白、杜甫差一个级别，因为……诗仙李白、诗圣杜甫嘛，再因为……这古往今来的人不都是这么说么。惭愧，这正是又一种泛泛之论啊。钱锺书先生在此花如许的精力论证出这么一点确凿，管窥锥刺，虽小却实，后来人若能据此作出国学上的新学问，此文当有基石之功。《中国诗与中国画》，洋洋万言、广征博引，产下一个单纯的常识。文章真如一块砖、一块石，坦坦实实的摆在那里。有一些人，或者真的具有高蹈绝伦的却又暂未表现出来的才学志向，或者就是低劣的哗众取宠，指摘钱锺书的学识文章。我真想对他们说一句，您先做点这样的硬功夫再说吧。
中国诗与中国画读后感篇四
“好了，同学们，我们开始上课了。”张老师打了一个手势，示意我们安静下来。接着，张老师说：“今天，我们要来画的是一样水果，石榴。”
只见张老师一手拿毛笔，一手拿调色盘。沾了一点淡墨，“唰唰”两笔一个圆形出现在眼前。我也跟着做，但是，很不幸，我的水太多了，好不容易摆平了这场“灾难”画完整了四个圆，美术陈老师好心提醒我：“你的四个石榴长在一起了。”唉，但是我又不忍心扔掉，只能硬着头皮画下去。接着，老师让我们为石榴添上“皇冠”、斑点、毛。我照着样子，一步一步认真的画，功夫不负有心人，我的石榴终于画好了。还自恋的在旁边写上了：石榴谷瑜，我在心里默默的想：哈哈，这一下我可以在爸爸、妈妈、爷爷、奶奶面前好好炫耀一番了。
这就是我第一次接触国画的经历，虽然画的不是很好，但是是我心中永远的回忆，更是我永远的瑰宝。
中国诗与中国画读后感篇五
在我手头的这部浙江文艺出版社出版的《钱锺书散文》里，《中国诗与中国画》是《七缀集》的第一篇。这篇文章到底作于什么时候，我不知道。但从我手里这部散文集里作品的排列顺序，给我的感觉是，这篇文章好像是钱锺书文章前后期的一个分界。就这部《钱锺书散文》里的文章来说，都具有钱锺书写作时候体现出的机灵、幽默的特点，尤其善用巧妙地比喻来明、刺现实生活中的情况。亚里士多德说：善用比喻是天分高的表现。钱锺书在文史哲一类的读书、写作上确实有一股天生的机灵气，只是在前面的一些文章中这种机灵体现的更多一点。例如《魔鬼夜访钱锺书先生》、《窗》、《论快乐》等等，让我读起来，感觉和写作《围城》的那个钱锺书很接近。估计这些文章和《围城》的写作年代也差不多，都是钱锺书早期的作品。这些早期的作品，我感觉，更像是典型的散文，篇幅都不是很长，引经据典的现象不是很多，主要是自己主观意识的发挥，随处可见他的那种机灵幽默，读起来很轻松。而之后的文章，文学韵味越来越少，学术气质越来越强。钱锺书的文笔，他的旧体诗暂且不论，就说他在小说、散文中的文笔，是偏于瘦、硬的，没什么肥词腴句，但就连这么一点文学韵味也在逐渐减少。越往后的文章关注的问题越学术化，写作方式中的引经据典的现象比比皆是，真有掉书袋的味道，仿佛他的思想由文学的阔而漫转变为学术的精而专，形成的每一种观念都不是单纯凭自己的主观意愿而要有充足的理论依据，写下的每一笔都不再像文学写作那样随意挥洒而要引经据典的笔笔皆有根据，文章的篇幅从总体来讲都增大了，读起来感觉沉甸甸的，好像说一点就是确凿的一点。直到《七缀集》的第一篇《中国诗与中国画》，基本形成了在《管锥编》中可以见到的写作风格，虽然《七缀集》的文章都是用白话文写成，但神理一致。所以，他后来的文章如果再叫做散文，我真感觉有点不准确了。我总以为，散文更多的属于文学范畴，用散文来称呼《七缀集》的文章，从文学魅力来讲，美化了它们，从思想理论来讲，委屈了它们。或许我对散文这个概念的外延在理解上有局限，现在不是有很多所谓的文化散文、学术散文么，例如余秋雨之辈的作品，我认为，那只是伪学者跑到散文中来装腔作势。我对钱锺书还是尊敬的，不能用这种不伦不类的名称来称呼他的文章，姑且称为论文吧。
杨绛先生在为《管锥编》做的代序中写到，钱锺书称他早年的作品是“小时候干的营生”，现在看来会使他“骇且笑”，认为那是他成长过程的表现。这说明钱锺书确实有一个由文学者成长为文史哲学者的'过程。他曾是个作家，但他并没有停留在作家的身份上，更进一步成为了学者。
就我读《中国诗与中国画》，本人业余读书人一个，就不进行什么学术探讨了，只说点个人想法。这篇文章确实符合“管锥之义”。一管窥去、一锥刺下，虽小虽微，但是确凿的一点一星。《中》文里，长篇大论的引经据典，这是《七缀集》里文章的共同特点，钱锺书丰富的学识、谨慎的治学态度由此体现，但也由此受到一些人的诟病。说实话，这样掉书袋的风格真不是十全十美，《诗可以怨》我就耐着性子读下来的，无论如何不欣赏。但在这里我还是理解并叹赏的。《中》文的核心意旨很明白，就像文末一段总结的，对历史上的泛泛的诗画并举的论调做了精辟的指摘，确凿的指出具有南宗画风的诗、也就是神韵派诗风的诗不是中国诗中的高品、正宗，相当于神韵派诗风的画、也就是南宗画却是中国画中的高品、正宗。那么长的篇幅，那么多的引经据典，就为了这个观点的明确。我看到这里，当时就有个感觉，至于吗？中国画我不知道那么多，要说中国诗，王维的诗明显比李白、杜甫差一个级别，因为……诗仙李白、诗圣杜甫嘛，再因为……这古往今来的人不都是这么说么。惭愧，这正是又一种泛泛之论啊。钱锺书先生在此花如许的精力论证出这么一点确凿，管窥锥刺，虽小却实，后来人若能据此作出国学上的新学问，此文当有基石之功。《中国诗与中国画》，洋洋万言、广征博引，产下一个单纯的常识。文章真如一块砖、一块石，坦坦实实的摆在那里。有一些人，或者真的具有高蹈绝伦的却又暂未表现出来的才学志向，或者就是低劣的哗众取宠，指摘钱锺书的学识文章。我真想对他们说一句，您先做点这样的硬功夫再说吧。
中国诗与中国画读后感篇六
中国画是我们伟大祖国艺术文化中的瑰宝，中国画有可分为工笔画与写意画。在我小学六年级的时候在我们美术老师的影响下也有接触过写意，那时候年纪小，对国画也没有太多的感受，只是觉得画画很有意思，时隔多年，再次拿起毛笔学中国画，心中还是另有一番韵味!
在大一的时候，看见学长学姐们画国画的时候，手痒痒的不行，那时就已经跃跃欲试了，这个学期一开学，拿到课表之后，心里别提有多高兴。我家虽算不上什么书香门第，但有两个舅舅写得一手的好字，从小就受受到他们的影响，对书法也是情有独钟，不过可惜的是没能一直坚持练下去，三天打鱼两天晒网，以至于现在也没有什么收获。不过因为之前有拿过毛笔的经历，这对我学习工笔画打下了一定的基础。
四周的工笔画课程在今天已经全部结束了，出了第一个礼拜的线条练习之外，只画了三张作品，其中一张四开的临摹和两张半开的写生。感触最深的还算是两张写生作业，第一张的时候，没有一点经验，在焦教授的细心指导下也还勉强的画完了，在整个的作画过程中就发现了很多不尽人意之处，但无奈工笔画几乎是不能出错的，一旦出错便是无法修改，所以就不断的积累经验教训，希望争取在下一张的时候能够吸取教训，好好的画一张更好的作品出来。在画第二张作业的时候，因为有了之前的经验，又在教授的指点下，我尽量避免了之前所犯过的很多错误，心也变得更细了，严格按照作画的步骤，一步步的画下来，最后的效果自我感觉也还算不错，鼓励一下自己!在这门课程的第一节课上，老师就问了我们一个问题，他们为什么小孩以及老年人都会比较喜欢画国画，他给我们的答案就是：国画它可以很简单，因为工具简单，而且写意画也比较随性;另一方面就是说国画的博大精深，即使一个人花一生的时间去探索也无法追寻到中国画艺术的最终真谛!我很赞同焦教授的观点。
中国画是一门特别能够修生养性的艺术，它对人们作画的姿势的要求，工艺上的要求以及所达到的艺术美感可以让人们打到内外兼修的效果，特别适合在生活闲暇之余偶尔停下来好好琢磨一番。有些事情在你一旦接触之后，就会深深的爱上它，国画对于我来说，正是如此。在今后的人生中，我都会一如既往地画下去，无论我将来从事什么行业，它已成为我生活的一部分!
中国诗与中国画读后感篇七
摘要：中国画是中国人民创造的一种独特的绘画形式，内涵丰富，技法独特，笔墨中蕴含着精神，黑白中包罗着万象，意境深远含蓄，气韵生动传神。
气韵成为中国画的`最高境界，也是历代画家的孜孜以求。
关键词：气韵;传神;笔墨。
自古以来，谢赫将气韵生动定为六法中最重要的一条。
气韵生动成为绘画中唯一的灵魂。
从古至今，众多的从事书画艺术的人都非常看中对气韵的研究，但始终仅仅停留在一中比较表面的研究之上，气韵到底是什么东西，俞剑华先生对气韵之说在古人基础上做了一个比较深入的分析研究，今天，我想用自己的观点对古人气韵之说做一个讨论，仅希望能加深自己对中国画的理解。
“论画以形似，见与儿童邻。作诗必此诗，定知非诗人。”――宋苏轼〈〈东坡诗集〉〉。
在我们练习绘画的过程中，无论中国画还是西方油画，首先都是从模仿开始，开始阶段均在追求对形的准确性的研究，经过长期的联系，能够更准确地把握住对象的形态特征。
但并不一定画得传神。
也就是缺乏气韵，不生动。
我们学习绘画必须先达到对形象特征的追求，才能去感受对象的精神传达。
千万不可以直接去追求气韵而忘掉星的把握。
对形的把握是我们绘画的一个阶梯，而对物象精神的传达才是我们最重要追求的。
但在当今画界，一味得去追求形，并非是件好事。
对形的训练只应达到一定的程度。
不能无止尽。
比如说在大学本科阶段的一二年纪，我们可以把学习重点放在对形的练习把握上，而对物象传达的精神的研究可以放在第二位，但进入三四年纪，如果再一味求形，那就会适得其反，技术的东西够用就行，我们应该更多得追求作品的气韵，用绘画者自身的感悟与热情进行绘画创作，这样的作品才能生动。
由此看来，俞先生所说的绘画必须将形做到很高的程度再去讲求精神存在一定的问题。
不同时代都具有不同的时代特征。
在当今这个物欲横流的世界，讲求精神观念成为一种主控力。
越是拘礼于形，反而难以创作出感人之作品。
次句出自董其昌的《书旨》，我非常赞成，学画肯定有天才与非天才之分，天才的敏感性是非常高的，但仍然学要学习，了解更多的知识面。
天才也有其差的一面，不可能样样都精通。
比如说画山水的画家对于人物的描绘并不一定精通，所以说要让画能传达出精神，作画者必须有一定的修养，多涉及个方面的知识，提高自身的能力，这样才能画出传世之作。
但气韵是一种画面自然流露的，并不可以强求。
否则会误入歧途!
作画用比的粗细与作画心思的粗细问题，俞老先生针对韩拙所说进行阐述，他认为画之气韵情趣与用笔的粗细并没有太大的关系，更多关于作画者所花的心思的多少。
用笔粗放并非就有趣，用笔细密也并非不无情趣。
就这点，我个人与俞老先生保持一致的看法，作画用笔，粗细均可取。
关键在与何时用何法的问题。
“画用焦墨生气韵”――明汪珂玉。
古人说用焦墨生气韵，我个人理解其意为焦墨用在合适的地方是能够提升画面的气韵的，俞先生则说焦墨不过是墨中一种，施之画中，不过画中的一部分，气韵是关乎画之全体。
整幅画中应该根据不同的表现物体采取相应的用墨方法，这样才可以得到想要的效果。
“气韵生动与烟润不同。
世人妄指烟润，遂谓生动，何相谬之甚也。
盖气者，有笔气有墨气有色气，俱谓之气。
而又有气势，有气度，有气机。
此间即谓之韵。
而生动处又非韵之可代。
生者生生不穷，深远难尽。
动者动而不板，活泼近人。
要皆可默会而不可名言。
至如烟润，不过点墨无痕迹，皴法不生涩而已，岂可混而一之哉――明唐志契《绘事微言》。
古人说烟润之效，我认为画面没有烟润之效则画显缺少葱郁之效。
多了则容易陷入模糊的效果。
没有清爽的感觉，每个画家都有其各自的画面特征，比如沈周，石涛，八大等偏重于画面的气，而唐寅，董其昌等则偏重于画面的韵味效果。
黄公望，王蒙等则气和韵调和，两者应该相互协调。
“气韵有发于墨者，有发于笔者，有发于意者，有发于无意者。
发于无意者为上，发于有意者次之，发于笔者又次之，发于墨者下矣。
何谓发于墨者?即就轮廓以墨点染渲而成这是也。
何谓发于笔者?干笔皴擦，力透而光自浮者是也。
何谓发于意者?走笔运墨，我欲如是而如是。
若疏密多寡，浓淡干湿，各得其当是也。
何谓发于无意者?当其凝神注想，如不意如是而忽如是也。
谓之为足。
则实未足。
谓之未足，则又无可增加。――清张庚《浦山论画》。
作画必须从画面布局以及用笔用墨各方面都达到一定高度才能说具有气韵。
仅仅着眼于用笔或用墨的好坏或是只讲意思多么高深。
都无法达到气韵效果。
笔墨是画面的直接效果，是作画的工具而已，用笔用墨不好即使有天赋，也难以表现好，所以我们学画者必须多看画展，多读书，了解各方面的知识，才能更好得进行绘画创作。
总述：气韵其实就是一幅画特有的精神，人们不论远近观看，均可以了解到画面所传达的意思，并不需要仔细去研究。
但画面的气韵因画家的性格，能力的不同而各有不同。
简单来说是画面的气韵效果，深而表达的是一种精神。
与观者的感情达到一种共鸣。
参考文献：
[1]俞剑华.《国画研究》广西师范大学出版社.
[2]宗白华.《美学散步》上海人民美术出版社.
中国诗与中国画读后感篇八
今天听了陈老师的《中国石拱桥》，感受颇深。说明文是学生不太熟悉的一种新文体，内容一般又比较枯燥无味。不像记叙文，有生动的`情节、感人的故事、鲜明的人物形象，能深深地吸引学生。为了让学生能喜欢阅读说明文，陈亮老师在本节课的教学设计上费了一番心思。让学生枯燥在的说明文中学习了：
一、说明文的顺序：时间顺序、空间顺序、逻辑顺序。说明文的说明方法。学生理解掌握很好。
二、让学生了解中国石拱桥的特征，让学生学会提炼概括说明对象的特征。
这节课，陈亮老师给学生绝对的主导权，课堂井然有序。知识掌握牢固。如果导入再凝练点，对作者茅以升加深点印象，对学生作文素材也是个积累。只是个建议，不足之处请批评指正。
中国诗与中国画读后感篇九
听到李老师的公开课，对于只从书本上了解过教学过程而不曾真正走进课堂的我来说，一次现实课堂的体验着实受益匪浅。不仅切身体验了教学过程的魅力，学习了教学技巧，还顿悟了许多从阅读中所不能解决的实践性问题。在此将自己感触较深的听课心得进行分享：
一、组织课堂在实际教学中的重要性
在自学教育学、教育心理学的过程中，课堂组织给我的印象无非就是上课前的“上课”、“同学们好”、“坐下”之类的惯性过程，点到即止、无足轻重。而走进李老师的课堂，我却惊讶的发现，组织课堂原来是如此重要的一环。
小学课堂比我想象中的更加活泼，一段时间不进行组织，孩子们的注意力便会很快转移至其他事物，课堂气氛会因此变得散漫。所以组织课堂在李老师40分钟的课程时间内贯穿始终，时刻提醒，并且采用了贴合少儿心理的方式如：口头表扬、分组加、减分、课堂口号、奖励小礼品等方式，每次都能高效地将同学们四散的注意力成功拉回课堂。
我想，在听过这学习过这次示范课程后，我也会在之后的学习、实践过程中，对自己的组织课堂这一环节更加注重。
二、丰富课堂语言在教学中的应用
李老师的课堂语言轻重有度、用词富有童趣且情景感十足。轻重有度的语言更容易将学生的注意力集中到重点上来；将枯燥的专业名词替换成了形象的动词，例如将图形的组合关系比喻为“手拉手”、将添加形状与配色比喻为“绿色的伙伴是三角形，蓝色的伙伴在哪里？”等，这样的语言贴近孩子的思考模式，也就更易引发学习兴趣。
我想如此生动的语言应用水平并不是短时间内可以达到的，它必须建立在对学生的充分了解上，因此必须先清楚地知道学生们理解什么、不理解什么，然后针对学生感兴趣的范围选词，才能达到理想的效果。
三、在重点知识部分运用巧妙引导
重点知识应该怎么才能得到有效的强调？这在我读书的时候一直是一个难题，也一直希望看到一次课堂上的实际演练，所以今天在李老师的课堂上也特别地留心了她关于重点、难点知识的展示。
首先，关于作画的特征上，李老师用了比较的方法——“像米罗一样画画”、“像设计师一样画画”，将学生以前学过米罗的随意性，与即将学习设计师的工整性相对比，一目了然，自然学生作画的重点就不会跑偏。
其次，李老师对于重点知识的讲解都不会僵硬地直接解释，而是会选择比较温婉的方法：首先将要表现重点的正反面材料提出来对比，引导学生发表自己的看法，以此引发了学生的自主思考，也增进了对学生的了解，最后从总结学生答案中提炼出重点加以强调，以此达到强调重点的目的。
课堂上学生对于重点知识的掌握，是体现课程价值十分重要的一环。李老师的方法对我启迪非常深刻，也解答了一直以来的`疑惑，之后也将继续思考并学习。
四、注重及时反馈，保证整体效果
重点的学习很重要，学生学会了方法，但在实际操作中应该怎么应用，他们也各有各的想法，印象中的美术课堂很容易出现许多千篇一律的作品，引导激发学生在创作中的创新精神，就要靠在实践中的及时反馈。
在李老师的课堂上，她总是在同学们作画的时候四处查看，并对学生正在制作的作品进行及时鼓励、评价如“你的形非常成功”、“他摆的很整齐，不太活泼”、“你用了红绿蓝的配色”等等。遇到并不理想的作品也不会直接进行指责，而是会提出有代表性的作品到讲台上进行对比，让同学们通过对比自行理解。
我一直很担心将来如果要上课，有些同学不会按照我所要求的来怎么办？如果不能使用硬性要求限制学生的思维，那又该怎么样纠正他们的错误呢？通过这次的听课我懂了一个方法，就是灵活运用对比和鼓励，巧妙地让学生们能自觉地体会到正确创作方式带来的美。
李老师的此次公开课程还带给我了很多感触，如重视实践前的思考性、示范的重要、时刻鼓励良好习惯等等……之后的评课会议上听到老师们的评课我也收获了更多的方法与思考，相信有很多问题需要在真正走进课堂以后才会有更深的领会，我也期待着那一天。非常感谢李老师此次精心准备的课堂，带给我了许多的感悟，我也将带着这些收获和新的问题继续学习，不断成长。
中国诗与中国画读后感篇十
本节课王老师从介绍彩陶的知识入手，一步一步引导学生学习彩陶的欣赏方法，最后以仿制彩陶作业结束。教学过程环环紧扣，教学目标明确，教学效果显著。
让我最欣赏的是王老师对鉴宝这一环节的'设置，三个步骤，逐步加深。第一个步骤，教师直接出示彩陶密码卡，引导学生观察欣赏船型彩陶，分别从名称、造型、纹样、釉彩加以介绍概括。第二个步骤，师生共同探讨研究旋涡纹尖底瓶，特别研究了尖底瓶取水示意图。第三个步骤，以小组为单位学生自己研究彩陶，然后评价研究成果。从学生的回答看，学生已经初步学会中国彩陶的欣赏方法，教学目标完成了。
最后5分钟的仿制彩陶作业，个人觉得有点画蛇添足。一则时间仓促，学生作业不能从容完成，二则美术作业用仿制的说法于情于理行不通，美术贵在创新。
中国诗与中国画读后感篇十一
1.接触和认识中国传统文化，对孩子的身心和修养都有很大好处。，国画可以培养孩子的神韵，陶冶情操。启发孩子的价值观，使孩子学会自主地评价事物并且在心目中形成主次、轻重的排列次序，让您的孩子终身受益。
2.国画讲究的是意境，讲究内涵，讲究真，善，美的表现。培养气质，陶冶情操。
3.国画和其他画种不一样，如：素描、油画等可以随时修改;中国画则落笔成形，不可更改。所以可以锻炼孩子的判断能力。提高孩子的观察能力。培养孩子“胆大细心、求真求实”的思维能力和心理素质。并且在国画熏陶中的孩子观察能力对全景的把握比其它孩子更能把握到细节。
4.学习国画需要耐心。所以可以让孩子静下来。培养孩子的注意力。
5.国画中的形象不同于现实中的形象，不同于摄影。摄影和油画等基本上是现实形象的直接呈现。中国画形象是表现性的形象，是个人情感的抒发，是经过概括了的提炼的形象。现实的升华和内心的表达。所以，学习中国画会让孩子学会一种更高的艺术的思维方式。
6.学习中国画让孩子们更加热爱生活，热爱大自然。孩子在学国画时，注意力集中，执笔、行笔要运气用力，养成了良好的学习习惯，不仅可以培养他们的接受能力、理解能力，而且可以提高孩子们的审美能力和学习兴趣，这对他们日后的学业裨益非浅。
8.国画的学习对于年龄比较小的孩子，可以很好锻炼他们的手眼协调性，而且从小就可以锻炼色感和线条感，对孩子的左右脑开发是很有好处的。
中国诗与中国画读后感篇十二
《中国美食》是一篇图片课文，主要通过各种各样的菜品图片，让学生了解中国的美食，通过认识这些美食，从而认识生字。通过认识这些色香味俱全的美食，认识中国的美食文化，爱上中国的美食文化，从而激发学生的爱国热情。
本节课教学时，大部分学生对美食还是很感兴趣的`。因为学生在轻松愉快的气氛中学习，成为了主体，主动性增强。在学习中，学生通过赏美食、说美食、菜名识字几个环节展开，引导学生欣赏中国饮食文化的特点，感受劳动人民的聪明和智慧，培养民族自豪感。使学生感受到中华食文化的博大精深，激发学生进一步探索食文化的兴趣。
本课教学有以下几个特点：
1、“随图识字”环节，由看图认美食进而认识汉字，既形象又让学生印象深刻。
2、切合了学生学习的心理需求，符合学生认知规律，并大大提高学生的学习兴趣，使得课堂气氛一直很热烈。
3、学生是在一定情境下，借助于老师的帮助，及与同学的协作、交流，同时利用学生已知信息为基础，通过意义的建构而获取认识，符合教学规律。
不足之处:
1、自己教学的基本功还要再一步提高，特别是课堂语言要精练。
2、写字教学因时间关系没有落实。
整改措施:
通过这节课的教学，今后在平常的语文课中我会特别加强自身语言精练的训练，同时也深刻认识到：低年级的教学我们要从学生的实际情况、实际需要、实际能力出发，把学习的主动权交给学生自己，要培养学生自主学习。只有这样，我们才能达到新课程标准的要求，我们才能让学生真正做到快乐学习、高效率学习！
中国诗与中国画读后感篇十三
书画中的基本功较多,但最基本的基本功,就是画交叉线、圆线和波浪线。
为什么要画交叉线、圆线和波浪线?中国画的基本笔法就是线条，线条造型舍弃了光源、明暗和体面，重在表现物象的形状和结构关系，并通过这些表象去表现物象的本质特征，这就是通常所说国画的“以线立骨”。中国画中的“骨”，乃是支撑艺术形象，使之富有精、气、神的本质表现。单纯以线立骨的骨架而言，即是指线的运用要强调线的表现力，利用线的长短、粗细、转折、顿挫、轻重、疾徐、刚柔、强弱、浓淡、光毛等变化去表现物象的神态、形体、质感、动势、节奏、空间等等造型因素的各个方面。使线融于形象之中，才能完成富有个性的造型形式的营造。这是以线立骨最基本的具体体现。
中国诗与中国画读后感篇十四
中国画与我之间有了熟悉的感觉，每当我到了星期六，我就他别高兴，因为我又想展示自己的画技了。随着我对中国画的慢慢了解，我爱上了中国画这门艺术。
那次学校要办墙报，我就精心花了一幅中国画，是牡丹花。虽然话的不是特别的精致，但是同学们都对我投来鼓励、羡慕的目光。私下里我的一个朋友问我：“你花的真好，教教我怎么画好吗？”我没想到，既然会有人觉得我画的中国画很好，在感动和自豪。
中国诗与中国画读后感篇十五
国画是中国的传统国粹之一，经过数千年历史的熔治，形成了一套特有的表现形式。它经古往今来无数画家师法造化，并以自我的审美理想意趣加以熔铸而成。这为中华民族所特有，因而具有鲜明强烈的民族色彩。如线描中的高古游丝描、钉头鼠尾描、铁线描等，是最初为了表现不同质地的衣着、花鸟等，经过画家长期的潜心体察、琢磨，或从表现其他对象获得启发借鉴而形成的一些表现手段，是以客观对象为依据的主观创造。其本身已具审美价值，不因时空关系而独立存在。它便于人们应用这些程式进行艺术的再创造，由于人有性格、趣味、修养的差别，应用时便出现千差万别，不尽相同。又有人不满足现成的程式，并加以变化创造，于是又出现各种新的表现程式。如能经得起历史的考验并为人们所确认，那么老的程式被取而代之，成为历史的陈迹，而新的程式又将为以后的人们接受或改变创造。因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此不断地交替往复向前发展着。只要是符合当时人们的审美观点、审美标准，通俗的讲就是大家认为好看漂亮的作品，就能在历史的大浪淘沙中保存流传下来，这就是国画数千年流传下来的客观规律。
我们讲绘画有程式的表现方法，即表现某个画材，应当这样画而不应当那样画，这是前人为我们提供宝贵的作画经验，也是艺术的结晶，为我们学习绘画带来借鉴之便。有借鉴与无借鉴的艺术品，就有高雅粗俗的区别。所以，学习掌握传统绘画的表现程式，就成为入中国画之门的“敲门砖”了。对于一个真心喜欢国画的初学者来说，有效的捷径当推“临摹入手”。古往今来，所有的国画大师均是从“临摹入手”，才得以成为一代大师的。
临摹是初学画者入门的主要途径，特别是对名家名作的临摹。学画者通过临摹可以学会和掌握艺术特色特点与技巧。临摹名家作品，要先观察作品的表现手法和艺术技巧，耐心揣摩作品的运笔方式，掌握作品的事物表现形态，认真研究作品的精神气质。
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