2023年古典舞论文范文(22篇)

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2023年古典舞论文范文(22篇)
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古典舞论文篇一

在我国,男性内衣市场还处于起步阶段,市场的发展空间很大。同时,随着运动、舒适、休闲与性感的兴起,男性对内裤的消费需求和着装方式发生了巨大地改变。目前男性内裤正由三角、平角内裤的传统模式转变为运动化、情趣化、性感化、舒适化的风格,这些变化必然要求内裤结构的改进。受女性内衣设计元素的影响,男士内衣的款式造型手段越来越灵活。

1男性内裤种类。

男士内裤的造型主要有以下几种:三角型、平角型、丁字型和情趣型等(如图1)。不同的人群要求穿着不同造型的内裤,例如,较瘦或易出汗的男性适合穿着三角型内裤,因为三角型内裤便于排汗;胖瘦适中的男性适合穿着平角内裤;丁字裤不宜长时间穿着。男性不宜穿过紧的内裤,因为过紧的内裤不仅影响排汗,而且还容易引起皮肤病和前列腺炎。男性选择内裤有时也直接影响外衣的造型,如瘦高男子穿薄料长裤就尽量不要穿平角内裤,因为内裤裤腿纹褶皱会造成外裤的不平整;运动时不要穿普通三角内裤,运动时穿普通三角内裤可是很多人都容易犯的错误,之所以说错,是因为运动时穿着薄薄没有支撑力的三角款式内裤,年轻时不觉有何不妥,用不着等到人老珠黄,你的臀部就会因为弹性纤维组织松弛,支撑力不够而向地心看齐。

2内裤的`基本结构。

内裤一般由前片、后片和裆三部分组成。所以对于内裤结构的变化,只有从这三部分入手。内裤的结构制图尺寸:腰围、臀围、裤长、股上长等。由于内裤面料具有弹性,所以内裤成品的腰围尺寸一般小于实际人体腰围尺寸(一般约为人体实际尺寸的75%—80%),前、后片腰围都有一定的起翘量(一般为1—2cm)。对于内裤而言,臀围线的确定一般为:(身高/5+1)/3+2;裤长的大小很灵活,视内裤造型而定。

2.1内裤的前片。

我们在此以平角裤为例(如图2-1)。内裤的结构设计点主要集中在前片,可以说内裤的款式变化主要体现在前片(含象鼻)(如图2-2)。前片中的象鼻结构起到凸起的作用,我们可以在此加放一定的量,来改变凸的效果。我们可以通过调整象鼻弯的大小来纠正前侧缝线的长度。

2.2内裤后片(如图2-3)。

内裤后片没有什么太大设计点,后片主要是满足臀部的舒适度,我们可以在臀部加一定的省量来达到臀部厚度的需要。当我们制作紧身平角内裤时,由于面料的弹性较大,穿着后面料伸展较大,后中缝线相对伸展较小,穿着后就会卡在臀沟部位。制作紧身内裤版型时应尽量不在后中开缝,这样可以减少对臀沟的压迫。

2.3内裤裆部(如图2-4)。

内裤裆长分为三部分:前中长、后中长和底裆长。一般底裆长为13—14cm,前中长约为16cm,后中长约为18.5cm,臀腰高11cm。裆部是内衣中连接前、后裤片下裆部位的特有结构,它是以适应人体臀部形态调节内裤横裆处松紧而设计,可以避开人体体液分泌和增加一定活动量的位置,同时利于节约面料。但是在内裤中按照内衣的方式增加裆片并不舒适,会导致裆部量太多,贴身衣物如果褶皱太多穿着起来并不舒适,所以我们在裆部的处理上一定要有分寸。

3内裤中的结构线形。

3.1侧缝线。

作为连接内裤前、后片的侧缝线可大可小,最小可以为0。侧缝线要根据内裤类型所定,男式平脚内裤侧缝相对较长,前、后中长相差不大;三角内裤的侧缝长一般约为5—8cm;丁字裤为3.5cm左右。脚口侧缝点一般不会低于臀围线,而平角裤的侧缝点在臀围线以下。

3.2分割线。

由于男性的体型的原因,一般男性内衣前面有三条分割线,使得内裤成品具有凸的效果,容纳男性生殖器官。除此之外,分割线还可以调整和修饰身体曲线的作用,表现出男性的阳刚之气。大块面的分割将淡化年龄的差异,适合于追求时尚、健康的男性群体。男士内裤分割线有直线、横线、斜线和弧线等四种。

(1)硬直、男性化、刚毅的性格,直线是男装运用比较多的线形。

(2)裤中一般是用来作为装饰线,使得前片不那么空。

(3)包括斜线分割和弧线分割。曲线与直线线形相比,曲线具有柔软、优雅的感觉,更能体现出服装与人体结合时所特有的感情色彩。曲线有几何曲线和自由曲线两种。圆、抛物线、双曲线等都属于几何曲线,几何曲线具有确定、明了的性格;自由曲线就是随意画出的曲线,比如斜线、弧线和回旋线等,自由曲线有着柔软、优雅、花哨的性格,给你温暖、不断变化的感觉。

4内裤结构的对称应用。

对称是结构造型设计最基本的构成形式,在服装中较为常用。对称分为左右对称、局部对称、回转对称等,这些形式主要是彰显造型的稳定、理性等特征。它们使造型因素形成统一和谐的整体。

4.1左右对称。

人本身就是左右对称的,内裤的款式、图案也多采用这种形式。

4.2局部对称。

内衣某局部采取的一种对称手段称为局部对称。这种对称的位置要经过专心设计,一般在短裤前片门禁处运用装饰配件完成。

4.3回转对称。

它是指对称轴某侧的形态反向排列,形成稳中求变的格局。这种形式一般是利用内衣的结构处理或者面料的图案来实现完成的。

5结语。

本文简单介绍了男性内裤的结构设计,目前国内男性内裤优秀设计师寥寥无几,好的设计让我们拭目以待。在男性内裤结构设计中,我们也可以多借鉴女性内衣的设计元素。而且,我们必须重视男性内衣的设计,因为随着国内白领男性、中产男性和其他高收入男性的迅速增加,随着品位、精致、性感等“男人群落”的出现,男士们对品牌内衣的需求,已经悄然成势。在服装市场不甚景气的今天,作为后起之秀,男士品牌内衣是为数不多的保持稳步发展的行业之一。

古典舞论文篇二

中国古典舞这概念是由戏剧家和戏曲舞蹈家欧阳予情先生在1950年首次提出并得到舞蹈界广泛认可并流传开来的。这个称谓虽然是近现代才形成并逐渐使用的但是其实质内涵和传统精神却是十分丰厚和悠久的它是以戏曲舞蹈和中华武术为主要基础同时贯穿民族民间舞蹈芭蕾舞蹈现代舞蹈等多种元素发展而建立起来的,以其独特的艺术形态充分体现着中国传统文化精神和美学意韵成为以彰显气韵的典型的中国传统意象艺术。

气韵是中国古代美学和文艺心理学的重要范畴之一,也是中国古典舞的重要特点和美学品质。如唐张彦远将气韵作为艺术创作的最高标准今之画纵得形似而气韵不生以气韵求其画则形似在其间矣。“若气韵不周空陈形似笔力未道空善赋彩谓非妙也。明代陆时雍说:有韵则生无韵则死;有韵则雅无韵则俗;有韵则响,无韵则沉;有韵则远,无韵则局。凡情无寄而自佳,景不丽而妙者,韵使之也。从中国传统艺术的发展来看气韵作为美学范畴是中国文化审美所独有的。可以说气韵是中国传统艺术的最高追求也是中国美学的核心范畴之一,它既包括了对宇宙万物的本体和生命的体悟亦包括了艺术家自我的风姿神韵人格意识生命态度和情感指向之表现同时又是上述诸因素流贯于艺术作品中所显示的只可慧会却难以言传的风貌与品格。所谓舞蹈气韵是指作为^的生理生命力在形体动态中的艺术化的投射之气,与作为超越于人体生物意义之上的精神和风度情致之韵,在舞蹈的流动中有机结合而产生的一种精神与物质相交融的美的特质。

马克思指出人不仅像在意识中那样理智地复现自己而且能动地现实地复现自己从而在他所创造的世界中直观自身。中国古典舞正是中国文化直观自身的方式而在这个直观自身过程中体现出中国文化的生命追求审美情趣与其自身的气韵之美。中国古典舞的气韵之美体在剐乘相济形神兼备清空曼妙诗情画意等方面。可以说通过刚柔相济之风姿形神兼备之情态清空曼妙之品性诗情画意之意境的追求完成中国古典舞的气韵之美的历程。

中国古典舞相对于西方舞蹈来说偏于阴柔之美但就中国古典舞奉体而言同样也存在着阳刚阴柔之分同时中国古典舞又十分强调刚柔相济这充分体现了我围古代文化典籍中《周易》的一阴一阳谓主道,刚柔相推而生变化的哲学思想。

中国古典舞是以阴柔占主导地位的是一种柔中寓刚的舞蹈。从舞蹈表现形态看中国古典舞节奏鲜明动静结合动中有静静中有动技艺交融,刚柔并济圆润流畅,曲折变化。而刚柔作为动作特征的两个极端,并不是绝对对立的,而是相辅相成,在对立中求得统一的。以刚柔相济为特征的中国古典舞和谐有致地融会了刚柔的意象故而刚柔既是中国舞蹈的动作基本元素也成为中国古典舞审美类型的基本范畴。

中国古典舞的刚柔相济的特点反映在其舞蹈中既有阳刚之美,也有阴柔之美。前者在舞蹈基本动作上外展性动作占主导地位足部动作较多属于动的舞蹈暗示力量之强大总体上表现出雄健刚毅顽强彪悍道劲挺拔英武威猛激烈舒展开放等审美意象,而后者在舞蹈基本动作上脚下动作较少是属于静的舞蹈动作主要在手的部位,动作所暗示的力量较小动作属于收缩性,以从四周向这个中心集聚的力,反映内聚性特征表现的是幽静典雅含蓄清秀娴静朦胧等审美意象。当然中国古典舞更有一些舞蹈作品寓静于动动静结合体现出刚柔相济之美。

例如舞蹈《书韵》以男子独舞来表现中国书法的神韵以自然形态的舞者来比拟书者以体现书之韵律章法意象与道体同一的宇宙生机同时体现舞蹈的精神。明丰坊在《笔诀》中云:书有筋骨血肉点画劲健飞动则见刚柔情,生动静之态自然神完气足。书着的人就变成了酣畅沉醉的舞中人,舞之律动即书之精魂。刚柔相济灵舞飞动的书法便展现于翰逸神飞刚柔相济的舞蹈风姿。《世说新语》评价王羲之谓之时人目王右军飘若游云矫若惊龙。舞者以节奏明快的身体语言时而刚健有力,宛如惊龙出水时而飘逸秀美仿佛白云掠过刚健与柔和的动作与音律节奏相谐调 飞动之神韵弥漫于舞台之上中国书法活泼的内在精神跃然而卅。舞骨便如宣纸舞动的节律便如灵动的字迹“字字飞动圆转之妙宛若有神 刚柔相济幻化出飞动的神韵选是书法的精神,更是古典舞蹈的精神。

中国古典舞中刚柔相济之风姿是中国舞蹈气韵之美的外化形式反映了其阴柔与刚健协调一致的内在精神气质成为典型性的舞蹈审美意象。

中国艺术以传神为要旨。中国艺术的精神强调以形伟神形神相依。舞蹈中的“形”作为可视可感的物质运动是舞蹈的基础构成是艺术家之神情意的物质载体。神是生命的根本是心灵的气象是灵魂深处的情意。中国古典舞以深厚的思想与深遂的感情为内涵并以其作为统领形之神,而气韵,则是形神合一是内在神韵与外在形象交融而达到的艺术的至高境界同时也是思想的深刻和情感丰富的意象表现。

中国古典舞虽然也追求形似但其强调的主要不是动态造型展示定型舞姿而是人体远动过程,在这个过程中强调韵律强调精神强调境界所谓精、气神,这既是中国古典舞的追求也是其境界并成为其特质。因此中国舞蹈最重要的审美品质就是气韵而气韵之美就是中国舞蹈最有特色的美学品质。

舞蹈的气韵是以人的身体为物质载体,以人的情志和精神倾注在舞蹈过程中从而使其具有精气神体现了强烈的生命意识和追求生命的活力和生命的律动。闻一多先生说:舞是生命情调最直接最实质最强烈最尖锐最单纯而又最充足的表现。生命的机能是动而舞使是节奏的动或准确点,有节奏的移易地点的动所以它直接是生命机能的表演。

中国古典舞讲究气韵生动,讲究有神,舞蹈动作以气带动气韵通行意蕴内含,以有形的动作显示无形的张力, 动作与情感交融舞蹈中蕴涵了说不清道不明永无休止的玄妙,力图达到中国传统文化中天人合一的状忠并进入深厚高远的境界,这也是中国古典舞所追求的最高境界。这个境界正是中国传统文化对人的生命实体存在方式的理解和所追求的理想。因此中国古典舞和中国文化对生命存在的理解是致的都追求生命的精神和境界。对中国哲学境界和艺术境界的这个特点宗白华先生有精妙的省悟:中国哲学是就生命本身体悟道的节奏。道具象于生活礼乐制度。道尤表象于艺。灿烂的艺赋予道以形象和生命,道给予艺以深度和灵魂。所以中国古典舞的气韵之美就是生命精神之美生命活力和律动之美。中国古典舞深刻地体现着这种追求高远境界的精神以形神兼备传情达意为追求目标,舞蹈的灵魂是神是情只有情深意远的舞蹈才是真正的舞蹈所以宗白华先生认为,尤其是舞,这最高度的韵律节奏秩序理性同时是最高度的生命旋动力热情它不仅是一切艺术表现的究竟状态且是宇宙创化过程的象征。

习古人追求气韵精灵,未穷生动之致。笔路纤弱,不副壮雅之怀的境界,在传神写照中表现人物的内在精神在体韵遒举风采飘然的动态形象中建构起中国古典舞之雅气。

中增加人们玩味的空间在于其空灵中的实有静穆中的崇高。正是在这样的意境中,方显出曼妙之雅致才突山高远之品性。

中国舞蹈所展现的世界是自由的世界是人的精神的世界而不是现实的世界。作为超越现实的艺术形式舞蹈以身体的舒展和心灵的自由反映清洁无瑕的精神和理想世界表现自由旷达的人生态度,展不自己空灵无垢的'心境,与现实中碌碌众生的愚昧可笑之相形成鲜明对比从而彰显中国艺术之中空灵的美学意蕴与特点。

宗白华先生认为,由舞蹈动作延伸展示出来的虚灵的空间是构成中国绘画书法戏剧建筑里的空间感和空间表现的其同特征,而造成中国艺术在世界上的特殊风格。它又需超凡入圣独立于万象之表凭它独创的形相范铸一个世界冰清玉洁脱尽尘滓这又是何等的空灵?这是艺术心灵所能达到的最高境界!由能空能舍而后能深能实,然后宇亩生命中一切理一切事无不把它的最深意义灿呈露于前。真力弥满,则万象在旁,群籁虽参差适我无非新。

例如,女子群舞《小溪、江河、大海》以婀娜的舞姿表现清流潺潺的小溪烟波浩淼的江河以及碧海蓝天一望无垠的大海烘托变幻莫测朦胧恍惚的氛围以流动的节奏再现无限的空间,使人感受到在浊浪排空汹涌澎湃的险恶际遇里,还存有超凡脱借飘逸空是的美好意境。再如,古典舞蹈《风吟》舞者服装以白色为主色调动作连接极其顺畅和严密动作质感贯于肢体的末梢在一连串流性动作之后的瞬问静止继而变换动态。舞蹈以写意的手法以轻盈飘逸的跳跃灵巧敏捷的旋转展现风中吟唱的心绪幻化出孤寂飘零的宇宙空间意象。

几乎所有的中国意象艺术部以情景交融诗情画意之意境作为其艺术的标准和追求的目标,情景交融诗情画意之境界就是要达到如诗如画的超越现实本直的状态就是要以诗宣情以画达意从而揭示寓于景物却超然物外的心性主体的关于生命的理解与情感所以诗情画意之境界更多地指诗外之情和画外之意是审美主体的内在情感在艺术鸣基础上的心理想象的投射及其达到的境地。以诗情画意而造无我之境以体现气韵生动,便成为中国艺术的上品和极致。中国诗素以吉蓄为特征所谓含不尽之意见于言外以物寄情寓情于景而中国画讲究超以象外,虚实相生无画处皆成妙境。李泽厚在论及中国画的美学特色时指出:不满足于追求事物的外在模拟和形似,尽力表达出某种内在风神这种风神又要求建立在对自然景色对象的真实而又概括的观察把握和描绘的基础之上。这也可以看作是中国艺术的美学追求。从形似中求神似由有限(画面)中出无限(诗情),日益成为整个中国艺术的基本美学准则和特色。

舞蹈是身体模仿的艺术。但舞蹈的模仿往往并非对实在物的模仿它通常是幻想中的幻象。中国艺术的美学特质强调传神,而将模仿作为最为低劣的艺术层次。而美学的神就是艺术追求的“意境”,因此中国古典舞所表现的神韵与诗情画意的境界品格便完全一致。例如: 中国古典舞作品《春江花月夜》原作在弛雅优美的抒情旋律中展示了一幕美丽的画卷春天静谧的夜晚月亮在东山升起小舟在江面荡漾花影在两岸轻轻地摇曳舞蹈把原作提供的大自然迷人景色作为舞蹈的背景通过身着蓝色衣裙手持双白羽扇的女于独舞通过闻花、鸟鸣、对水照影、向往幸福等细节表现了一个怀春的少女对爱情和美好生活的向往。舞蹈的动态飘渺,优雅韵味幽静而悠长意境含蓄浑远。正是舞蹈所营造的情景交融如诗如画的意境十分传神地表现了朦胧淡雅的诗化美感。

再如《荷花舞》舞者身着长裙裙子的下摆是荷叶盘,盘上四角各有一枝亭亭玉立的荷花,远远望去舞台犹如一汪荷花花池,荷花仙子们在水中翩然起舞,特别是以拟人化的荷花女们以圆润流畅的舞步,在舞台上徐缓移动变化着名种队形画面,营造出浮游流动和涟漪层起的意境突显出纯洁崇高圣洁美丽的形象如梦如幻宛如仙境使观众在诗情画意中获得极人美感。

中国古典舞存刚柔相济之风姿中隐喻着以柔克刚的曼妙形象和含蓄力量的美感体现出中国哲学以静制动反求诸己关注心性的内倾性特点和精神,在形神兼备之情态里寄托着艺术追求无限向往永恒歌颂生命的高远情怀以清空曼妙之品性标示中国古典舞高洁的艺术品质和唯美的艺术追求;以诗情画意之意境创造出一个超越凡尘,清新自然的心灵世界以超然物外的独立而崇高的人格追求诠释了艺术美的真谛。中国古典舞气韵之美从社会生活的常态中超然逸出,以清空曼妙的艺术追求和境界创造了无限的具有中国传统文化特色和精神的美的世界在生生不息的文化承传中,以发自生命深层的自觉力量表达着生命的精神和气韵之美的光芒。

正如宗白华先生所言中国舞蹈也是就生命本身体悟道的节奏;中国舞蹈以生命活动作为舞蹈的内涵在追求生命活力和律动的过程中达致生命的自由而解放的境界实现终极意义的超越;而这个过程也是舞蹈的气韵之美的实现过程。中国古典舞在长期的流变发展中博采中国传统艺术之精华形盛自己既秉承优奔传统文化的精神气质又具有鲜明舞蹈艺术特点的气韵/文秘站-您的专属秘书,中国最强免费!/之姜可以说中国古典舞是集中反映中国传统文化精(申中气韵之美的综合艺术。中国古典舞的气韵之美,随着中国古典舞的发展而愈加丰富并越来越反映大众的审美意趣同时也会融通具有时代精神的美学内涵使得中国古典舞的气韵之美焕发时代的色彩。

古典舞论文篇三

舞蹈的细化分类,以舞蹈生态学的角度,即为舞词。舞词为单位构成舞蹈,很显然,舞词的动作特点就是细部的舞种动作特点。中国古典舞的肢体动作,是来源于戏曲、武术、芭蕾以及史籍、壁画等方面的资源,广采博收之后,形成了其动作的基本特点。古典舞身韵有动作从反面做起之说,即逢冲必靠、欲左先右、逢开必合、欲前先后的运动规律,一个动作和动势是往左,但却必须变成从右起势,起势的过程必以呼吸为带动,意识起,呼吸起动作。中国古典舞身韵的呼吸,不单单是气在体内的运行方式,更是中国古典舞中动作走势的牵引主体。例如:身韵中的元素训练提、沉、冲、靠、含、腆、移、旁提,提、沉是由呼吸带动躯干做上下的直线运动,在做沉时,由呼吸气沉丹田下沉,同时它的动势是先由提起法儿,在做提时,则是在沉的基础上再深呼吸,由沉的微弯状态变成提的直立状态,气息要有往上的感觉,其动势变成了先由沉起势,提沉训练最后所要达到的目的是提不止沉不完的贯通阶段。如果只立足于运动的角度,中国古典舞的动势实质,其实就是一种气象,即气之循环往复、无始无终的运动意象。

还有,中国古典舞具有其动作体系当中独特的轴心点一腰。腰,不止在中国古典舞中具有轴心点的作用,在人类身体也处在中线位置,其本来的作用就是上下身的节点和某些动作的旋转轴心。中国古典舞相比较于其它舞种,更为明显和合理的运用了人类的腰的特点,并将美感与柔韧发挥到极致。中国古典舞动作的运行规律是动律元素由心意带动呼吸,再由呼吸支配腰部而体现的。也就是表示,意识带动精神,精神转化为意图,再由意图产生物质动作,而最为重要的转化过程,是以腰为点发散到全身以实现。平圆、立圆、8字圆三种最基本、最典型的运动路线和轨迹就是以腰为轴所产生的,是整个肢体运动造成的圆线轨迹,不止是形要圆,也是运动时线路要圆。平圆:上肢动作运行时展现在观众面前的是一个圈状的圆线运动,如磨盘状,典型动作云肩转腰。立圆:上肢动作运行时展现在观众面前的是一个平面的圆线运动,如车轮状,典型动作摇臂转肩。8字圆:肩部或者双臂同时进行相反方向的两个圆线运动,形成前后或者左后两个相对称的车轮式的圆线运动,如8字状,典型动作风火轮。中国古典舞的相当一部分基础动作都要在此三圆基础上产生,例如:主干动作之一云肩转腰,是古典舞中一切平圆动作的基础,因为它包括了提、沉、冲、靠、含、腆、移、旁提的全过程,其自身的形与神也极富有风格性和韵律性,云肩转腰不仅为圆的多变走向作好腰部的能力准备,而且还可以由此派生出更丰富、更典型的以圆为特征的动作形式,平圆与传统动作中鲜明的横向动势相结合,形成了中国古典舞动作在整体上具有横向动势的特征。

上文已说中国古典舞动作的运行规律是动律元素由心意带动呼吸,再由呼吸支配腰部而体现的。何为心意?想要动作想要表达的意图。为何想动作想表达?摒弃世俗的动因,主观来分析,是因为有表达有动作的欲望和情绪,而正是这欲望与情绪,促成了动作的生成,舞蹈的生成。情感是肢体动作产生的主因,也是驱使一个动作继续发展的动因。在中国古典舞的肢体动作中,情感在很大程度上具有整体性、连贯性和从一性。

气的牵引作用引导情感在肢体动作的行进过程中灌注于全身,形成了情感表达的一致性,也就是说,呼吸牵引身体向_[发展,带动的情绪也是整体往上,在这种动势之下,情感不可能逆全身而动,去发展下行规律,也就只有随之往上。同时,情感对于动作具有反作用力,情感基调是往下的,动作就不能往上,这就保证了一个动作的整体协调和情感完整。也正是因为中国古典舞的呼吸,其肢体动作具有相应的连贯性,带动了情感表达的连贯。呼吸是有规律可循的,舞蹈时,只能欲左先右,却不能在左到一半时忽然往右,呼吸的牵引、气的循环是不允许此类动作的突然变异的。

这就决定,情感跟随呼吸完成一个动作的连贯表达之后,刁一能切换进入下一个动作的场景和情感。情感在中国古典舞肢体动作中的从一性,情感的表达是多层次多方面的,人类在瞬间可以表达数种不同的情感,但是,在肢体动作的单一行进过程中,情感是具有从一性的,也就是说,在一个动作里,情感是单一的,不能多元对立存在,就算是某一个舞蹈作品表现的是爱恨交织的情感,但在一个单位动作里,是没有办法也不存在统一情绪两方的。整体性、连贯性、从一性,情感在中国古典舞肢体动作中的表达的三个特点,是相互依存的。从以上分析可以看出,在某些程度上,三个特点都依附中国古典舞所特有的肢体动作特点而存在,不以具体作品为转移;它们是以单一的动作为依托,与物质性动作相互作用,互为影响;并且三个情感特点之间包括其与动作之间并无矛盾关系,无戏剧冲突性。

凡是舞蹈艺术的范畴当中,不论国家区域的区别,舞种的不同,都是由肢体语言来进行表达的,肢体语言构成一连串的动作,动作相互串联变成一个相对完整的体系,而后构成完整的舞蹈作品。一个舞种的特点,完全可以从肢体动作、动作体系当中体现出来,本章将从这几个方面出发,以肢体动作的情感表达,动作体系的情感表达再到舞种本身的情感表达,去了解中国古典舞中情感表达的特点、形式、风格等。

古典舞论文篇四

1.论五四前后文学激进主义和保守主义之争。

2.论鸳鸯蝴蝶派小说的艺术特征。

3.论鲁迅小说中的知识分子形象。

4.论鲁迅小说中的农民形象。

5.论鲁迅小说的“国民性改造”思想。

6.论《祝福》的艺术特征。

7.论鲁迅散文《野草》的象征主义特征。

8.论鲁迅杂文的艺术特征。

9.《故乡》与《春蚕》比较谈。

10.论中国现代文学创作中的“回乡”主题。

11.论胡适《尝试集》对中国现代文学的贡献。

12.论周作人散文的艺术风格。

13.论郭沫若《女神》的浪漫主义特色。

14.论郭沫若诗歌创作对中国现代诗歌的贡献。

15.论郭沫若历史剧《屈原》的浪漫主义特色。

16.论二十年代的乡土小说创作。

17.论五四时期的问题小说创作。

18.论冰心诗歌创作的思想与艺术特色。

19.论《新青年》对中国现代文学和文化传播的贡献。

20.论五四时期的报刊制度与中国新时期文学之间的关系。

21.论五四“女师大作家群”的创作。

22.郁达夫小说的感伤抒情特色。

23.论张资平小说的艺术特色。

24.论文学研究会对中国现代现实主义文学的贡献。

25.论叶绍钧小说的现实主义特色。

26.论朱自清散文的艺术风格。

27.论田汉早期剧作的艺术特征。

28.论欧阳予倩的讽刺喜剧。

29.论徐志摩诗歌的艺术特征。

30.论闻一多的新格律诗理论及其对新诗创作的贡献。

31.论朱湘诗歌的艺术特征。

32.论李金发的象征诗歌及其对中国现代新诗的贡献。

33.论左联对中国现代文学发展的历史贡献。

34.论蒋光慈小说对红色革命的表现。

35.论茅盾小说中的“时代女性”。

36.论茅盾小说中的资本家形象。

37.论茅盾小说《子夜》对上海都市社会的表现。

38.论茅盾小说的二三十年代中国历史的表现。

39.论巴金小说《家》中的高觉新形象。

40.论巴金早期的青春小说。

41.论巴金小说对新时代传统家族的表现。

42.论中国现代文学中的“多余人”的形象。

43.论老舍小说的人物描写艺术。

44.论老舍笔下的市民形象。

45.比较老舍与鲁迅国民性批判思想的差异。

46.论老舍小说的幽默艺术。

47.论老舍小说的京味风格。

48.论王亚平等人的武侠小说创作。

49.论曹禺戏剧的情境设置。

50.论《雷雨》的结构艺术。

51.论曹禺话剧中的人物形象(周朴园、周繁漪、仇虎、陈白露)。

52.论新感觉派小说的艺术特征。

53.论新感觉派小说对都市社会的表现。

54.论戴望舒诗作《雨巷》的艺术特征。

55.论戴望舒诗歌创作的思想和艺术变化。

56.论萧红小说对女性情感和命运的表现。

57.论萧红小说《呼兰河传》的艺术特征。

58.论丁玲早期小说的女性意识。

59.论林语堂散文的闲适特征。

60.论三十年代文学中的京派与海派之争。

61.论三十年代文学中的人性论和阶级论之争。

62.论梁实秋散文的艺术特征。

63.论沈从文小说的湘西世界。

64.论沈从文小说的乡下人视角。

65.论张恨水的言情小说。

66.论吴组缃小说对乡土的表现。

67.论田间抗战时期的诗歌创作。

68.论七月派诗歌的思想艺术特征。

69.论穆旦诗歌的现代主义特征。

70.论夏衍的话剧《上海屋檐下》的艺术特征。

71.论艾青诗歌意象系统及其意义。

72.论艾青诗歌忧郁风格。

73.论抗战后期讽刺诗的艺术特征。

74.论《财主的儿女们》的艺术特色。

75.论丁玲的小说《太阳照在桑干河上》的思想艺术特色。

76.论周立波的长篇小说《暴风骤雨》的艺术特色。

77.论艾芜小说的讽刺艺术。

78.论茅盾的长篇小说《腐蚀》的艺术特色。

79.论张爱玲小说对女性形象的表现。

80.论张爱玲小说雅俗共赏的艺术品格。

文本细读在现代文学教育中的地位与方法【2】。

高校现代文学教育应该通过坚持以人为本的原则,注重学生阅读的直觉经验,培养学生的问题意识,形成以问题为导向的阅读习惯;坚持审美批评和社会批评相结合,提升学生直觉阅读经验后的`理论深度;从外部创新课堂形式,树立学生课题中的主体地位,使学生在丰富多彩的课题形式中培养自觉阅读的习惯。

自1929年春,朱自清在清华开设“中国新文学研究”至今,现代文学教育走过了近90个春秋,并逐步形成了一整套以文学史为中心的学术体制和教学体系。

文学史教育在建构学生的理论体系、培养学生史的意识等方面,都起到了重要的作用。

但是也带来了一系列问题,主要体现在学生轻视文本细读,以至于学生文本解读能力下降,文学审美趣味减弱,进而影响到学术研究风气:“对于‘宏大阐释’和‘宏观把握’的热衷”,“喜欢制造宏大课题”,其害大焉。

因此,我们必须反思文学史中心论教学体制的弊端,重视文本细读在现代文学教育中的基础性地位。

一、文本细读在中国现代文学教育中的地位。

对于文本与文学史之间的关系,陈思和先生曾有这样生动的比喻:二者“类似于星星和天空之间的关系。

构成文学史的最基本元素是文学作品,是文学的审美构成天幕下一幅壮丽的星空图”。

2试想,我们如果天空没有星星,只有几个符号,说这是月亮、这是太阳,那么估计我们都没有看星空的兴致了。

因此,文本是文学史的内核,在以文学史为核心的现代文学教学体制中具有基础性地位。

其价值主要体现在:首先,文本细读是调动学生阅读兴趣最重要的手段之一。

兴趣是如果我们的课堂,一开始就是大谈文学史关于某段时期的基本概况,谈某位作家的基本特色,举几个老调重弹的例子,那么学生如听天书,不知所云,甚至会轻视现代文学,以为现代文学不过就是反封建,追求自由平之类的枯燥名词。

如《狂人日记》,按传统讲法,先分析鲁迅生平,揭示其思想是讲“礼教吃人”,艺术成绩,简单枯燥,理论先行。

但是,如果我们带着学生去读《狂人日记》让学生去体会,提出问题。

如“今天晚上,很好的月光”,“我不见他,已是三十多年;今天见了,精神分外爽快。”学生也许会问:为何见了月光,就爽快,觉得以前全是发昏?引发思考。

接着就是“我怕得有理!”为何?既有对过去的害怕,三十年来一直吃人和被人吃,也有对未来的恐惧,梦醒了,不知路在何方。

这恰是一个刚觉醒者的心理写真。

接着引导学生读吃人的意象演变,辩证吃人与封建意识形态的关系,将抽象的吃人变为丰富的审美的存在,从而引发阅读兴趣,调动他们课后阅读的积极性。

其次,文本细读是提高学生审美能力和学术修养的基础。

在当今社会,大学教育已经成为基础教育。

塑造学生健全的人格、高雅的趣味、理性的精神是大学特别是综合性大学基本功能,俗话说,“腹有诗书气自华”,那么怎么样才能提高学生的人格修养、审美趣味和理性精神呢?阅读是重要手段。

陈思和先生曾说:“在大学本科生阶段,甚至是硕士研究生阶段,能够指导学生细读文学名著,提升学生的艺术审美能力,通过文学名著的阅读提高他们对文学史的基本理解,要比言目的理论鼓吹或者死记硬背一些文学史知识有益得多。”现代文学是既具有文学的一般特性,也有其特殊性,即现代性,既是语言的现代性,也是“人学”的现代性。

如读宗白华的《流云小诗•夜》。

将自我瞬间的感觉融入宇宙中。

看似物我相融,其实早不是古典的意境,而是现代人的情怀,人不是自然的附庸,而是理性的存在。

情绪的瞬间变化,就在“星”与“宇宙”的意象的关系中得到转化,节奏虽情感而起伏跌宕。

如果我们带着学生朗诵体味,一字一句地分析,慢慢地欣赏,在这种体味到人的渺小与伟大,对于我们理性地看待自己,理性地看待社会,不是善莫大焉吗?亦能让他们分辨出诗歌的美学,提高欣赏的趣味,或许可以对网络语言起到净化作用。

二、文本细读的方法。

首先,以人为本,注重直觉体验,不断设问,追寻问题进行思考,形成以问题为导向的阅读习惯。

文学即是人学。

文学阅读是读者和作者之间的心灵交汇的过程。

因此我们在读文学作品时,应该直面作品,注重直觉体现。

特别是现代文学,写的是现代人的境遇,更容易与读者产生心灵的碰撞,碰撞之后,我们就会提出各种各样的问题,有了问题,就有了阅读的起点,也就逐步找到进入作品的切口,进而一步步观照作品,反观自身。

譬如说,读鲁迅的《过客》,我们现代读者第一印象就觉得这个人“在路上”,而且坚持“在路上”,那么他为什么要一直在路上。

我们也一直在路上,我们会是为鲜花而活吗?抑或是看到坟墓就不走呢?我们是否思考自己是谁?这些直觉体验后的思考,让我们一步步解开他所拒绝的事物的喻指,进一步思考“过客”的生命状态和人生哲学,鲜花是希望,放弃,坟墓是绝望,亦放逐,就连我是谁都不思考,只为“我还得走”的绝对命令而活着,这恰恰是最强大的意志力,在反复的疑问和解疑过程中,我们一步步切近鲁迅“反抗绝望”的生命哲学。

其次,坚持文史结合,坚持审美批评与社会批评相结合。

文本细读,要坚持论从史出,文史相合,坚持审美批评与社会批评相结合,切记陷入“新批评”形式主义批评的窠臼。

具体方法,我比较赞成王卓慈所言的“教师通过文木细读的教学方法,引导学生从文学作品的阅读中上升到理论思考,再运用相应的文学理论对作品进行剖析和评论”,“从而使其能够对接触到的文学作品有更深层次的理解。”具体说来,即先直觉体验,再结合文学史、作者生平及相关的文学理论使学生的阅读理论化,最后再回来文本,加深印象,方法,积累经验,指导今后的阅读。

如徐志摩的诗歌,我们先通过直觉读出《雪花的快乐》的欢快,《再别康桥》中淡淡的哀愁,《火车擒住轨》中发愤,我们在结合徐志摩的生平、思想,联系中国现代诗歌史,加深理解,会发现,这是徐志摩爱情、人生和思想一步步发展的写照,更是徐志摩诗歌从浪漫主义到现代主义嬗变的轨迹,然后我们再结合这些理论、知识读徐志摩诗歌,理解即更深刻。

最后,打破老师在教学中的中心地位,通过引导,使学生成为作品阅读的主体。

老师先示范,带领学生进入阅读的情景,引导学生设问,逐步深入思考,负责解释难点。

例如,我们在讲解小说时,可以让学生通过阅读体悟,将小说改编成剧本,并进行排演,改编的过程既是阅读深入以至再创造的过程,在此过程中,学生无论是对思想内蕴,艺术手法,都会作深入的思考,应用到实践中去;排演的过程,既是加深学生阅读理解的过程,又是陶冶学生人格、提升学生审美情趣的过程。

此外,还可以让学生来主导课堂,设计问题,分组研讨,集中评点,提升学生的阅读兴趣,增强学生分析问题、解决问题的能力。

总之,实现课堂形式的多样化,也是从外部培养学生文本细读能力的重要手段之一。

结语。

文本细读是调动学生阅读兴趣,提高学生审美情趣,培养学生学术能力的重要途径,在现代文学教学中具有基础性地位。

为了更好地开展现代文学教育,纠正文学史中心主义的现代文学教学体制,我们需要坚持以人为本的教学观念,重视文本细读中学生的直觉作用,在直接中设疑,建立问题意识,形成以问题为导向的阅读习惯;需要坚持审美批评和社会历史批评相结合的阅读方法,培养学生文本细读中的思辨能力和理论深度;需要通过创新课堂教学形式,打破老师的中心地位,引导学生成为文本细读的主体,自觉地在丰富多样的阅读形式中培养文本细读的能力。

古典舞论文篇五

古典诗词如幽梦,携着皎皎月辉,向我走来。“明月几时有?把酒问青天。”苏轼的月是豁达的,他知道“人有悲欢离合,月有阴晴圆缺,此事古难全。”他用开阔的胸襟,容纳了他的月亮,发出了“但愿人长久,千里共婵娟”的美好祝愿。若说苏轼的月亮是一轮圆圆的满月,大气,那么柳永的月亮就是一弯细细的娥眉月,娇美。在“暮蔼沉沉”时,词人朦胧的身影出现在江边,他“执手相看泪眼,竟无语凝噎”,然后,词人发出了“杨柳岸,晓风残月”的感慨。一弯残缺的细月静悬空中,散出了孤独凄冷的光。

古典舞论文篇六

现代仿古家具,更多是对古典家具造型的仿制,缺乏对现代人生活方式的思考,若一味仿制古代家具,必然造成其在现代生活中的使用困扰。其次,市面上流行的仿古家具,更多是采用黄花梨木、紫檀木等红木家具制作,制作选料单一,其造价成本高,且由于现代化工业的发展,红木资源愈加匮乏,为新型仿古家具的大批量制作造成困难,更是不利于仿古家具的对外出口,对中国传统文化的继承与传播造成不利。对于古典家具,如何开发出适用于现代人使用的家具是个值得思考的问题。一方面,当代家具更多注重简约,实用性以及舒适性。基于古典家具在国内的使用现状,我们将新料新作的仿古家具模式进行深层次的挖掘,开发出一款符合现代化使用的新型古典家具。在当代家具设计中,形式上提倡非装饰的简单几何造型,且设计出来的成品须符合人的身体结构、人机工程学等。因此,本设计对多功能拼装组合式家具进行了探索开发。

2.1新型竹材的特点。

我国竹材资源丰富,竹材的加工应用技术已浸入工厂与企业。竹材工业在国内得到足够重视,且已取得一定成果,目前我国已成为世界上最大的竹制品出口国。新型竹集成材或重组竹是基于竹子开发的新型材料。将此类材料运用于古典家具中,有效解决了木材资源匮乏经过调研、走访、研究,以及深入了解,可知竹集成材或重组竹具有如下优良特性:第一,其造型丰富,可变换不同形式,用于家具加工中尤为便捷;第二,竹材结构相对实木家具更轻巧实用,在家居使用中更便捷;第三,新型竹材或重组竹纹理通直、优美,其部分物理性质可与紫檀、乌木等优良木材相媲美,在使用过程中,具有高程度的观赏性;第四,处理后的竹材板材防虫蛀,不会开裂、变形、脱胶,其高品质的物理特性确保家具能使用更长时间,更利于其完整性。新型竹材十分利于家具的生产,其轻便性、美观性、以及高品质的物理性能都预示着,新型竹材将在家具行业开拓出自己的领域。竹集成材作为一种新型的家具基材继承了竹材物理力学性能好,收缩率低的特性,具有幅面大、变形小、尺寸稳定、强度大、刚度好、耐磨损的特点。同时,竹集成材十分适用于大批量的'生产,为中国家具市场出口海外提供可能。在充分考虑国内外消费者的居室结构和审美观后,开发出一款多功能拼装组合式家具是十分必要的。

2.2组合式竹集成材家具设计案例分析。

经过深入探讨,本设计最终确立组合式竹集成材家具设计方案。该设计采用中国传统书法小隶体,以字形“宝”字为灵感来源。整体设计通过对宝字的抽象变形,设计出一个大书柜的家具。采用传统书法字体,将古典书法的韵味融入书柜中,与书本中透出的书香气息相辉映,同时体现了中国古典文化的古朴、沉静。整个书柜的材质采用竹集成材,单个零部件简单、大方,适合批量化生产,同时更具古典气息其中书柜的两侧可进行拆分,将其拼装后,即为古代案几仿古家具,其简洁的造型,具有明式家具的高雅、洗炼,不仅具有高观赏性,在当代生活中,其实用性更具吸引力。

3.结语。

中国传统家具崇尚质朴精雅的大风格趋势,组合式竹集成材家具在承袭前人优势的同时,也对现代家居进行了探索。它不仅为现代家具行业提供了一个新的探索方向,其功能性、实用性以及对传统家具的传承性具有深远意义,同时是对现代家具的设计新道路的思考。

古典舞论文篇七

(一)植被生态化屋面节能设计。

城镇化不断发展导致了城市环境问题日益恶化,尤其是城市热岛效应,针对裸露的屋面进行植被绿化,可以有效提高城市绿地覆盖率,改善城市气候,同样也适用于建筑节能设计范畴。植被的首要作用便是遮阳降温,寻常的遮阳构件只是通过反射的方式防止室内得热,而植被可以进一步减少夏季外层空气与建筑内部的热交换,同时利用光合作用吸收太阳辐射,从而降低周围环境温度,提升室内空调的节能效果;植被的蒸腾作用可以将屋顶存留的雨水散发到空气,降低周边环境的干燥程度,植被可以吸收co2和部分有毒气体,净化空气指数,同时还有一定的降噪效果;秋冬季节植被枯萎,屋顶土壤层干燥,保温效果明显,而常绿植被有阻热功能,防止建筑内部热量不外散。但是,屋面绿化相较于地面绿化有着更高的技术要求,屋顶荷重决定了土壤层厚度,所以适宜选择轻质材料,而植物容器也可以用木竹或者塑料来代替。而植被以浅根系的植物为宜,同时要求耐热抗风耐贫瘠。

(二)科学蓄水层屋顶节能设计。

植被生态化屋面需要一定的经济支出,而蓄水层屋顶节能设计会更加实惠。水作为液体中比热容最大的物质,有着热稳定性的特点,同时隔热散热效果明显。屋顶蓄水层设计可以消耗太阳的辐射热量从而直接降低屋面温度间接影响建筑周边温度,减少夏季室内降温的电量支出。防水建筑屋面蓄水不仅隔热降温同时又可以改善屋面混凝土使用条件,比如避免暴热骤冷引发的急剧伸缩,混凝土浸水有利于强度增加等。蓄水层设计可以和植被生态设计同时使用,以水生植物来避免蚊虫来避免蚊虫滋生。由于蓄水层蓄水管理将为繁琐,所以建议采用天然雨水,但须在一定高度设置排水孔,以防蓄水太高超过建筑荷重,而雨水收集除了用以做建筑蓄水层外还有着更为科学积极的意义,比如将雨水收集进行清洁用水,减少水资源的浪费提高水资源使用率。

(三)叠合防水层式屋面节能设计。

当前屋面从刚性防水设计到柔性防水设计,依旧没有根本解决建筑渗、漏、滴的现象,这与屋面防水材料选择与施工方法有着直接联系。通过实践观察,将单一刚性防水层或者柔性防水层做成叠合防水层,既能达到防水效果同时又可以保温隔热。传统的建筑工艺要求基面必须干燥,但是受露天作业下的潮湿雨水等因素影响,使作业效果大打折扣。而现在所讲的叠合防水层是将刚性防水和柔性防水综合使用,使刚性防水层成为第一层防水层,同时用成为柔性防水层的保护层。虽然工艺操作相对复杂,但是实际效果尤为明显。实践证明,叠合防水层在使用一定年数后油毡依旧如新,而暴露在空气下的油毡已经非常老化,最终失去保护效果。

二、提升自然资源使用率的节能设计对策。

(一)窗户科技材料使用节能设计。

基于采光通风需要和现代建筑特点,建筑物的窗户面积占有更高的比率,甚至有全玻璃式的落地窗设计。以至于通过窗户而消耗的热占屋面热能耗的四成左右,窗户节能设计成为屋面节能设计的关键之一,而窗户节能设计主要途径是改善现有材料隔热保温性能和综合封闭性能。当下科技含量较高的节能产品有铝木复合型材、铝合金断热型材、钢塑整体挤出型材以及upvc塑料型材等,尤其是以原料为硬质聚氯乙烯的upvc塑料型材使用较为广泛。而将镀膜玻璃、中空玻璃替代普通玻璃可以在一定程度上解决大面积玻璃热能损耗的问题。经过测算,防阳光双层中空玻璃和热反射中空玻璃的传热系数只有普通玻璃的四分之一左右。

(二)自然通风式屋面节能设计。

传统通风设计主要是开窗后的空气对流或者空调系统的运行,而开窗后通风效果不明显和空调设备运行所消耗的能源和带来的环境污染问题都是无可避免。所以自然通风式的屋面节能设计成为环保新理念。自然通风是以风压,热压或两者结合形成的,可以根据区域性差异选择不同的手段。翼型屋顶可以独立形成自然风的低压区和高压区,也可以结合烟囱,天窗的气流进出形成一个更为科学的通风系统。或者当建筑周围受其他建筑的影响无法形成通风系统时,可以建筑机械辅助组织气流,虽然将消耗一定的能源,但是相比空调的使用效果会更加明显,也更为健康环保。

(三)太阳能光热电一体化屋面节能设计。

我国屋面建筑节能设计目前应用最为广泛的是太阳能热水器,它的`显著特点是环保,节能,安装便捷,加热迅速等。但当下人们使用太阳能热水器多是在建筑完工后独立安置,集热板,管道杂乱安置,甚至破坏了原本屋面设计的防水层保温层。随着人们对其优势的重视,太阳能热水器的普及将会持续发展,同时也会更加安全节能。单单太阳能热水器并不能将太阳光的优势充分利用。德国推广普及的太阳能建筑,将其分为集热系统,蓄热系统,分配系统,辅助热源和控制系统。其中集热系统和屋面设计紧密相连共成一体。太阳能建筑可以通过介质在夏天将屋内的热气排出,作为调节气温的冷源,在冬季吸收热能经过循环作为供暖的热源。同时,通过太阳能集热系统和屋面建筑设计的结合储存的热能还可以满足不同温度的热水需求。太阳能屋面发电系统的建立使太阳能还可以转化为人们日常所需的电能。河南财税高等专科学校新校区七栋宿舍楼楼顶布满了太阳能光伏板,据悉依靠这些光伏板产生的发电可以满足学校80%的正常用电量,在夏季光能比较充足的时候,满足学校用电的同时还可以将剩余电量卖给国家电网。目前国内部分地区正在开始推广住宅屋面设计结合太阳能发电系统,相信这是继太阳能热水器之后对太阳光能的又一次重大利用,而太阳能光热电一体化屋面节能设计,也将在不远的将来得到全面广泛的普及使用。

综上所述,通过实施屋面建筑节能设计,不仅可以有效节省建筑资源,同时也能进一步保护环境,有效改善建筑居住条件提高居住者的生活质量,成为当前建筑设计范畴的一项根本创新,值得在后续建筑屋面节能设计工作中,作出进一步应用。

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古典舞论文篇八

摘要:文章以古罗马时期和洛可可风格两种性别倾向明显的家具风格为例,对比分析了西方古典家具性别化的历史背景,并从造型要素、形式美法则和装饰方法等方面探究了其性别化的具体表现形式及意涵。结合目前我国家具设计的现状和趋势,提出可以通过借鉴西方古典家具性别化特征来实现现代家具造型设计的个性化,为现代家具设计的创新提供思路。

关键词:西方;古典;家具;性别化;设计。

纵观西方家具发展史,一些特定时期如古罗马、哥特式风格、仿罗马式、洛可可风格和新古典风格时期等的西方古典家具,在造型上能够显著体现出男性化和女性化的特征。为了更深入地理解西方古典家具性别化造型特征的意涵,本文以古罗马和洛可可时期为例对其历史背景、造型要素和装饰方法等方面进行对比探析,从而为借鉴西方古典家具性别化特征来实现我国家具的个性化设计提供新思路。

1造型性别化形成的历史背景。

1.1古罗马时期。

罗马是意大利半岛中部西岸的一个小镇,经过长期的发展,从一个闭塞之地逐渐崛起成为地区间的强大国家。古罗马(公元前6世纪-5世纪)时期重视军事力量,崇尚暴力和杀戮,具有英勇无畏、崇尚荣耀的特质[1]。在这种精神力量下其建筑和家具造型也具有明显的男性化特征。尤其是铜质家具和石材家具具有坚厚凝重的特点,显示了一种男性化的风格,表现了罗马帝国尚武好战精神。

1.2洛可可风格。

洛可可风格家具盛行于法国路易十五时期(公元17-18世纪),路易十五皇帝当政,受宫中女宠影响,这时期的家具在造型上呈现明显的女性化特征,放映了他们的爱好与情趣。家具整体尺寸较小,容易搬动,适合在较小的闺房中使用,造型纤细、弯曲尖腿是腿部造型的唯一形式,整体轻巧,丰满柔润,宛如妇女体态(图2)[2]。

2造型性别化的表现形式。

2.1造型要素。

2.1.1点线面。

在点线面方面造型性别化特征表现是由方、圆或曲、直来产生的。如方形的点相对于圆形的点,曲线相对于直线,平面相对于曲面,皆是前者具有男性化倾向,而后者更具女性化特征。古罗马时期家具的挺拔、强健,单纯、简朴,厚重的特征,体现了男性的统治地位。对比代表极端享乐主义时期洛可可风格家具的造型是反对直线的,大量的非对称的s型c型曲线大行其道。不规则曲线婉转曲折,优美、轻快、流畅,富有柔和优雅之感,体现了女性风格的主导地位。

2.1.2质感。

不同性别对质感的偏好有着较大差异,坚硬和柔软等同于阳刚和阴柔的对比。都在传递给人某种视觉和触觉的感官判断,或阳刚或阴柔,或阴阳相济。古罗马时期的家具,除了木质家具外,铜质和石质家具的成就较大,主要材质是黄铜、大理石和石灰石等,能充分表现出厚重的男性化艺术特征。相对于坚硬、冰冷的材料,洛可可时期的家具倾向于更加温和的质感,木材多用温润的胡桃木,加之硝基漆透明的漆膜给人有温度的肤视感。

2.1.3色彩。

从色彩心理的角度,不同的色彩具有不同的性格与表现力。古罗马时期,铜质和石质家具呈现的是材质本身的色彩,表层贴面的珍贵木材多为暗色,体现坚厚凝重的艺术特征。洛可可家具的装饰上以青白色为基调,模仿西欧上流社会妇女的苍白肤色,以示高贵[3]。此外,在胡桃木本色基础上镂刻优美的曲线,通过金粉涂饰或彩绘贴金,最后再以漆膜罩光,使整体产生富丽豪华之感。体现了新王朝女权高涨形势下,上层社会女性的爱好。

2.2形式美法则。

2.2.1比例与尺度。

在家具造型中,合理的比例能够使家具外观造型更符合人的生理和心理的需求从而产生和谐之美的视觉感受,因此优秀的家具设计大都具备良好的比例关系[4]。西方古典时期的罗马家具和洛可可式家具各自独特的比例关系是展现其风格特征和内在意涵的重要方面。男性权利为主的古罗马时期家具尺度偏大,通过夸大来表现雄伟的气势。与此相反,洛可可时期的家具采用亲切的尺度,家具的尺寸变小了,满足了当时上层社会女性沙龙生活中方便交际的需要,同时也反映了女性生理和心理的特点。

2.2.2对称与均衡。

对称与均衡决定着家具的功能特点、结构特点以及形式布局。几乎所有的西方古典家具都是对称的结构,尤其是具有男性化倾向的家具,是一种等量均衡。而女性化倾向的家具,在构图上也常采用动态均衡,即在求得不失重心的原则下,虽然中心线两边的形态和色彩不相同,但通过各组成单体家具或部件之间疏密、大小、明暗以及色彩对比来实现均衡。如洛可可式家具,打破形式美中的对称和均衡的艺术规律,弯曲造型采用非对称的s型和c型和涡卷形曲线,追求运动中的纤巧与华丽,更加多变,具有变化、活泼、优美的特征,形成了具有浓厚浪漫主义色彩的风格。

2.2.3节奏与韵律。

在家具造型设计中,将家具的形体结构和零部件的体、形、线等要素,进行连续的排列组合与分割,产生曲直、起伏和大小等有规律的重复和交替,便形成节奏感的艺术效果,若再进一步深化表现出抑扬婉转和运动方向的连续变化,便给人以韵味无穷的律动感。如具有男性化倾向的仿罗马时期家具反复使用建筑上的连环拱廊和成排的车制的杆件,都使得其外部形式产节奏感。韵律之于节奏,更适于表现女性的柔婉。如洛可可家具风格采用多变的曲面和复杂的波浪曲线,创造了富有流动感的柔美的女性风格。

2.3装饰方法与图案。

2.3.1装饰方法。

古罗马时期家具的装饰手法有雕刻、镶嵌、绘画、镀金、贴薄木片和油漆等。木质家具往往以名贵的木材或金属作贴面和镶嵌装饰,在石材上雕刻主要采取立体感的、浮夸的`做法,各个细部的雕刻深度较大,来强化男性的力量感。女性化倾向明显的洛可可式家具,主要手法是在木材上雕刻和髹漆,但是雕刻的手法是精细纤巧的雕刻装饰,配以色彩淡雅秀丽的织锦或刺绣包衬,高贵瑰丽的视觉效果。

2.3.2图案与纹样。

家具的图案和纹样是围绕着特定的风格而设定的,是家具精神特征的强化。具有性别倾向的家具风格其装饰纹样反映了其内在意涵的需要。古罗马时期家具装饰图案和纹样的题材主要有:王冠、叶饰、狮头、飞禽等,还有战利品雕饰武器、盔甲、花环和贝壳等[5]。这些装饰内容无不与权威、力量、王权有关,对男性的英雄主义的表现淋漓尽致。而洛可可式风格家具,雕刻装饰的图案主要有:狮、羊、猫爪脚、“c”形、“s”形、涡卷形的曲线、花叶边饰、齿形饰、叶蔓与矛形图案、玫瑰花、海豚、漩涡纹等。包括东方装饰图案,如中国园林中的假山和岩石、喷泉等,这些题材给人带来的是女性的轻松、浪漫和随意之感。

在人们生活方式和审美情趣不断提升的背景下,家具产品的创新设计显得尤为迫切[6]。今天的人们都在追求自我存在的价值,最大限度的展现自我,必然产生个性化需求。个性化追求已经形成了家具市场消费的主流导向,满足个性化的消费者已成为家具企业的一个发展趋势[7]。个性化追求是独特性、非大众性,从而表现与众不同。在造型创新方面,要把握古典家具的神韵和风格,综合思考传统文化精神和当代审美意识的融合方式[8]。以西方古典家具的性别化特征为鉴,可以将家具造型性别化作为个性化的一个切入点,尊重人在生理和心理等方面的性别差异,根据不同的性别特点来对家具的造型、材料、色彩、地域等进行定位和设计,是一个富有人情味并充满人文关怀的创新设计思路,并能体现“以人为本”的设计理念。(图3)所示连衣裙造型的现代家具,体现了女性化特征。为了适应个性化的消费需求必然导致了家具定制化运营模式。而如何既满足用户的个性化定制需求,又能批量化生产,有效的利用资源,尽可能的减少成本,是定制家具模式发展所要解决的现实问题[9]。可以根据性别对同类产品的不同细分市场的第一层次,进而面向个性化细分市场。这需要对不同性别倾向的家具在功能、外观、结构、尺寸、材料、工艺等方面进行分析总结,归纳出产品或其零部件在设计、制造的过程中的相似性质,以尽可能的减少产品内部多样化,扩大产品外部多样化,同时又能体现个性化,解决个性化定制与大规模生产之间的矛盾[10]。从而达到主流消费者所追求的平价化和个性化的平衡。

4结语。

任何创新都可来自于对传统的继承和发展,正如西方千百年来的家具设计,始终都没有超出古埃及家具创造者的想象。除了古罗马家具的男性化和洛可可式家具的女性化,典雅的新古典家具和古希腊优雅的克里斯莫斯椅等,无不反映出造型设计性别化特征的脉络。随着我国社会的发展和物质的极大丰富以及标准化生产带来的日益凸显的大众化问题,内在的精神需要越来越显得重要,成为现代家具设计的主要诉求之一,并形成一种明显的发展趋势。因此,西方古典家具造型设计性别化特征可以是现代家具设计的创新源泉之一,当加以借鉴为现代个性化家具设计提供思路。

参考文献:

[1][英]彼得弗兰科潘.丝绸之路[m].杭州:浙江大学出版社,.

[2]陈于书.家具史[m].北京:中国轻工业出版社,.

[5]许美琪.西方古典家具史论[m].北京:清华大学出版社,:165.

[7]郑哲.谈个性化家具设计的切入点[j].艺术与设计(理论),,(08):129.

[9]刘佳.为满足个性化需求家具企业营运模式的研究[d].北京:北京林业大学,.

[10]叶芳.大规模定制家具设计方法研究[d].昆明:昆明理工大学,:3.

古典舞论文篇九

陶瓷花鸟画在我国陶瓷装饰史上有着十分重要的地位。陶瓷花鸟画的笔墨情趣、人格寄托和独特的时空意识是其重要的美学特征。陶瓷花鸟画所描绘的是生机勃勃、富有动感的生灵,自然界中的花草、树木、飞禽、走兽、游鱼、鸣虫都是它的表现范畴,在描写这些物象之时,陶瓷艺术家们多着力于捕捉对象最具有动感的瞬间,使得陶瓷花鸟画能够充分地描写千姿百态的自然之美。陶瓷花鸟画的技法多样,以描写手法的精工或奔放分为“工笔”、“写意”、“兼工带写”三种。而艺术创作,主要有立意、构图、创作等几个步骤。

陶瓷花鸟艺术作品的创作,由画家的灵魂、生命的投入,诗一般意境的表现使得审美趣味以怡悦性情冲淡了社会的功利性。这种转换体现在画面上,较为明显的改变之一就是构图。构图,在中国传统画论中称为章法、布局、经营位置。它的主要任务就是准确表达艺术家的美学观点、主题思想,充分地表现作品的形式美。构图的形式多种多样,构图中最基本的形,有三种线的运用:直线是平静的线,给人以稳定感;斜线是运动的线,给人以动感;曲线是节奏线,给人以韵律感。由以上三种线组合而成的画面,其形式感则更加强烈,在构图上,它突出主体,善于剪裁,时画折技,讲求布局中的虚实对比与顾盼呼应,而且在写意花鸟画中,尤善于把发挥画意的诗歌题句,用与画风相协调的书法在适当的位置书写出来,辅以印章,成为一种以画为主的综合艺术形式。构图决定了画面大致情况,很多人都知道要确立宾主、虚、实空间,疏密得当,但在一些细节处理上颇显生疏。在陶瓷花鸟画构图上,要注意边角,无论何种画面格式的构图,出枝的部位不要安排在画面的四个角和四个边的中间位置,那种出枝方式呆板,有损于视觉效果。应避免三点一线,半边一角,如有二点连成线也不能与画幅边平行。在一幅画面上出现两朵花时,花头不要上下摆成“吕”字形,也不能左右等高面凑或背向,这样出现对称,易与画幅边平行;出现三朵花时,不要摆放成“品”字形,如果三朵花等距离就失去了聚散关系,必须成不等边三角形。同理,也要按照这个原则安排鸟或其它物象的位置。在枝干的安排上要女字出枝,气势要足,体态优美,生动自然。一般来说,干长枝短笨拙、呆板,干短枝长灵动优美,出枝不要对称平行,要有长短,不可两枝下头,不可虾须、绳结、并排、菱格,也不要等距离交叉和垂直。要确立主体、副体和对立体。例如,一幅牡丹花画面,在主要位置上画一株大花头,姿态艳丽为主体,在次要位置上再画一株为副体,之间再配上一块太湖石,为对立体,让石头与牡丹花颜色成鲜明的冷暖对比,使牡丹花更加艳丽,作品中不能没有对立体。此外,还要注意画面比例协调,正确处理黑白关系,既要重视画面上画黑的部分,又要重视画面上空白的部分。

中国画利用生宣与水的作用,使表现对象富有无穷的韵味,而现代陶瓷花鸟画因为材料操作的方法不同,有它自己的特色。陶瓷颜料它是用经过化学提炼的樟脑油代替国画中水的稀释剂,还有一种乳香油来调配各种颜色,这种油既可使色彩不易干,同时经过高温烧成后还可增加画面的亮度感。利用樟脑油作稀释剂在瓷质光滑坚硬的表面可使画面具有另一种流动的美学肌理效果,在使用过程中樟脑油的多少,也直接关系到墨色的浓淡虚实变化。在画法上,花鸟画因对象较山水画具体而微,又比人物画丰富,所以工笔设色更具写实色彩或带有一定的装饰意味,而写意花鸟画则笔墨更加简练,更具有程序性与不可更易性。在创作过程中,从勾草图到上正稿,及至设色过程,要经常全面检查画面效果,尤其是大件,不易看准整体效果。如有问题,考虑好再继续画。最后还要检查或调整,要能远看有气势、气氛浓烈,近看经得起推敲。力求表现出构想的意境,达到气韵生动。

古典舞论文篇十

柳永是两宋著名词人之一。他善于填词而且精通音乐,工于音律,走歌妓乐工合作的道路,在两宋文坛上影响甚大,他不仅留下了213首词作,并在两宋近1500位词人中创作数量排名第15位〔1〕。他的词在当时和后代都广泛流传:从教坊妓院到市井巷陌,从井水之处到宫廷禁中,从中原地域到边疆境外,都能听到柳词不绝于耳的传唱,影响极为深远。柳永词的词史地位虽在历代遭到不同程度的非议,但实际上其词在后代人那里又被不断的学习和模仿。本文拟从歌妓的歌唱传播和柳永词集的编刻及历代选本选录柳词情况的考察,试分析探讨柳永词的艺术成就和词史地位。

古典舞论文篇十一

摘要:音乐是人类富有精神价值的文化艺术,它和人的生活情趣、审美情趣、语言、行为、人际关系紧紧相连。它是表达人们思想感情、反映现实生活的艺术,它是人们的精神粮食,在社会中是不可缺少的。作为音乐中的瑰宝,古典音乐也在人们的生活中充当了重要角色。它集聚了大师们的思想和灵魂,凝聚了他们的辛勤和汗水。倾听古典音乐,就像是在抚慰我们的灵魂。时代在前进,但历史留给我们的珍宝也不能丢失。因此现在的人们需要重温古典音乐,让古典音乐不会因时代的改变而被抛弃。

中世纪(1450年前)。

这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单身歌曲集。大多用于两种礼拜仪式:一是弥撒,歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹,这是教堂仪式的中心;二是日课,就是修道院每天咏唱的八课圣事,主要以诗篇为主。

巴洛克时期(约公元1600—1750)。

这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性:华丽、复杂、藻饰、扭曲,着重于超现实和雄伟宏奇,这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代(以及后来的古典时代)代表着井然的秩序和澄澈的表现,那么巴洛克时代(及后来的浪漫时代)就代表着骚动、不安和疑虑。四声部的和声,以及加上文字指示和弦的数字低音都产生与巴洛克时期。同时旧的教会调式消逝,大小调音阶系统和沿用至今的相关调性崛起。另外节奏思想也在这个时期萌芽。

古典主义时期(约公元1750—1820)。

浪漫主义时期(约公元1820—1900)。

也许有的人会说我不是不喜欢古典音乐,而是觉得它太深奥,自己不容易懂,因此就不会静心去听,慢慢地也就不会去听了。是的,古典音乐是大师们心灵与肉体的结晶,它具有高深层的含义,也许正是由于它那高深的精神境界让我们远离它。因此有的人不敢接受,许多愿意尝试接受它的人却又不知道该如何去欣赏它。

另外,古典音乐的曲目和演奏形式都太单调,又都太强调严肃性,也许是因为古典音乐需要一个严肃的氛围,但音乐本身就有严肃性,那么再加上它的宣传方式,那不就加大了古典音乐和人们的距离。当作曲家的经典作品像出土文物一样被开发出来时,就会被众多乐团和指挥大师们翻来覆去地演奏了一百多年,纵然经典作品数量众多,但毕竟还是有限,当一部作品被大量乐团演奏了无数遍,当一部作品被听众欣赏了无数遍之后,需求的减少也就成了必然。然而和其相比流行音乐曲目风格不断变化,数目也无限制,表演形式也多变化,正迎合了人们的兴趣。还有如果想要获得一张古典音乐会的门票是多么的难,也因为其票额高让很多人在音乐会场前止步。

还有随着社会的进步,古典音乐也受着商业化浪潮的冲击,但由于其不论是内容还是形式都不能迎合商业化浪潮,它也不会有利益可图,因此在商业化浪潮面前它是力不从心的。但怎么能因此将古典音乐逼向绝路。在诺曼。莱布雷的《谁杀了古典音乐》中指责音乐明星利欲熏心,经纪公司幕后操作,唱片业主唯利是图,从而联手将古典音乐推向死路。

其次,人们对音乐的欣赏还停留在表面,只听旋律而不感受其他的,因此那些欢快旋律的,朗朗上口的流行音乐便成了人们的挚爱。总之从外在的表征观察,古典音乐听众的老龄化,市场份额缩小;就社会支撑而论,体制运转不畅,财政危机四伏;以内在机制来说,曲目普遍保守,新作缺乏冲击。

四解决问题的办法。

在的古典音乐进入了转折关头,那么我们又该采取什么手段来保存我们宝贵的历史文化财富,我们该付出什么努力来拯救古典音乐。首先,就其本身而言古典音乐应该从宣传方式上减少它的严肃性从而缩短与人的距离。它可以用多样式的宣传方式来宣传,并且要用更加贴近大众的姿态来展示自己。另外,在拥有其本身的精髓的基础上,古典音乐应该努力与时代“合拍”,不仅仅与其他音乐进行沟通,而且也与当代的形式、技术、和生活发生联系。这样古典音乐也跟上时代的步伐,缩短和人们的距离。

其次,对于人们来说不仅仅要去聆听古典音乐,还应该从深层次上去品味,欣赏它,体味其内在的寓意。因此我们要加强古典音乐的欣赏的积极性,主动了解古典音乐,多听古典音乐,找出自己喜欢的类型,此外,自己除了在家聆听外还可以走进音乐会场感受真正的音乐盛宴。另外,对于青少年的古典音乐素养还要加强,在音乐教程中多加古典音乐曲目,在教授过程中要求学生明白基本的古典音乐知识点,学会聆听并自己对其内在的精华进行品味形成自己的思想。还应该从小培养儿童的古典音乐素养,这样日积月累对古典音乐进行正确的认识有很大帮助。

另外,在现在商业化浪潮的冲击之下,政府应该给予更大的支持。这样在便可以同那些古典乐迷一起保护这一文化。

让古典音乐重新焕发光彩不仅仅是乐音工作者的任务,每一个普通公民都有责任去拯救属于我们自己的灿烂文化。如今的社会繁华,喧闹,然而当耳朵里响着古典音乐时,闭上眼你会感受到一个纯净的世界,在这个世界里你会远离城市的喧嚣,烦恼,这就是古典音乐的魅力。古典音乐是心灵的音乐,因此我们要齐心协力将它带回现代生活,让它走进大众生活,让它重新绽放光芒。

参考文献:

古典舞论文篇十二

爱情,作为大学生的我们,这两个字眼儿已经不再陌生。或许我们正沉溺于爱河之中大秀恩爱,又或许我们失恋了无奈重回单身狗大本营。确实,爱情离我们并不遥远。但是,爱情过后呢?作为一名理性的工科生(或许是因为还没尝过爱情果子的缘故吧),除了爱情,我也想谈谈离我们有那么一丁点遥远的“婚姻”,聊聊在古典诗词中这爱情的将来式到底会是怎样。

老师曾在课上分享过这样一首诗:氓之蚩蚩,抱布贸丝。匪来贸丝,来即我谋。送子涉淇,至于顿丘。匪我愆期,子无良媒。将子无怒,秋以为期。

乘彼垝垣,以望复关。不见复关,泣涕涟涟。既见复关,载笑载言。尔卜尔筮,体无咎言。以尔车来,以我贿迁。

桑之未落,其叶沃若。于嗟鸠兮!无食桑葚。于嗟女兮!无与士耽。士之耽兮,犹可说也。女之耽兮,不可说也。

桑之落矣,其黄而陨。自我徂尔,三岁食贫。淇水汤汤,渐车帷裳。女也不爽,士贰其行。士也罔极,二三其德。

三岁为妇,靡室劳矣。夙兴夜寐,靡有朝矣。言既遂矣,至于暴矣。兄弟不知,咥其笑矣。静言思之,躬自悼矣。

及尔偕老,老使我怨。淇则有岸,隰则有泮。总角之宴,言笑晏晏,信誓旦旦,不思其反。反是不思,亦已焉哉!

《氓》是一首弃妇的诗,“恋爱”、“婚变”、“决绝”。弃妇与负心男子从订婚、迎娶,又到遭受虐待、遗弃。少女为一青年男子所追求,终于结成了夫妻,尽管她甘贫操劳,多年如一日,然而色衰爱弛最后仍被丈夫休弃归家。一路上,有初恋的期待,有迎娶的欢乐,有遭虐待的痛苦,有被遗弃的悲哀,更有不堪加回首的叹息。

爱情是世界上最简单的事情,很矛盾地,偏偏也是最复杂的事情。置身其中,常常看不明白。婚姻是不是爱情的坟墓?这个问题,其实已经被问烂了。最常见的回答大概是:没有婚姻,爱情将死无葬身之地。爱情内在的矛盾说白了,是两个自由的个体对于自由和所需承担的责任的矛盾,只不过婚姻放大了这些矛盾。我始终认为,长久的爱情,必然需要妥协。周国平先生曾说:“爱情是自由的飞翔,婚姻是平稳的着陆。我相信两个人相爱,还是以共同生活为目标,这实际上就是婚姻,所以,严格来说,婚姻是爱情的目标。”是的,婚姻并不是爱情的坟墓,对于芸芸众生而言,婚姻仍然是爱情的归宿。

然而,在这首诗中,在恋爱时的生活,当年他来求婚的时候,面带敦厚,还玩了一个可爱的小小的花招,表面上是抱着布匹来换丝,其实是找“我”商量婚事来的,可是来得匆忙,连媒人都没找好,“我”送他渡过淇水一直到顿丘,约好秋天再结良缘。此时的“我”是多么缠绵而痴情啊!自此以后,“我”就深深地陷入了相思之中、“不见复关,泣涕涟涟,既见复关,载笑载言”,“我”纯真,热情,“以我贿迁”,“我”善良,朴实。这时,爱情达到高潮,欢乐达到顶峰,但是,这也是女子不幸遭遇的起点。热恋时的“我”有过太多的美好憧憬,有过太多的甜蜜苦乐。热恋中男子的“怒”我“愆期”玩弄的小小花招。

在追述婚后的生活,婚后的“我”,忍受多年贫苦的生活,辛勤地操持家务,不分白天和黑夜,不分今日和明朝,自问“女行无偏斜”,只因容貌日渐衰老,便“仍谴归家去”。从“氓之蚩蚩”到私欲得到满足的“至于暴矣”,至朝三暮四后的“士贰其行”,男子的暴戾不仁、忘恩负义。“于嗟女兮,无与士耽!士之耽兮,犹可说也。女之耽兮,不可说也。”“女也不爽,士贰其行。士也罔极,二三其德。”这般长歌当哭般的呼号,是“我”从多年婚嫁生活中得出的惨痛教训,深重痛惜,对负心人强烈愤慨。

“兄弟不知,咥其笑矣”,“我”被遣归家时想象到回到家时的情景,包含着无尽的凄婉和哀怨,初婚之时桑“其叶沃若”,遭遇遗弃之时,“其黄而陨”,情尽委曲。男子在婚前的虔诚,婚后的负心令人心寒,结尾小青梅竹马的经历更让人心悲凉。

那么,万一爱情幻灭,就像氓之于弃妇,之后,婚姻该何去何从呢?

这首诗中有几个有意思的事物反复出现。首先是“洪水”,先是“送子涉淇”,中间是“淇水汤汤,渐车帷裳”,最后感慨“淇则有岸”,自己的幽怨却永远不能休止。三次出现淇水,抒发的感情却不相同。第二个是“桑”,用桑树来比喻弃妇本身由青春焕发到芳华己逝的转变,由鸠食桑葚引出对负心男子的沉迷,充满了沉痛和悲哀。还有“车”,先是登上高墙,盼望恋人驱车而来,接着是“以尔车来,以我贿迁”,把自己的嫁妆奉献给对方,最后是“淇水汤汤,渐车帷裳”。期盼、付出、受伤,弃妇的命运通过车辆的三次出现清楚地展示出来,其中的苦辣酸甜都装到了车里。

恐怕是如花美眷,也敌不过似水流年。落花有意,流水无情,婚姻当真是比爱情多了几分辗转。

一个情爱故事被表现得真切自然。女子情深意笃,爱得坦荡,爱得热烈。婚后之怨,也是用心专深的折射。真真好一个善解人意、勤劳聪慧、果敢率真、通情明义。在婚前,她怀着对氓炽热的深情,勇敢地冲破了礼法的束缚,毅然和氓同居,这在当时来说,是一件难能可贵的事。按理说,婚后的生活应该是和睦美好的。但事与愿违,她却被氓当牛马般使用,甚至被打被弃。原因就是当时妇女在社会上和家庭中都没有地位,而只是的丈夫的附庸。这种政治、经济的不平等决定了男女在婚姻关系上的不平等,使氓得以随心所欲地玩弄、虐待妇女而不受制裁,有抛弃妻子解除婚约的权利。“始乱终弃”是氓对女子的罪恶,她虽曾勇敢地冲破过封建的桎梏,但她的命运,终于同那些在父母之命、媒妁之言压束下逆来顺受的妇女命运,很不幸地异途同归了。士之耽兮,犹可说也;女之耽也,不可说也!这满腔愤懑地控诉了这社会的不平。男女不平等的社会真实面貌,如在目前。

在我看来,爱情的终极目标是找到不离不弃的亲人。归根结底,我们并不能够通过婚姻这种形式保有最初的爱情,浪漫的摄人心魄的爱情都在艺术作品之中,其实,恰是因为爱情如此转瞬即逝,人们才会如此怀念逝去的爱,永永远远歌颂爱情。然而,我们必须清楚,当爱情进入婚姻,无论旧爱抑或新欢,生活永远都在继续,我们要去面对那个曾让自己心如撞鹿的人,要去面对彼此最真实的一面,然后相濡以沫,共度此生,此时此刻,婚姻就为我们开启了另外一扇门。罗曼.罗兰说,世界上只有一种英雄主义,就是看清生活的真相之后依然热爱生活。这句话,在爱情和婚姻之间,同样适用。面对爱与婚姻这一个庞大的话题,我同样是个提问者,我能确定的是,答案,就在我们每个人自己的心里。

对于爱情,作为一个“好学生”的我并没有太多经历,但是我一直在期待爱情。我曾开玩笑问我的爷爷奶奶,这么多年下来,回首一生,最重要的人是谁?他们都笑指身边的那个人。我妈也常说,我们一家人都很重要,但爸爸永远是那个最特殊的存在。唉,不是我说他们,这都老夫老妻了,把单身狗虐的不要不要的。小的时候,我很“嫌弃”他们把爱情过得那么没意思。可是,现在,我明白了,爱情就是平平淡淡的。我的爸爸妈妈是如此,我的爷爷奶奶也是如此。当我看到爷爷奶奶携手散步,满脸褶子,也笑得那么灿烂时,我才知道,爱情,从未在他们的生命里离去,时间没有带走什么,只是,让他们更加习惯彼此。别怕爱情会变成亲情,如果你始终感觉对方是你在这个世界最亲的亲人,那么你们的爱情早已坚不可摧,虽然不再充满激情,却自有天心月圆,春满花枝的美。爱情的终极目标不就是寻找那个白首到老的亲人?亲情是爱情的升级版。马克吐温说:爱情是疯狂地奔跑,婚姻是慢慢地成长,似乎爱情更有动物性,而婚姻更像一棵植物。一辈子做个奔跑的小鹿,何其累也?偶尔当棵树,静静生长,枝与枝相触在云中,根与根相连在泥土,终生相依,恒定坚持。

我们的身边中,有不少爱情。长久的平淡和长久的疯狂都不是爱情的正常状态,一辈子要死要活恐怕比一辈子平静更让人难以忍受。爱情的确会转化成亲情,却不是那种血缘的亲情。而是两个人共同生活,心生默契,如同生长在了一起,你中有我,我中有你。

古典舞论文篇十三

中华文明源远流长,中国古典音乐算是中华文化圣境中的一朵奇葩,我们的祖先在不断抗拒自然界的威胁以及漫长的艰苦劳动中提炼出最早的音乐,早在周朝,就有了由政府设立的“大司乐”总管的音乐机构。《史记·五帝本纪》记载,尧命舜摄政,后舜任命夔为典乐,“教稚子”,“诗言意,歌长言,声依永,律和声,八音能谐,毋相夺伦,神人以和”。《史记·乐记》记载,“昔者舜作五弦之琴,以歌南风;夔始作乐,以赏诸侯”。

中国古典音乐经过千百年来的流传发展,形成了优美动人的曲调与层次丰富的多重美感以及丰富的情感表达。

(一)情境交融意境美。

中国古典音乐的创作中,精通乐律的创作者大多以文人雅士为主,所以中国古典乐与中国画有着共通的追求——意境美,力求将生活图景与思想感情融合在一起,使听众通过想象融入到乐曲中,在思想感情上产生共鸣获得身临其境之感。如《春江花月夜》这首名曲,清新优雅,其旋律婉转质朴,节奏流畅而富于变化,明快处若江水横流;静谧处若清风拂面,凡是听者都能融入其意境:江南春时,江畔泛舟,清风徐徐,明月初升,江两岸花影摇曳,使人沉醉。

(二)磅礴悲怆悲剧美。

悲剧的特殊效果在于引起人们的怜悯与恐惧之情,其内在往往蕴涵着激烈的矛盾冲突,给人以痛苦、悲哀的感受,使人产生悲悯之心,激发人们对现实生活的思考。这种感觉不仅仅只有戏剧可以带来,同样音乐也可以通过深沉、哀怆的悲剧性情感表达带给听者上述体验,观众可随着哀婉动人、如泣如诉的旋律感受到乐曲的情感表达。如古曲《阳关三叠》,该曲取材自王维的七言绝句《送元二使安西》,共分三大段,一个曲调变化反复,迭唱三次,故称“三迭”。整曲曲调淳朴而又蕴含激情,情真意切,苍凉沉郁,表达了挚友分别的无穷伤悲与深切关怀之心。

(三)气势恢弘壮丽美。

音乐的神奇之处在于,它可以凭借旋律就使人热血沸腾、人心激荡。也可以通过一件或几件乐器就描画出壮丽恢弘的大场面,琵琶曲《十面埋伏》描述了公元前202年楚汉战争垓下决战时的恢弘情景。用不同的演奏技法表现了出征前金鼓齐鸣、众人呐喊的激烈场面,乐曲有散渐快,调式的复合性及其交替转换,增加了乐曲的不稳定性。又以接连不断的长轮指手法和“扣、抹、弹、抹”组合指法,表现将士威武的气派。曲调时而宁静而紧张,意表现垓下伏兵;时而急促紧张,表现两君刀剑相向、短兵相接。其中有描述两军激战生死搏杀的场面,又有悲情壮丽败阵自刎的无奈。

服装表演中的音乐是指为配合服装表演而专门制作或选择的背景音乐,音乐的选择依据是要与服装表演的主题和编导的所要表达的意图而相合的。服装表演的音乐的作用就是要在表演过程中将服装、模特、观众三者联系起来,从听觉角度来调动模特情绪使之准确把握服装内涵、感染观众拉近观众与作品距离,从而补偿服装表演因表象性而产生的不足,深入观者内心,为观众提供情绪、情感等心理暗示并引导观众的.观赏思路,从而营造更好地表演氛围。

服装表演是舶来品,所以服装表演中常见的背景音乐多见现代流行乐或西方音乐,少有中国古典音乐现身其中,随着中国风火遍时尚圈,中国古典音乐作为不论是从任何一种审美角度都经得起审视的音乐形式,早应该褪去大众印象中的古板外衣而被融入进现代服装表演当中。近年来音乐工作者们也在为中国古典音乐现代化可重回大众视野做着不懈的努力,其中经过改良的中国古典音乐不仅没有失去其厚重古朴的特色反而变得更加时尚了,比如“十二女子乐坊”的新民乐就多见于服装表演的舞台之上,新改编的《茉莉花》、《春江花月夜》等乐曲经过新的编曲及配乐后时尚动感、节奏鲜明、旋律流畅、气质清新,更加契合了服装表演音乐的选择标准。改良后的中国古典音乐很适合做展示中国风格服装的背景音乐,这使得观者感受到的视觉美与音乐的美感能完全契合,形成一个“美的整体”。使舞台上具有中国元素的服装更加的贴近观众内心,模特的表演愈加鲜活。音乐的感染力與模特的表演相互呼应,整个表现过程顺畅连贯、丰富生动,不仅使服装的魅力得到了提升,更是赋予了服装生命。

古典舞论文篇十四

内容摘要:在东方“同情观”的影响下,形成了“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观,二者深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。文章就这两个方面论述东方“同情观”对中国古典音乐审美思维的影响。

关键词:东方“同情观”中国古典音乐审美。

一、东方“同情观”对审美思维的影响。

“万物有灵观”是东方原始自然宗教的核心,是先民对外界自然物原初的看法。他们相信万物是有灵魂、灵性的,灵魂是不死的,人的灵魂在千变万化中可转变为各种动植物。因此,先民们认为,整个宇宙的万事万物是一个相互依赖、相互联系的统一体,动植物和人的生命在本质上是一体的,是同情同构的,是相互感应、彼此渗透沟通的,甚至是可以相互转换的,这就是东方的“生命一体化”观念。原始初民在深信各种形式的生命在本质上是一体的基础上,把客观存在的自然物、自然力加以拟人化或人格化,赋予他们以人的意志和生命,把他们看成是同自己一样的具有相同的生命和思想感情的对象。他们认为,那些活动量愈大的对象,物活感愈强,生命力和情感也愈充分。既然自然事物同人类的生命现象和感觉思维有相似之处,原始初民就以一种特别的眼光去看待外在自然,以一种特别的情感和心理去体验外部的世界。因此,他们不是孤立地、片面地看待外部事物,他们以己度物,以类比的、拟人的眼光去想象、猜测其他生物的活动,对植物与动物产生了“互渗”的、生命交感的“物我同一”“物我不分”的情感。这种“以同情同构、物我交感、物我互渗”的“同情”的结果,形成了自然物与人之间“生命一体化”的生命“同情观”。这种“同情观”影响着东方的原始初民审美观的形成,因此,在“万物有灵观”的支配下,根据万物的“同情观”,形成了东方的审美思想。

由于东方审美“同情观”就是东方审美的基础,所以,在“同情观”的影响下,东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准,也就是说,东方审美最核心部分就是天人合一,关注人的生命,以旺盛的生命力的形式为美。这种人本主义的美学思想,同东方人本主义的宗教观念、东方人本主义的伦理观念一起构成了东方哲学思想的精髓。由此导致了东方民族无一例外地以生命为美,以生机盎然的动物、植物的形态为美的特点。埃及美学思想力求表达生命永恒的理念。印度美学中的“梵我如一”的人生理想,正是对人的生命无限延伸的渴求。印度大量性感的雕塑人像,也是表现性力崇拜和对健美的富于性感的肉体的赞美。日本美学可以说是森林美学或植物的美学,植物的生命状态成为日本音乐表演的基本姿态。中国美学中更是具有生命美学的特征。钱钟书在早年的美学论文中就认为,中国美学是人本主义的美学,它是“通盘的人化或生命化”。中国美学从生死崇拜的艺术造型到龙的意象;从建筑的飞檐到山水花鸟画;从民俗画中的枣子、石榴、莲子等意象到诗歌中的桃花、青松等形象,这些都象征着生命力的旺盛或生殖力的强劲。中国美学范畴中有许多范畴是以人体或植物的生命状态来命名的,如肌理、体性、气、气势、风骨、性灵、心、姿、形神等。可见,天人合一,以生命为美,以生机盎然的生命形式为美的观念,就是东方“同情观”影响下的东方审美思想。

二、东方“同情观”对中国古典音乐审美思维的影响。

在东方“同情观”的影响下,东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准,“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观,深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。

1.“天人合一”的和谐观念,影响着中国古典音乐中音乐结构的审美。

在东方“同情观”的影响下,古代的东方民族都强调人与天和谐相处,都追求“人与天调”,人与大自然和谐统一,即“天人合一。”而人生最大的理想就是自觉达到天人合一的境界。从《周易》到儒家、道家、释家都认为,人和自然,你中有我、我中有你,彼此都相融而无真正对立。他们或主张泛爱自然万物,或宣扬回归自然,都追求人与自然的和谐融洽。这种追求人与天调、亲爱自然的观念,对艺术审美有着非常深刻而强烈的影响。比如,关于音乐的构成,《礼记·乐记》曰:“感于物而动,故形于声,声相应,故生变。变成方,谓之音。比音而乐之,及干戚羽旄,谓之乐。”比如,庄子在《齐物论》里说:“天地与我并生,而万物与我同一。”

在中国古典音乐中音乐结构的审美,也体现着这种“天人合一”的和谐观念。受东方“同情观”中“天人合一”和谐观念的影响,中国古典音乐更多地借助其结构来表现天地自然和生命意识的一体化,更多地呈现出一种“游心于万物之初,天人合一”的思维方式和宇宙观念,由此而塑造着传统音乐家随机开放的以时空意识为先导的艺术思维品格,从而形成一种象征生命运动的主体文化心理的乐之随心结构范式。他们常常运用一种即兴性的自由变化的反复,主体的情感与心理变化随机发挥而又统一于结构之中,注重整个音乐进行过程中的感受与体验,故能给人一种浑然一体的整体美和自然性结构美的印象。所以,中国古典音乐一般是一种散体性的结构,它不追求内在的一种张力,而更多考虑的是一种自然的融入,注重对宇宙自然一草一木、一事一理细细嚼味的生命领悟和情感体验。它的结构犹如水墨画的长卷构图,自由而松散,虽然没有一个严格的整体布局,但却错落有致,通过音乐速度与节奏的疏密变换、对比与统一来体现其对音乐的合理组织,即所谓贵在意到情适。比如,《十面埋伏》琵琶古曲,曲式结构采用多段体和变奏的原则,但是音乐之间又有密切的联系,具有传统戏剧及章回小说的叙事特色。这种联系,不是靠逻辑和结构来进行整合的,而是自然的一种发展和变化,也就是我们通常讲的是情感的需要,变化的需要。

东方民族在“同情观”影响下,形成了“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观。这一特点在东方所有的审美形态上都表现出来,东方民族所产生出的经验性的审美范畴,几乎都染上了以健旺的生命形式来类比、象征地表达的色彩。比如,东方民族人体美的观念就是健康、性感、生动、姿态优美、服饰艳丽。对山水之美的要求是雄壮、气势、葱茏的植被;森林宁静而深沉,充满深意。最根本的是,在艺术表现自然与人的时候,无论是对对象的性质、形态还是其他形式因素方面的展现,都以旺盛的生命力和物活感为基准,来传达生命力之美和崇拜这种美的感情。

正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的'观念的支配下,才使得追求对生命本质的完美表达,对生活中生命情趣的自我表现,成为了中国古典音乐的重要精神内涵。因此,中国古典音乐均是通过身体与心灵的内在体验的方式去构建或接触音乐世界,以生命直觉体验去发现和把握音乐的内涵。所以,中国古典音乐重视情感和体验,重视从音乐结构到意境要体现艺术家用“心”去完善自身体验的心理过程;重视把“人”作为中心来加以强调的深层体现。中国古典音乐美学思维遵循的不是理性的逻辑思维程序,而是情感的、意愿的、欲念的趋向。在古代士人的观念里,音乐是心灵世界的直接产物,“音者,心声也”的说法就曾得到历代士人的拥戴。从对听者心灵的攫取来说,音乐由于是发乎人心,比语言要显示出更多的优越性,所以孟子说:“仁言不如仁声之入人深也。”也就具有普遍的代表性。可见,中国古典音乐就是由声构成音,由音构成乐,由乐表现为音乐的整体艺术。正如《礼记·乐记》中的《乐象篇》曰:“是故情深而文明,气盛而化神,和顺积中,而英华发外,唯乐不可以为伪。”这段话揭示了音乐极为丰富而又高尚的境界,它无疑是一种特有的文化内涵及人的生命力的表现,昭示着人类灵魂之真。《天闻阁琴谱》所记载的古琴曲《流水》,之所以被演奏者钟爱,就在于作者的内心世界对自然的静穆观照,以及同宇宙自然相与悠游所产生的体验境界,它所激起的不单纯是情绪变化,更是生命之道的超升。所以,乐曲虽然表面上是对景物的描述,而实质是借景抒情,体现着一种坦荡阔大的胸襟以及百折不回、勇往直前的精神境界。正如康斯坦丁诺夫《音乐美学原理》所言:“音乐拥有极完美的手段,以精确地组织音乐能够广泛引起那些情绪、感受和情感,并在那些情绪、感受和情感中反映特定时代的、社会阶层的、特定类型人所特有的复杂的人的态度。”正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的审美观念的支配下,中国古典音乐才走上了重神轻形,追求音乐中体现最高境界的精神内涵的道路。

综上所述,在东方“同情观”的影响下,东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准,形成了“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观,深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。

古典舞论文篇十五

音乐欣赏是音乐教学中的一个重要学习领域,在学校音乐教学中,音乐欣赏教学占有十分重要的地位。音乐是善于表现人们的情感,并能引起情感共鸣的艺术形式。音乐教学要创设与乐曲表现内容相适应的教学情境,激发学生的情感。综合教学有利于培养学生的艺术通感能力。

音乐欣赏是音乐教学中的一个重要学习领域,音乐是听觉的艺术,音乐的创作、演唱、演奏最终是为了听。在学校音乐教学中,欣赏教学占有十分重要的地位。各项音乐教学活动都是围绕着欣赏来进行的。

先进的科学理论和技术,是值得我们学习和借鉴的,但这并不能抹煞本民族文化的灿烂成就,相反,我国民族文化结晶也是世界文化宝库中的重要组成部分,也需要而且应当被我们后人所继承和发扬。培养学生热爱民族的音乐艺术,激发学生对民族的自豪感和自信心,这是音乐教育的目的之一。中华民族具有丰富多彩、悠久的民族音乐文化,在音乐教学的歌唱等活动中只能接触到其中的一少部分,音乐欣赏则可以让学生熟悉、了解民族音乐文化。音乐教师在这个传承与发扬的过程中,应该起到穿针引线的作用。

在音乐教学活动中欣赏中国著名的古典音乐《阳关三叠》、《渔舟唱晚》、《梅花三弄》时,我们采用情感导入、情境创设、艺术综合三种教学手段让学生理解、接受和喜爱民族音乐。

《音乐课程标准》明确指出:“音乐教育以为核心,主要作用于人的情感世界”,“在音乐教学中要把情感,态度与价值观放在首位,突出情感。”[2]可见,音乐是善于表现人们的情感,并能引起情感共鸣的艺术形式。教师应有立足于学生情感、以人为本的教学思想,真正寓美育于音乐教学之中。

学生对通俗、流行音乐有浓厚兴趣,课本上的内容已远远不能满足他们瞬息万变的精神需求,既然我们无法阻挡流行音乐对校园音乐领域的侵入,何不顺水推舟,用一些优秀的、适合学生的流行音乐,在课堂上进行交流、探讨,并教会学生选择健康的、适合自己年龄的音乐。对于校园流行音乐,与其进行适得其反的遏制,不如正面引导。

《阳关三叠》又名《阳关曲》、《渭城曲》,是根据唐代诗人王维所作的七言格律诗《送元二使安西》谱写的一首著名的艺术歌曲,原诗是:“渭城朝雨浥轻晨,客舍青青柳色新。劝君更进一杯酒,西出阳关无故人。”表现了诗人对即将到关外的朋友恋恋不舍的情谊,寄托了对友人无限的关爱之情。

本课的导引,我是这样设计的:

导引:播放通俗歌曲,周华健演唱的《朋友》。

师:你们怎样理解“朋友”这个词语?

生讨论并举手回答。

师:现在让我们来感受一下古人对朋友的情谊。

播放合唱《阳关三叠》,对比:古人和现代人对待友情的方式。

古人——劝君更进一杯酒,西出阳关无故人。

现代人——一生情,一杯酒。

古人一句“劝君更进一杯酒”既显出豪气,又道出对友人的不舍,如今的“一生情,一杯酒”,又是对友情的.一种感悟:朋友之情犹如杯中之酒,越久越浓。二者都把友情寄托在了酒里。

在本堂课中,我用学生容易接受的通俗音乐作为导引,为他们在古典与通俗间架起了桥梁。

音乐教学中的情境创设,是一个吸引的过程,良好的教学情境可以感染学生,使他们产生浓厚的学习兴趣,积极投身到音乐实践中去,促进情感体验。

新的音乐课程标准在《关于教学内容》的几点提示中指出:音乐教学要创设与乐曲表现内容相适应的教学情境,激发学生富有感情的表现力,调动每个学生参与的积极性,培养学习音乐的信心,使他们在欣赏过程中受到美的愉悦,美的熏陶。

如:《渔舟唱晚》可以用三幅画将整首乐曲连接起来:第一幅:湖滨晚景;第二幅:渔歌飞扬;第三幅:湖边月色。

教学过程:

1。结合三幅画听全曲,并为乐曲分段。

2。分段听赏,体会每段画面和情境的不同。

第一段:安静;第二段:热闹;第二段:安静。

3。用手里的乐器和模仿每段的音响效果。

第一段水声较弱,用报纸模仿水声。第二段学生可以自己设计船桨划水声,启发学生还会有什么声音,可以有人声,有很多船靠岸,船上人的讲话声。

4。用自己设计的音响效果和音乐。

用图画和音响让学生身临其境,理解曲中意境,对于学生来说,要理解中国古典音乐,这应该是行之有效的方法。

在教学中提倡综合教学法,把其他学科如文学,当然更少不了音乐的姊妹艺术如舞蹈、戏剧、影视、,有机融合于音乐教学中,“即以共同的要素实现各学科的沟通和连接,这种综合有利于培养学生的艺术通感能力,而达到超越种种感官的特异性而上升到相互沟通和相互替代,比如听到音乐产生视觉表象,看到形状色彩,产生冷热轻重的感觉”[4]。

诗、画、乐合为一体的教学,如:《梅花三弄》。

导引:

1。播放群舞《梅花》。

师:大家看出这段舞蹈表现的是什么吗?

生:梅花。

师:你们见过梅花吗,它有些什么特点?

学生接着会答出梅花的形态、颜色。教师再以梅花在冬季开放来引出梅花具有的坚韧品质。

2。出示梅花图片,学生在视觉上被梅花所吸引。

3。古今有许多以歌颂梅花为题材的艺术作品,如诗词:陆游的《梅花绝句》:“幽谷那堪更北枝,年年自分着花迟。高标逸韵君知否,正是层冰积雪时。”毛爷爷的词《卜算子·咏梅》:“风雨送春归,飞雪迎春到。已是悬崖百丈冰,犹有花枝俏。俏也不争春,只把春来报。待到山花烂漫时,她在丛中笑。”

师:让学生背诵王安石《梅花》:“墙角数枝梅,凌寒独自开。遥知不是雪,惟有暗香来。”

师:我们欣赏了这些表现梅花的艺术作品后,来听一段音乐《梅花三弄》,大家注意这首乐曲表现的梅花的高贵品质,并注意这首乐曲的主题。(欣赏)。

师:听赏完这首乐曲,大家来讨论一下梅花的品质。

生:不畏严寒,迎雪怒放,刚毅坚贞。

师:再听一遍全曲,注意主题反复了几次?

生:主题反复三遍。

师:对,这也是“三弄”的来由。

复听全曲,进一步理解曲中意境。

《红梅赞》是在江姐走向刑场所唱的,这首歌用梅花比喻共产党人的高贵品质:越是面临危险,越是信念坚定。《梅花三弄》的难点在于它是表现意境而非表现情境,前面之所以用了很长篇幅的两种艺术形式来导引,就是为了让学生先理解意境,再沿着这个方向听赏音乐。

其实在这三种教学方法中,都少不了应用其他姊妹艺术,如在欣赏《渔舟唱晚》时,可让学生先吟诵白居易的《暮江吟》。又如在欣赏《阳关三叠》时,可以让学生在课前准备一些表达友情的诗句,如:李白的《送孟浩然之广陵》、《赠汪伦》等。这些都可以和音乐教学融会贯通,帮助音乐教学更顺利更有效地开展。

参考文献:

[1]曹理,缪裴言。中学音乐教学论新编[m]。高等出版社,19xx。

[2]教育部司。音乐课程标准[m]。北京师范大学出版社,20xx。

[3]课程教材研究所。小学音乐教材六年级下册[m]。人民教育出版社,20xx。

[4]邓晓霞,杨宁。中国音乐欣赏与相关知识在教学中的综合与延伸[j]。儿童音乐,20xx,(4):34—38。

古典舞论文篇十六

古典舞一般都是在民间舞的基础上,经过历代舞蹈家的提炼、加工和创造而逐渐形成的舞蹈。因此,古典舞都有一整套规范化、程式化的表演动作及技巧,有其独特的表演风格。

中国古典舞起源于古代封建社会。自宋代后,中国的歌、舞、剧相结合的戏曲艺术兴起。后来,古典舞逐渐被戏曲所吸收、融合,至今大多保存在中国戏曲艺术里,从中大致可以看出它的风格、特点。中国古典舞在表演动作上有着自己独特的规律和法则,讲究外在的手、眼、身、法、步与内在意、劲、精、气、神的合一,手一指、目一视、足一抬都要与整个身体协调。注重身韵、气韵、音韵、神韵的整体韵律性和俯仰、屈伸、开合、顿挫的'鲜明节奏感,以及刚柔相济、动静相宜、物我一体、身心合一的美学追求。同时,动作从运动到静止都离不开“曲”和“圆”,即遵守欲进先退,欲伸先屈,欲起先伏,欲高先低,欲直先迂的原则。比如,手要向左指,行就要先往右略略运一下,然后再转向左方。动作线条必圆浑完整,如做一个“云手”动作,要像天上的云彩变幻那样,随风流动,轻盈美观。

中国古典舞在表现手法上讲究集中、洗练、夸张、虚拟。虚拟是没有实物的表演,比如,一个人只拿一根马鞭,就能一会儿表现战马飞奔,四蹄腾空;一会儿表现信马由缰,缓缓而行。手握一柄船桨,不仅要表现出是在行船,而且还要表现出是逆水上行还是顺水而下。虚拟把生活中有特征性、代表性的动作夸张地表现出来,从而引起观众的艺术想象和生活联想。

只要两三个人就可代表着千军万马,只在舞台上走五六步就可以表示越过万水千山,这就是中国古典舞独特的艺术表现手法。

古典舞论文篇十七

摘要:无论是外来的古典音乐还是中华文明遗留下来的古典音乐,都是我们今天不可再生的精神财富与资源。古典的音乐可以带给人们对命运和未来无限的向往,留下不可磨灭的精神,但受各种原因的限制,我们的古典音乐并没有起到它应该起的作用,学校的教育对古典音乐的学习有严重的滞后性。因此根据社会的现状,提出强化初中校园古典音乐教育的几点看法,希望古典音乐能在初中的音乐课堂中得到普及。

关键词:古典音乐知识源泉初中音乐课堂音乐鉴赏。

在初中音乐课堂教学中,发现学生对古典音乐的学习基本没有兴趣,甚至较为反抗,很多学生都是心不在焉的状态。初中音乐教学课本里所选择的作品都是经过相关专家进行评估挑选,选择最具有代表性的经典作品,但是学生并没有对中国古典音乐有所兴趣。如今世界日新月异发展迅速,给世界带来了太多的影响,如同快餐一样的音乐文化认识有所偏见,不仅阻碍了平稳的古典音乐鉴赏教育,还影响开展古典音乐的发展和学习,使得很多优秀的古典音乐作品都没有很好的发展和普及。教育学家贺绿汀曾经说过,“音乐可教育和塑造中小学生的修养和文化,思想境界和道德品质,可以影响整整几代人,不应该被认为是可有可无,或者微不足道的”。因为中国古典音乐文化的博大精深,所以我们必须要进行有关古典音乐的教学,对古典音乐进行深入的探索,对现状进行调查,从而提高初中音乐教学质量,具备古典音乐教育服务的教学质量。

由于中学生缺乏对古典音乐的兴趣,导致学生缺乏对古典音乐审美的价值,他们更倾向于现代音乐歌曲的节奏、新奇、摇滚和流行,所以发现其背后的根本原因,才能有效解决中学生缺乏对古典音乐兴趣这一问题。教学过程是一个认知的过程,这个主题是基于科学的认识论和辩证法唯物论作为其哲学基础,理性的认识并且依赖于感性认识和理性认识发展。用哲学的基本理论,探索古典音乐教学方法,这有助于中学生对古典音乐的理解,也是掌握古典音乐知识的有效途径。根据“注重理解和兴趣喜好理论是影响教学质量的关键因素”的心理学理论,在教学中正确使用多媒体,将课堂教学呈现出立体化、生动形象的`表现形式,可以很好的改善学生对古典音乐课的兴趣,加强中学生对音乐的创新思维。音乐心理学的研究更注重人的声音、音乐的记忆、想象的音乐和音乐的感知,根据人的声音感觉的四个要素:音高、音色、强度,时值,利用这些物理特性来加强理论与实践之间的关系的现状。利用这些教学方法,来有效解决对古典音乐缺乏兴趣的问题,从而树立学生的课堂主体地位。

在初中音乐课堂中,教师加强与学生的互动,增强初中学生对古典音乐的认知。古典音乐本身具有独特的艺术价值,可以增长自己的艺术素养,培养感请,有助于发展成一个充满活力、积极健康的人。怎样在这个流行音乐肆虐的时代培养初中学生对古典音乐的兴趣爱好,是一个非常考验初中音乐教师教学水平的问题。对于这个问题,教师要不断进行进修培训,联系自己的课堂教学,在培训中进行思考。还可以寻求互联网上正确有效的信息,在学习过程中,完成了对中学古典音乐课的反思,并对学生教学效果的情况进行自我评价。而且在教学的过程中重点需要研究中学生不喜欢古典音乐的重要原因,设计一个有效的解决方法来形成一个教学提案,通过基准教学的比较,表现出课程的有效性,鉴于具体的问题,可以积极研究具体方法并寻求更有效的对策。

从初中教师的角度出发,初中生学生因为什么不喜欢古典音乐、怎样才能提高学生对古典音乐的兴趣,我们需要对文献的大量阅读,找出培养中学生对古典音乐喜爱的方法,并能提供参考价值。而且在音乐教学课堂中要进行时效性的观察,掌握教学的基本情况,制定相关的教学计划。还需要用调查问卷的形式,让教师填写问卷,找出教师认为初中学生不喜欢古典音乐的原因。最后根据以往教师的音乐教学经验,总结和探讨学生不喜欢古典音乐的真正原因,并研究设计一个可以突破的教学方法,再将设计的课程与之前进行对比,通过对比教学,研究课程的有效性。教师还要为学生建立个人档案,通过观察、调查、比较等方法,在学生艺术能力的认知和情感发展的过程中进行有效的记录。最后,通过研究整个过程中进行深度的总结及反思,促使学生努力提高艺术欣赏能力和音乐评价的能力。

从初中学生的角度出发,做问卷调查时我们应该以座谈会等形式对全体初中学生进行调查,探究学生对古典音乐的理解程度,并对学生不喜欢古典音乐的情况进行分析和归纳,使得研究和评价有重要数据支持。班长和学习委员协助教师精心设计和组织各类校园文艺活动,从而引导初中学生理解古典音乐,促进对古典音乐的兴趣和爱好。

目前,标准的初中音乐课程是提倡以音乐基础教学为主,以教师的指导方针,提出课堂的教学内容,注重培养学生的独立思考能力和独立解决问题的能力。

在初中音乐课堂中,如果发现学生不理解古典音乐,不知道如何去鉴赏古典音乐,那么教师应该善于结合学生实际情况来创设教学情境,这样就可以调动学生的学习热情,使学生主动投入到学习活动中,使得每位学生都可以实现更好的学习。而且学生置身于教学学习情境中可以发现自己存在的新问题,提高自己的思维能力与发现问题的能力,同时也可以激发学生对古典音乐鉴赏的学习兴趣,提高学习的目的性。为了让学生能对古典音乐感兴趣,教师也应当做一些学习计划,比如每周让每个学生选择一首古典音乐进行鉴赏,有不明白的地方可以随时联系教师,也可以推荐优秀的古典音乐作品,让大家在课堂一起探讨和解读;在音乐课堂上仔细品鉴古典音乐,慢慢去感受和欣赏。通过使用这些方法,不仅可以取得了良好的学习效果,初中学生对古典音乐也会有质的飞跃和量的提高,对于流向音乐有所减弱,而在古典和民族音乐有很大的发展。从而扩大学生对古典音乐的喜爱,开阔了他们的视野。

生做好鉴赏工作,因为利用鉴赏,学生可以熟悉学习内容,发现自己不能解决的问题,在听n时才能具有较强的针对性。但因为学生对古典音乐的兴趣不是十分浓厚,需要教师及时引导学生掌握其鉴赏的方法,使学生意识到鉴赏的重要性,形成良好的音乐鉴赏习惯。才能使初中学生在音乐鉴赏的过程中不断提高自己的自主学习能力,学会独立思考问题,同时也可以激发学生的主观能动性,教师利用引导学生奖赏也可以为备课作好准备。初中音乐教师也应该树立目标意识,可以使自己的教学活动有着较强的针对性,不但可以提高学生的学习效率,而且也促使教师及时转变教学观念,创新教学方法,重视调动学生的学习积极性,真正将学生作为学习活动的主体,发挥学生的主观能动性,使学生主动投入到学习活动中,创建高效数学课堂。让他们感受到古典音乐的美,原意去享受古典音乐,在我和学生的共同努力下,更好地诠释古典音乐,在研究中可能会出现失误,但我会在今后的工作学习中努力查找不足。

[1]曹大华.初中音乐课堂教学兴趣的培养探究[j].科技视界,20xx(33):2.

[2]郭新秀.提高初中音乐课堂教学效果实验的探究[j].学周刊,20xx(11):3.

古典舞论文篇十八

弗雷德里克弗朗西斯克肖邦(fryderykfanciszekchopin,1810一1849)伟大的波兰音乐家,自幼喜爱波兰民间音乐,不满20岁已成为华沙公认的钢琴家和作曲家,电影《钢琴师》中古典音乐欣赏。后半生正值波兰亡国,在国外度过,创作了很多具有爱国主义思想的钢琴作品,以此抒发自己的思乡情、亡国恨。导演罗曼波兰斯基的经典电影《钢琴师》,作为一部波兰大导演摄制的反映波兰犹太人在二战期间遭受德国人残酷迫害的电影,不可避免地选择肖邦的音乐为电影的主导音乐。

我要说,波兰斯基在选择音乐上匠心独具,使历史背景及主人公的性格和故事发展巧妙结合,对于音乐素材的运用达到了炉火纯青的地步。波兰斯基从众多肖邦的作品中选用了三首夜曲、两首叙事曲、一首圆舞曲、一首前奏曲、两首马祖卡和电影结尾时的钢琴与乐队的grandepolonaise,每一首都选用得恰到好处,和电影的结构、情节和场景的转换、主人公的心境环环相扣。

电影伊始,1939年9月23日,正当钢琴家斯皮尔曼在华沙的录音棚里录制肖邦的《升c小调夜曲》,纳粹的炸弹无情地降落下来。爆炸了,他还不走,外面有震动声音,录音师劝他赶紧出来,他还不走,玻璃碎片夹着浓烟冲进录音间,这个场景给人印象很深。其实,波兰斯基在这里采用的完全是史实:《升c小调夜曲》平静舒缓的开始,忧伤宽广的基调,似乎预示着千百万犹太人的生命即将终止的厄运。德军占领了华沙,犹太人被迫戴上大卫星的袖标,禁止在人行道上行走,禁止去餐馆和公园钢琴家卖掉钢琴,全家人被赶到城中央几个高墙圈起来的集中营,他只能在餐馆里弹钢琴,换回一点点粮食。在这个时候,音乐,只是一种谋生的手段。

影片的高潮出现在将近结尾处,1944年的冬天,德军在东线节节败退,华沙已经被苏军包围,胜利解放指日可待,对于主人公斯皮尔曼来说这可能是黎明前最后的黑暗,但是一个意外发生了。这是电影中最震撼人心的一个片段,是在钢琴家为了打开一听罐头,在火炉旁被德国军官发现。波兰斯基在这个场景之前,已经通过音乐为这位德国军官是个什么样的人作了巧妙铺垫。当时钢琴家发现有德国人回来,便抱着罐头躲进阁楼里。这时,楼下隐约飘来贝多芬《月光奏鸣曲》第一乐章的琴声,德国军官将这段音乐弹奏得清冷幽怨,充满了人情,弥漫着惆怅和无奈,既暗示了他心有音乐灵犀、是一个艺术的欣赏者和同情者,又暗示了他骨子里没有其他德国刽子手那种凶残本性。

有了这个铺垫,他作为一个德国军官,冒险拯救一个苟延残喘的犹太艺术家的薄命,才不显得唐突。不知道过了多久,饥饿的斯皮尔曼也许是认为德国人已经走了,于是下楼在房间里找工具撬罐头盖的时候,罐头不小心掉在地上,里面的水撒了出来。斯皮尔曼心疼地把罐头捡起来,抱在怀里。突然,一个全身穿着德军制服的德军军官出现在他的面前,对于他来说一个身穿德军制服的人意味着什么?当军官得知自己面前这个瘦弱无助的犹太人是钢琴家时,便请他弹点什么。我开始在猜想他会弹一个夜曲,经过这么多的磨难,他难道不厌倦和疲惫吗?钢琴家略微迟疑了一下,似乎是惊魂未定,因为这个时刻也许就是他弱小生命的最后一刻。

沉静下来后,他选择了弹奏肖邦的《g小调第一叙事曲》。+g小调第一叙事曲》是肖邦根据密茨凯维支的叙事史诗《康拉德华伦洛德》而写。1828年,《康拉德华伦洛德》问世,叙述13世纪立陶宛爱国者华伦洛德领导民众抗击入侵的日耳曼十字军骑士的故事。斯皮尔曼在此时此地选择演奏它的用意无疑只有一个一一反抗!是冒着极大的风险的斯皮尔曼式的反抗!为什么是反抗?他没有选择莫扎特或贝多芬等德奥系的音乐家而选择了自己最拿手的也是本民族的骄傲肖邦的作品,如果导演选择让斯皮尔曼演奏莫扎特或贝多芬的曲子,那么斯皮尔曼就纯粹是卖艺求生了,无疑全片的魅力会大打折扣。但不是,他选择了肖邦,而在肖邦的作品里又恰恰选择了《g小调第一叙事曲》,因为这首曲子是一部弘扬爱国主义的乐曲,音乐论文《电影《钢琴师》中古典音乐欣赏》。这一切都是斯皮尔曼在坐在钢琴前那短短的一刻决定的,我想导演的意图就是斯皮尔曼在这一刻已经决定选择自己的方式反抗!他已经不再软弱了。但他同时也知道演奏以后这个懂得音乐的德国人很有可能会打死他,于是先前摔瘸一条腿的形容憔悴的斯皮尔曼不见了;询楼着身子四处找食物的斯皮尔曼不见了;对德国人p}若寒蝉、唯唯诺诺的斯皮尔曼不见了。现在这个坐在钢琴前的斯皮尔曼是坚强的,重新获得自尊的斯皮尔曼,他要用自己的方式反抗给他带来痛苦的人!而在这种反抗中无疑他的祖国伟大音乐家肖邦的《g小调第一叙事曲》是他最佳的武器!

钢琴家坐下来,把颤抖的、带着伤疤和冻疮的手放在钢琴上,第一叙事曲开始的.琴音缓缓奏出来,一段略显迟疑的开场白后,曲调变得流畅起来。这时,德国军官走到一把椅子前坐下,开始聆听斯皮尔曼的演奏。在短促的、我们听到了内心的忧虑的曲调后,忧虑不断地增长,变成了暴风雨般的悲愤。预示着未来的悲剧性的冲突。一段忧伤叹息之后,主题听起来特别宁静而明朗。

这时的镜头里是华沙城的废墟上撒满的月光,一束月光透过窗户投射在演奏中的斯皮尔曼身上,像罩着一层薄纱,此时的钢琴家也许在回忆过去美好宁静的生活。突然琴声的表现怀有警觉的沉静,继而旋律充满了惊心动魄的悲愤之情,而最终失去了明确的轮廓,成为势不可挡的滚滚波涛!最后结束部分还原为原来那样真挚、忧伤。但平静的气氛只延长了几小节,旋风般的尾声又重新卷入狂风暴雨般的激情和悲剧性冲突的气氛里!我相信不只是那个德国军官,根本没有人能不为之动容。第一叙事曲的开头和结尾,这是不是也预示了他的经历,他的回忆,他已经不知道能不能再见到自己的家人,没有食物,没有保暖的衣服,甚至连钢琴也没有了,开头的沉重和结尾的疯狂,从沉寂到爆发就在这短短的两页谱子中了。

钢琴家选择这首曲子是一个大义凛然的选择,他要用生命的最后一刻,不屈地抗击日耳曼恶魔,表达自己对迫害者的反抗,准备从容赴死!以前那个曾经对自己的同胞的反抗不理解的斯皮尔曼不见了,他的灵魂似乎变得坚强起来,五年来的痛苦遭遇,自己和家人悲惨的命运,对德国人暴行的仇恨和愤怒,都由肖邦的《g小调第一叙事曲》畅快地表达了出来。德国军官显然是被他的琴声所打动了,是人性的光辉还是音乐的力量?是出于对战争的厌恶还是出于对美好事物的珍惜?我想还是不用说明才是对故事最好的理解吧!

3小结。

电影的末尾,由阿德里安布劳迪扮演的钢琴师斯皮尔曼正坐在金碧辉煌的音乐厅里演奏。在管弦乐团的伴奏下,战后演奏会上斯皮尔曼和乐队演奏的是肖邦平静的行板与华丽的《波兰舞曲》。战争结束了,宁静和平的生活再次回到人们身边。他试图去寻找和帮助那位德国军官但没有成功,在肖邦辉煌的波兰舞曲声中,影片结束了,迎接斯皮尔曼的依然是鲜花和掌声。

古典舞论文篇十九

在这个学期里,我的选修课是罗伟老师所带的古典音乐鉴赏,当初选择这门课的原因,主要是在“鉴赏”二字,现在,我们大部分人都比较喜欢流行音乐,很少有人去听那些古典音乐,更不要去提及其鉴赏了,所以,我是带着好奇心与乐趣而选的这门课,通过学习,我收获了很多很多。

古典音乐就是欧洲从巴罗克时期一直到20世纪初期在欧洲文化背景下所创作的音乐。古典音乐主要有两个派别:古典主义(古典派)/浪漫主义(浪漫派)古典主义:这些音乐很严谨,大都是宫廷音乐。像莫扎特、海顿、勃拉姆斯都属于古典主义。在这之前的巴罗克时期,最有名的是巴赫。浪漫主义:不像古典主义那样严肃,演奏者可以根据自己对作品的理解去处理力度、时值等等。所以一千个人演奏可能就有一千个版本。肖邦、柴可夫斯基、施特劳斯等等都属于浪漫主义。再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释:musicthatpeopleconsiderseriousandthathasbeenpopularforalongtime。可见,古典音乐是历经岁月考验,久盛不衰,为众人喜爱的音乐。如此看来,译成”经典音乐“的确更妥当一点。只是大家都说惯了,要改口总觉得别扭,还是称其为”古典音乐“吧,要怪只怪当时第一个翻译的人,怎么没想到“古典”会带来这么多的误解。还好,没有意译成”严肃音乐“,否则真的是要贻笑大方了。

在学习的过程中,罗伟老师主要以莫扎特,巴赫,贝多芬为例,来给我们讲古典音乐鉴赏。

莫扎特(1756年1月27日---1791年12月5日)出生于德国神圣罗马帝国时期(現在的奥地利的萨尔兹堡salzburg.),是欧洲最伟大的古典音乐作曲家兼演奏家之一,也是维也纳古典乐派的代表人物。莫扎特不仅是古典音乐的杰出大师,更是人类历史上极为罕见的音乐天才,有“音乐神童”的美誉,他的作品主要有唐璜、费加罗的婚礼、魔笛、安魂曲。

古典舞论文篇二十

一直以来,古典音乐与流行音乐便是两个不同的音乐流派,各具特色与魅力,然而音乐本就是相通的,因此流行音乐和古典音乐也自然存在其相似之处,如果能将古典与流行相结合,便可以将两者之间的独特价值充分发挥,去弥补各自的局限,两者相得益彰,从而焕发出新的魅力。本文试分析大学音乐教学中古典与流行的结合路径,旨在为高校音乐教学的发展提供理论支持。

“古典音乐是一种音乐类型,通常我们认为是从西方中世纪开始至今,在欧洲主流文化背景下创作的西方古典音乐,创作技术复杂多样,承载的内涵厚重深远。流行音乐则正好与古典音乐相对,指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚,并被广大群众所喜爱,广泛传唱或欣赏的音乐类型。”[1]古典音乐与流行音乐的不同特点导致其出现了阳春白雪和下里巴人的局面。古典音乐格调高雅、品位独特,其鉴别与欣赏需要在音乐上具备一定修养或敏感度,且其结构复杂、技术多样,很难被传唱或演奏,因此受众有限;而流行音乐更符合大众的口味,所以传唱广、受众多,然而因为内容通俗,所以质量上往往参差不齐,难登大雅之堂。因此将古典音乐与流行音乐合二为一,可以各取所长、各补其短,两者相得益彰,避免了局限性,从而形成一种更为独特的音乐类型。目前这种尝试已然有之,然而大学音乐教学中如何跨越多方面隔阂,将两种音乐类型相结合,还处于尚未成熟的阶段,需要更多更好的结合路径,来促成音乐的融合。

(一)音乐类型过于风格化。

尽管音乐是相通的,但是音乐类型之间仍然具有极大的差异,而古典音乐和流行音乐在很多特点的表现上则是完全对立的。例如音乐格调,古典音乐传承经典,更具内涵,而流行音乐贴近生活,内容浅显,因此两者在结合时必须充分把握其相同之处继而进行有效融合,而不是一味地将古典音乐与流行音乐合并,那样只会破坏了其各自具有的艺术魅力,不能使之焕发新的生命力,导致乐曲不伦不类。独具风格的两种音乐类型想要结合,就必然要花费时间精力去摸索全新的可能性,当不同风格的音乐类型结合时才能产生出一加一大于二的理想效果。

(二)学生的音乐鉴赏能力不足。

无论是古典音乐还是流行音乐,在开展音乐教学时都无不考验着学生的音乐鉴赏能力,如果学生的音乐鉴赏能力强,就很容易分辨出音乐的类型、技巧、风格、情感内涵等,这其中,能够辨出音乐的情感内涵最为重要。古有钟子期于汉江边闻琴音,发出“巍巍乎若高山,洋洋乎若江河”的感慨,促成“高山流水觅知音”的佳话,可见,音乐作为情感的载体,需要学生从中体味出附着在音符中的“精神与灵魂”,大学音乐教学进行古典音乐与流行音乐相结合时,对学生的音乐鉴赏能力要求更高,然而目前我国很多大学的学生在鉴赏音乐方面还欠缺一定的悟性,没有良好的音乐基础和功底,导致在鉴赏音乐时难以把握音乐的美感,尤其不能分辨古典音乐,给两者的结合带来了一定的困难。

(三)大学音乐教师的教学能力不足。

想要结合古典音乐和流行音乐,就意味着授课教师要同时了解、熟悉甚至精通这两种音乐类型,并且能够找到两种音乐类型的共同之处,这样才能为其找到相融合的切入点,让两种音乐类型形成一种令人耳目一新的音乐形式。然而,目前部分大学在音乐教学方面设置的门槛较低,所以很多音乐教师的教学能力和专业素养并不强,有的老师往往只精通一种音乐类型,在进行音乐结合时会缺乏教学方法,有的老师甚至备课不精,对自己教授的内容不甚了解,使其难以把握古典音乐与流行结合的精髓,为课程的讲授带来了诸多不便,造成了阻碍。

(四)音乐设备不完善充足。

古典音乐与流行音乐的结合不能只停留在理论层面,而是应当有所实践,教师想要在大学音乐教学中渗透古典音乐与流行音乐的'结合内容,就必须带领学生进行操作。然而古典音乐与流行音乐都需要以乐器来磨合碰撞,其中最具代表性的便是钢琴、小提琴,然而这些乐器价格高昂,很多大学并没有为学生配备充足完善的音乐设备,往往只准备一架电子琴,这也给两种音乐类型的结合方式带来了一定程度的局限。甚至有的学校,教师干脆只采用讲授法为学生单纯传授理论知识,导致课程深奥、乏味,学生们逐渐失去了听课兴趣,更无法感受到音乐的魅力。

古典音乐与流行音乐各具魅力、韵味独特,如果想将两者结合到一起,必须所行得法,否则便是随意地将两种音乐类型乱掺一气,不仅导致两种音乐类型都丧失了原有的魅力,甚至会使其不伦不类。想要有效结合古典音乐和流行音乐,就需要从以下几个方面着手。

(一)完善学生对古典音乐和流行音乐的认知。

目前,就学生对音乐的价值取向来看,大部分学生比较认可流行音乐,无论是谁,都听过或能哼唱诸多流行歌曲,但很大程度上源于流行音乐脍炙人口、传唱率高,而只有一部分学生能够分辨出流行音乐的情感意蕴,其实很多流行音乐并非单纯的“口水歌”,而是能够传递出极为深刻的情感思想,很多歌曲抒发的对往日情感的追溯,以及对逝去时光的无奈感慨,实际上是每一个人都曾有过的感受,对生活细心的学生能够敏锐地去把握流行歌曲的价值,体味个中的滋味。然而缺乏悟性的学生就需要老师去引导启发,使之能够不断完善对流行歌曲从感知技巧到感知情感的过程。另一方面,古典音乐由于鉴赏门槛高,导致很多学生对其“欣赏不来”,认为“太无聊”“不好听”“不接地气”,其实这都是对古典音乐的错误认知,古典音乐更容易激发人们的情感共鸣,“比如经典曲目《回家》,当悠扬的旋律响起,人们的脑海中便马上迸发出回家的渴望,对于远在家乡之外的游子,更能产生与亲人团聚的热切期盼”[2],这充分说明古典音乐并未因为格调高雅而脱离我们的生活,正相反,其与我们的生活是紧密相连的。所以教师应该完善学生对古典音乐的认知,使其对古典音乐报以端正的学习态度,更好地去挖掘古典音乐的魅力,继而将两者更好结合。

(二)教师不断完善个人教学能力,丰富教学形式。

正所谓“教学相长”,教师在面对新的教学挑战时,应该从几方面对自身的教学进行加强,首先,教师应该不断完善个人的教学能力,要想进行古典音乐与流行音乐结合的教学,就必须对两者的音乐风格、音乐特点、音乐起源、音乐典型、音乐发展、音乐演奏有所了解,并且不断深化精进,只有这样,才能娴熟地驾驭两种音乐,并完成两种音乐的结合教学。如果只停留于理论层面,那么所有的教学都将是纸上谈兵。其次,教师应该不断提高自身的教学修养,精心备课,在教学内容和教学形式上有所完善丰富。在准备教学内容时,教师应该与时俱进,充分了解学情,尽量避免用学生们生疏的曲目,而是选择大家比较耳熟能详的名曲,甚至在选择时可以“投其所好”,多选择一些当前学生们比较喜爱的歌星,这更利于学生去领悟和感受。另外,教师应丰富教学形式,将传统的讲授式课堂转变为丰富多彩的教学情境,利用多媒体、合作探究等为学生呈现活泼生动的课堂,消除学生对音乐学习的恐惧心理。不仅如此,大学音乐教师还可以通过校方的支持帮助,将课内教学延伸至课外,通过举办一些“当古典走入流行”主题活动比赛来让学生们自行创作表演,既能够激发学生的积极性,又能够提高学生的音乐水平,提高学生对古典音乐与流行音乐相结合的能力。

(三)学校加大对音乐教学的投入力度。

大学校园如果想有效地开展古典音乐与流行音乐的结合教学工作,就必须充分认识到实践的重要性,如果只讲理论不去操作,那么音乐将难以发挥其所具有的功效,“音乐教学是大学生素质教育中的重要组成部分,通过对大学生音乐素质的培养,不仅能够实现其思想意识的提升,更能陶冶情操、健全人格,帮助大学生丰富情感,树立正确的价值观、人生观。”[3]因此音乐教学不能纸上谈兵,所以面对当前教学设备不足、教学场地窄小等情况,学校应该拿出全力支持的态度,首先完成各项硬件设备的补充,让教师和学生都能对古典音乐与流行音乐的结合付诸实践,其次,学校应该拿出重视的态度,在教学考核上加大力度,使学生们对音乐学习更为投入。(四)利用互联网信息技术进行强化“互联网信息背景下,所有的教学行为不再囿于学校课堂,而是遍及生活的方方面面,大学音乐教师应该做到与时俱进,充分利用现代化手段来强化学生的能力,充分做到将古典音乐与流行音乐相结合。”[4]首先,教师可以让学生灵活应用音乐编制app,在没有乐器的情况下使用音乐制作软件来进行操作,其次,教师可以让学生把完成的作品发布到各大社交平台,利用平台的交流互动功能来提高自身的音乐结合与创作能力。在老师的指导和帮助下,学生可以通过类似“抖音”一类的平台上传自己完成的古典音乐与流行音乐相结合的作品,平台全体用户都可以点开作品聆听并评论,学生可以在评论中发现有价值的建议和批评,继而在下一次尝试时有所改进。而点赞、转发、支持评论也可以激发学生的创作积极性,继而更好地投入学习。

“音乐是一种美的享受,是一种灵魂与灵魂之间的交流碰撞”[5],无论是古典音乐还是流行音乐,都是内心真挚情感的映射,能够唤起人们情感之间的共鸣,只有用发现美的眼光和领悟美的心态,才能去体味这两种音乐类型的精妙之处,也才能将两者更好地结合。大学音乐教学中古典音乐与流行音乐的结合,对教师和学生而言,都是一种去感知音乐独特魅力的过程,只要采用有效的路径,就能让音乐拥有新的生命力,焕发新的光辉。

古典舞论文篇二十一

音乐艺术作品的创作离不开创作者本身的创造力,而艺术表达则需要包含情感和技巧两个方面。对于音乐创作来说,创造力的形成离不开创作者对于音乐的感悟,同时也强调创作者本身要拥有丰富的音乐理论基础。本文将从音乐创作实践角度,对音乐基础理论技术在作品创作当中所起到的作用进行分析,结合音乐创作规律,对音乐理论学习的重要性进行阐述。

音乐理论;艺术;技巧;创造力。

艺术是主观情感通过载体进行外部表达的成果,通过观摩艺术作品,人们能够体会到创作者的情感流动,最终产生对于艺术作品的共情。但是艺术创作本身并非单纯依靠情感来完成的,其中创作者自身的创作技巧是打开情感传递大门的“钥匙”,只有选对进行情感表达的方式,才能够使单纯的个人情绪转变成为艺术创作。对于音乐艺术来说,理论基础作为前提性的技巧要求,其地位更为重要,缺少了理论基础,创作者便无法从音乐视域对情感进行审视,更无从通过音乐创造来完成精准、传神的情感表达。

音乐创造力是现代音乐教学系统当中针对音乐学习者所提出的教学目标之一,主要是指创作者能够基于音乐作品的表达,借助音乐最终形成新的想法,创造新的事物。《义务教育音乐课程标准(20xx)》当中对音乐创造力提出了明确的概念界定:义务教育阶段学生所具备的音乐创造力应当是学生在音乐运用当中凭借自身拥有的想象力以及涉及音乐的思维潜力来完成的对于音乐的创新和应用。教学系统当中针对学生创造力的培养主要从开发学生即兴音乐编创能力和充分利用音乐材料进行音乐创作两个方面开展工作。从音乐课程标准来看,音乐创造力应当包含广义和狭义两个层面的含义。其中广义的音乐创造力是指通过音乐进行不同形式的创新创造,展现音乐素养,表达音乐情怀;狭义的音乐创造力主要是指音乐作品的创作能力,学生需要通过音乐学习的方式来掌握音乐作品的创作规律,并最终能够独立完成音乐创作。本文在进行音乐创造力与音乐理论学习之间关联的研究时,主要以狭义的音乐创造力为研究对象。

(一)音乐理论的主要内容。

音乐是人类文明发展到一定阶段所形成的一种文化活动和艺术表现形式,人们主要通过对声音的控制来最终呈现出乐音。音乐通常具有一定的音高,拥有固定的调性、音色和强弱节奏,人们将这些因素组合在一起,最终形成乐音,并完成情感表达。人类早期的音乐是一种自觉性的音乐,人类更多通过发出不同声音的方式进行情绪的表达和渲染。而随着音乐逐渐发展成熟,它有了更加丰富的内容系统,在情感表达方面也更加深入,与音乐创作、音乐表现相关的音乐理论也相应诞生了。音乐理论即“乐理”,是了解音乐、聆听音乐、创作音乐的基础理论。伴随时代发展,现代乐理系统逐渐完善,相关乐理体系教学当中一般需要包含基础乐理、乐谱、调式、音程、旋律、配器等内容。其中基础乐理包含认识声音和音高、认识音律、识谱等;调式部分包含调式和调性、多声部、调式的音乐表现等;音程包含自然音程和变化音程、音程的转位、构成音程的方法、识别音程等;旋律包括和弦、节奏、节拍、切分音、音乐速度等。现代乐理体系复杂、内容众多,乐理学习在认识音乐、创造音乐中是最为基础的环节。

(二)音乐理论的技术运用。

通常情况下,理论知识的最终目的都是指导实践,音乐理论同样需要最终应用到创作实践当中来,借助技术呈现的方式,音乐理论最终会以音乐作曲技巧的形象展现在音乐学习者面前,而音乐作曲技巧也是所有音乐创作者必不可少的学习阶段。在完成了基础乐理的学习之后,学生开始接触到更加专业、更具实践性的学习内容,其中和声、复调、曲式和配器四个方面的学习将是学生从音乐认知到音乐创造的过渡过程。在学习当中,学生将从原本对音乐作品的解析出发,尝试对一首音乐作品如何被创作出来,如何进行情感价值表现,如何形成一首完善的作品进行了解。同时在教学系统当中还会引入实践训练等内容,引导学生尝试进行音乐作曲,在实践过程中不断磨练技能,掌握基础层面的音乐理论和作曲技巧,为后续的融会贯通打下坚实的准备。在乐理技术中,和声的运用决定了一首音乐作品的整体结构框架和情感基调。通常在音乐创作中,创作者需要优先完成作品构思,再思考如何运用和声编写来完成构思内容的表达。和声在音乐创作当中需要包含三个方面的功能:其一,和声编写要明确音乐作品进行时的声部组合方式,要保证各声部之间相互协调、和谐统一;其二,和声的编写从最初便决定了整首音乐作品的结构构成,创作者在编写时需要利用进行、收束和调性布局等方式来进行结构和曲式的设置调整;其三,奠定音乐作品的感情基调。和声进行的调性直接决定了音乐作品的情感走向,创作者需要运用不同的和声编写来贴合音乐情感。复调是一种多声部的音乐创作技巧,虽然复调主要集中在古典音乐尤其是巴洛克音乐的创作,但是现代流行音乐创作当中也偶见复调的身影。复调主要通过两个或以上的声部旋律共同参与音乐进行,能带给人以宏达壮阔之感,提高音乐作品的表现力。音乐创作者在进行一些需要表达独特情感、场景化的音乐作品创作时,可以尝试运用复调的创作技法,通过同时进行多声部来烘托氛围。曲式是音乐乐曲组成结构的基本方式。在音乐创作中,通常会考虑小型曲式或大型曲式,其中小型曲式在当前流行音乐创作当中较为普遍,而大型曲式则主要是以交响乐的创作为主,其中奏鸣曲、变奏曲等形式是大型曲式的主要曲式内容。配器是指在音乐作品当中的乐器调配,不同类型的乐器能够发出不同类型的乐音,产生不同的情感。在丰富音乐色彩、进一步呈现音乐作品风格特征的过程中,配器可以起到准确把握情感脉络,彰显艺术思考等创作作用。

(一)和声在音乐创作当中的`应用。

和声当中的“和”主要是指音程上的和谐,通过合理运用和声,能使音乐音程、进行和各个声部之间保持和谐统一。一般在音乐作品创作过程中,创作者的和声选择会以平衡为主,保证整体音乐行进过程平衡稳定,带给观众以愉悦感。虽然部分先锋音乐、实验音乐的创作者善于运用不协和音程等方式,通过调整和声表现来制造音乐艺术情境的疏离感,带给听众不一样的体验,但是那更多是创作者在基础训练十分扎实、对于和声的运用十分熟练后的一种创新性的尝试,为音乐世界增添色彩。常规的流行音乐、传统民族音乐的创作中,创作者的功底和对技巧的运用不够纯熟时,仍然应当以平衡的和声应用为首选。在创作当中,创作者应当将整首乐曲看作是一个平衡单位,并对其进行各个环节的片段划分。小的乐曲片段再根据音高进行有序排列,创作者便可以从中找寻到整个乐曲的平衡点。创作当中较为常用的三度和弦,在实际应用中也需要通过找寻平衡点的方式来实现其表达功能,使乐曲听感增加、表现情感更为突出和完备。

(二)曲式在音乐创作中的运用。

我国传统音乐和古代文学当中,音乐的曲式结构十分丰富。宋词元曲当中的各种词牌、曲牌其本质就是一种曲式。现代音乐创作在曲式的选择方面可以用仿古的方式来增添韵律,凸显曲式运用背后的文化感,搭配五声调式能够进一步增添音乐作品的文化韵味。对于创作者来说,曲式的选择应当注重统一性,应当在了解明确乐曲结构的基础之上,结合不同的创作章法和创作意图,对曲式进行选择和调整,以达到完整表达音乐情感的艺术创作目的。

(三)复调在音乐创作中的运用。

流行音乐当中较少出现复调的运用。常见的复调如对比复调、衬腔复调等,乐声的表现形式相对独特,对于听惯了流行音乐的社会公众来说,一首乐曲进行当中出现两个及以上的声部会令他们产生一定的困惑。而对于音乐创作者来说,复调在渲染情境、表现情感方面作用十分突出,创作中可以尝试选用一些复调方式来进行音乐作品情感表达的衬托,追求多样化的艺术审美,呈现独特的古典音乐艺术魅力。

(四)配器在音乐创作当中的应用。

随着音乐制作技术的快速发展,越来越多的计算机技术手段开始被应用到音乐创作当中,相比于传统的音乐创作方式,技术应用下的音乐配器可以通过技术合成的方式来完成近似音色的表现,而电子音的运用也成为现代音乐创作变革的重要节点。对创作者来说,根据音乐创作要求选择的乐器类型和配器方案更加丰富。通过音乐理论的学习和对配器知识的掌握,创作者能够更好地把握不同乐器、不同配乐方式在音乐作品情感表现当中的呈现效果。一些民族乐器如二胡、琵琶、唢呐等,融入到乐曲编配后往往能够呈现辽远、悠扬、苍茫的情感基调;而架子鼓、吉他等乐器作为流行乐团的标配,更多以激进、昂扬、喧嚣的情绪为内容;而在一些趣味、恶搞的音乐创作当中,创作者还会通过加入电子节拍器和反拍贝斯来烘托场景,营造节奏快速进行的氛围。因此创作者需要具备较好的音乐素养,了解各种乐器在实际音乐创作当中所呈现出的特征,进行有意识、有想法的创作思考。

(一)音乐理论水平的提升带动了音乐创造力的提高。

毫无疑问,音乐创造是基于情感抒发的艺术化表达,而创造力事实上还包含了音乐创作的不同等级。一些音乐创作者按部就班,在音乐创作中多快好省,态度相对敷衍;有些创作者希望能够在音乐创作道路上有所突破,大胆尝试各种新奇的音乐创作技法,敢于在公众无法接受的环境中进行音乐实验。从创作规律来看,音乐理论基础水平和音乐能力的高低在一定程度上直接决定了创作者是否会选择较为激进的创作方式,前述提到关于先锋音乐、实验音乐的创作中创作者非比寻常的和声应用,恰恰来自于创作者自身的高度自信以及创作技法的纯熟,他们拥有更为深厚的理论知识基本功,才能够拥有音乐创新的资本,才能够形成对于音乐不同创作方式的思考,并付诸于行动。可以认为,音乐理论的学习是音乐创造力的基础,同时决定了音乐创新水平的上限。

(二)音乐文化潮流的全面引领。

文化潮流是音乐创造力放置在更广阔视域下的文化现象,音乐艺术与其他艺术的创作影响规律十分近似,新兴的音乐作品更多是从传统音乐环境当中孕育,经历“离经叛道”的环境误解,逐渐受到社会关注,并在一定的文化契机当中获得认可,最终形成更为广泛的影响、成为音乐表现的重要形式之一的。在传播学理论当中,潮流的实现来源于对人们内心深处隐秘欲望的挖掘和认同,事实上,这类最终能够成为潮流的音乐作品,无论在发展过程中表现得多么“先锋”,本质上并没有抛弃艺术性的核心,同时也没有违背既定的艺术创作规律。音乐作品本身始终不是凌驾于情感价值之上的存在,自始至终它都是知识情感个性表达的艺术桥梁,承担着传播和搭建的使命。而桥梁的“用料基底”,仍然是基本的音乐理论。可以认为,音乐理论的学习与完备,决定了音乐创造力的下限,音乐创作者需要达到完备理论系统化的学习标杆之后,才有可能在后续的发展当中成为真正有影响力、创造出真正感动人心作品的“潮流引领者”。相反一些急功近利、试图通过浑水摸鱼的方式来获得市场短暂的喧嚣的人,他们的作品在喧嚣褪去后,一样会被人们抛弃和遗忘。

(三)音乐文化发展的未来展望。

从艺术实质来看,音乐实际上是一种忠实记录下的感官超越。其中忠实记录能力是基本功,是音乐创作者在创作之前的先验能力和系统化的学习成果。很多音乐创作者在音乐发展道路中,认识到了如何运用旋律走向、和弦进行和配器等方式,对事实与历史进行记录。这种记录是感官层面的,是通过主体性体验来获取的。与文字记录不同,音乐的忠实记录来源于音乐本身的真实性,即音乐创作者无法借助假的情感来完成真实记录,音乐创作所完成的一定是对真实的回应。但是音乐的创造不只是完成记录,而是需要在记录之上,实现对于感官经验的超越,而这种超越才是音乐拥有恒久生命力的关键。从发展角度来进行音乐审视可以发现,音乐的传续和每一代音乐人的出现,实际上都是对既有感官的一次超越,这种超越是多方位的,除了对物质世界挖掘的进一步深入之外,对于精神层面的提升也十分显著。对于创作者来说,音乐理论更近似于“敲门砖”,是进入丰富音乐世界的钥匙,而创造力则是在音乐理论基础之上的升华。未来音乐若要继续发展,就需要不断涌现出新的“探路者”,凭借他们扎实的音乐理论和空灵的音乐思想,完成对音乐的遐想和创造,打破既有的音乐思维逻辑,塑造全新的音乐世界和音乐文化场景,使音乐真正成为人类灵魂最忠实的表达和记录。

古典舞论文篇二十二

摘要:古典主义时期是欧洲音乐历史发展的里程碑阶段。

受启蒙运动的影响,古典主义的艺术大师们对音乐构思中的理性精神和逻辑进行了探讨,并使得情感在音乐中得到更加适度的表现。本文从当时歌剧领域和启蒙思想的理性精神两个方面,来探讨启蒙运动思想对欧洲古典音乐的影响及带来的变革。

关键词:启蒙运动;古典音乐;喜歌剧;理性精神。

古典主义时期是西方音乐史上的一个重要阶段,这个阶段深受欧洲启蒙运动的影响。发生在资产阶级革命时代的欧洲启蒙运动,引导着新思维不断涌现,它和理性主义等思想一起构成一个长期的思想革命和文化运动的主要内容。启蒙运动的影响覆盖了自然科学、文学、哲学、教育学、伦理学、政治学、经济学、历史学等各个知识领域。18世纪中期,随着工业革命和科学技术的发展和法国大革命的影响,欧洲的社会发生了深刻变革,英国资产阶级革命的胜利标志着欧洲进入资产阶级革命时代,当时法国是强大的封建集权国家,资本主义工商业发达,资产阶级队伍不断壮大致使资产阶级所需要的权利也随之膨胀,但是随着资本主义的发展资产阶级与封建阶级统治者之间的矛盾日益激化,资本主义只有打破封建制度的束缚与羁绊并冲破封建的藩篱才能找到出路,启蒙运动也正是这种社会局势在思想上的真切体现。

启蒙运动作为一场资产阶级的革命首先兴起于西欧,之后波及到欧洲大多数国家,最后影响到全世界,并孕育和推动了资本主义、社会主义的形成,是继文艺复兴以来的第二次大规模的思想解放运动。它反对封建制度与教会神权,比文艺复兴更强调“人”的作用,“人”的解放,它主张人的理性推理可以作为知识来源,高于并独立于感官感知,以“人”为中心,回归自然,追求共和、民主、权利、自由、平等、博爱,讲究普世性,推崇建立一个以“理性”为基础的社会,人的理性分析和推理成为分析问题、解决问题的主要途径。

音乐是一种文化,一种思想,它并不是空中楼阁,虚无飘渺。受到启蒙运动影响的音乐家也走出宫廷深院的大门,为新兴发展起来资产阶级构思创作,于是音乐的令人愉悦、容易理解和感情生动等品质,成为音乐美的准则,这是启蒙思想融入了音乐创作中的体现,如启蒙运动的代表人物卢梭等思想家的理论,会让我们更好的了解启蒙运动时期的音乐特质,更加了解这个时期的音乐家的创作与之前的巴洛克音乐和之后的浪漫主义音乐产生本质差异的原因。卢梭在政治上提出了“社会契约”论和“人民主权”说,猛烈抨击封建王权,认为统治者如果反对民意、侵犯人权、践踏人民的公共意志,人民就有权推翻他,政府应该着眼于个人权利的平等,而不是保护少数人的财富和权利。不管任何形式的政府,如果它没有对每一个人的权利、自由和平等负责,那它就破坏了作为政治职权根本的社会契约。人民的意识不仅在卢梭的政治思想中得到了深刻的体现,同时在他的歌剧美学思想中有着更加令人惊喜的体现。另外,法国著名的思想家孟德斯鸠提出的三权分立学说、天赋人权学说,明确的显示了他强调人民权利的思想。本文选取两个在音乐领域中最能体现启蒙思想影响的方面来探讨启蒙思想的影响在西方古典音乐中的渗透。

历史上著名的三次歌剧改革之争只有以瓦格纳为中心的改革与启蒙思想没有关联,而以卢梭为主要代表的喜歌剧之争和以格鲁克为中心的歌剧改革都与启蒙运动的思想有着密切联系。传统意大利歌剧在发展过程中,受贵族听众需求的影响,变得越来越偏重音乐性,尤其是在咏叹调等体现人声线美感的独唱段落中段落式炫技的性质不仅显示了歌唱家的高超歌唱技巧同时也极大的满足了听众的听觉感官。但是这种“音乐性”却发展为一个极端:歌唱家为了炫技而歌唱,不再真切抒发情感,不再有进入角色的表演,也不再注重体现音乐要表达的思想,使音乐逐渐失去了它应有的意义。这种极端的音乐表现形式过于僵化,缺少情感的音乐无异于缺少灵魂,于是听众对这种音乐也开始逐渐的放弃。于此同时佩尔格莱西的喜歌剧剧目《女仆作夫人》于1752年在巴黎上演,而这部喜歌剧剧目新颖、生动的特点立刻使已经疲惫的人民精神振奋,欣喜不已。在喜歌剧受卢梭和部分统治阶级以及广大民众的热烈拥护的背景下,西方音乐史上法国大歌剧派和意大利喜歌剧派著名喜歌剧之争便由此上演,为此,卢梭还自己创作了一部喜歌剧——《乡村卜者》。

“喜歌剧”是指18世纪上半叶在启蒙主义思潮影响根据意大利幕间剧的基础产生的,喜歌剧是反对意大利正歌剧的“装腔作势”并追求“自然”的歌剧体裁形式。喜歌剧的题材通常取自日常生活,音乐风格轻快幽默,这也就造就了喜歌剧的重要特质:喜歌剧不再反映王公贵族的生活而是以平时生活中的小人物、社会中下阶层为主要表现对象;表现人们熟悉的生活场景、细致描写人物的性格特点,具有喜剧因素,结尾往往是团圆或胜利;它的音乐轻快活泼,常用本民族语言表演,戏剧情节简单,人物精炼等;剧词幽默、口语化,音乐也十分生动多样,喜歌剧充分表现了人民的真实生活、人民的喜怒哀乐,更重要的是在这种歌剧的主题中,一般都会对小人物进行赞扬,赞扬他们聪明、热情、公正、智慧,拥有巨大的力量,总是能战胜邪恶势力,取得胜利。

卢梭的歌剧美学思想与喜歌剧的特质一致,他力图表现平民世界的美,所以在他创作的《乡村卜者》中的人物多数为穷苦的人;他在音乐风格、音乐语言上力求单纯、朴实、自然清新的`乡土气息;音乐旋律追求简单,朴实无华,没有复杂的对位与浓重的和声,平易近人,通俗易懂。他强调音乐要模仿自然的旋律,模仿语言声调和语气。“自然”不仅指自然界,还指自然人的本性,没经过文明社会污染的人的纯朴、自然的热情。音乐对自然的模仿就是对人纯朴的热情进行模仿,音乐的感染力也正在于用“热情的抒写激起我们的热情。”法国评论家圣。勃曾说:“没有一个作家像卢梭这样把穷人表现得卓越不凡。”启蒙运动思想就是这样清清楚楚在歌剧中有了它的体现,喜歌剧的内容、形式、所表达的情感,无一不说明启蒙思想对音乐的影响。

在18世纪的意大利正歌剧过份注重美声、炫技性而无视戏剧性的背景下,一些艺术家也开始思考对正歌剧进行改革。格鲁克是其中重要作曲家之一,他早年主要创作传统风格的意大利歌剧。18世纪50年代,受歌剧改革浪潮影响,他先后创作了《阿尔切斯特》《奥尔菲斯与尤丽狄茜》等歌剧,在这些歌剧的创作中他实践对歌剧改革的一些设想。他的观点主要体现为:在歌剧中,声乐要去除不必要的装饰,音乐必须随着剧情的发展,简洁自然地表现出来;太多的咏叹调,会破坏剧情的连贯性;歌剧序曲的基调应与整个戏剧的基调相吻合;歌剧音乐应该追求清晰和简洁的原则。而格鲁克歌剧取得的成功也证明了这些观点的价值,《奥尔菲斯与尤丽狄茜》中的咏叹调“我失去了尤丽狄茜”等唱段,至今仍被音乐界视为既富于美感又简洁明晰的佳作,奥尔菲斯下冥府拯救妻子的场景则以音乐和戏剧的浑然一体而动魄感人。格鲁克在18世纪70年代又创作了《伊菲姬尼在奥利德》《阿尔米德》和《伊菲姬尼在陶里德》等优秀的歌剧,这些歌剧的美学观点启发着后世许多著名歌剧作曲家的思考和探索。

理性主义精神是承认人的理性可以作为知识来源理论基础的一种哲学方法,主张人的理性高于并独立于感官感知。

启蒙主义者认为“理性”是人们思想和行为的基础,他们呼唤用理性的阳光驱散现实的黑暗,批判专制主义、教权主义,号召追求政治民主、权利平等和个人自由。启蒙运动文学家痛斥想象和飘忽无常的情感,认为凡是天生的事物总是符合理性的,是永恒并且真实的。在这种思想与主张的影响,西方古典音乐开始强调人类理性,并着重于反映资产阶级新兴市民的精神面貌,主张音乐要从宫廷、教堂走入平民百姓的世俗生活。音乐文化的发展在渗透人类理性的基础上也极大地受到了当时时期平等、自由、博爱,尊重科学、尊重人权、提倡个性解放等主导思想的影响。因此,在古典时期的音乐中最突出的特点之一是:在情感表达与理性的形式美中更注重后者,尤其体现在结构形式方面。古典主义时期,人们更多提倡清晰的主调音乐,逐渐不再喜欢复调那种繁复的音乐风格,这便更加突出了旋律与和声这两大音乐要素。对称的段落结构和清晰的音乐旋律句法取代了巴洛克音乐动机加变奏的装饰性旋律方法。古典音乐结构形式中,作曲家更加乐于运用带有抽象辩证思维的奏鸣曲式并使它成为几乎无处不在的音乐形式,独奏奏鸣曲、三重奏、四重奏、五重奏等音乐形式出现在私人客厅里;五人以上的合奏也作为宴会、婚礼背景音乐出现;小夜曲、嬉游曲也都在这个时期发展起来。当由庞大的管弦乐队演奏的交响曲从宫廷的娱乐转向了面向大众的音乐会时,它便融入了时代精神的内涵,器乐音乐的意义得到了升华。

启蒙思想认为理性是组织、分析的基础,同样,在音乐艺术中,古典主义音乐家的音乐创作也是如此,格鲁克、海顿、莫扎特和青年时代的贝多芬等音乐家对影月形式的理性与逻辑做出了探索,使作品更加完美地表现了情感。音乐大师海顿认为艺术的真正意义在于使人幸福,使人得到鼓舞和力量。他的这些思想也体现了启蒙主义中以大众为中心的思想,明显的体现出启蒙思想在其音乐创作主张中的渗透;莫扎特是是西方音乐史上最富有智慧的音乐家,从他笔下涌流出的音乐具有古典美,是艺术的一种升华,同时他以其多面的杰出才能推动了古典风格趋于完美;时代的音乐巨人贝多芬完善了古典主义风格,他的音乐充满时代斗争精神和高度个性,最终,他的音乐超越了古典主义精神,他也成为19世纪浪漫主义的引路人。

通过分析此阶段的音乐作品笔者发现,在他们的创作中内含着严密的逻辑思维的运用和对结构的清晰安排。音乐上的奏鸣曲式在他们的笔下走向成熟阶段,直到现在我们还在津津有味的分析着这些作品的绝妙结构。古典主义与浪漫主义不同,浪漫主义的作曲家们更加有自己的个性,这种个性只是体现他一个人强烈的情感,这种肆意的宣泄、心理的瞬间变化,使他们创作时不可能再有一个完美、对称、均衡的形式,为了更能抒发情感,他们可以随意的打破秩序,音乐成为表达主观情感的工具。而古典主义音乐是在理性的控制之下来创作的,音乐家把音乐作品本身当作自身存在的客体,追求创作中思想逻辑的清晰,主题的明确和形式的完美,它的效果是明确客观的。他们注意旋律的优美、追求精湛的技艺和细腻的感情,讲求作品整体的秩序、协和、比例以及对情感表达的控制。准确地呈示、合理地发展、自然地再现,绝对控制着全局、种子动机的铺垫和一步步发展、戏剧性的冲突与矛盾的制造、高潮的到达、音乐的目标感都是作曲家主要考虑的问题,这些问题也充满了对理性的思考。

诚然,启蒙运动是一场思想上的运动,而音乐却也恰恰是思想的表现方式之一。于是我们看到音乐创作与启蒙之一思想紧紧联系起来,那个时期的古典音乐处处都能感受到启蒙思想的气息,体会到启蒙运动的精神和理性精神的光辉。

上面内容所说的只是启蒙运动思想和古典音乐的关系最具代表性的其中两个方面。当然,这只是在用文字进行分析,摆在这里看起来似乎很简单,但实际上却绝非如此!我们说喜歌剧体现人民的力量,说它接近人民,表现人民心声,这只是内容和经验的总结,至于它是如何地体现、怎样地接近,还要我们实实在在的去听那些至今闪烁着光辉的大师们作品、观看那些大师们作品,用心体会那些作品;我们说古典主义音乐曲式结构多严密、多清晰、多有目标感,也不能只是纸上谈兵,要想真真切切明白这一切,同样需要我们去听那些优秀的作品,分析那些旋律优美的乐谱,用“理性的精神”去认知、感受。

参考文献:

[1]于润洋主编。《西方音乐通史》。上海音乐学院出版社,20xx年版。

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[3]朱立元。《西方文论教程》。高等教育出版社,20xx年版。

[4]朱光潜。《西方美学史》。人民文学出版社,1963年版。

[5]孙美兰。《艺术概论》。高等教育出版社,20xx版。

[6]李泽厚。《音乐美学史》,人民音乐出版社,1978年版。

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