在平日里，心中难免会有一些新的想法，往往会写一篇心得体会，从而不断地丰富我们的思想。那么我们写心得体会要注意的内容有什么呢？以下我给大家整理了一些优质的心得体会范文，希望对大家能够有所帮助。
国画创作心得体会篇一
作为一名国画爱好者和创作者，我一直对国画的独特魅力感到着迷。国画作为中华民族的传统艺术形式，历史悠久、文化底蕴深厚，它的神韵和气韵独特，往往能令人感受到静谧、深远的美。在长时间的实践和创作中，我不断地摸索和总结，积累了一些关于国画创作的心得体会。
首先，对于国画创作来说，写生是非常重要的。写生是观察性创作的重要手段，通过亲临大自然，感受万物的气息和变化，在现场准确地把握形态、颜色、光影等要素，使作品更加真实、生动。写生能够培养艺术家的观察力和表现力，让我们更好地把握事物的本质和特点，培养审美情趣，提高创作的质量。写生还可以丰富我们的内涵，提升我们对世界的认识。
其次，国画创作需要合理地使用材料和工具。纸、笔、墨、彩是传统国画的四大基本要素，它们在国画表现力中起着关键作用。纸质的选择要因材料而异，以树皮纸、宣纸、绢本等传统纸张为佳，以适应不同的画风和具体创作要求。而笔的选择要因画面的大小和细节的精细程度而定，善用各种笔法和不同笔尖的组合，能够使作品的质感更丰富，形象更生动。墨和彩的运用要根据作品表现的内容和意境来选择，尽可能使作品色彩明快、富有变化。
第三，国画创作需要坚持学习和实践。国画是一门博大精深的艺术，要想掌握它并创作出优秀的作品，需要不断地学习和实践。在学习过程中，我们要学习传统国画大师的作品、理论和技巧，吸收他们的精华，扩大我们的艺术视野。在实践中，我们要虚心向别人请教和交流，吸纳新的艺术元素和表现手法，不断地完善自己的创作。
第四，国画创作需要有自己的风格和独特性。国画有着较高的审美要求和一定的限制，但每个创作者都有自己独特的个性和风格。在创作过程中，我们要不断地探索和挖掘自己的内心，寻找和培养属于自己的艺术特点和风格，使作品具有独特性和个性化，给观众带来创新和惊喜。
最后，国画创作需要勇于表达和自由创作。国画是一种富有表现力和想象力的艺术形式，我们要善于从生活中汲取灵感和情感，勇于表达自己对人生、世界的独特观点和感受。创作不必拘泥于传统，我们可以在技法和题材上自由发挥，打破固有的束缚，尝试创新和创造。只有勇于表达和自由创作，才能发挥国画的无限魅力和创作潜力。
综上所述，国画创作是一种独特的艺术表现形式，它需要艺术家具备一定的观察力、表现力和创造力。通过写生、学习、实践和表达等过程，我们可以不断提高自己的国画创作水平，使作品更加出色、有深度，体现我们对艺术和生活的热爱和追求。同时，我们也应该保持对传统文化的热爱和尊重，传承国画的精髓和传统，为国画艺术的发展做出我们自己的贡献。
国画创作心得体会篇二
当代的中国画创作有个热门的话题：那就是中国画的传统笔墨和创作中的制作技术的问题。 自古至今多数画家（画匠）在创作中，毛笔与水墨已是较普遍的创作材料，无论写意，还是工笔都是作画中的主要工具。因每个人的学识、修养、素质的不同，所创作出来的作品形式与意境也就有别，这里有高、有中，也有低。 随着现代全国展览活动的兴起，大而满、大而出奇的制作技术的画面越来越走红；因为这些作品屡次在全国大展上独领风骚，使一批批的中青年画家纷纷倾向于大而满的制作技术。
除了这些，在民间职业画家中，有不少也为了在全国展览一展“雄风”、出人头地、改善生活，也一头扎进中国画制作技术的行列中来，这种现象既有中国画发展中好的一面，又有发展中存在的弊端。 关于中国画的制作技术，早在唐、宋、元、明、清院体画风中有较多范例。当时由于对技术制作比较规范，的确产生出一大批绘画制作技术骨干。如：现在已发现的敦煌莫高窟壁画及一批出土绢画、锦画等等。这批技术含量高的中国绘画，象征着我国历代文化的发展脉络和当时画匠的精湛技艺。而这些只能作为考古的文物价值与绘画制作技术上的学习、借鉴，却不能将它作为艺术创作的追求目标。
中国绘画历史发展至现代，在历代院体画风中仅有那么少数有着较高学养和文化素质的宫廷画师的姓名与作品传世。而有许许多多制作技术精湛的画匠们，由于没有自己的创作灵性和自身创造意识的发挥，他们的姓名逐渐随着社会的发展而被湮没。 还有一个重要的原因，就是他们的绘画创作是在从皇上到各级官府的官员所好，给画面内容命题的情况下和督促下，在限定的时间里，将预期下达的画面制作任务准时完成而制作的。 历代许多院体画风既有它的积极一面、又有它的消极一面。积极的能使绘画制作技术规范化、程序化，便于学画者在学习绘画技术上亦步亦趋的提升；消极的是不能将它作为中国画的创作追求，因为制作技术对约束画家（多数画匠）的发展与发挥造成了障碍，于是形成了许多制作绘画的“机器人”。 从现在不少中国画学子来看，可以说对制作技术过于苛求，为参展而全身心地投入严谨的制作中，加上展览评审的专家多数是大学里的教师出身，他们对作品的评选就像老师对学生的`习作评改相差无几；因此在评选中不是从欣赏艺术、美学角度去审视画面，而是从制作技术高低的角度来打分数，如：批改作业式的优秀、良好、及格来进行学习成绩的等级排列（也就是针对参与展览作品的获奖等级）。 这些足可以说明，用现代院体式画风的审美角度，来对参展览作品作为评选的唯一标准，严重地影响了画家对作品的创作激情和参展画面的艺术质量，同时也阻碍了当今我国的美术发展。
所以，对于古代和现代的中国画院体画风（技术制作），作为学习、借鉴是可行的、必要的，用它来试验创作习作也是可以的；但作为终身的绘画创作追求，那中国画真的就完了。 俗话说得好：“师傅领进门、修行在个人”。在古今“院体画风”（技术制作）里，也不能全盘否认确有一批有成就的画师，当他们把所学的院体画风的制作技术运用到现实社会生活中，在从事中国画的创作上深入实际，从现实生活里挖掘出许多新的制作技术，这种技术为我所用，也创作出一批批优秀的绘画作品。 纵观古今院体画风的作品可以看出，由于学养、素质的不同，其艺术创作的天赋也就自然而然地在作品里显露出来。因此，在不少古作品里有高、中、低层次的作品意境。在这里，有的能驾驭制作技术、创作随心情千变万化，有的却成了制作技术的俘虏。好在历代绘画中，每个朝代的院体画家、画师，包括文人画家等，最能给我们留下较深印象的作品，多数是当时的学养、素质高的画家和流落民间的文人画家；这批画家在元、明、清等已很明显。如：元代的王冕、明代的四王（指周臣、文明、唐寅、仇英）、清代的八大、徐渭直至扬州八怪等等。他们的画风不为院体画风所约束，在创作上自由自在、随心所欲，因此产生出许多对社会、人生、理想、美学等发自内心世界的真正艺术；同时，他们也是有名有姓有自家的笔墨风格与技术个性。这些东西以后便又成了学者和画家们鉴赏、研究的课题，也是中青年画家和爱好者们借鉴、学习的范本。所以在现代，我们的性情之作也就是将来人们所认为的传统笔墨，也包括留给后人的技术制作。
2005年中国美术家协会举办了“首届中国写意画大展”，以此来振兴和唤醒中国画的写意精神，但真正有分量的文气、大气的佳作仍然少见。无论写意画展览也好、工笔画展览也罢，这两个一粗、一细展览的作品都需要具备——写意精神。 对于“写意精神”可以说有许多人并非真正领会，通常说“写意精神”就是在传统笔墨程式和制作技术程序的基础上，融入画家的情绪波动，尽情发挥对社会现象、生活环境、人生哲理等在作品里的反映，这种反映有激情发泄的、也有含蓄深沉的；它是由传统笔墨程式和制作技术程序升华为对现实社会、生活状态等的心情笔墨和性情线条色调的自然表现，在创作上走出了一条自己的、新的程式和程序。所以，在画面里是画家心里情绪的一种自然流露，其作品是从传统笔墨和技术制作的延伸与拓展。
因此，写意精神不仅在意笔水墨画作品里，同时也在工笔画的作品里同样存在和重要。如果硬要将它们分开来理解，即写意画必须有写意精神、工笔画必须是制作技术（含个性）的话，等于从一个极端误入另一个极端，是不正确的、片面的。 虽然工笔画在创作中，其时间要比写意画长，但它的创作总是随着画家在不同时间里的情绪流露，色调也在情绪的变化中而变化。 在这个过程中，画家每次着色都有新的感受，也就是性情驾驭在制作技术之上，从而上升为画家的心情线条色调的变化。写意画又称意笔画，虽然它的创作时间在表面上快于工笔画，似乎给人的印象很潇洒；其实，要知道写意画的潇洒背后来自于画家多年的刻苦学习与修养，它仍是在传统笔墨程式的基础之上修炼出自我意识的笔墨观念与作画的新程式，而这种程式是在心情的变化中而变化，即每创作一幅画的格调也不一样。更为重要的是具备了较高的艺术素质、知识学养、生活阅历等在创作中潜意识的流露。
因此，优秀的写意画作品就具备这种高雅的品性。在一些工笔画和写意画作品里，从画面上去欣赏，只有打动人们的心灵，丝毫看不出有传统笔墨程式和制作技术程序的痕迹。除非在一些品行不正的所谓“评论家”眼里能说出作品里只有笔墨程式和制作技术的歪理学说。 此外，谈到中国画的基础是否要学习素描（写生），以前，这个问题一直困扰在全国许多美术院校的教学上。我认为最基本的学习是这样的：素描（写生）技术作为绘画的造型基础，学习是必不可少的，中国画的基础素描技术学习与西画的基础素描技术学习有一定的区别。
西画的素描技术讲究它的黑、白、灰关系及透视学，而中国画的素描技术讲究的是以线条结构为造型基础，用线条或笔墨来塑造自然生命的形状符号和质感。 中国画创作的所有素材离不开生活中的素描（写生）、摄影的采风，一般在创作之前首先要捕捉到生活中最美的东西；有了自然生命的素材，创作才能出佳作；待到这些基础学习逐渐有了个性时，将自己对自然生命的感悟用性情线条、色调、笔墨表现出自然而然的画面。 最后我要说的是：学习中国画光有工夫没有悟性不行，光有悟性没有工夫也不行；只有工夫加悟性等于功夫、功夫再加个性发挥等于真正的作品。何谓真正的中国画创作，以上这些才是真正的创作、真正的画画。
国画创作心得体会篇三
国画是我国传统艺术的重要组成部分，具有深厚的历史底蕴和文化内涵。作为一名爱好绘画的人，我深深地被国画的独特魅力所吸引，尤其是鹰这种动物形象，它的凌厉、刚毅、高傲的气质，引人入胜。近年来，我不断学习国画绘制技巧，凭感觉、凭体验，对鹰这种形象进行创作，经历了种种挑战和感悟，从中积累了许多创作心得，现在我愿意分享我的体会。
第二段：素材收集和构图的打磨
国画绘制需要素材的积累和构图的策划，这是创作的前两个关键步骤。要画好鹰这种形象，首先需要收集大量有关鹰的图片、画作、动态和静态资料等。在对这些素材进行分类和选择的过程中，我发现鹰的神态和姿态非常丰富多样，这给我创作的想象和创意提供了灵感和足够的素材。其次，构图是画好一幅国画的关键，必须千万别草率从事。构图应该结合鹰的性格特征，用线条与色彩来表现鹰的飞翔、觅食、抓猎等形态，要求画面的整体和谐，气势逼人。在构图过程中，我常常借助素材库中现成的形象和位置，进行改造和组合，使画面更加富有层次感和立体感。
第三段：用笔用墨的精准掌控
在素材的积累和构图的策划之后，下一步就要开始真正地绘制了。用笔用墨，是国画绘制的最核心的环节之一。鹰是一种比较骨感的动物形象，其角度和毛羽的描绘要求准确、精细。我个人比较喜欢用软毫笔和硬笔钢笔相结合的方式来描绘鹰的形象。在这个过程中，不能急于求成，要耐心地反复推敲，用笔笔上乘，色彩层次分明，既要形似又要神似。同时，在用笔用墨的过程中，要注意创造性地运用不同的技巧和手法，使画面更富表现力和夺人心魄的效果。
第四段：观察体悟和细节调整
在画好鹰的过程中，我们需要较强的观察力和体悟力，以及较细致的调整能力。鹰虽然是一种高傲的动物形象，但它的表情和态度也是会有变化的，这就要求我们在绘制鹰的时候，要注重观察其表情和神态的变化，以便更准确地表现出它的自然气质。此外，在绘制过程中，还要注意细节的调整，比如翅膀、爪子和眼睛的处理，做到尽可能地真实再现，让画面看起来更有生命力和艺术感。
第五段：总结和展望
国画作品鹰的创作，需要艺术、理性和技术三者相结合，是一项富有挑战性的任务。通过对自己多年绘画实践的总结和分析，我体会到了一个人在国画创作中需要具备的基本素质和技巧，包括对素材的敏感度和巧妙运用、对构图的独到见解和创造、对用笔用墨的精准掌握和技法的灵活运用、对细节的关注和完善。当然，这个过程也是一个不断探索、不断磨砺和不断进步的过程，只有不断学习和练习，才能够在国画艺术的大道上越走越远，实现自己的艺术梦想。
国画创作心得体会篇四
昨晚有幸蒙德发老师青睐，得以在曲阜师范大学图书馆报告厅聆听德发老师关于《传统文化与文学创作》之讲座，虽然昨晚老师仍在感冒中，但丝毫没有影响这场让广大同学们和文学爱好者怦然心动的唯美视听盛宴。
赵氏德发公，昆仑之良师诤友，有感昨之讲座，昆仑有感言一二。
老师对于传统文化的界定、审美，以及在弘扬传统文化的文学创造功力上可谓无人不服，吾辈或曰高山仰止，景行行止，虽不能至，然心向往之。
老师在关于弘扬传统文化的意义上用了“补皮、补气、补天”这三重境界来说明，这无疑是在教化心灵的戒尺上裹上一层厚厚的绒布。老师心地良善，为人中庸，处处本末兼顾与人为善，但昆仑就不这么良善了。愚以为今日之中国国学式微，众人皆尚西方舶来文化，虽有众人不明之愚，更有明者不言之责。
老师在讲座中也曾言道我们一直是强国，只是到了近代我们才衰落。老师只说了上半句，这没说的下半句我来说好了——衰落了什么？不是什么汽车、手机，也不是摇滚、丁客，是我们的文化衰落，或者说被文化入侵，而且是被低等的文化入侵，执笔于此昆仑心如刀搅。
想想我们的先贤们，前有先秦百家争鸣，中有汉唐星光灿烂，为什么传承到近代汉文化就“阳痿”了呢？看看充斥在街头巷尾的那些迷失的人群，他们在西方的舶来文化面前如痴如醉，不以为耻反以为荣，从来没有想过自己早已成为弱势文化的牺牲品。
强势文化造就强势民族，弱势文化造就弱势民族，如果你要问我什么是弱势文化，那就看看哪些纸醉金迷，而且庸俗简单，方便流行的，那就是弱势文化。
我们不是没有强势文化，大家看看经史子集，琢磨琢磨前秦的繁荣，汉唐的辉煌就会发现一个强悍的民族究竟需要什么，不需要什么。
中国先贤们留给我们的强势文化里有这么一件瑰宝——知行合一。知行合一告诉我们知识与实践是一个统一体，既不是先有知而后有行，也不是先有行而后有知，这就如同一本书的正反两面，缺一不可。
当我们决心去做一件事的时候，不必瞻前顾后，大可放手去做，只要你开始去做，就必须需要知道指导这种行为的知识，所以掌握这种知识的决定权从你开始去做这件事开始，就不以你个人的意志为转移，它会在整个实践中指引你如何去学习、掌握、运用，除非你意志不够坚定，那就另当别论。
有没有那种只知而不行的人呢？肯定有，而且大有人在，那种疯狂的梦想家可以在脑子中天马行空，成为瞩目的巨人，但在行动上却是可怜的侏儒，最终一无所成。
有没有只行而不知的人呢？肯定有，这种人最大的特点就是在一个坑内摔倒无数次，我们亲切地称之为失败者。
我经历过有知无行，也经历过有行无知，那是在我还不知道我是我的时候，当我知道我是我的时候，我开始实践知行合一，从那一天起我开始做回我自己，开始写作，开始获得快乐。
我的朋友们啊，传统文化是中国人的强势文化，是中华民族面对魍魉鬼魅巍然不惧的中流砥柱。
弘扬国学，重振中华魂魄，从你我做起，赢得今天，从孩子们抓起，赢得未来。
有志者事竟成，眼到、心到手到、处处皆道。
国画创作心得体会篇五
中国画作为我国传统文化的瑰宝之一，有着悠久的历史和深厚的艺术底蕴。在中国画的创作过程中，构图是至关重要的一环。通过合理的构图，可以使画作更加生动、具有表现力。在我的创作实践中，我不断探索和总结，积累了一些关于中国画创作与构图的心得体会。
首先，一个好的构图要能够吸引观众的眼球，让人一眼就被吸引住。在构图时，首先要考虑的是画面中的主体。主体的位置和形式对于构图的影响至关重要。如果主体过于集中，容易造成画面的单调和枯燥；如果主体分散太多，又容易让人感到视觉混乱。因此，在选择主体的位置时，要注意遵循“三分法”或“黄金分割”的原则，将主体放置在画面的黄金点附近，使画面更加和谐。
其次，构图时，要注重画面的层次感。通过合理的布局和使用空间，可以给画面增加立体感，使画面更加有层次感。例如，在画山水画时，可以利用虚实相间的手法，通过运用远近明暗的对比，使前景与背景产生明暗变化，形成有深度的画面。此外，还可以通过叠加画面的层次，表达出不同的场景和氛围。
再次，构图时，要注重画面的整体感。一个好的构图要有统一、和谐的整体效果，所有元素都应该互相呼应、相互配合，形成一个完整的画面。例如，在画花鸟画时，可以通过抓住花鸟与其栖息环境的相互关系，让花鸟与背景相互渗透、相互贯通，形成一幅完美的画面。另外，要注意画面的节奏感和韵律感，通过画笔的抚摸和转折，增强画面的表现力和吸引力。
最后，构图时，要注重画面的中心与边缘的处理。画面的中心是人们眼光集中的地方，是整个画面的重点，而边缘则是画面的承接和衬托部分。因此，在构图时，要合理安排和处理画面的中心与边缘的关系，使其相互映衬，相得益彰。例如，在画人物画时，可以将人物置于画面的正中央，然后通过运用景深和透视等手法，将人物的视线引向边缘的景物，形成画面的层次感和深度感。
综上所述，中国画创作与构图是一门宜人、高雅的艺术形式，它要求画家在构图过程中，注重主体位置的选择、层次感的表达、整体效果的统一和画面中心与边缘的处理。通过不断的实践和总结，我深刻体会到一个好的构图是传递艺术情感和观众感受的基础，它能够使画作更具有魅力和表现力。在未来的创作中，我将继续努力探索和研究，提高自己的构图水平，创作出更加优秀的中国画作品。
【本文地址：http://www.xuefen.com.cn/zuowen/3279564.html】
