心得感悟是指一种读书、实践后所写的感受性文字。大家想知道怎么样才能写得一篇好的心得感悟吗？下面我帮大家找寻并整理了一些优秀的心得感悟范文，我们一起来了解一下吧。
油画艺术欣赏与感悟篇一
油画艺术作为一种广泛应用的艺术形式，一直以来都具有非凡的吸引力。作为一个长期从事油画创作的艺术家，我从中获得了丰富的经验和心得。通过不断的探索和实践，我购得了许多关于油画创作的体会。
第二段：过程中的思考和准备
在进行油画创作之前，思考和准备至关重要。我会先搜集一些参考资料，明确我的主题和构图。接着，我会想象出画中的故事，在心中构建画面的整体效果。我会思考如何运用画笔和颜料来诠释我的主题，通过重复的练习，不断提升自己的技巧。除此之外，我还会定期观察和学习其他艺术家的作品，从中吸取灵感和创作技巧。
第三段：运用色彩和光影的重要性
色彩和光影是油画创作中不可或缺的元素。通过运用不同的色彩和光影效果，我能够表达出画中的情感和氛围。例如，在描绘大自然时，我会运用丰富的色彩来表达自然景物的美丽和生机。而在描绘人物时，我则会通过调整光影效果来营造出戏剧化的效果。同时，我也会学会观察光线的变化和细微之处，以便精准地再现在我的画作中。
第四段：创作中的挑战和解决办法
尽管油画创作给我带来了无限乐趣，但也不可避免地伴随着一些挑战。其中之一就是控制画面的整体平衡。在创作过程中，我会时刻关注画面的整体效果，努力使每个元素相互协调和谐。如果遇到困难，我会停下来，仔细观察并评估画作的整体效果，以找到解决问题的方法。另一个挑战是保持绘画的连贯性。对于我来说，这需要良好的时间管理和耐心。我会将创作时间分配到几个连续的时段，以确保思路的连贯性和创作的连贯性。
第五段：油画创作的心得和收获
通过多年的油画创作，我获得了很多心得和体会。首先，油画创作培养了我的细致观察力和想象力，使我能够更好地表达自己的情感和观点。其次，油画创作让我学会了坚持和持续努力，因为只有通过长期的实践和学习，我才能不断提升自己的艺术水平。最重要的是，油画创作带给我无限的乐趣和满足感，它成为了我与自己和世界沟通的一种方式。
结论：
通过以上的油画创作心得和体会，我深刻认识到油画创作是一门需要不断学习和实践的艺术形式。只有坚持不懈地去探索和尝试，我们才能不断提升自己的创作水平，并达到自己艺术理想的高度。无论在创作过程中遇到多么困难的挑战，只要我们充满热情和耐心，我相信我们都能用油画作品诠释自己的独特视角和思想。
油画艺术欣赏与感悟篇二
【内容摘要】文章主要讲述了汪志杰从早期的艺术高峰到成为国家画家“职业化”试行的职业画家，再到遭遇政治批斗，最终重拾画笔、成为一代大师的跌宕起伏的艺术生涯，并探讨画家“职业化”道路在中国的可行性。
【关键词】画家职业化 美术体制 文化政策
画家“职业化”自古有之。公元18世纪以后，随着社会生产的发展，商业城市的繁荣，市民阶层的扩大，盐商富贾群体的兴起以及国家对艺术的需求，开始产生除宫廷画师和文人画家群体之外的，以“扬州八怪”为代表的各类职业画家群体。到19世纪中叶以后，随着上海、广州、天津等沿海现代化城市的出现，工商业资本的繁荣，促进了新的绘画市场的形成。由于绘画供求关系的变化，人们审美趣味的提高，美术的社会功能和过去不同了。另外，科学技术的发展，印刷术的更新、各类商品和出版物的出现为美术作品提供传播媒介，画家职业化逐渐成为一种普遍现象。
不过，职业画家也是一个特殊的群体。新中国成立之初，国家美术事业百废待兴，在新的艺术体制构建之时，画家职业化的问题被以一项国家政策的形式明确提出来，在推行了极短的时间之后，便淹没在一场浩大的政治运动中。而经历这场职业化风波的画家也被历史的尘埃覆盖，由此笼罩上一层悲壮和传奇的色彩，汪志杰便是其中之一。
一、早期的从艺经历
汪志杰，1931年出生于北平，幼年及少年时期生活于南方的江浙地区。汪家原是书香门第，但到民国已衰败。尽管如此，诗书世家的家族传统仍然影响着汪志杰，使他于乱世辗转的谋生途中始终不忘求学，先后在温州、上海、苏州、青岛等地读书。这段在颠沛流离中求生求知的经历，是他日后或灿烂或晦暗的人生的起点与铺垫。
1949年新中国成立之后，汪志杰考入国立北平艺术专科学校（1950年学校更名为中央美术学院），成为第一届本科生。1953年，学校留下了绘画系14名成绩优异的学生继续学习，汪志杰是其中之一。由这14名学生组成的团体被称为绘画系四年级，简称“绘四”。第二年，学校正式宣布“绘四”学生为研究生。1955年，汪志杰研究生毕业留校任教，成为青年教师骨干，这时期应该成为汪志杰人生的第一座高峰。
画家叶浅予在其自传《细叙沧桑记流年》中不经意的一段描述记录了汪志杰在中央美术学院学习的经历：“1954年初开学不久，院领导找我谈话，说已选定三个毕业留校学生，要我带他们去敦煌学习艺术传统，准备培养他们成为国画专业的后备教师，并暗示不久将恢复国画系……院部交给我的三个学生，都是业务尖子，有造型能力，有视觉敏感，他们是刘勃舒、詹建俊、汪志杰。”“这年9月从甘肃到北京时，学院已聘来苏联画家（马克西莫夫）办起了油画训练班，对青年有极大吸引力。詹建俊脱离了我的小班，转到油画训练班去了；刘勃舒是徐悲鸿的信徒，专业思想比较坚定；汪志杰后来为江丰的‘自由职业’设想所动，当职业画家去了。”在叶先生80岁写的回忆录中清晰可见汪志杰的名字，可见汪志杰早期的艺术成绩是得到学校首肯的。
1951至1955年期间汪志杰创作了大量的油画、版画、水墨画、素描等作品，在全国各大报刊发表。十分遗憾的是，他早期的作品已经遗失殆尽，无法从作品中印证他的才华。但从他曾两度获全国美展创作奖，部分作品选拔参加“世界青年联欢节画展”以及前苏联权威美术月刊《艺术》中登载的汪志杰作品等经历，可以看出他的确是一颗活跃的美术界新星。不过，在学校中取得如此成绩，曾享有“美院才子”赞誉的汪志杰似乎并不满足，不久之后便走上了“职业化”道路。
二、新中国初期画家“职业化”的提出
所谓画家“职业化”，是1956至1957年由文化部、全国美术家协会和中央美术学院三方共同促成并制定的方针，并由全国美协发文。其意要求画家脱离体制，不在国家统一分配之内，自谋生路，类似于今天所说的“自由职业”。一方面，随着新中国的成立，经济开始恢复，文化渐趋活跃，艺术需求量增大。国家需要大型的尤其是历史题材的创作。同时，人民生活水平提高了，需要艺术品装饰家居。另外，新闻出版业的发展也推动了创作繁荣。这些都为职业画家的作品提供了更多的出路。另一方面，职业化意味着没有固定的工资、住房等福利，收入来源主要靠自由创作得来的稿费，这些稿费不但要维持创作，还要支付生活中的一切开销，尤其对刚刚走出美术院校的学生来说具有一定风险性。
正如叶浅予先生所言，画家“职业化”最初的设想与一位美术界领导人有密切关系。1950年4月由国立北平艺术专科学校与华北大学三部美术系合并成立中央美术学院。次年，来自解放区的江丰奉命从杭州调回北京，接替徐悲鸿担任中央美术学院院长。为了适应国家建设的需要与美术运动的更高发展，以江丰为代表的美院领导认为必须改变新中国成立初期以培养一般美术人才为主的教育方针，并确立今后以培养精通一种业务的美术专门人才——创作人才及地方美术专科学校的师资——为主要任务。将“繁荣创作”提到美院教育的首位。
油画艺术欣赏与感悟篇三
作为一名即将毕业的艺术学生，毕业创作是我专业生涯中最重要的一环。作为一个选择油画作为专业方向的学生，我深深感受到了油画艺术的魅力和独特之处。在这次毕业创作中，我通过不断探索和实践，收获了许多宝贵的经验和体会。
首先，一幅油画作品的创作并非是一蹴而就的过程，而是需要耐心和坚持的。在这次毕业创作中，我选择了以人物肖像为主题进行创作。起初，我对于人物肖像的捕捉和绘制并不熟悉，每一步都需要我认真地学习和实践。在这个过程中，我不断尝试不同的绘画技巧和手法，从中去发现并培养出最适合自己的创作方式。在创作的过程中，我遇到了许多困难和挑战，但我始终坚持不懈地努力去克服，最终完成了一幅令我自豪的作品。
其次，创作一幅油画作品需要良好的观察能力和综合素养。艺术是一门综合性的学科，它需要我们有广泛的知识储备和对不同领域的了解。在毕业创作中，我不仅需要学习和理解绘画技巧，还需要对人物肖像的历史背景和文化意义有所了解。只有通过对绘画对象的全面了解和把握，才能够更好地把握住作品的主题和表达方式。因此，我在准备创作之前，先去了解了许多关于人物肖像的历史和文化背景，这为我后续的创作提供了很大的帮助。
此外，在毕业创作中，艺术家需要勇于表达自我和独特的个性特点。油画艺术作为一种个人表达的手段，是艺术家对于世界和内心情感的一种诠释。在我的创作中，我不仅仅局限于基本的技巧和构图，还加入了自己的一些个人风格和自我表达。通过充分发挥自己的创作特点和个性，我让我的作品更加地生动和独特，赋予了它们更多的内涵和意义。这种独特性的表达，让我的作品与众不同，也更容易被观众所接受和理解。
最后，在毕业创作中，与他人的交流和批评是非常重要的。艺术是一个开放的领域，每个人都有自己独特的见解和理解。因此，在创作过程中，我会定期与老师和同学们进行沟通和交流，听取他们的意见和建议。通过与他人的交流，我能够更加全面地认识到自己作品的不足之处，并有针对性地进行改进和修改。在这个过程中，我逐渐成长为一个更加成熟和自信的艺术家，我的作品也得到了更多人的认可和赞赏。
总之，毕业创作对于我来说是一次宝贵的经历和机会。通过这次创作，我不仅学到了油画技巧和绘画的基本知识，更是对自己的创作能力和表现力有了更深入的认识和了解。无论是创作的过程还是作品的呈现，都给了我很大的满足和成就感。我相信，这次毕业创作对于我未来的艺术生涯将会起到积极的推动作用，让我能够更好地发挥自己的创作才华，为艺术世界做出更多的贡献。
油画艺术欣赏与感悟篇四
“万事开头难”搞科普创作也是这样，首先得解决“入门”难的问题。在学习写稿之前，必须对卫生科普创作的概念和要求有一个基本的认识。什么是科普创作？卫生科普创作的种类有哪些？写作上有哪些技巧？带着这些问题，我首先拜读和研究了计朝阳的《浅谈医学科普创作》，王庭兆的《谈谈卫生科普创作的体会》这两份材料。行家们精到的论述为我指明方向，使我获益匪浅。有了对卫生科普创作的认识和了解，我就开始了卫生科普的创作。创作的第一篇作品是《精神病人犯法负不负刑事责任》。当时，社会上存在着“精神病人犯法不负开事责任”的说法。我查找了有关资料，写了一篇文章纠正了这种片面的观念，该文章发表在《盐阜卫生报》1993年第136期上。初始的成功，使我充满了信心，我创作的热情一发不可收拾了，利用业余时间创作了二十余篇稿件，录用率达60—70%左右。
一位同学写信跟我谈他的写作体会时，戏称“搞科普创作要舍得花本钱”，自己要订阅多种报刊杂志，以扩大自己的视野，掌握外面的动态，分析别人是如何写的，特别是科普战线上的行家里手的作品会给自己以很多的启示。同时，多看书多学习可以使我们获得更多的知识。文章的题材主要来自于生活和研究成果、亲身体会、经验总结，但仅仅这些是远远不够的，借鉴别人的研究成果会给你带来丰富的题材。将别人的最新研究成果用科普的形式表现出来，把最新的医药保健知识用最通俗的语言方文字传授给广大群众，这样的文章论点是人家的，但形式、骨架全是自己的，也是一种有益的创造性劳动，完全符合科普创作的要求，而不是抄袭。
《中国心理卫生杂志》1992年第一期有一篇论文，报告了隐匿性抑郁症常以关节痛的症状为主的表现，易被误诊为风湿性关节炎，久治不愈。为此，我写了一篇题目为《风湿性关节炎与隐匿性抑郁症》投寄到《中国医药报》，被录用了，刊登在该报的1995年1月5日第七版上。同样，我根据《中国心理卫生杂志》1992年第六期有一题为《心因性牙痛二例诊治体会》的论文，写了一篇《心因性牙痛》投寄到四川成都的《成都科技商报》报社，也被录用了，刊在该报的1995年4月22日第674期二版上，该文章不久又被1995年5月15日的《健康文摘报》转载。
我们的卫生科普创作者也应该象新闻记者那样比别人多长几只眼睛，要有那种特殊的敏感和综合的分析能力，善于从生活中挖掘题题材。有一次出差到盐城，我发现街头到处都是专治性病、乙肝、癫痫、男女不育的广告，仿佛他们的医术很高，大凡医学界认为比较难治的病，他们都能治，且能包治，实际是这些都是幌子，上当受骗者大有人在。这些广告一方面骗人的钱财，不但治不好病人，反而加重了病情，延误了治疗的最佳时机，有的甚至把命都搭上了；另一方面也影响了城市的市容，污染了环境。为此，我写了《要管管专治广告》的文章，呼吁社会动员，对此进行综合治理。组织有关部门按照这些广告提供的线索，象拔萝卜似的一个个地消除。这篇文章刊登在《盐阜卫生报》1993年第145期上。
时至今日仍有一些人特别是老年人认为宝宝生下来三天以后才能喂奶，在此期间只能喂一点糖水或甘草茶。根据现在的观点，宝宝一生下来就应尽早给其喂奶，以防发生新生儿低血糖症。我写了《开奶何必“三朝”时》刊登在兴化的《卫生科普报》1994年8月24日那期的三版上。
写文章要注意最新信息，感应时代的脉搏，反应要灵敏。新闻媒介报道了上海大众汽车公司总经理方宏坠楼自杀的消息，引起了社会各界的关注，有关专家经过调查分析后认为，他死前患有隐匿性抑郁症，极度压抑的心情无法得到解脱，于是导致了这场自杀的悲剧。我极为震惊，心里想写一篇关于隐匿性抑郁症方面的文章，以告诫世人。想不到几天后《江苏健康报》（现在已停刊）已有这方面的类似文章发表，可见作者的反应是十分灵敏的。我们的科普创作者须加强这方面素质的锻炼，善于从纷繁复杂的社会现象中，大众关注的事件上，找到突破点。写人人都关心的问题会大提高稿件的用稿率。
油画艺术欣赏与感悟篇五
：油画艺术创作的具象与抽象是对立的又是统一的，具有哲学观。在具体的论证中，重点论述了具有与抽象的艺术观及其基本概念，文中作了详细分析，试图以分析论证的形式给予油画艺术创作的具象与抽象性得到全面解读。
：油画；具象；抽象；创作
油画，英文为“anoilpainting；或apaintinginoils”，发源于西方国家，前身是15世纪以前欧洲绘画中的“蛋彩画”，后经尼德兰画家扬凡艾克（janvaneyck）改良起，直至清末戊戌变法以后，许多青年学子先后赴英、法、日等国学习西洋油画，归国后带来了西方及日本先进的教学方法及理念1，如林风眠、徐悲鸿、刘海粟等引进油画艺术画种，在中国大地上生根发芽，直到当下的茁壮成长。
具象，关于“具象”的解释，“具”是具体的、用具、量词、具有等。“具象”在《新华字典》解释为“具体，1.明确，不抽象，不笼统；2.特定的。”2《中华字典》解释为“具象‘具’多指抽象事物”。3《当代汉语词典》未作出详细的解释4，但能够领略到“具象”的具体意思。“具象”在英文翻译为“concretization”，也作“具体化”的意思。抽象，关于“抽象”的解释，在《新华字典》解释为“1.从各种事物中抽取共同的本质特点成为概念；2.笼统，不具体”。5《中华字典》解释为“从事物中提取一部分”6其它未作出相应解释，与《新华字典》有同样的意思。《当代汉语词典》同样未作出专门解释，只有“语汇”单独列出7。“抽象”在英文翻译为“abstract”，意为抽象的，理论上的，难解的，抽象派的，茫然的，抽象概念，抽象派艺术作品。因此，具象与抽象之间的是具有哲学美学的层面，具有极强的思辨性，起到辩证唯物主义的形而上学的高度。具象和抽象又是如何辩证的？我的理解是现实主义与抽象表现主义的博弈，本文详做论述。
一般讲中西绘画艺术的核心就是中国是写意的，西方是科学的，也就是写实的。原因很复杂，简单从字面上理解，由于中西方文化底蕴的不同，思维思想的语境不同，导致在画种上有着深层的差异。如，中国传统书写、作画都是以毛笔为主，毛笔书写又是竖写，从上至下，从右至左的书写顺序，读书也是同样，几千年来一直占据着中国文化的核心部位；中国水墨艺术和中国文化都是写意的、写心的，抒发自我的艺术感受。再如，霍去病墓前的西汉雕塑，圆润恢弘的气势影响着美的思考和美术学的意义，影响着无数文人墨客的创作理念，同样感染者西方学者和西方的雕塑家。罗丹讲：“最好的雕塑是从山上滚到山下没有任何磕碰痕迹，那便是最好的雕塑。”8也许罗丹汲取了霍去病墓前雕塑的影响。在笔者看来，西方绘画则是科学的、逻辑性推理性极强的、有根据的，按照科学的精神进行的，如文艺复兴时期的油画艺术，都是按照科学的精神创作的，每幅画都是按照标准的构图法则进行的，如达芬奇的《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》和米开朗琪罗的《大卫》雕塑、西斯庭教堂壁画《创世纪》、拉斐尔的《圣母像》等等，中国的则不同。中国画构图是散点透视，西方油画则是焦点透视。这点在学术界是公认的。油画艺术具象与抽象之美，二者主要表现在具象与抽象之间。具象，一般是指现实主义；抽象，一般是指抽象表现主义。笔者以为抽象与具象是相对的，同理现实主义与抽象表现主义是相对的。其实二者有本质的不同。油画艺术的具象性也就是具有写实性的绘画艺术语言。如法国学院派古典主义著名画家安格尔（ingres），他的作品可以称得上是古典主义最后一名伟大画家，具有超强的写实性，他的作品《泉》就是典型的案例。代表作品《泉》是安格尔追求古典美、纯洁美和理想美于一身的艺术体现，是安格尔将理想之美与现实之美浑然一体的产物。安格尔在艺术上重素描轻色彩的倾向，他认为素描应该是画面中的主题和灵魂。赋予作品精神，而色彩只是装饰和辅助。安格尔的素描注重素描整体效应，并不单纯拘泥于细致的局部描绘。在其《越吐秀夫人像》和《小孩和羊羔》中将细腻的笔触有致地刻画了出来，显得惟妙惟肖。9他的造型艺术之美和丰富的作品表现给后世留下丰富的文化遗产，影响着西方美术史的发展，具有重要的学术意义。第二次世界大战后，抽象表现主义逐渐展露手脚，在所有的艺术领域抽象表现主义风格占据了主要的艺术地位。他的产生使纽约逐渐取代巴黎成为世界艺术中心。至此，美国的艺术时代到来了。战争的爆发使纽约俽起超现实主义热潮。主要画家有马松、恩斯特、达利、安德烈布雷东、马东等。在欧洲的超现实主义和由超现实主义变化而来的新一代美国画派之间搭起了桥梁。最早得到个性和特征性意象的抽象表象主义画家的是克利夫特斯蒂尔。抽象表现主义者非常重视绘画的道德功底，这个时期的代表画家有哥特里伯、巴吉奥特、罗斯科、班纳特纽曼等。他们的作品有很强的时代气息和艺术哲学思想，反映出艺术家创作的思潮与时代性倾向。抽象表现主义在某种意义上来说是一次强有效的艺术爆炸，这一点从汉斯霍夫曼晚年的作品中看出来。10阿德莱因哈特在《作为艺术的艺术》一文认为：“艺术的精湛、悟觉、和完善只有经过长期的努力、精心的准备和策划才能得到。”11深知艺术创造的艰辛与不易，油画艺术家以自身的油彩艺术为导向和自身的艺术实践为核心的创作理念，表达自己的内心艺术感悟在画面上表现的淋漓尽致，一切需要说的，需要表达的都在画中。因此，我以为艺术创作的表达是发至内心的，通过画笔、纸张、画布、油彩等之间的关系组合而成的.一个综合体。油画艺术创作的思维与时代的大环境有着直接的关系，在时代的发展和政治之间的有着密切的关联。西方为主导的油画艺术创作在发展发生的过程中经历了一系列的“主义”，如样式主义、巴洛克主义、古典主义、浪漫主义、印象主义、新印象主义、象征主义、野兽派、表现主义、立体主义、未来主义、达达主义、超现实主义、构成主义、风格派、巴比松画派、学院派、波普艺术、偶发艺术、环境艺术、概念艺术等等。艺术的发展都有共同性，抽象——具象——抽象的变化过程，画家在创作的过程中基本是遵循这个规律。在西方美术史研究中，基本上绕不开这个规律。西方至有油彩开始，在木板上、油布上为作画的材料，画笔为画家作画的武器，画家是中央司令部，起到指导和发挥的作用。由写生到写意是一个发展的必然过程。这个规律在笔者的艺术实践中有很深的亲身体会，具有典型的艺术之美。
油画的具象与抽象在中国同时得到了发展，主要集中在画院和高等艺术院校，以及一些画家村中间。油画属于西画科，是舶来品，由徐悲鸿、林风眠等人引进，其实最早有传教士利玛窦、郎世宁等人在清代就引进，一开始在皇家宫殿进行画像，也有风景画的创作。徐悲鸿、林风眠将西画科的素描造型设置为学习绘画艺术的基本科目，一直延续至今。西方艺术造型是科学的，讲究构成关系，讲究色度的对比和几何关系，而中国画则是写意的、写心的，是抒发自身的内心世界的。其实二者也有自身的共同性，到了抽象表现主义时期的油画艺术则就是写意的也是写心的艺术，总之一切都没有离开的具体的“形”。“形”是绘画的基础，不管怎么变形都是以此来展开的。西方油画艺术传入中国，得到了中国画家特有的改良，但基本遵循西方绘画样式来创作的。其骨子里还是特有的中国心。那么怎么来转化内心的艺术创作之间的材料转换呢！需要我们深入思考。笔在在教学与艺术创作实践中都会考虑到“民族性”的问题，结合自身的油画创作实践中得到艺术感悟与读书所得的信息来论证油画艺术的抽象与具象的问题，值得我们思考。抽象与具象不是简单的学术概念，更是哲学美学的文化艺术范畴。西方油画艺术语言的中国化是必然的过程。笔者有深刻的体会，艺术院校的油画专业教学中基本都是中国化的油画教学，基本按照素描、色彩（水粉画）、速写来进行的初级阶段进教学，初级阶段完成后转入油画静物写生和人物写生，再到风景等画科，逐步形成一个综合体，自后要求画家形成自身的艺术风格，有自身的艺术感觉来寻找自身创作方向。中国油画就是这样的基本教学与创作过程。西方油画传入中国，再由中国画家来绘制就必然是中国画与中国化的形成过程，中国人骨子里就有一股写意的精神，因传统文化的深远影响而影响的。油画艺术具象与抽象也是相互转化的，相互影响的。
综上所述，通过油画艺术的具象到抽象的基本概念的了解到论证，基本将抽象与具象得以区分，论证了油画艺术的具有与抽象的之美的基本过程，结合西方美术史料的引述论证油画艺术的中国化转变过程，油画艺术语言的表达是画家自身的艺术语言的构造和精心的艺术设计的过程。抽象与具象是对立的，是相互转化的过程，具象中有抽象，抽象中有具象，二者是辩证关系。因此笔者认为，具象与抽象是对立统一的哲学关系，放在当下也看，西画在中国生根发芽并得到了茁壮成长，是与大的美好环境是分不开的，说明艺术界需要油画，有需要就要接受的受众。给抽象油画与具象油画在市场环境下生存有了一席之地，受到藏家的重视。
1.一家之言，待商榷。据1911年西洋归国的周湘创办了中国第一所美术学校；1912年刘海粟创办上海图画学术院，并第一次起用人体模特写生，开创了人体写生课程的先例，国内产生很大的影响；1919年任教育总长的蔡元培先生倡导开办了第一所国立美术学校——北京美术学校（校长林风眠）；1927年，中央大学开设艺术科（徐悲鸿任主任）；1928年杭州创办了第一所大学制的国立艺术院校——杭州艺专，即中央美术学院华东分院，后改为浙江美术学院，今天的中国美术学院（林风眠任院长）等。
2.商务印书馆编：《新华字典》，北京：商务印书馆出版，1998年版，第253页。
3.教育部语言文字应用研究所、中华书局编：《中华字典》，北京：中华书局出版，1999年版，第253页。
4.参见莫衡等主编：《当代汉语词典》，上海：上海辞书出版社，2000年10月版，第254页。
5.商务印书馆编：《新华字典》，北京：商务印书馆出版，1998年版，第63页。
6.教育部语言文字应用研究所、中华书局编：《中华字典》，北京：中华书局出版，1999年版，第63页。
7.参见莫衡等主编：《当代汉语词典》，上海：上海辞书出版社，2000年10月版，第136页。
8.奥古斯特罗丹著：《罗丹艺术论》，葛赛尔编、沈宝基译，桂林：广西师范大学出版社，2002年版。
9.许洪彬：《安格尔绘画艺术有何成就？》，载陈郎主编《世界艺术三百题》，上海：上海古籍出版社，2000年版，第129页。
10.蔺海莹：《什么是抽象表现主义？》，载陈郎主编《世界艺术三百题》，上海：上海古籍出版社，2000年版，第49页。
11.阿德莱因哈特：《作为艺术的艺术》，载《艺术背景》第一卷，北京：人民美术出版社，1962年版，第80页。
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