实用与电影的论文大全(19篇)

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实用与电影的论文大全(19篇)
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思考过去,展望未来,总结是必要的!请教他人的意见和建议,可以为我们写一篇更加完美的总结提供不同的视角和思路。多和他人交流、讨论,可以拓宽我们的语文思维。

与电影的论文篇一

梦工厂推出的系列动画电影《功夫熊猫》在世界范围内取得了空前的成功,为观众塑造出了熊猫阿宝这一得到广泛认可的文化形象,同时也为人们一窥美国动画电影采用的叙事模式提供了一个较具代表性的范例。

动画电影具备其他影视产品作为视听艺术的一般特征,但是它又有其独特的价值体现,即虚拟意义。[1]这一点直接影响着动画电影的叙事模式,在任何一部动画电影中,一个清晰、完整且富有意趣的世界观和一部分极富魅力,能够区别于其他动画电影的角色都是不可或缺的。

首先,就世界观而言,世界观是整部电影叙事的基础,它决定了银幕之上这个世界的运营模式以及身处其中的角色们的行为准则。[2]而《功夫熊猫》系列便在打造世界观上做得较为完善,能够较好地平衡想象与现实二者的关系,使整个虚拟世界之中有多个情节的生发点,这也是该系列电影在《功夫熊猫1》(kungfupanda,)凭借当年北京奥运会举行以及武术被列入奥运特色项目的助力大获成功之后,能够在失去上述条件的情况下依然继续创作的原因。电影中的故事发生地,山清水秀的和平谷中居住着大量动物居民,其中数量最多的为兔子与猪,他们代表了一般民众。

而鸭子则自称“血管里流着面汤”经营饮食业。他们数量虽多,但是体形上都显得较为弱小,身怀武功者则是较为罕见但是体形彪悍的动物,且他们一般都与中国武术之中的某些功夫有关,如“愤怒五侠”中的螳螂、蛇、猿猴、仙鹤等,也正因如此,阿宝才会感慨自己“没有利爪,没有翅膀,没有毒牙,甚至没有螳螂的那个前臂”。而当阿宝投入浣熊师父门下后,有关武术的诸多细节也被设计得比较到位,如全身遍布铁齿的狼头桩、沙袋、不倒翁,阿宝与浣熊师父用筷子在餐桌上斗法,浣熊师父见到乌龟大师时一掌熄灭蜡烛,等等,这些都是中国乃至西方观众并不陌生的元素,影片的叙事也因此而令人感到自然真切。

其次,就角色而言,与真人电影不同,动画电影在塑造角色上无疑有更为广阔的空间,动画人不仅可以赋予角色夸张的外形与动作,还能够增加角色的社会属性,从而将角色的内在性格与观众所接收到的外在视觉表现有机结合,通过具有差异化的人物群像来使叙事更为灵活。以《功夫熊猫2》(kungfupanda2,)为例,大反派沈王爷被设置为一只白色孔雀,这一形象无疑是从外在视觉表现上将孔雀的鲜亮羽毛与沈王爷衣着华丽,孔雀昂首挺胸的外形与沈王爷用自信来掩饰自卑的特点结合起来,同时主创又在这一基础上深化了沈王爷的内在性格。沈王爷是一对蓝孔雀夫妇的儿子,有着挥之不去的童年阴影,长大之后变得外表温文尔雅,内心却阴险诡诈,与熊猫阿宝作为毛茸茸的哺乳动物笨手笨脚,善良纯真的设定形成鲜明对比。当动画人在影片的世界观与人物角色上做足功夫之后,叙事的局面也就得以打开。

《功夫熊猫》系列电影的叙事采用了一个系列电影惯常使用的模式,即兼顾电影的独立性与连贯性,每一部电影都可以视作一个较为独立的故事,但是就目前出品的三部电影而言,它们的情节又有互相呼应之处,这一叙事模式很好地体现了消费时代下电影的制造、传播特征。电影的生产需要巨额资金的投入与人力的集体化投入,其价值需要进入流通渠道后,通过观众的广泛参与,以资金的回收来实现。其独立性保证了其后续电影能够对未看过前作的观众依然有吸引力和讨论空间,并且片厂能够根据电影的票房收入来决定是否开始再生产,这一点对于耗资尤其巨大的动画电影来说是极为重要的。而连贯性则有如下优势:首先它有助于电影成为一个突出的品牌,在每年不断涌现的大量动画电影之中脱颖而出;其次,它有利于培养观众对情节的好奇并最终产生对该系列的情结,能够吸引观众一而再,再而三地走入影院。一言以蔽之,同时具备独立性与连贯性能够保证电影在尽量不流失旧有观众的前提下又不断扩展自己的新市场。

以独立性而言,《功夫熊猫》系列每一部都有一个关键的危机性事件,每一事件的起因、发起事件的反派各不相同,而相同的便是主人公阿宝都是扭转这一事件的关键人物,但是阿宝在每一次危机性事件之中获得的感悟也是各不相同的。每一次危机性事件都有其完整的开端、发展、高潮和结局,问题最后得到了较为圆满的解决,观众完全是可以单独对其进行赏析的。《功夫熊猫1》中的危机性事件为浣熊大师曾经的叛徒豹子大龙越狱出逃,觊觎《龙之卷轴》,狂暴嗜血的他危及江湖,连浣熊大师都被他打倒。而心宽体胖,武功基础为零的阿宝则需要在短时间内战胜大龙。

这一次事件得到解决后,阿宝实现了自己的“英雄梦”。在《功夫熊猫2》中,危机性事件则由希望能够统治世界的白孔雀沈王爷造成,与大龙只是个人孔武有力不同,沈王爷则坐拥财富,精通科技,他先是派人来和平谷抢走大家的金属材料,然后是用这些材料铸就大炮等武器准备称霸全中国,并绑架了多位武林高手。故事依然以阿宝挫败沈王爷结束,阿宝在这次胜利之后收获的是战胜自己内心恐惧的经历。而《功夫熊猫3》(kungfupanda3,)的主线则是五百岁的反派,对“气”有着扭曲追求的天煞越狱,阿宝为了打败天煞而不得不修习气功,但是他最终最大的收获却并非武功,而是认祖归宗,并且领悟到了“做自己”的意义。

促成这一系列连贯性的则主要为阿宝的身世之谜。实际上早在第一部中,梦工厂就为后续情节埋下了伏笔。如观众备感疑惑的为何阿宝的父亲竟然是一只鸭子,两人无论是在外表抑或是人生旨趣上都大相径庭,这种设置也为电影增添了不少幽默元素。如身高体胖的阿宝真情涌动之下拥抱瘦小的鸭子父亲时给观众的“别扭”感。

在《功夫熊猫》的世界观之中,阿宝显然不可能是鸭子父亲的亲生儿子,片中已经明确展现给观众兔子的孩子依然是兔子,猪的后代也只能是猪。在第一部中,鸭子父亲就在期盼着阿宝梦中出现的是面条,从而能够子承父业,老老实实地继续经营他们的小吃店。然而阿宝梦见的却是功夫,这唯一的解释便是在阿宝的体内蕴含着极为深厚的功夫基因,因此他的人生注定不属于汤汁。而阿宝尽管看似愚钝,并且与鸭子父亲的关系极为亲密,但还是问过鸭子父亲为什么自己和他长得一点也不像。

俄国学者、结构主义叙事学的创始人普罗普在对一百多个童话故事进行分析之后提出了“神奇叙事公式”以及“31功能理论”,他所提出的'这些叙事套路反映出了人们意识之中根深蒂固的叙事心理。[3]因此,无论是在文学抑或是电影创作中,尽管不同的叙事在价值理念、原型映射等方面各有不同,但在叙事套路上往往都是不谋而合的。

《功夫熊猫》系列最为重要的叙事套路,便是成长主题的反复使用并对阿宝的成长进行了深化。对于面向成人与儿童的动画电影来说,成长主题是具备普适性的。弗洛伊德曾指出,由于生活过于艰难,人们为了忍受生活而不得不采取了多种缓冲措施,如转移注意力或寻找能够使人陶醉之物,从而麻木生活带来的痛苦。而成长主题叙事套路一般为主人公出身平凡,甚至带有缺陷,但是他有着某类正面品质,如善良、坚持,对于某事物的强烈热爱等,随后在他的成长过程中,他在接受友方角色的帮助、鼓励的同时,又遭遇着敌方角色或命运带来的种种阻碍甚至困厄。但是,最终主人公一般都能够战胜困难,取得带有励志色彩的成功,叙事以大团圆结局告终。

这一叙事套路是非常容易对观众产生移情作用的。“我对一个感性对象的知觉直接转移地引起我身上要发生的某种特殊心理活动的倾向,由于一种本能(这是无法再进一步分析的),这种知觉和这种心理活动二者形成一个不可分裂的活动……对这个关系的意识就是对一个对象所生的快感的意识,必以对那对象的知觉为先决条件。这就是移情作用。”[4]首先主人公不起眼的出身能够迅速拉近他与观众之间的距离,并且这种对于观众的吸引是跨越种族与文化背景的。而当阿宝的成长过程中出现诸多强敌时,观众也会自然而然地联想到自己在现实中生存时所遭遇的种种逆境以及自己不得不咬牙坚持的记忆。最后阿宝获得的美妙成功则顺理成章地成为观众对于自己也能够奋斗成功的期待。

以《功夫熊猫1》为例,其中的阿宝给人以憨态可掬的形象,虽然他是一个功夫迷,但其肥胖的外表以及店小二的出身与人们印象之中的“武林高手”有着不小的差距,阿宝甚至还带有好吃、懒惰等不利于成功的缺点。他被乌龟大师选上成为神龙大侠的候选人更像是一个意外,而在被浣熊师父收入门下之后,他更是处处比不上同门的悍娇虎等人。但是阿宝并没有在严酷的训练之中退缩,而是坚定信念跟随浣熊师父,甚至他好吃的缺点都被转化为刺激自己不断进步的优点,甚至发明了“面条护身术”“肚腩凸击”等悍娇虎等人都使不出来的招数。最后他的成功则体现在打败了大龙,捍卫了和平,成为人人敬仰的神龙大侠之上。可以说,熊猫阿宝的成长奋斗历程是梦工厂给陷入麻木和压抑的当代人开出的一剂药方。

而在一部电影已经有了基本的逻辑与叙事框架之后,故事完成的仅仅是一个大致的模型,电影仍然需要补充大量鲜活有趣的细节来使整个故事富有血肉并使叙事形成节拍。这些细节的填充需要满足两个条件,一是叙事段落前后之间的逻辑要通畅;二是细节本身要足够精彩,为整个故事给观众留下深刻的印象而添砖加瓦。以《功夫熊猫3》为例,电影中阿宝回到熊猫村以后,终于能够见到自己的同胞。为了加深与大家的感情,同时也为了大家能够保护自己,身为神龙大侠的他开始教大大小小的熊猫们武功,让熊猫们能够以游击战的方式团结起来抵御强敌。而最终阿宝能击败天煞也正是得益于熊猫们的帮助。这里的细节不仅满足了叙事的情节线,还满足了叙事的情感线,即熊猫们帮助阿宝化解了危机,同时阿宝的形象也因为这一教学行为而变得更加可亲,观众也能从一直处于“被别人教”状态的阿宝到“教别人”的转变体会到阿宝的成长。

从《功夫熊猫》系列电影中不难看出,以梦工厂为代表的美国动画电影人们已经建构起了商业语境之下较为理想的动画长片叙事模式,在给观众带来视听方面的娱乐时,又以其较为完善,既具内涵又不失奇趣的叙事获取着观众的口碑。

与电影的论文篇二

1张艺谋的电影分期及转型

1.1艺术经验的沉淀期

各类型尝试的自觉时期(1992-)这一时期张艺谋已经不满足于《红高粱》《大红灯笼高高挂》式的民族的、凄美的,甚至是悲凉的作品主题了。于是这一时期出现了人对自我权益觉醒的农村题材影片《秋菊打官司》;通过一个小人物的辛酸遭遇而反映整个社会历史风貌的《活着》;完全采用非职业演员反映中国农村教育现状的作品《一个都不能少》;讲述爱情、家庭、亲情的电影《我的父亲母亲》;京味十足的都市轻喜剧《有话好好说》;退休工人与盲女间真实的社会道德故事《幸福时光》等作品。这一时期的作品并没有完全脱离张艺谋艺术片的范畴,作品中还有艺术片的影子,但这一时期的张艺谋已经看到商业和电影的利益关系了,而且他也不满足于只有口碑而没有票房的现实。于是有了他各种类型电影的尝试,甚至是喜剧,他还试图通过《幸福时光》的网上选角,来尝试商业片的运作。

1.2艺术与商业的转折时期

商业与艺术间的游移(-)抱着各大电影节的奖杯,戴着只有口碑没有票房的帽子,张艺谋开始拍摄《英雄》,这是张艺谋第一部古装商业大片,尽管大家对《英雄》的评价褒贬不一,但它却开启了中国的大片时代,而且张艺谋也从此摘下了只有口碑没有票房的帽子。接下来的《十面埋伏》、《满城尽带黄金甲》继续沿用《英雄》的成功套路:大制作+大牌演员,继续着张艺谋的商业大片,票房神话。这一时期骂张艺谋的人特别多,批评指责他只注重商业利益而弱化了故事的艺术内涵。张艺谋本身似乎也认识到了这一问题,所以他拍摄了《千里走单骑》、《山楂树之恋》,一个试图说明自己还能拍文艺片的作品。也许是时代的发展,也许是电影的发展,在《千里走单骑》、《山楂树之恋》中,我们还是能看到许多商业电影的影子。这一时期的张艺谋是矛盾的,他既想符合时代的潮流,又想坚持自己的信仰。所以在这个时期既拍了商业大片,又追求着自己梦想,拍摄艺术片。

2冯小刚的电影分期及转型

2.1热力迸发激情洋溢的成名期

平民视角下的黑色幽默贺岁喜剧时期(-)带着初出茅庐的勇气,带着对社会现象批判的心理。冯小刚用他那特有的“京味”语调,游戏似的情节安排,呈现给我们一个个含泪笑的狂欢式作品。这一时期的代表作品是《甲方乙方》、《不见不散》和《没完没了》。这种冯氏贺岁电影独特的魅力征服了当时挑剔的观众,冯小刚用他平民视角下的黑色幽默奠定了他在中国贺岁电影中的地位。

2.2内敛反思的发展期

贺岁喜剧到贺岁正剧的过渡时期(2000-)随着《甲方乙方》、《不见不散》、《没完没了》的相继成功,冯小刚的黑色幽默喜剧风格逐渐被大众接受。冯小刚在贺岁喜剧电影取得成功之后,在他成为著名导演之后,开始反思自己电影的发展。电影内涵因素逐渐加大,从《大腕》开始,荒诞中开始引入更多的'黑色幽默,而且小人物的地位逐渐发生变化。从《甲方乙方》开始,冯小刚的贺岁电影大多以小人物作为关注对象,电影中的主人公,大多是一些没有远大理想、宏伟事业,说话经常没有正行,但心地善良的老百姓。而到了《手机》,虽然电影并没有刻画在历史和社会的发展过程中,起着重大作用的大人物,但影片中的主人公严守一,已经是中国正在壮大起来的中产阶级中的一员了,已不能被认为是一个严格意义上的普通百姓了。这些变化表明冯小刚的视野正在不断的开放,他正在跳出自己的市民情节,将电影的创作投向更广阔、丰富多彩的社会人生。

2.3探索困惑的转型期

中国本土电影到世界电影的转型时期(-2013)伴随着名气的越来越大,冯氏贺岁电影已成为中国电影不可或缺的一部分。冯氏幽默的品牌已然确立。可这时的冯小刚已不满足自己电影作品在中国内地奖项、票房上的成功,更吸引他的是国际的认可。于是在冯小刚推出了自己有第一部古装片《夜宴》,但是结果却是,票房没有达到预期效果,口碑更是骂声连连。在这之后,冯小刚并没有停止他的探索,《集结号》不失时机地出现了,并且获得了一致好评,票房、口碑双丰收。之后更是创作了票房突破6亿元的《唐山大地震》,冯小刚终于在自己的转型中找到了自己适合的道路。

3殊途同归———艺术与商业的结合

张艺谋的转型之路是艺术———商业———艺术与商业完美结合。冯小刚的转型之路正好相反,但结局却一样:商业———艺术———商业与艺术完美结合。通过这样的对比,我们似乎发现了新中国电影转型的必然结果,艺术与商业完美结合的影片才是观众欣赏的,市场需要的。张艺谋与冯小刚始终在电影的高地上积极探索———无论是在电影的主题、风格、演员使用等艺术性方面,还是在电影的商业化转型方面。不管是否在拍电影,张艺谋和冯小刚始终在不断地出新出奇,而他们的每一次探索都会留下当代电影转型的痕迹。两人在中国影坛的地位,还有他们异曲同工的电影变迁之路,都在证明着他们不同风格电影下隐藏着的共同内涵,对他们现代电影转型的研究,会让更多关注中国电影的人了解到,电影的成功之处是源于电影的内在理念而不是外在的表现。

与电影的论文篇三

摘要:制作于1999年的《宝莲灯》是一部国产大型动画电影,它是中国第一部完全商业化运作的平面动画电影。电影放映后,因其曲折而丰富的剧情、精良且唯美的制作收获了广泛的赞美,它是中国动画电影商业化运作的成功典范。通过对此片的分析:我们可以看出以此片为代表的中国动画电影的发展中虽有不足,但瑕不掩瑜,它依旧代表我国动画电影良好的发展现状以及独具优势的发展前景。本文以部分优秀的动画电影为鉴,试图为中国的动画电影的发展提出一些良好的建议。

关键词:中国动画电影;商业化;发展优势

这部动画电影的故事取材于中国民间神话《劈山救母》,是上海美术电影制片厂1999年拍摄制作的。这是中国电影制片厂继《大闹天宫》、《哪咤闹海》、《天书奇谭》、《金猴降妖》之后又一部动画长片。影片讲述的是小沉香劈山救母的传奇故事,在各个环节上都采取了与国际接轨的动画片制作方式,尤其在音乐制作上,邀请了中文歌坛的巨星级人物来演唱片中的三首歌曲,将精美的电影画面氛围营造得更加婉转动人。成为近年来中国平面动画电影的代表之作。

2.1商业化运作的成功

电影的故事从中国家喻户晓的神话故事中来取材。该片由国家一级动画设计师、导演常光希执导,著名电影导演吴贻弓担任本片艺术指导,著名作曲家金复载任音乐总监。该片总投资1200万,历时四年后才露面。全片前后共有超过300位工作人员参加制作。总共绘制逾150000幅动画画面、20xx余幅背景,镜头20xx多个,全片人物近50个。这部耗巨资精心打造出的中国美术电影精品,一经推出,就受到疯狂追捧,创下上亿元票房。堪称中国动画电影之最。《宝莲灯》动画人物的配音与音乐的配置是促成影片成功的一个重要因素,独特、有创意。整部影片音乐旋律十分讲究,配合上高科技的动画场景制作,留给了音乐十足的展示空间,体现出了不同以往的精良制作的趋势。给观众带来了优美、深厚、婉转的视听氛围。

2.2动画场景制作精良

全面学习好莱坞动画场景的制作的同时也保留了民族文化内核,全片对动画制作的每一道工序都进行了细化分工,在人物形象和场景的转化切合上,都下足了功夫。为了让影片的场景更具有艺术性和形象化,主创人员在西双版纳、敦煌、宁夏、西安、华山等地区取景和进行素材收集,比以往的动画片更加给人带来赏心悦目的效果。在场景与实景的结合制作上,一幕幕经典片段给观众带来了视觉上的享受:沉香与母亲泛舟湖上、顽皮的沉香与母亲坐在船头,小舟划过满满的莲花,这一幕使观众体会到了美好的母子情,也是沉香心中温馨的回忆。影片中人与景的处理也十分讲究,沉香寻母道路上的酷暑骄阳、激流险滩;又如跋涉在金色的沙漠上的沉香,随着镜头推移逐渐化为地平线上的一个点,这是写实与写意的一种巧妙结合,使影片达到了情景交融的境界。影片开头时三圣母与刘彦昌的爱情故事被低沉的男画外音娓娓道来,但是转眼就是一阵阴霾狂风,一段凄美的爱情就被这样巧妙地形式带过了,画面上的视觉反差与剧情的快速进展形成同步,抓紧了观众的心,观众自然担忧起了沉香的命运,不由自主被带进了《宝莲灯》的故事。

2.3对传统神话故事的继承和发扬

这部动画电影根据动画美术片特定对象群体的审美需要,对原本的神话故事进行了适当的增加和删减。影片突出了主人公沉香的曲折经历,着重描述沉香寻母、救母的曲折经历,突出了沉香历经磨难之后的成长过程。观众在观影后领会了美好的亲情、少年的勇敢、孝子的智慧。影片主题揭示了永恒的爱与真诚、勇敢智慧与美德。运用勇气和智慧才能使宝莲灯人灯合一,铲除邪恶、维护正义、救出至亲。也教会了大家只要精诚所至,金石就能为之而开。影片在民间传说的基础上增添了小猴、嘎妹等人物,通过叙述他们相互依靠,共患难的友好情节,来向观众传递友情珍贵这一观点。还增加了经典人物孙悟空,使得沉香劈山救母的过程更加曲折、动人。

3.1新颖的故事与创意性

商业电影一般会设置几条互相交替的线索,情节上急切推进,在紧张的氛围下叙述完精彩的故事。从一系列优秀的中国动画影片可以看出:明确的故事主旨可以牢牢把握住观众的心。同时配合上精彩的创意段落:电影中安插许多线索使观众对接下来的情节会更加期待。如《宝莲灯》中沉香走过桥头,镜头一转,桥栏上的石柱变为了一只小猴,在原有故事的基础上增添的人物使得剧情更加丰满,这令人惊喜的一幕充满了创意性。到了影片中间段,没有母亲陪伴的沉香却有了小猴和嘎妹的陪伴,虽然路途艰辛却拥有忠实陪伴的朋友。在传统的故事上适当融入现代的元素,充满了创意性的同时又不会使传统的故事主旨单一。

3.2加强角色的刻画

丰富多样的人物类型也是我们动画电影创作的优势之一。对角色的刻画是影响故事艺术性的一个重要因素,目前我国动画电影中的部分人物刻画单薄,除了孙悟空、哪吒等人物外,缺少了一些深入人心的动画形象。从《宝莲灯》中反派人物的创作来进行借鉴。在影片的一开始,二郎神看似被简单塑造成了一个只是听命于天庭的冷酷的大将,完全看不到心理变化与情绪波动,但是其脸部冷色调的配色,试图靠近沉香时的语气,配合上背景音乐的节奏,都代表着二郎神心中的挣扎与无奈。二郎神因其是充满矛盾的特性有别于一般传统的反面人物,压在山下的是自己的亲妹妹,而他自己也有过劈开桃山救母的传说,面对着和自己拥有相同命运的沉香,但是代表天庭的他又必须亲自动手来对付自己的外甥,他的心中一定充满了非常矛盾的情感。神仙也应该是拥有感情和内心活动的。影片中没有将所有罪责都安排在了二郎神身上,避免了人物刻画显得过于脸谱化。将二郎神这个角色刻画的饱满鲜活,这便是角色塑造的成功之处。《哪吒闹海》中的冷酷的龙王则也是以冷色调为主题,刻画出一个狠毒的反派形象。国外经典动画片《狮子王》中,也可以看到各式饱满鲜活的角色:如主角辛巴,或者是作为反派角色的刀疤等等。反派角色都是起着推动故事的关键作用。反观国外动画电影中的反派角色,《狮子王》中的刀疤,一开始屈服于穆法沙,接着诱导辛巴陷害穆法沙企图夺取王位,最后与成长了的辛巴决斗,一幕幕将他的虚伪、卑鄙、奸诈、狡猾表现的淋漓尽致。对人物的造型和性格上进行更深入的研究,将传统和现代结合起来,如孙悟空的紧箍咒、红裤子与金箍棒的标志性外形特点结合塑造了这个鲜活的角色。色彩和传统元素的`搭配有助于更好地发扬中国民间故事中的人物的艺术性和独特的魅力,争取创造出更多深入人心的动画角色。

3.3呈现更加丰富的传统文化

在经典的中国动画电影中能感受到中国丰富的传统文化内涵。深厚的传统文化底蕴代表着我们拥有巨大的动画创作空间,在这得天独厚的优势下,我们应该好好把握,用丰富的素材来谱写动人的故事。取材于传统民间故事的影片中出现的一些场景如宫殿建筑、母子在荷塘泛舟、民间艺人街头表演等,这些古代场景都能够很好地传递我们丰富的传统文化。带有中国风的色彩也对意境表达起到了非常大的作用,《大闹天宫》、《哪吒闹海》等影片中的色彩对传统艺术的表现力都是值得我们深入研究与探讨的。中国的水墨画、民族乐器所演奏的音乐都可以融入使用到动画电影中,为电影赋予更多的民族风韵。中国还有很多值得我们去挖掘的丰富民间文化和素材,将它们收集运用起来,动画的整体意境与色调都可以呈现出更加丰富的艺术表现性。

3.4创作手法的与时俱进

在中国传统动画精品如《大闹天宫》、《哪吒闹海》中表现出十分完备的空灵流畅的动画运动之美,《大闹天宫》中孙悟空的动作中体现了中国国画追求的行云流水、衣带当风的审美效果和古典戏曲对动作韵律感以及韵味的追求,设计这样的运动形式,更形象地传达出孙悟空这个角色的横空出世、洒脱不羁的精神特点。但部分动画电影中的人物还存在着动作僵硬,不能流畅地融入剧情的不足。因此,只有更好地将动画电影艺术特性灌注于动画中人物运动形式的创造上,结合上与时俱进的创作手法来叙述完整精彩的传统故事,从而抓紧观众的视线发挥动画电影的艺术特色与魅力,有助于对画电影的创作质量进行全面的提升。

从《宝莲灯》在平面动画中的成功试水后不难看出,中国的动画电影正走在一条光明大道上,因其商业化运作的成功,成为了国产现代化商业动画电影的领军之作,这是一个好的势头。虽然一些中国动画目前还没能很好地把握住发展方向,但是我们的学习能力很强,可以慢慢克服技术上以及表现上的问题,并且在电影的故事性和节奏上进行更好的把握。纵观其它各国发展较好的动画:美国的动画电影具有其特有的商业娱乐性和领先的高科技和创意,动漫形象令人震撼且深入人心;欧洲动画电影致力于动画艺术的表现;日本动画电影则致力于对风景对人物对内心世界极其细腻的刻画和升华。各个国家都有值得中国动画思考学习之处。动画发展的历史不同也就会导致不同的动画风格,中国动画电影应该立足当下,努力找寻到自己的风格。如何将我们的动画电影做出自己独特的风格:是继续从丰厚的传统题材中寻求新意,还是创作出符合时代发展的为大众所接受的现代动画?在提高故事的艺术性的同时也能用好的技术形式将故事更好地呈现出来,我们要从打下一个好的基础开始,我们的动画之路还有很长的过程等待着我们。

《宝莲灯》这部以神话故事为灵感的国产动画电影作为动画影片商业性推广的一次开端之作,整体上是一部优秀的动画作品。传播了中国传统神话故事的同时也使人欣赏到中国的美景。奠定了中国商业动画片发展的基础。借鉴学习影片的优点和创新点,同时结合思考影片的不足之处,才能使我们在创作动画电影的过程中得到进步和提升。

与电影的论文篇四

摘要:电影是一种融合了听觉、视觉的现代艺术形式,其中融合了幻灯放映技术、活动照相技术,是一种连续的影像画面。在现代电影当中,声音是一个至关重要的元素,电影中的台词、音乐等,对于电影故事情节的发展和情感的衬托,都具有重要的意义。因此,在电影创作当中,后期声音艺术创作是一项重要工作,对于整部电影成功与否,会产生直接的影响。基于此,本文对以声音元素的选择与组合为视角,对电影后期声音艺术创作的思路进行了探索。

关键词:电影后期;声音艺术创作;声音元素;选择与组合

电影艺术是当前一种十分常见的视听艺术,融合了声、光、影等多种元素。在现代电影中,传统意义上的录音概念,经过不断的延伸和发展,已经形成了电影声音艺术创作。电影声音具有十分广泛的内涵,包括了客观的物理特性,以及欣赏主体在心理、生理上的感觉。其中,声音设计和技术制作都是重要的工作。相比于一些电影技术较为发达的国家,我国在电影后期声音艺术创作方面,由于发展起步较晚,因而仍具有较大的发展空间。声音元素的选择与组合,使电影后期声音艺术创作的重要途径,对于电影的整体艺术性也有着重要的影响。

一、电影的主要声音元素

人声、音乐、音效,是现代电影中最主要的声音元素,在声音艺术表现当中,三种元素相互交错,共同构成了电影的听觉艺术,在电影后期声音艺术创作中,对这三种元素进行主观化选择,并进行有机的结合,共同形成电影声音艺术。

(一)人声

在现代电影当中,人声是最主要的声音元素之一,主要包括了独白、旁白、对白,以及表达人物情感的各种声响。从概念性的方面理解,人声指的是演员通过发声器官,发出包含感情信息、描述意义的声音,除了具有表意功能之外,也能够对人物的个性特征进行塑造。具体来说,独白通常是画外音的形式,以第一人称的口吻,对剧情进行叙述,能够对角色潜在思想活动进行过主观表达。旁白也是采取画外音的形式,以第一人称或第三人称,对剧情进行叙述,主要是以理性、冷静的角度,表达对人物、事件的态度。对白是最主要的人声表现形式,通过人物之间的对话,对剧情、思想进行表达,推动剧情发展。

(二)音乐

在电影画面中,音乐的存在形式可以是无源音乐,也可以是有源音乐。其中,无源音乐,指的是在画面中无法找到声音来源,通常是在电影后期声音艺术创作中,由作曲家原创的音乐,是一种直观化的声音元素,主要作用在于对人物内心进行刻画,对情绪情感进行渲染,对场景分为进行烘托。例如在经典电影《角斗士》、《红河谷》、《天堂电影院》、《教父》等影片中,就大量运用了无源音乐,在观众脑海中留下了深刻的印象。有源音乐指的是能够在电影画面中找到来源,例如电影中的酒吧、戏院、电视、留声机等演奏或播放的音乐。例如,在《肖申克的救赎》中,用监狱广场喇叭播放莫扎特的《费加罗婚礼序曲》,衬托人性的可贵。

(三)音效

电影中的音效主要包括了拟音效、动效、环境音效等类型。其中,拟音效、动效等,通常在电影后期声音艺术创作中,对声音进行自然采集或人为添加,再进行变形处理,得到需要的音效,能够对声音的艺术真实进行体现。环境音效则是在电影背景层面上,社会环境、自然环境发出的声音,能够对地域特征、时代特点、时空关系进行表达,带给电影更高的真实感和现实感。电影中的音效,具有可感、具体等特点,通过合理的选择和应用,在影片叙事中进行纳入,让观众感受到更加真实、自然。

二、电影声音的主要特性

电影声音具有较为广阔的涉及范围,同时也具有明显的特征,其中主要的包括了物理反特性、心理特性等。物理属性是电影声音自身具备的特征,合理的进行运用,对于电影艺术效果有着良好的烘托和营造作用。观众在观看电影的过程中,通过接受不同的声音,会产生不同的心理反应,进而更好的进入和理解电影剧情。

(一)物理特性

从物理学的角度来说,电影是由声波、光波相互交织形成的。声音实质上是声波,是一种机械波,由振动所产生,声波的性质,则是由振动的周期、幅度、频率所确定的。在介质当中,声音的能量传递形式是波,在单位时间内,声波通过垂直方向单位面积的声能越大,就会产生越高的声强,传递能量对声音强度具有决定性作用。在介质当中,声音的传播具有独立性、方向性。在一定条件下,还会发生衍射、干涉、反射等变化。因此,从物理学的角度分析,声音不同的振动频率、频率组合,是以波的形式向人传递,人们感受到声音的.音色、音调等,都是有声波振动的传播特性、频谱特性、频率大小等决定的。因此,在电影后期声音艺术创作当中,对声音元素的这些传播规律、物理特性进行理解和掌握,并进行合理的选择和运用,能够进一步提升电影的艺术效果。

(二)心理特性

人通过耳朵接收声音,进而会引起人们相应的心理变化,因此可以认为,电影声音也具有一定的心理特性。不同的观众由于具有不同的经验体验,同时在传播条件、传播客观规律的影响下,人们可以产生不同的心理效应。对声音的心理特性进行了解,对于电影后期声音艺术创作具有重要的意义。录音师通过对各种声音元素进行主观的创作,对观众的情绪需求进行满足。在电影后期声音艺术创作当中,需要了解和熟悉鸡尾酒会效应、掩蔽效应、多普勒效应等声音常见的心理效应。人们在日常生活中,当同时存在多种生源的时候,人们会有意识的听某个特定生源,从而对其它声音进行忽略。有时人们由于一种声音的存在,另一种声音会变得模糊或消失。当观察者静止不动的情况下,声波从声源向观察者靠近或原理,音调也会相应的变高和变低。如果声源静止不动,观察者移动,也会产生相同的效果。在电影后期音乐艺术创作中,对这些心理效应加以运用,能够有效的提升电影效果。

三、电影声音艺术创作的阶段

在电影声音艺术创作当中,主要包括了前期阶段、同期阶段、后期阶段等不同阶段。其中前期阶段主要是抽象的构思与设计,同期阶段主要是客观的记录与还原,后期阶段则是主观的选择与创造。后期阶段是电影声音艺术创作的重要阶段,也被称为组合阶段,在这一阶段,声音、影响通过良好的组合,共同形成了电影完整的艺术形态。

(一)前期阶段

前期阶段主要是一个准备过程,以抽象的构思为主。录音师和导演开始对声音艺术进行构思,并进行记录。从总体上把握声音设计的线索和影片故事背景相符合。部分类型影片的声音创作从前期准备阶段就已经开始,例如很多影片中所使用的非语言声音,在人物设定成型之前,声音的创作就已经开始。

(二)同期阶段

同期阶段主要是拾音的过程,以客观的记录为主。录音师选择相应的麦克风,通过合理的角度、方式、麦克风数量等,对现场声音进行真实、客观的记录,确保得到最优的收音质量,为后期的声音制作提供依据和基础。同期阶段的主要特点是通过客观的记录,对现实进行还原,在这一阶段,对电影录音技术性含量具有很高的要求。

(三)后期阶段

后期阶段是电影声音艺术创作中最为重要的一个阶段,要对同期阶段获取的声音素材进行选择和加工,同时需要主观的选择非同期的人声、音乐、音效等声音,并巧妙的进行组织。对于一些电影的制作来说,后期声音创作阶段,甚至要比拍摄阶段更长。后期声音创作,通常在粗剪阶段就已经开始,后期人员对声音进行收集和录制,从声音数据库中选择相应的声音素材,或是针对电影创造独特的声音。在将要完成剪辑的时候,录音师、导演、作曲家针对画面对音轨进行建立,对声音元素进行组织。在电影声音制作当中,后期声音创作阶段是最终的环节和步骤。在这一阶段,需要录音师、作曲家、导演之间实现良好的配合与合作,通过声音元素的合理选择与组合,创造理想的声音艺术,从而对电影的气氛进行营造,对情绪进行渲染,对人物刻画,推动电影叙事进展。

四、电影后期声音艺术创作中声音元素的选择与组合

在电影后期声音艺术的创作当中,声音元素的选择与组合,是一个十分重要的手段和方式。通过对各类声音元素特性的充分了解,根据电影情节发展,对不同的声音元素,进行科学、合理的选择与组合,从而使电影达到更好的艺术效果。

(一)声音元素的选择组织方法

人们在看电影的过程中,生理及心理活动与电影之间具有实时的联系,在电影主观化设计的艺术真实刺激下,又会发生动态变化,与观众自身主观性的认同、感受、选择相关。在电影后期声音艺术创作中,通过创造处的艺术真实,带给观众真实感,具有重要的意义。在电影后期声音艺术创作中,声音元素的选择组织是一项重要工作,主要包括了声音特写、声音变形、声音喻示、声音转场、声音静默等。在声音特写中,主要是对人声、音效进行处理,例如在《杀死比尔》的片头黑画面中,利用女人哀鸣、连续、急促的喘息声,体现出女主角愤怒、痛苦、顽强的情感。在音效特写中,选择相应的音效进行突出强调,体现电影故事规定情景和人物心理动作。在声音变形处理中,根据人们对观影经验的认识,遵循类似律的听觉趋向原理。通过主观化的合理变形处理,使画面时空关系更加活跃,主要包括了对人声、音效的变形。声音喻示,通过运用技术与创意,对某一段音乐、人声、音效进行选择或创造,对电影剧情的发展或剧情内涵进行暗示,同时体现出人物思想、性格的变化。对声源进行合理的取舍,和人物的动作、情感之间建立联系,对观众的听觉感知进行引导,让观众能够对剧情的深刻含义进行体会。声音转场是对人声、音乐、音效的自身剪辑,和电影画面的剪辑形成同步或异步的关系,主要的方式包括声音叠化、声音延留、声音先现等方法。声音静默也是一种重要的声音元素选择组合方法,根据电影剧情的需要,适当的进行声音缺失处理,引导观众对电影故事情节的内涵进行深刻的体验和感知,对情绪情感的进展进行促进,对电影当中人物的内心世界、主观思想进行融入,常用的声音静默包括声音停顿,静默无声,相对静默等。

(二)声音元素的综合组合运用

电影艺术融合了声、光、影等元素,是一个三维立体空间,在电影试听表意系统中,声音是一个十分重要的子系统,在横向、纵向上,由各种声音元素相互综合组合运用,形成声音总谱。各类型的声音元素相互叠置,但具有一定的规律。从理论上来说,声音是可以无限循环、叠加的,能够使声音艺术更具艺术表现力。对此,在电影后期声音艺术创作中,要对声音元素进行合理的综合组合运用。在水平方向,随着时间的运动,声音、画面相互交织,对电影发展进行推进。在垂直方向,声音、画面处于相同时空,利用不同组合模式,对场景进行展现。根据数学模型能够得出,声音元素的组合模式可以有8种,包括了单个声音元素、两个声音元素、三个声音元素的组合,此外还有静默这种特殊的声音元素呈现方式。对于人声、音乐、音效的声音元素,可以分别在不同层级进行分析,主要包括情绪渲染、意情提示、情节描述等层级。情绪渲染层级,主要是声音元素与事件叙述空间相脱离,利用声音元素的自身特质,对任务情绪情感、心理活动等进行表达,为特定场景,进行特别气氛的烘托。意情提示层级所指的是声音元素和画面事件不再相同时空,利用声音元素自身表意功能,对画面无法展现的感性思维、理性思考进行挖掘。情节描述层级,主要是在电影声音架构中,从叙事时空获取声音元素,和画面事件之间,具有同步的关系,在电影叙事声音层次中直接参与。在声音元素的综合组合运用当中,常常具有一定的规律,因此在电影后期声音艺术创作当中,要对声景律、置换律、承续律、等规律进行遵循,从而确保声音元素综合组合运用的有效性。电影后期声音艺术创造中,对声音元素的选择与组合具有一定的复杂性,因此,需要对声音元素的组合模式、架构、规律等进行细致的分析,从而取得更为理想的艺术效果。

五、结论

在现代电影当中,声音是一个非常重要的组成部分,对于电影的人物、情节等,都有着重要的影响。电影后期声音艺术创作,是电影制作当中的一个重要环节,直接关系到电影的成败。对此,在电影后期声音艺术创作中,要对人声、音乐、音效等声音元素进行合理的选择与组合,根据电影需求达到相应的艺术效果。

参考文献:

与电影的论文篇五

宫崎骏是日本著名的动画导演和漫画家,从1963年进入东映动画再到后来与高畑勋合作开办吉卜力工作室,他给我们留下了许多令人难以忘怀的作品。从早期的《熊猫家族》、《幽灵公主》,再到他的封笔之作《起风了》,部部脍炙人口,打动人心,充满着宫崎骏的人文情怀与思想。20xx年8月,宫崎骏被美国电影艺术科学学院宣布授予其奥斯卡终身成就奖,这位被迪士尼称为“动画界的黑泽明”的动画大师之所以可以获得这一电影界的至高荣誉,不仅仅是因为清新自然的“宫崎式”画风,与久石让默契的音乐合作,更是因为在他的作品中充满着“宫崎式”思想。宫崎骏在自己的作品中所要传达的不仅仅是环境保护,而是人究竟应该怎样和自然相处。

宫崎骏;日本动画;人与自然关系

日本是世界动漫强国之一,日本动漫同时也具有极强烈的民族特色。著名的日本动画家手冢治虫曾经把战后日本的动漫分为了六个阶段,记录了动漫在日本社会中不断提高的地位,以及人们对它的态度,在经历了萌芽期、探索期、成熟期和细化期后,动漫产业已经成为了日本的第三大产业,与美国成为了不相上下的动漫强国。在被手冢治虫分为六个阶段的日本动画时期中,宫崎骏被人熟知在日本动漫的成熟期。在二十世纪七十年代初期,伴随着大批出现的科幻机械类动画片,日本动画进入了成熟期,有大量的动画师从事此类的动画制作,而同时期开始崭露头角的宫崎骏却走出了另外一条风格的路。他的作品有着清新自然的画风、温暖人心的故事、充满深思的寓意等,这些都使他别具一格,形成了自己独特的“宫崎式风格”,拥有了一大批忠实的“宫崎迷”,而宫崎骏本人也成为了日本著名的动画大师,他的影片思想总能触及人们的心灵深处,引发人们对生命的思考。这也是宫崎骏的作品之所以受欢迎的原因。奠定宫崎骏日本动画宗师地位的作品是1984年的《风之谷》,而真正让宫崎骏走向世界的是宫崎骏20xx年的作品《千与千寻》。这部宣扬人性莫要贪婪的影片在上映后获得了三百亿日元,折合成人民币二十亿元,并且还获得了第52届柏林国际电影节金熊奖和第75届奥斯卡最佳动画长片奖,可谓口碑与票房齐飞。正是这部宫崎骏的巅峰之作将其带入了世界,并且有许多人开始探讨宫崎骏在电影中所蕴含的思想与内涵。

一直以来,宫崎骏都在用自己的作品关注着人与自然的关系、女权问题、和平问题等等。宫崎骏生活在战后的日本,战争给宫崎骏带来的记忆深深地印刻在他的作品中。对于战争,给宫崎骏留下最深刻印象的就是太平洋战争末期,1945年的7月12日,宇都宫遭遇空袭,整个城市的百分之六十五被毁,目睹大空袭的宫崎骏,后来将回忆画成了《天空之城》的烈火焚城。废墟和战火也成为了他作品中的重要场景,在《风之谷》、《幽灵公主》、《千与千寻》、《哈尔的移动城堡》中频频出现。1而对于从《风之谷》起,宫崎骏笔下的人物都喜欢救助弱小则是因为在那次大空袭中,在他们逃亡的路上,宫崎骏亲眼目睹了父亲和伯父拒绝给一位妇女提供帮助的这件事。在关于战争的这个题材上,宫崎骏没有像其他人那样去刻意渲染战争所带来的苦难,但却依然可以使人感受到战争所遗留下来的痛苦与创伤。正如《起风了》,这部作品是典型的二战题材,作品里传达了对自己父辈那种纠结的情感,但这部作品却依然是典型的“宫崎式”风格,这是一部在二战中诞生的清新唯美的成年人的纯爱之作,在战争中穿插着爱情,穿插着崛越二郎的梦想还有女主人公的坚贞与倔强,就像那句宫崎骏与我们共勉的`话一样:起风了,唯有努力生存。在所有宫崎骏所关心的问题中,有一个是出现过许多次并且被很多学者研究过的问题,那就是人与自然的关系,很多人简化地将其概括为环保问题,恐怕并不是这样的。在宫崎骏的作品中有一部口碑很高的作品——《龙猫》,在这部影片中,龙猫这种生物生活在照叶树林里。而“照叶树林文化”指的就是在日本新石器时代,又称为绳文时代,居住在照叶树林带中的绳文人与自然一起生活,拥有跨地域、跨语言的共通文化,也就是“照叶树林文化”。从此以后,照叶树林文化就深深地埋进了宫崎骏的作品中,正如前面提到的《龙猫》。而在另一部作品《风之谷》中,也出现了照叶树林。在《风之谷》中,宫崎骏以工业文明全面崩塌的一千年后为背景,创造了“腐海”这个独特的照叶树林生态体系。在腐海中央挺立的,正是一棵具有顽强再生能力的常绿阔叶乔木-楠树。这一设想来自照叶树林文化中的“镇守森林”崇拜习俗,即人类生存的家园由一棵巨大的“世界树”保护。2所以,如果将宫崎骏在动画电影中所表达出来的人与自然关系仅仅概括为环保问题的话就会太片面了。宫崎骏的自然理念不仅表现在植物上,还体现在许多生物形象上。例如《千与千寻》中的白龙原是现实世界的,然而随着自然环境遭到破坏而失去栖身之所,不得不到另一个世界去。自然孕育人类,人类与自然和谐共处。如果人类继续破坏自然环境,那个世界里的神仙妖怪便会随着神秘隧道来到人间报复,将是巨大的灾难。3至此,宫崎骏不认可自己在别人眼中仅仅是将自己所传达的人与自然关系仅看作是环保问题。对于人类和自然,他认为两者都没有错,人类需要科技,需要能量,而同时,自然本身又是残忍的,只一味地保护也许会有相反的效果,因为自然的力量会战胜一切文明。

中国动漫产业起步很早,并且有过辉煌的时期,出现过许多脍炙人口的优秀动画作品,例如《大闹天宫》、《小蝌蚪找妈妈》等,这些动画片之所以在当时会引起轰动,就是因为它们都在动画片中融入了中华民族的优秀文化与优良传统。例如《大闹天宫》,节选自中国四大名著之一的《西游记》中的较精彩的一段。而《小蝌蚪找妈妈》更是彰显了中华文化的博大精深——水墨画,这是真正的“只此一家,别无分店”的技术,将水墨画的技术与二维动态的动画片结合在一起,当动画片在电视机上播放时似乎也可以隐约闻到水墨的香味,这正是真正的中国特色与中国味道。近几年我国的动画片,随着技术的进步使画面的清晰度等方面得到不小的改善,但内容却越来越“幼稚”,教育意义也较淡薄。制作技术发展迅速时发展动漫产业首先要注重的是受众市场的定位,不仅仅是儿童与青少年,动漫不仅仅只属于年轻阶层。倘若将民族文化与人文精神完美融合,富于人文思考的动漫也能争取到成年人市场,也可以丰富人们的审美内容。

与电影的论文篇六

摘要:21世纪全球化下,美国动画电影制作公司不再拘泥于本国的文化资源,而把目光投向全球,美国动画在题材选择上采用多元文化融合策略,将他国的文学名著、民间传说、文化和历史进行本土化融合和商业化改造,以适应全球不同市场的文化结构习惯和各个年龄阶段的受众需求,这样既为美国的主流电影文化带来异域风情,注入文化营养,也为美国动画进入国外市场带来文化认同和心理共鸣。

关键词:全球化;美国动画;文化选择

21世纪全球化下,美国动画电影制作公司不再拘泥于本国的文化资源,而把目光投向全球,美国动画在题材选择上采用多元文化融合策略,将他国的文学名著、民间传说、文化和历史进行本土化融合和商业化改造,以适应全球不同市场的文化结构习惯和各个年龄阶段的受众需求,这样既为美国的主流电影文化带来异域风情,注入文化营养,也为美国动画进入国外市场带来文化认同和心理共鸣。

美国作为世界第一大电影生产国,仅有的文化传承被不同的题材轮番使用,美国的历史文化资源被挖掘殆尽,已经很难在陈旧的故事中展现新意,所以好莱坞电影在题材的选择上面临发展的瓶颈,很难再生产出令人耳目一新的精神文化产品。特别是在全球化下,单一的美国文化受到了新时期的挑战,为了迎合观众日益提升多样化的品味需求,好莱坞只有不断的在世界各地寻求各种题材来运用到自己的电影中,一来可以增加电影的选题,扩展视野;二来可以更容易的打入题材来源地,得到当地观众的认可。历史清楚地表明,一个善于吸收其它民族优秀文化的民族,其发展就会更加迅速,文明程度也会更高。而美国正是这样有着包容性的国家,美国善于容纳各国文化之精华,并且将其相互渗透和融合。美国动画电影制作公司不拘泥于本国的文化资源,把目光投向全球,许多动画片取材于他国的文学名著、民间传说、文化和历史,进而与本土化进行融合和商业化改造,20世纪90年代以来,美国的动画电影风靡全球,正是利用跨越民族界限和国家界限的多元文化题材来赢得世界的普遍认同和接受,从各国的优秀文化中吸取养分,应用他们熟悉的世界通行的文化符号和美国思维来包装,然后推向世界。如取材于欧洲文化名著或神话传说的《白雪公主》、《灰姑娘》,取材于《一千零一夜》的阿拉伯故事《阿拉丁》,取材于法国名著《巴黎圣母院》的《钟楼寡人》,莎士比亚著名剧作《哈姆雷特》的《狮子王》,以及取材于中国南北朝《花木兰》等。美国动画电影人以世界优秀的文化作为创作来源,将美国式的精神理念植入其中,再加上好莱坞的精美包装,成功地将他国文化进行吸收和改造,形成一种全球观众都接受的文化形式。

“每个民族都有自己独特的文化,这种文化犹如一个人的思想和行为模式,多少具有一致性,每一种文化内部又都有其特殊的目标,而这种目标是其它别的社会所没有的,所以不同的社会有不同的文化模式”美国人创作的作品必然会带有美国人的审美特色和文化表征,美国的动画电影尽管取材于他国,却已经过本土化,影片的内核是美国的精神理念,美国人所崇尚的'个人英雄主义、自由、民主、轻松、幽默和调侃都渗透在影片中,例如将中国家喻户晓的花木兰塑造成好莱坞语境中的女英雄,在赚取巨额利润的同时传播着美国的特有文化与价值取向,这势必会造成其他民族对中国文化的误读,认为中国的文化如影片所示,抹杀了中国文化的独特性,对中国的传统文化造成很大的冲击,这种有意无意的误读传播了西方的生活方式和文化价值观,对中国的文化价值造成了侵蚀,而且这种侵蚀还会随着文化传播中双方不平等的境遇而扩大。影片《阿拉丁》、《埃及王子》、《钟楼怪人》无不幸免带有浓郁的美国风格,传播着西方的自由和民主,侵蚀着这些弱势国家的文化和价值观。

与电影的论文篇七

当人们为一部动画影片的精彩内容而赞美喝彩时,却往往忽略了构成动画电影最重要的场景设计,它包含了剧情中除角色之外一切在画面中出现背景,道具,设置等事物。是创作一部动画电影成功的关键。

一部电影的灵魂便是剧本,所以在排演一部电影时首先要搞清楚理透彻的也是剧本,对于场景设计来说,它不仅仅是简单地综合民族,艺术和思想等各方面的设计理念而进行的,而是需要场景设计者对剧本经过详细阅读透彻的理解把握之后再进行完整的综合思路创作。因为对于一部动画电影来说,他表现的时代背景,教育意义以及烘托人物形象的目的都是有一定的区别的,因此掌握剧本内容对于设计者来说在创作动画场景时可以更好的创作出符合剧本内容的作品,另外因为设计师需要从各种渠道获得适合剧本布景的相关材料,然后根据剧本整理规划将可用部分添加到设计创作中去,这样才可以使得剧情,角色,意境等达到完美融合。

每部影片表现的中心思想都只有一个,而设计师在进行场景时需要根据这个中心来展开思路创作,既要是整个电影的整体思路达成一致协调配合,还要体现出该剧本独有的风格特点。所以,在每一部动画影片中都包含着设计师自己对剧本独到的理解和个人设计风格,这样通过对作品的良好掌控力和把握方向感,设计出一部部经典的影视作品。

当一部动画影视在剧情已经敲定的.情况下,其中的角色和场景设计就成了设计内容的主体。而由上述所说,我们在影片中所看到的除了角色之外所有的画面事物都是属于场景设计的范畴。和角色设计不同的是,场景设计是为了更加完整的展现给观众一个合理的情节,因为人们的思维很广阔,单纯的只靠角色来填补会很枯燥单调,只有通过一系列的场景设计来丰富画面色彩空间,将原本虚构的动画效果慢慢变得清晰实化起来,这样就可以使观众在欣赏影片时剩下遗留的空间部分补充起来,使得剧情中的人物形象和主体更加的鲜明立体。就比如说在《猫和老鼠》中,讲述的是一只猫和一只老鼠在一块斗智斗勇的喜剧情节,整个影片都是采用无声的效果来展现的,这就要设计师在设计过程中更加得把握好全局,整个画面都是在家里发生,只是简单地配上建筑,景物和道具等,就让人忍俊不禁。

环境艺术设计和动画电影场景设计确实有很多的相似之处,不过二者差异也同样明显。对于环境艺术设计来说,它在表现设计者思维概念时是按人的标准去要求创作的,更注重的是表现其人性化的艺术特点;而动画影视场景设计的关注点却是与剧情和角色的融合,在整个故事为准则的依托下创作的,它的视觉效果更加的丰富,色彩更加的鲜明和多样化。再对比二者的发展方向,前者主要是以人所生活的现实空间为基础,更讲究实用性,而后者则主要是为了融合整个故事情节而进行设计,对带给观众的视觉审美更为关注。

每个人都有自己独立的风格个性,但这种自己独有的特性需要用到合适的场合展现才行,在场景创作中也一样,很多时候,设计师往往在表达自己独立的创作思维的同时就忽略了整个作品的协调性,作为一名设计师,自己独特的创作思维很重要,只有一个可以不断创新,给予观众新的感受新的冲击力的设计人才才能不断创作出成功的影视作品,不过当一名设计师一味的追求新鲜的视觉感官冲击性,贪求表达自己的作品概念而将剧本所要表现的剧情和角色都置之不顾,那么只会让整个作品充满突兀感,有时甚至会让观众不知所云,这样的设计在创作中时万万不可的。所以一名真正优秀的设计师是在创作设计时不仅将自己独特思路引入剧情,给观众带来不一样的新奇感,而且还可以让整个情节完美和谐,给人以别样的美感。

所谓动画影视作品,就是将剧本、角色、场景等各方面因素融合在一起而创作出非现实世界的构想作品,而为了使得画面效果及人物形象更加的丰满,设计师需要在角色和剧情的基础上补充场景设计,这样才能形成一部完整的动画电影。而对于一名好的场景设计师来说可以在全面掌控整个画面感的同时假如自己独特的设计风格,这样设计出来的作品都是相当成功的,而对于很大一部分设计者来说,盲目追求模仿一些优秀的作品而不考虑自身所要设计的作品是否适合,这样就导致设计出的作品空洞多余,毫无新意。所以作为一名场景设计师,看到好的作品应该取其精华,将它很好的内化吸收,然后再将他合理的运用到自己的作品中,这样才能不断提高自己的设计水平,切不可一味借鉴模仿,这样只能是邯郸学步,一无所成。

作为一名优秀的场景设计师,在创作设计前一定要对剧本深入的了解研究总结,做出自己对剧本独到的评价与见解,对整个剧情有着合理的把控,做出适合剧情与角色特点的场景风格设计,使得给予观众的整个视觉感受更加的具体化,完善化,创作出有自己个人独特魅力的优秀的动画影视作品。

与电影的论文篇八

1895年,法国人米埃尔兄弟在巴黎“大咖啡馆”放映了世界上最早的电影,也是最早的无声电影(默片)《火车进站》和《拆墙》等数部影片,这标志着电影的诞生。无声电影顾名思义就是没有声音而只有画面。其实无声电影也有人物的对白,只不过在当时电影的录音技术落后于摄影技术,观众只能通过演员的口型、表情、动作、姿态以及插入的字幕来揣摩故事里的情节。无声时期的电影是纯视觉艺术。无声电影时期的音乐可大致划分为三个阶段,即早期、中期和后期。

一、早期的无声电影音乐

早期的无声电影音乐大约为1895――19间。那时电影刚刚起步,为了掩盖播放影片时机器运转产生的杂音,以及器材的故障与换片之间的时间空白,也为了弥补眼睛看到画面耳朵听不到声音的缺陷,往往在放映现场安排乐队演奏,于是音乐便成为无声电影的组成部分。这个时期的音乐通常是在电影放映现场用钢琴,小提琴或乐队现场伴奏,有时电影院也用留声机播放唱片代替现场伴奏,而这些音乐与电影的题材和剧情是完全不符的,尽管如此,这却是最早的电影音乐或电影的伴奏,并成为弥补视听不平衡的一种方法。这个时期的代表作包括《火车进站》,《婴儿午餐》,《拆墙》,《卢米埃尔工厂的大门》以及中国电影《定军山》等。

二、中期的无声电影音乐

中期的电影音乐大约在1905――19间,《吉斯公爵被刺》是电影史上第一部原创的电影音乐。由法国著名音乐家圣・桑作曲,包括序曲和五个场面的乐曲。该影片虽然只有一首序曲和五段音乐,但却很成功,音乐和剧情十分融洽,圣・桑也因此成为电影作曲的先河。电影从早期到中期经历了数十余年的时间,在这一时期中电影迅速传到各地,音乐作为电影的组成要素,以临场伴奏的形式也普及到各地,代表作是《吉斯公爵被刺》。19,郑正秋、张石川拍摄中国第一部故事片《难夫难妻》,黎民伟拍摄香港第一部故事片《庄子试妻》。

三、后期的无声电影音乐

后期的无声电影音乐大约在1915――1927年间,这是一个从无声电影到有声电影转变的重要时期。电影之父大卫・格里菲斯将音乐的观念引入到电影中,其代表作《一个国家的诞生》。他首次与音乐家约瑟夫・卡尔・布列尔创作出美国民俗歌谣的完整配乐形态,显示了音乐属于电影本身的要素,这是电影音乐的一大转折。1915年2月上映《一个国家的诞生》是美国电影史上较早根据剧情创作配乐的作品之一,作曲者约瑟夫・卡尔・布列尔根据影片的情节发展创作了一些主题,还改编了一些观众所熟悉的旋律。为了获得良好的剧场效果,布列尔还动用了40人的管弦乐队现场演奏,《一个国家的诞生》并不属于原创电影音乐,它带有浓厚的舞台配乐色彩。之后出现的《宾列传》和《战舰波金号》都是不折不扣的无声电影时代的电影音乐的代表,还出现了以威廉・艾克斯和大卫・曼多扎为代表的著名的影片作曲家。在无声电影时代为某一部影片专门谱写音乐作曲者的出现使得电影音乐向前迈进了一大步,也为有声电影的发展积累了经验。

四、无声电影音乐的作用

无声电影时代的音乐功能比较单一,音乐与电影之间的这种关系并未得到深刻的发掘。但是我我们依旧不难看出无论是在无声电影时期的音乐早期是为了掩盖播放影片时机器运转产生的杂音,填补器材故障与换片之间的时间空白,维护电影院的噪杂的声音,还是偶尔用在影片放映的前面和中间是为了调节电影院的气氛,以及后来开始出现了与剧情相吻合的.音乐,这使得电影音乐开始被认知,默片的电影音乐帮助观众理解剧情和加强电影情节的感染力,后期的电影音乐出现了专门为无声电影谱曲的作者,由于受到录音技术的限制,无声电影音乐依然未能完全表现出它的功能。

无声电影中通过音乐表达出各种复杂的情绪,音乐可以通过不同的节奏、旋律迎合电影不同的场景和风格。在无声电影中音乐不仅可以增强电影的画面感,还可以达到视觉和听觉的统一,起到烘托渲染画面的作用,从而扩大了无声电影的表现力。

结语

在各种艺术形式中,音乐最擅长充分深刻、抒发人的内心情感,善于表现各种节奏,适当的伴奏音乐,能加强电影的感染力,对观众造成一定的心理影响。随着电影音乐的发展我们已经深刻地认识到这一点。让我们翘首以盼电影音乐带给我们更多的震撼。

与电影的论文篇九

:色彩作为动画的一种表现手法,是艺术表现的重要视觉符号。色彩情感是动画视听语言的重要构成元素,在整部动画中起着极其重要的作用。通过分析动画电影《功夫熊猫》的色彩情感在整体美术风格、角色造型设计、场景设计中的应用,充分挖掘其色彩情感特点,为动画电影的色彩情感运用提供一定理论支撑,为国内动画电影的发展提供借鉴。

:色彩情感;动画电影;功夫熊猫

动画电影由黑白发展到彩色,迎来了动画史一个崭新篇章。现代动画电影制作技术的提高,给观众带来更高质量视听冲击力及震撼性的艺术享受。色彩在所有的视听语言元素中,是最不易被观众察觉、却最能够在潜移默化中有效地渲染情感或营造气氛的元素。动画影片大量运用色彩来传递情感、塑造气氛,对创作者来说要认识并把握好色彩基调,运用色彩基调来表达情感。本文通过分析动画电影《功夫熊猫》的色彩,以及通过色彩设定其所需要的情感氛围和色彩基调从而达到的整体影片风格,来挖掘其色彩情感特点,以期为国内动画电影的色彩情感运用提供参考。

人们对色彩的物理认知经过大脑处理,会产生心理感受,根据这些心理感受总结出的规律,称之为色彩的情感表达[1]。色彩本无任何的情感,但是它能为人们带来直观的生理感受,如颜色的冷暖对比,即“冷暖感”。如火焰的温度很高,每当人们看到红色就会附带着情感而感觉温暖,蓝色的海洋温度低,人们看到蓝色会有寒冷的情感表达。色彩也拥有对比的原则,彩度高的显得饱和、浓郁,给人一种热情奔放的情感表达,彩度低的给人一种萧瑟、冷静情感,丰富的色彩对比更能突出情感变化[2]。色彩还给人们其他的直观感受,如空间感,暖色调会让人们感到推进、扩张,冷色调则会给人一种缩小、退后的感觉。色彩情感也有民族情感表达,不同民族有着自身的习俗与传统,例如白色,它是雪与云的色彩,通常给人心理上纯洁、干净的感受,但在中国白色多用于丧礼,表达对死者的敬重,而在西方白色则象征着纯洁的爱情[13]。

近年来,色彩心理学迅速发展。例如,在美国动画电影《功夫熊猫》中,动画大师布莱克通过色彩的合理搭配和运用,巧妙地将东方色彩与好莱坞色彩融合在一起,运用大量的红色和中间色调绿色,显现开场的东方式神韵和一只熊猫的梦幻侠客之旅。同时,创作者还通过色彩的情感特征来吸引观众的眼球,引发观众的情感体验,使观众产生视觉联想。

2.1色彩情感在角色造型设计中的应用

色彩情感表现在《功夫熊猫》角色造型设计中,分为正义与邪恶两面,形成了喜爱与憎恶情感交替的效果。以《功夫熊猫》中几个主要人物为例,首先主角熊猫阿波是和平谷里公认的最能吃的动物,肥胖的身躯、黑白相间的皮毛、打着补丁的大裤衩,颜色由黄色为主色加上少许的粉紫色,最特别的是眼睛的颜色为绿色。根据色彩心理学,大多数人对绿色的情感是最安全的,绿色的运用也象征自由和平、新鲜舒适、有活力。整个主角造型呈现给观众的是一只心地善良、性格随和、憨态可掬的单纯且爱好吃喝的大熊猫。相反,熊猫阿波的师傅是一只黄白相间的小熊猫,身穿一套偏咖啡色的武道服,整个造型给人深沉和内敛的感受,表达出师傅的庄重与严肃。其次,盖世五侠悍娇虎、猴王、快螳螂、俏小龙和灵鹤,其色彩元素带给人的是对中华武术的炽热情感,色彩上也偏向明亮的色系,突出英雄们独特的傲骨侠情气质。悍娇虎是盖世五侠中最有胆识并且最稳重的一员,她严肃认真、情绪强烈、斗志旺盛,全身心投入到功夫的练习中,并且忠于守护山谷的职责,她有着鲜明的虎纹色彩,展露女性坚强的气势。古灵精怪的猴王在盖世五侠中是幽默和热情的象征,色彩上以黄、黑、白、赭石为主。快螳螂是盖世五侠中体形最小的且擅长冷幽默,他以草绿、柠檬黄为主。富有魅力且行动敏捷的俏小龙有着超强的力量和精准的攻击,他的`色彩搭配主要以鲜艳的柠檬黄为主,黑色、棕色为辅。灵鹤耐心、冷静、镇定,可以算是盖世五侠中的情感调解员,白、灰、黑是其特有的颜色,加上一条蓝色短裤子,蓝色赋予灵性知性,意味着诚实、信赖与权威。第三,阿波的父亲平先生,衣着以紫、黄为主,紫色的搭配往往能体现出哲学家的气质,同时也散发着忧郁的气息。作为父亲为儿子取得的成就而自豪,同时,与其他的父母一样,平先生也很担心在外闯荡的阿宝,随时准备着帮助遇到困难的阿宝。最后,残豹作为该片的一大反派角色,该角色的造型设计有两种:一种是小时候的造型,以金黄色表达天真的童年时光;另一种是成年的造型,是一只黑色斑点的灰豹子,一件深紫色的裤子,一双赤黄色的眼睛,表现出凶残、暴怒的个性情感。

2.2色彩情感在场景设计中的应用

色彩作为动画的一种重要的表现语言,不但可以刻画对象还可以烘托氛围,更为重要的是它能起到信息传递和情感表达的作用[4]。在动画色彩场景中,正面角色所属的场景一般多使用明快的色调,反面角色则使用灰暗的色调,传递和表达出两种相反的情感表达,场景中要表现出高昂、积极、快乐的情感等多使用明快色彩,而表现低落、消极、难过的情感等多使用灰暗色彩。色彩的合理运用在动画场景中,可以让人沉浸在某一场景的情感思考中,达到情景交融的情感体验。动画《功夫熊猫》中,阿波借助烟花飞入玉龙殿的背景色彩以青绿色为主,一方面为人们传递选举神龙武士的隆重场景信息;另一方面也通过场景色彩来表现情绪的波动,明快的色调来表现艳阳高照的晴天,带给观众新奇、欣喜的情感,同时能够衬托出此时阿波璞玉未雕之前的那种青涩,这种青涩情感的反映正是色彩在场景设计中的情感运用。在阿波初次训练而被师父踢出玉龙山门场景中,场景色彩被替换成了朱红色,此处的朱红色彩运用不仅是为了传达傍晚夕阳的大自然信息,更是以特有的色彩方式来暗示师父及五位师兄师姐已经被这个肯吃苦、不怕输的小子打动了,剧中人物情感的交流传递刻画真实,向观众传递着阿波不怕吃苦的精神。在阿波早上背负打包的行李攀爬于盘山道并接受师傅教授的场景中,画面以青绿色调为主,表现出阿波此时还是璞玉,到了中午时段,画面红色调开始逐渐增多,则显示出练功的辛苦和阿波对习武的热情高涨,到了傍晚时段,万山红遍,正是收获的时节,阿波也已武学初成,场景一转,此时画面苍山如海、残阳如血,预示阿波新的任务开始。在这一段场景中背景的色彩变化推动了故事的发展,也慢慢地给观众留下热血澎湃的情绪。创作者通过色彩在不同场景的转换运用,让观众感受到不同的情感表达。暖色调的运用带给观众喜悦、快乐、温馨的气氛;冷灰色的色调加上大面积的使用黑色,带给观众压抑、恐怖的情绪。

2.3色彩情感在影片风格中的应用

动画电影存在很强的主观色彩,动画电影创作者可以根据自身的主观感受和主观意图,通过色彩设定自己所需要的情感氛围和色彩基调,从而形成整体的影片风格[5]。在《功夫熊猫》开场二维动画中,导演运用红色来渲染热血、侠义的情感氛围,以红色的色彩基调来谱写影片主题思想情感。艺术家们在色彩、构图、特效等方面花费较大的心力,为达到最佳烘托剧情及其内涵情感表达的效果。正是这些技巧与手法的运用,动画影片最终形成一种特有的影片个性,从而形成该动画影片的创作风格。在《功夫熊猫》中,丰富的色彩搭配运用展现了场景的不同特点,整部动画都以暖色调为主,带给观众无限美好的情感体验。冷暖感是色彩情感中表现最强烈的,也是引起人心理反应最为突出的。影片中暖色系转换到冷色系则预示着挫折、挑战的出现,这些冷色调的运用,不仅给整部影片风格增添了丰富的色彩,也给观众留下了深刻的印象。创作者较多地运用明亮的暖色调,融合中国古典建筑的颜色,加上一些蓝偏红的冷色调,描述着人物情绪的情感变化,让观众深刻感受到主人翁克服困难并努力前进的勇气。

色彩是人物心理和情绪的外化,运用色彩来表达作品的情感性,不仅能让观众喜爱作品,更能让观众受其情感感染,产生共鸣,因而学习和研究色彩语言的情感性理论知识,将会给国内动漫企业带来新突破[6]。色彩情感也具有民族情感表达功能,不同民族有着自身的习俗与传统,《功夫熊猫》展现了很多典型的中国色彩。本土色彩与世界色彩相互融合,体现了色彩的共鸣与认同,不同国家之间的文化色彩从来就不是单方面的吸取或输出,从动画创作角度看,国内动画创作只有建立在本民族文化色彩的基础上,才会迅速得到本土大众认可,同时,要保持特色民族情感色彩也要兼顾与世界文化的交流与沟通,才有可能使本土文化色彩在全球化背景下获得新的生命力。

3.1色彩情感在角色造型设计中的运用启示

色彩的情感是在角色造型设计中首先要考虑的因素,正面形象角色通常使用暖色系,这样可以给人鲜明、稳重的印象;反之,大反派则都是冷色系或者饱和度较低的色彩,给人丑恶的印象,通过对比加深彼此之间善恶的差异[7]。人们所感受到喜欢与不喜欢的情感表达,也都是主观上赋予色彩的,大胆尝试色彩的运用能够给人们带来不同的情感感受。《功夫熊猫》中的角色造型色彩的运用差异很大,正反两势力,单单从颜色上观众都可以看出善恶,从而对其加以情感倾注,也为他们潜意识建立其性格特点奠定了基础。在主角与盖世五侠中,部分角色也尝试采用了大胆的色彩,但都是根据创作者主观的喜好和叙事需要来设计。例如快螳螂,角色看似对所有元素进行了颠覆,角色设定虽然不是暖色系,以绿色和蓝色为主,但仍然是十分鲜明的色彩。

3.2色彩情感在场景设计中的运用启示

在动画中,场景的色彩视觉元素不一定是符合真实情况的,而是可以根据特殊心理暗喻或戏剧含义来赋予色彩。梦工厂公司在《功夫熊猫》中利用色彩作为表达情感的语言,在动画影片场景中色彩的运用十分自由,通常直接在不同气氛的场景里套用不同的色调,最大限度地通过色彩来渲染情绪、建立气氛,其选择色彩的原理还是遵循色彩对人类视觉、知觉所产生的心理暗示。在场景色彩的选定创作时,没有绝对的标准答案,一方面通过色彩的暗示烘托情感表达,另一方面通过主观的赏心悦目表达。在制作上,优秀的国外动画场景制作相当完美,他们运用先进的技术,每个场景细节都能反映其特色,惟妙惟肖、细致入微,色彩上更显得接近于真实的生活场景,带给观众身临其境的感觉,达到情景交融的境界。

3.3色彩情感在影片风格中的运用启示

当动画影片中色彩的选择能概括真实参照物的色彩,并具有某种主观倾向时,色彩便成为影片“风格化”的工具[8]。例如《功夫熊猫》中,二维动画使用了对比强烈、具有象征意义的色彩。动画影片兼具电影与绘画的艺术表现力,色彩是线条造型之外建立美术风格最重要的视觉元素,通常情况下角色的色彩运用根据角色性格特点、故事情节、作品的色彩基调、角色造型等确定用色,不能偏移整体的美术风格。色彩情感特征在画面场景风格、民族风格上有所体现,每个民族都有自己独特的艺术,因而艺术是有风格的,动画色彩也同样具有这个特征[9]。因此,在动画创作中,只有认识并掌握色彩的运用技巧,深入研究和探讨色彩的运用规律,才能把握好色彩基调,运用色彩基调来表现大众情感、民族情感,从而创作出更多优秀的动画作品。

动画影片《功夫熊猫》中的色彩运用,不但传递出创作者的个人情感,而且给观众带来震撼的心灵感受;影片色彩渲染接近于现实,视觉色彩带人真实感受,产生真实的情感联想;色彩的合理运用对角色造型设计、场景设计和美术风格有着重要的意义。色彩是动画生命力所在,而色彩情感是生命的灵魂,色彩的情感是抽象表达,作为创作者要将作品渲染得尽善尽美,则需要充分发挥想象,挖掘国外动漫电影情感表达艺术手法特点,洋为中用,中外融合,从而创作出具有中华民族特色世界水平的作品.

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与电影的论文篇十

微电影广告中,最为突出的是“微”字,具体指以微博作主要传播平台,时长在5分钟-30分钟的广告。其实质是广告和电影的结合,宣传的产品是整个电影的主角或者剧情串联的产品,剧情和时间都相对短小精悍。目前,微电影广告形式主要有两种:一种是某些视频网站自己策划和拍摄的,同时吸引广告品牌的投资加盟。另一种是广告品牌出于自身宣传的目的,一般会有强大的明星阵容[1]。

(1)多中心的一对多式传播。该传播方式是以用户为中心,实现多个传播中心的一对多式的传播方式[2]。例如一个用户观看某微电影广告后,通过转发分享到自身的互动网络交际圈,实现一对多的扇形传播形式。同时各种社交平台时时都有用户在分享相同的信息,这些用户都有自己的交际圈,这意味着该信息是由各个中心进行传播,这种传播是一传多、多传多的网状链接裂变式传播[3]。从理论上讲,该传播范围无限大,传播效果好。

(2)媒介联动式传播。微电影广告作为一种新型的营销方式,其主要的投放平台是互联网,但是广告投资商为扩大广告的影响力,获得更大的经济利益,也会在传统媒体上宣传。电视等传统媒体受播出时间、时段、互动性差的限制,常常进行的是人际传播。而网络传播时间影响小且互动性强,方便进行网络传播。两者传播方式结合有利于用户人群范围的扩大化,增强广告传播效果。

(3)线上线下整合传播。广告投资商在进行上述广告传播的同时,为了扩大广告宣传力度,会进行线上与线下的整合营销传播。线上推广主要是通过各大视频、社交、媒体等网站平台进行广告宣传、交流互动等活动。线下推广是通过广告艺人的见面会、媒体宣传等活动进行宣传,通常线下推广更加形象真实。这种整合传播有利于用户对广告内容的叠加接受程度。

通常,上述广告传播方式是不会单独使用的,一个微电影广告的投放传播,往往采用多种传播方式协作宣传,才会取得最佳的传播效果。

微电影广告的传播效果进行评估和研究,有助于广告内容和形式的完善,更有利于广告传播方式的选择。因此从以下四个指标对广告进行效果研究。

一是点击率,是广告点击数与显示数的比率。微电影广告主要以网络平台传播,点击率是基本的评估标准,影响点击率的因素很多,例如投放平台的关注度,明星阵容,广告的内容、创意和拍摄方式等。

二是平均播放时长,是广告的内容被用户播放浏览程度的指标。通过该数据分析,广告投资商可得到微电影广告的关注度,了解广告浏览的平均时长和广告品牌的影响力。

三是互动率,它是指用户与广告之间进行转发、重播以及下载量等互动的数量和显示数的比率。广告互动率高时,则意味着其广告内容易被用户接受。

四是显示后访问,是指用户观看微电影广告后一段时间内,对广告产品网站的访问量[4]。显示后访问量的多少与产品的品牌效应密切相关。显示后访问量多显示着广告内容的成功,但一般而言该指标不会很高,但是对广告效果评估参考性很强。

本文主要分析微电影广告传播特点,并通过点击率、平均播放时长、互动率及显示后访问等指标,对微电影广告的传播效果进行研究。目前我国微电影广告还处于成长期,需要进行不断广告传播实践、发现传播过程中的问题和完善广告形式。

与电影的论文篇十一

摘要:电影音乐为画面所服务,画面提供了我们直观的感受,人们,也通过画面来感受音乐,给人更深刻的理解,电影音乐,虽然不那么具有功利性,因为,有着一定的限制,所表达的社会意义,并不能全面,与现实也有一定的差距但是也正因为内容的确定性,是现实与画面相连接使画面丝丝入扣,解决了画面所不能传达给我们的东西。

关键词:电影音乐;画面音乐;艺术价值

电影音乐是指影片中的非自然的音响,其中包括配乐,插曲,主题歌等,用来补充画面感,提供画面情绪的画面音乐。尽管音乐是抽象的,音乐也没有像画面一样那么直观,那么形象生动快速的进入脑海中,但是,电影音乐,凭借着他独特的影响力,起到了很重要的辅助作用,它能给我们直观的电影,带来不一样的色彩,更好的掌控情绪,它不是服务于画面的,它是服务于叙事的,直接或间接的推动了电影情节的发展,烘托了整体氛围,给人一种更加强烈,更加直观的感受体验,烘托主题,渲染氛围。而我们知道,西方音乐史中,电影的诞生是在浪漫主义晚期,众多的市民进入音乐厅,音乐更广泛的流行于市民当中,这时候电影的放映,基本上是在音乐厅,或剧场在这期间,会有钢琴师们演奏音乐但并没有人真正在意演奏的是什么音乐,渐渐的,随着电影技术的发展,开始有独立的钢琴师为烘托电影情节的氛围而弹奏,符合情节的音乐,所以当时的电影音乐是与现场紧密相关联的,随着技术的进步,声音也可以记录在胶片上,音乐开始为电影情节,提供心理暗示及情感的需求,从而慢慢的产生了一个新的名词,叫做电影音乐。西方著名的现代作曲家,斯特拉文斯基,曾经说过,“电影中,剧情和音乐的关系同餐厅中的音乐同餐桌上的谈话的关系,没什么两样”这样尖锐的话,但我们应该了解,电影艺术,流行不过半个世纪的时间,这同歌剧,舞剧都存在很大的差别,似乎是稚嫩的,是不成熟的,但是,在如今,电影音乐,已经发挥着它不可磨灭的价值,依靠自己独特规律的艺术形式和艺术形态出现在人们的眼帘,电影音乐,有着不同于其他艺术的特殊本质。电影音乐如果独立于电影之外,那么,它体现的是创作者的一种思想感情,和创作灵感!而当电影音乐进入视觉艺术当中,那么,他便是一个有机的整体,音乐与画面感的融合,使得剧情更加的突出,情感色彩也可以更加灵活的表达出来,这是一种相互依存,相互依赖的关系,在电影中,当主题曲响起并配合精彩的剧情的时候,通常观众,或潸然泪下或拍案叫绝,不同场景,配合不同音乐,使整个电影情节的连贯性也得到了很好的补充,音乐与画面的有机统一,会使整个电影,更添上一抹风采!比如电影,《音乐之声》当中,那潺潺的流水,青青的草地,自由的小鸟,蓝蓝的天空,还有可爱的白云,这时候伴随有教堂那低沉的钟声,这时候我们似乎看到了主人公纯洁的心灵和美好的向往,以及带给观众的愉悦的体验,和宁静的片刻。比如,《匆匆那年》讲述了阳光,而青涩的青春,记忆与友情的.故事的时候,配上王菲的匆匆那年,轻快而又充满忧愁,影片的电影情节和电影音乐的节奏,把握上很契合,让观众在看了这部电影之后,想到校园时光,校园的那些青葱岁月,最美好,最宝贵的那段日子。以及在电影《教父》之中,婚宴午宴晚宴都离不开音乐,甚至是在菜市中也夹杂着音乐,剧中人奢华的场景,需要音乐,每个人的内涵也需要音乐来表达,甚至画面的处理,情感的诉求,也离不开音乐。电影音乐为画面所服务,画面提供了我们直观的感受,人们,也通过画面来感受音乐,给人更深刻的理解,电影音乐,虽然不那么具有功利性,因为,有着一定的限制,所表达的社会意义,并不能全面,与现实也有一定的差距但是也正因为内容的确定性,是现实与画面相连接使画面丝丝入扣,解决了画面所不能传达给我们的东西,而电影的意境是通过想象来传达给人脑的,而想象并非,都是音乐所传达给我们的,在电影音乐中,并不全都是音乐的因素,还有着一些非音乐因素,也非常的重要,电影,有歌词的,歌词是表达内容的,歌词,同样能引发人遐想,补充剧情或台词的不足,给人带来,悠远的思考,推动剧情的发展,除听觉以上,能给人一种更加广阔的空间。音乐的基本特征,使音乐具有抽象性,它不像其他来的直观,具体,或直接,或间接参与到电影中来,有时候电影音乐不直接叙述情节,而是间接的循循善诱,音乐的语言是奇妙的,通过暗示,交代,来对电影进行深刻的,彰显,表达,或歌颂,或赞美,或愤慨,或控诉。其次,影片当中运用了,节奏,旋律等等,对事物进行了描述,与其相对应,有着它极致抒情的一面,不是诉诸观众的理性,而是更加善于用感性的表达,如电影是特勒名单当中,潜藏着创作者的一种感受,给体现出来通过如泣如诉的音乐,对不堪的往事的重拾。可以看出,电影音乐的很多功能,并不是孤立的,而是相互独立,又相互依赖生存的,他们有效的结合在一起,共同的表达出电影的中心思想,特别其抽象性,模糊性,不确定性,引人遐想,给人空间,完善电影的表达力,渲染力,影响力,她不断使人追寻着美好,将感性推的另外一层次,给人强烈的指示性,随着电影语言不断的丰富和发展,其相互作用和结合的方式,也在不断发展中,音乐在一部影片中,所发挥的功能,是交汇在一起的,各种功能,相互渗透,才形成了电影音乐的小价值。

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与电影的论文篇十二

目前,我国的动画电影产业呈现出欣欣向荣之势,各大制作公司纷纷跃跃欲试。然而,在动画产业蓬勃发展之时,我们也要反思自身存在的不足。中国的动画产业几经坎坷,走到如今实属不易,从最初的单一电视行业发展到如今电影、电视双向发展,是一种进步和延伸。但就目前的大环境看,我国的动画电影面临着瓶颈,具体体现在动画电影的美术造型方面。

动画电影美术造型设计民族

动画电影的美术造型设计是全方位的,包括动画角色的造型设计、角色服饰的造型设计、动画场景的造型设计等。从绘画艺术的角度来看,中国的绘画艺术样式多样,造型形式丰富,为影视动画造型创作提供了丰富的艺术样式,艺术工作者可以基于此进行深度的创作和加工。各个国家和地区都有属于自己的本土动画造型样式和艺术风格,如油画之于俄罗斯动画造型风格,中国水墨画之于中国动画造型风格。民族的就是世界的,我国的动画电影应更加着力于摆脱对好莱坞或其他地区动画造型的模仿,创造出具有我国民族特色的影视动画造型风格。

每一部动画影视作品的创作和发行,都有其所针对的受众群体,要做到让观众买账,就必然要迎合当下时代的需求。针对当下受众的审美趣味,在现实生活中汲取资源和灵感就显得尤为重要。艺术源于生活,动画美术造型设计者需要用心观察生活的点滴,了解当下的时代需求,获取创作灵感。动画影视的受众群体具有低龄化、年轻化的特点,这就需要设计者有针对性地迎合受众的审美需要,创作出具有艺术美、情境美的动画场景,探求当下现实,挖掘青少年的审美趣味,以当下青少年的生活原型、成长原型、审美原型为基础,进行更进一步的艺术加工。中国是一个有着五千年文化的文化强国,在历史长河中积淀了丰富的文化遗产,深入探索具有民族符号意义的文化是当下美术造型设计艺术发展动力之所在。如何将这些本土文化资源开发、利用好,并运用于动画造型创造,是发展中国当代动画产业的一大课题,也需要设计者深入民间,善于观察和思考生活中的点滴情感,在现实中迸发出创作的灵感。

征融入动画美术造型各个国家和地区的绘画艺术发展之路各有不同,各有所长,这就决定了不同国家和地区的艺术造型风格的不同,因此具有个性化的特点。而我国艺术在发展历程中更是有独具特色之处,尤其是我国水墨画的美术造型形式颇为独特。在我国动画影视美术造型上,也融入了具有中国传统文化特点的水墨画,并成功创作完成了《小蝌蚪找妈妈》《哪吒闹海》等多部优秀作品。然而,在回顾我国影视动画美术造型成功之处的同时,我们也应该意识到自身的不足。近年来,我国的动画作品产量较大,但动画产业的收益并不尽如人意,其中很大的原因在于我国动画美术造型缺乏特色。要开发民族化的动画形象,设计者应从我国本土传统文化出发,深入民间,了解民间艺术和传统文化,汲取其中的精华并结合当下的时尚元素,将二者融入动画美术造型,以此创造出真正具有中华民族特色的动画形象。我国早期的动画作品是非常具有本土特色的,它们在美术造型上充分借鉴水墨画、剪纸、皮影等民族性很强的造型语言,但综观我国当下的动画产品可以发现,这些成功的造型形式并没有得到很好的传承。中国的传统文化艺术丰富多彩,美术造型师如何能将之转化成动画形象,使传统的`本土符号转化成一种能够为当代受众所喜闻乐见的艺术形象,还需要动画美术造型设计者深入地探究。

动画电影是一门综合性的艺术,随着高科技日新月异的发展,如今电脑技术对电影动画美术造型设计的影响之深更是前所未有的。电脑技术在动画造型上的运用,极大地改变了动画美术造型的形式,使动画电影美术造型呈现简单化、多样化的特点。目前,国内的动画美术造型领域面临的问题,是有资历、有经验的老一批美术造型师已逐渐退出动画创作一线,大多身居二线,而新一批动画美术造型工作者往往知识储备不够、经验不足、美学素养不深。一些美术造型师有着纯熟的美术绘画技巧,但对电脑软件应用一窍不通,或者对电脑软件的运用炉火纯青,但偏偏又对绘画艺术不甚了解,这在一定程度上说明我国的动画产业发展模式有待完善。我国的传统文化需要新一代的动画造型设计者充分运用当前的有利形势加以发扬光大,动画产业的进一步发展也离不开具有民族特色的传统文化的推动。高科技产业的蓬勃发展必然会引领动画产业的新格局、新形势,只有顺应这种时代需要,使动画造型设计满足时代的需求,才能创造出具有多样性、民族性、时代性的动画造型形象,以满足观众的审美需求。

与电影的论文篇十三

一、美术艺术在电影中的应用

一个成功的电影作品,也是一个成功的艺术作品。艺术在有任何形式的一个伟大的电影中的作用是不可替代的。可以想像,电影艺术没有波澜的艺术,电影的主题表达不充分,这部电影是没有意义的,因为它是不能够使观众得到审美的愉悦的。所以一个好的电影导演的电影中艺术的应用是非常认真的。应用美术适当地在电影中能得到意想不到的效果。从某种意义上说,一部成功的电影,艺术作品的质量可以起到决定性的作用。随着时代的进步与发展,膜技术越来越成熟,视觉效果越来越好,但是,优秀的艺术作品依旧在电影中起着重要作用,这是永恒的法则。其中电影艺术中,应用的三个因素分别是:结构、线条、色彩。它们在电影艺术代表的是――显示颜色、形状和灯等。

(一)其他电影中的应用

艺术是对一种形式的创造,它体现的是另外一种独特的风格,具有较强的视觉冲击力,在表现艺术手法中经常会使用一些材料,通常这些都是艺术设计的重要手段与基本元素。在创作过程中它可以体现出对客观事物的认知,通常带有感性色彩。换句话说,电影中体现的,实际上是艺术家在艺术处理过程中审美意识的体现,对客观事物的完全真实的情感宣泄。

(二)色彩电影中的应用

电影中色彩元素的应用程序是一个艺术不可缺少的必要条件,色彩是一种无声的语言,使用的胶卷如果没有色彩,电影里所刻画的生命将不复存在,影片的主题和一个又一个的典型图像往往会在寂静之声中发挥巨大作用的情感表达。因此,彩色胶片的应用具有重要的意义。

(三)光的应用

没有光无法拍摄到影像,有了光还存在着曝光上的技术问题。尽管今天的电影胶片感光度很高,电视摄影机对光的灵敏度也很高,在微弱的光线条件下都能获得理想的影像。但是我们要想获得艺术创作所需要的画面影调色调,要想获得曝光正确的画面,这仍是电视摄影要认真研究的课题。那些研究光敏感电影的艺术家们,对光源的调整、创造、电影意境,通常可以发挥出激动人心的、可怕的甚至是恐惧的影响。一部电影所制造出的光影,往往能够击败所有的艺术效果。

二、美术对电影的作用

今天的电影,是利用先进的电子技术、机械技术,并整合各种艺术技巧而形成的艺术作品。每一位电影艺术家都是艺术创作设计及电影造型制作方面的专业人才。所以电影与艺术是分不开的,电影是艺术的基础,艺术却是电影框架的基本要素。

(一)艺术是电影的基础

电影是构建独特具有丰富的艺术表现形式和光与色、新的视觉效果的连续画面表达。它将动态摄影幻灯片联合在一起,以超越时间和空间的艺术想象显现在银幕之上。电影将虚幻的静态的人物和事物以一个动态的艺术形式表现出来。如果建筑的基本要素是艺术,那么电影就是一个全面的视觉、听觉以及混合了其他艺术形式的感觉。它是艺术发展到一定程度的衍生产品。

(二)艺术是电影艺术形象和典型的保证

一部优秀的电影作品,总会塑造一些令人难忘的人物形象,并根植于观众的心灵。艺术家塑造的每一个优秀的电影角色、令人印象深刻的场景图像,都是电影艺术得以产生深厚影响的基础。如果没有艺术加工处理,那么,即使演员演得很好,可能观众也不会有很深的印象。此外,每一部电影的艺术风格也是不一样的,比如有现代剧、历史剧,即使由同样的演员来出演,不同的角色,不同的作品,塑造的人物形象也会让人耳目一新,给人以深刻印象。所以任何一个典型的艺术形象,都是美术艺术手段创造的结果。

(三)艺术留住美丽的电影风格

电影作为一种艺术形式,它能够让人感受到另外一种美。电影艺术创作中有一个类别――卡通动漫,大家并不陌生。为了实现动画的效果,动画电影中的卡通形象都是由简单的线条轮廓绘制出来的,这些造型简洁、可爱、形象夸张、色彩艳丽,深受广大儿童的喜爱。这些以现实主义的`艺术手法制造出来的,效果良好的动漫电影制作,一定会给人们留下深刻的印象。

三、美术在电影中的质变

美术艺术融入电影,这是一个必然的、深刻的变化。在实践中人们不断进行着摸索探究。那么让艺术变化的因素和手段究竟是什么?是摄像机和编辑。艺术大师尤特凯维奇曾谈过某人利用达芬奇的名作《最后的晚餐》所做的一次实验。实验中,实验者把画面分割成n个镜头,当实验者用特写镜头突出表现画面中的某个人物时,就完成了类似于剪辑的工作,同时,再重新安排顺序,那么就揭示出壁画的戏剧性质。他还谈到了自己的一些设想:“根据蒙太奇对列的规律,把一幅绘画或壁画的某些片段分成镜头,摄像机在画布的平面上移动,或拉或推……一句话,就是富于诗意地和深思熟虑地运用整个丰富的电影技术,结果就能不仅产生理想的复制品,同时还能产生出以独特形式表现某一作者思想的富于独创性的影片。”这段话实际上说的就是通过摄影和剪辑的方法,使绘画的中的静态时间释放出来,变为动态的时空,也将二维的绘画实体,转为二维空间实体投影,使它具有了电影的新品质。通过电影的技术手段,这些转化的二维实体投影失去了一般意义上的美术艺术形态,成为电影这一艺术形态;同时,由独立的艺术手段而成为电影的艺术手段之一;不可忽视的是其由空间艺术变为时空艺术;由一个原创作品变为二度创作;是一个个体的精神劳动变为群体的精神劳动的过程;并且是由纯精神产品变为先是具有实用性的物质产品形态,再转化为精神产品;由二维或三维造型实体经过摄影机转换为实体投影的二维画面;具有鲜明的功利目的的实用性和具有多学科交汇的边缘性。上述的种种品质,使得电影美术成为电影的独特元素,并具有它自己的艺术方法。

四、结束语

电影与美术二者不可分割,美术以其独特的艺术表现形式深深影响着电影的整体效果,也对电影的发展起着推动的作用。

与电影的论文篇十四

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[20]王长武.微电影的传播特征与市场前景展望[j].中国电影市场.2011(09)

与电影的论文篇十五

一、对视觉审美享受的制造

电影理论家卡赞斯基曾经指出,电影是一种造型艺术,这是电影与绘画、雕塑等艺术异曲同工的地方。因此电影有必要给观众带来一种视觉上的审美享受。另一方面,比起绘画和雕塑来说,电影的受众面更广,观众中既有大众也有精英,因此电影有必要兼顾不同的审美口味,但从整体来说,大众的审美水平是在逐渐提高的,电影美术在追求唯美的路上也有继续深入的必要。以王家卫的怀旧经典,上映于的电影《花样年华》为例,故事本身并没有新意,情节也不扣人心弦,而人物的情感如果从电影的其他元素中剥离出来看也很难说具备什么美感,只是两对夫妻各自的婚外情而已,主人公周慕云和苏丽珍各自的爱人出轨,两人在商量对策的同时也产生了微妙的感情。但是这部电影一直被视作王家卫的代表作,也获得了戛纳电影节的金棕榈奖题名,那便是因为在电影中王家卫将电影的含蓄美和张扬美艺术法则用到了极致。如在场景设计上,周慕云与苏丽珍居住的楼十分狭窄而阴暗,两人不得不在逼仄的楼道中来来回回相遇,这表明了两人在道德的压力下对于情感的克制,就如同苏丽珍对周慕云同时也是对自己提醒的那句“我们不会和他们一样”。还有多次出现的路灯这一意象,苏丽珍在路灯昏黄的光晕中显出一种孤独而袅娜的美感。与含蓄相对的则是一种张扬,女主人公苏丽珍在影片中变换了数十套旗袍,甚至仅仅是为了出门去小面摊的一小会,她都要梳洗打扮一番,这不光是为了体现苏丽珍的优雅与教养。旗袍颜色或是白色加蓝色,或是白色混淡黄色等,在那个昏暗而压抑的环境中,显得十分艳丽夺目,这其实代表了苏丽珍内心无处释放的热情。旗袍的颜色与两人的感情走向是相呼应的,例如在苏丽珍去周慕云的宾馆找他时,换了一身红色的旗袍,而宾馆的窗帘、床和墙壁也都是不同深度的红色,这与人物当时热烈的感情是吻合的,这是两人仅有的美好时光,尽管苏丽珍约束着自己,但是旗袍的颜色暴露了她的内心。而在苏丽珍决定和周慕云一起离开香港去新加坡开始新的生活时,她换上了代表新生的绿色旗袍。这种浓墨重彩更衬托了前文中的含蓄。这两种释放美的方式合在一起,造就了一种怀旧而伤感的美。

二、对影片内涵的表达

在数字技术逐渐普及以后,为技术而技术的电影也随之出现,这样的影片由于追求绝对的艺术美,反而因为缺乏审美情趣和内涵而让观众很快遗忘。即使是在好莱坞的商业大片中,也总要强调对某些美国文化价值观中的精神内核进行阐述,避免使影片沦为一部空洞乏味的数字技术的`教学片。因此,成功的电影美术是不能只注重创造视觉奇观的,一部有搬上银幕价值的原著或剧本本身就存在着深厚的内涵,对它们的挖掘需要多个部门的共同协作,美术也责无旁贷。这一点在张艺谋的电影中体现得尤为突出,一般来说,他具有挑选剧本的慧眼,而摄影出身的他对于美术亦不外行,从文学作品改编而成的影片一般都能有不错的反响,例如改编自《妻妾成群》的《大红灯笼高高挂》,改编自同名小说的《金陵十三钗》等,而那些由张艺谋及其团队自行编撰剧本的电影,如《英雄》《满城尽带黄金甲》等就饱受诟病,人们批评这些电影并不是因为其在美术上的不到位,张艺谋的影片绝大多数情况下艺术手段都是到位的,人们反对的是其形式大于内容,让电影只剩下一张美丽的“画皮”。这方面的正面例子是同为商业片的《角斗士》,同样是刻画一个庞大的帝国,影片把握住了罗马的时代气质,为观众展示了气势恢弘的竞技场,人来人往的市集,金碧辉煌的皇室宫廷以及壮观的战争场面,将一个在历史上不可复制的帝国重现了出来。但是影片之所以获得奥斯卡最佳影片奖还是在于它的精神内涵。主人公马克西蒙斯的利剑是指向暴君的。前面关于古罗马宏伟气魄的美术设计是为了人物的情感和矛盾冲突铺垫的,马克西蒙斯一心想在宁静的乡下与妻儿厮守,想从奴隶的身份解放出来重获自由而不可得,老国王希望罗马恢复共和制度而不可得,暴君康莫德斯一心想获得姐姐的爱情和子民的尊重而不可得……最后正义还是战胜了邪恶。影片的美术并没有成为暴君的帮闲甚至帮凶,人们会看到奢靡的罗马皇宫与贫苦的民间形成对比,在人山人海的角斗场上看到的是人类对自由的永恒追寻。

三、结语

综上所述,电影美术承担了电影真实感、美感以及深度的多重表达任务,其重要性是不言而喻的,电影最后呈现在银幕上的画面凝结着美术师的心血,体现了设计者的艺术功力,毕竟电影是一门极其贴近生活的艺术,人的参与对于各种先进技术的运用至关重要。可以预见的是,随着数字化电影时代的到来,电影美术的设计者们的表现空间将大大增强,同时也对电影编剧、导演等主创人员的合作提出了更高的要求。电影美术作为一个技术与艺术相结合的部门,势必还要对旧有的审美原则有坚持和超越,为电影在这两个方面的进步作出更大的贡献。

与电影的论文篇十六

1985年电影在西方横空出世,这是世界电影史上具有重大意义的一年。在二十年的时间里电影作为一门艺术突飞猛进地发展,其魅力、影响力已被大众接受和推崇。电影之所以发展这么迅速,主要是它的内容反应一种文化,一种信仰,一种感情,一种哲理。把这个世界更为紧密地联系起来。从电影中我们可以学到一些处世道理,同样也能得到身心的娱乐和了解其它国家的风俗习惯。在电影欣赏课上,我们看了多部电影,其中有《喜福会》、《蓝色姊妹花》、《七宗罪》、《刮痧》、《了不起的盖茨比》等。看完每一部电影,我都会从中汲取一些东西,一些深邃却易于理解的东西,它们很难从现实中挖掘。这些珍贵东西的累积让我对电影艺术有了更进一步的了解。

《喜福会》影片节奏稍慢,但是线索清晰,也很感人。每一个故事都有让你为之一震的元素,影片围绕了四对母女的命运展开,讲了多位女人的生活经历。每一位女人都有着自己曾经辛酸,坎坷,不愉快的过去,在不同的经历后她们对这个社会,她们的家庭,以及对待丈夫儿女有了更好的经营手段。给我印象深刻的是莺莺阿姨还有anmei阿姨。莺莺阿姨,曾在年轻时爱上一位花花公子,在无耻卑鄙的丈夫折磨下,她忍无可忍,夺走了他唯一在乎的东西—他们的儿子,她,溺死了他们的孩子。anmei阿姨有一个逆来顺受、命运悲惨却毫不反抗的母亲,母亲要为女儿争夺一些地位和严,她,选择了结束自己的生命,anmei也学会了怎样才能变得更加坚强。

可以说《喜福会》是反映当时社会女性的声音,她们强烈要求着自己的尊严、权利、地位、利益、平等、独立。通过多位女性的交叉的不同悲惨经历,深刻地阐述了女性的这种强烈心声。如今的社会已大不同与以往,女性的地位已经被提到了国家、大众的议事进程中,女性的权利也在逐渐地增加,可以说二十一世纪是“女性的时代”她们在家庭、工作、社会都会有着平等或者更优厚的待遇。《喜福会》这部电影虽然不会改变当时社会对女性利益、权利的改变,但是它向人们揭示了当时社会女性在社会中的地位,使人们意识到女性对于这个社会的重要性。我想正是千万部这样的电影促成了当今社会女性地位的提升!

影片《刮痧》借一件小事反映了中美文化的冲突。电影中许大同的父亲的一句话最能说明这个问题。他说,刮痧在中国几千年了,怎么一到美国就说不清楚了呢?其实说不清楚的何止是刮痧这种传统的中医疗法。像许大同代替父亲承认是自己给孩子“刮痧”,许大同对上司说的“我打孩子是对你的尊重”等等中国的.传统道德规范,在上司桑兰那里又何曾得到理解和认同。当然,事情最后得到圆满解决,法庭的起诉撤销。这种结果的产生,除了人正常的良知以外,更多的是由于相互之间的沟通和理解。我想,《刮痧》中男主人公的名字叫“大同”,其目的或者其象征也就在此吧!如果说这部电影是一个寓言,其寓意也正在与此。

《刮痧》的另一个理解层面是情感,包括父子之爱,母子之爱、夫妻之爱、祖孙之爱、朋友之爱。这几者又以父子之爱为主要方面。电影中出现了两对父子,祖孙三代,但他们之间的爱却是相通的。许大同在法庭上的一段独白最能代表所有父亲的心声。虽然起初美国人对我们的这种爱有一种曲解的看法,随着故事的发展,我们看到这种爱逐渐被接受,被认同,影片最后美国人向我们拍手的是时候就是一个最好的回答,向我们暗示了东西方文化的包容性。

《喜福会》是反映一种呼吁关注女性的社会问题,而《蓝色姊妹花》反映的是姐妹情深意厚的家庭因素,《七宗罪》揭示犯罪人的变态心理和警察的破案智慧机制,《刮痧》向我们阐释了不同国家不同民族的教子、爱子的态度问题。《了不起的盖茨比》记述了上世纪七八十年代资本主义社会下人性的丑陋以及利益的驱动造就了当时人的贪婪、享受的欲望。

曾经有位艺术家说过,“电影的意义在于将生活的镜子打碎,然后将碎片重新贴成另一面镜子。”它不但能反映生活,还能教育引导人们,我想这正是它的意义所在。

与电影的论文篇十七

随着信息技术产业化的发展,多媒体教学设备在我国大量生产,并普遍使用于教学中,对传统教学理念以及教学方法都造成了极大的冲击。职业教育中的服装表演专业也不例外。对于本专业来说,必须在教学理念上有所更新,改变传统的教学方法,融入全新的教学元素,才能适应服装行业市场化的需求。而多媒体技术集图文、音视频资料于一身,并通过计算机融为一体的技术。与其他媒体设备相比,具有很强的综合与包容性,能够通过精彩的图文和动态效果,激发学生的学习兴趣和积极性。利用多媒体的直观性强的特点,来辅助服装表演教学,有利于学生专业技能的真正掌握,促进学生全面的发展。笔者从本专业教学的实际出发,总结了以下教学策略:

一、创设情景,个性导入

课堂导入的方式有很多,其中情景导入是比较新颖的导入方式。通过情境的创设可以让学生的课堂积极性充分调动起来。学生只是一味的听老师讲课,教师也无法了解学生对知识的掌握情况,这种教学的效果是值得怀疑的。通过多媒体的运用,用动态的形式来展示模特服装表演的一些技术动作和要领,给学生以非常直观的感受,学生也易于接受,拓宽了自己的知识面,让教与学都富有激情。

二、训练演示,形象教学

对于技术动作的训练,可以将训练动作的整体通过多媒体演示给学生。有些技术要领,通过教师在课堂中的口头表述或者动作示范是很难以非常直观的形式展现出来的,必须通过多媒体课件的展示。学生通过教师的口头表述很难领会一系列动作的完成,整套完整的动作就无从学起,教师的重复动作演示还可能导致学生产生厌烦的情绪。如果利用多媒体视频资料来展示,教师可以通过慢动作的显示或者是回放等功能,让学生掌握整个技术动作的要领,提高了教学的效率,使教学过程简单而又不浪费时间。学生在观看整个视频的过程中,不是简单的模仿动作,还会有自己的.心得体会,使服装表演技术讲授课的质量发生着巨大的变化。

三、练习反馈,活跃气氛

对技巧动作的及时练习可以巩固本堂课所学的知识。学生在服装表演的过程中,教师可以用手机和摄像机等工具,把学生的练习过程拍摄下来,并上传到多媒体设备中,以视频的形式播放出来,然后带领大家对学生的表情、动作和造型等进行评价和纠正,这样可以发现学生在训练过程中出现的问题和动作走样。学生在课后可以对照反复的练习,提高学习的针对性。对于学生在练习过程中的两点,教师可以通过积极的反馈与评价等形式,增强学生学习的自信心,同时激发了学生的学习热情,活跃了课堂气氛。

四、利用网络,开展课外教学

网络共享是信息技术发展到一定阶段的产物。信息化程度的提高使网络资料的数量倍增,很多教学网站都有很多教学所需的资料,网络教学平台也为现代教学提供了方便。各种风格的服装表现手法都能在网站上搜索到,教师可以充分利用丰富的网络资源,通过多媒体设备开展课外教学活动。

如法国时装发布会的分析讨论,我们可以组织学生观看视频,欣赏名模的表演,再分析其艺术特点,然后组织讨论。

除此之外,教师要加强学习,树立新教学观。运用计算机多媒体进行服装专业教学,首先要求教师要认真学习现代化教育教学理论,以理论的学习为先导,树立现代教育教学观念。同时,运用现代电教媒体辅助教学,对教师的备课提出了更高的标准,不仅要求教师对教学内容烂熟于心,还要求教师利用多媒体来整体设计教学过程,构建起科学、完整、合理的教学结构,并且反复推敲对学生思维引导的条理性和逻辑性。

五、结语

多媒体技术运用到教学过程中,展示出普通教学手段所无法企及的强大功能,但是,它只能作为传统教学手段的辅助工具,教师在教学过程中的引导地位是不可撼动的,我们必须要把多媒体的优势转化为能够帮助提高课堂效率的因素,保持传统教学方法的主导地位,才能充分调动学生的聪明才智,帮助学生解决学习中的绊脚石,培养学生的思维能力,做到多媒体技术与传统教学方式互补,打造高效的课堂。

参考文献:

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与电影的论文篇十八

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与电影的论文篇十九

中国民间艺术是我国传统文化的重要组成部分。它是华夏民族在历史演变、沉淀和发展中的艺术文化,深深扎根于民族的文化土壤中。中国传统皮影戏、木偶戏、水墨画等传统民间美术形态,均可为当下我国动画电影的发展提供海量的内容题材与视觉元素。通过传统民间美术相关元素在动画电影中的应用,可极大地丰富国产动画电影作品的内容及视觉表现形态,可有效增强国产动画电影的欣赏价值和美学意义。

动画电影赏析论文

20世纪50年代至80年代,是新中国成立后国产动画电影发展的黄金时期,创作出如《小蝌蚪找妈妈》《哪吒闹海》等具有较高艺术性及思想性的作品。我们不难发现,上述动画电影作品风格均表现出鲜明的中国特色,其作品呈现出的共同特性就是对中国传统美术元素的充分借鉴,这一共性造就了中国动画的繁荣。[1]本文通过剖析我国早期优秀动画作品成功的原因,对目前国产动画电影作品中对民间传统美术元素的应用情况进行分析,旨在为未来国产动画电影行业的发展提供一些参考。

新中国成立后,我国国产动画电影得到了长足的发展,20世纪五六十年代,可谓国产动画电影的黄金时代。一大批极具中国特色的动画相继问世,其思想性、艺术性、审美性以及美学意义等都得到了极大的丰富,此时中国动画与美日动画竞相媲美、难分上下。这一时期的动画作品通过将传统文化与民间艺术有机结合,演绎并传承民间美术元素,最终形成我国独特的动画艺术风格。但随着动画产业的快速发展,国外艺术观念、思潮的不断涌入,国产动画电影也遇到了发展的瓶颈,通过分析我们不难发现是由于本土民间美术元素的缺失导致其逐渐丧失了民族语境的主导。因此,民族动画风格的可持续发展必须重新审视并应用传统民族民间文化元素,发扬我国特有的民族民间艺术风格。中华民族为我们积累了丰厚的艺术瑰宝,应借助动画电影将我国民间传统美术元素进行应用并发扬光大,通过电影这个载体传播传统文化,弘扬民族精神,推动国产动画行业健康发展。

民间美术是经劳动人民在日常生活中或民俗、民风中流行起来的艺术。作为民族、民间文化的视觉图像及符号载体,其使用与功能完全融合在民间习俗与日常生活之中,显然已成为一个地域独特的文化标志。我国传统民间美术元素经时间的沉淀及民间艺术家的应用实践,积累了较多的样式,如彩陶、石雕、年画、版画等,民间美术品类多样且内涵丰富。民间美术造型独特、语言鲜明且表达方式丰富,可展现浓烈的民族情怀及质朴的审美观念,是我们珍贵的文化瑰宝。民间美术造型展现出民族文化典型的视觉形象,其造型特征主要表现为抽象、夸张、概括、稚拙等,装饰性极强。表现多以动物、花鸟、人物、文字等形态表达特定谚语或神话故事,借助谐音、象征、借喻等表现手法,传递出对于美好、理想生活的向往。中国民间美术审美形式独特,可为动画电影提供创作素材与灵感,发挥国产电影的表现力,提高国产动画电影的艺术水准。

(一)民间美术元素在人物形象设计中的应用

人物造型设计是一部动画电影的基础,决定了该作品的整体风格及显著特征。动画电影是否能有效吸引观众的关注,主要取决于人物造型的设计。国产经典动画电影中针对人物形象的塑造多借助我国传统民间艺术中的特色,如皮影艺术、剪纸艺术等美术形象,结合创作者自身创造力及想象力的应用,塑造出夸张并具有鲜明民族特色的动画形象。例如,《猪八戒吃西瓜》中主要应用了皮影艺术及民间剪纸艺术,相对注重对人物形象服饰细节的刻画,开辟了我国剪纸类型动画的发展道路。[3]《葫芦娃》中的葫芦兄弟,均是以中国年画娃娃为造型特征进行设计的,均拥有肥硕丰满的身材,头大身子小、手脚粗壮,且整体形象轮廓线条均饱满圆润,具有鲜明的民族特征。近年来,国产动画电影在表现形式上追求日本化及美国化,缺少对传统美术元素的深入挖掘与应用,较少出现可真正代表“中国元素”的人物角色。因此,国产动画电影应结合当下审美新需求而不断进行创新,保持作品中对传统民间美术元素的应用及传承,致力民族特色动画形象的塑造。

(二)民间美术元素在电影色彩运用中的传承

电影色彩是电影丰富画面、刻画形象、表达情感、营造氛围的主要手段。因此,一部好的动画电影必须具有独特鲜明的色彩风格。民间美术的色彩配色大胆而夸张,可在角色与场景设计中加以应用,以增加作品的民族风格与感染力。例如,在《大闹天宫》中孙悟空的上衣为鹅黄色,短裙为腰束款式虎皮花纹,红色的裤子,足穿黑色靴子,系翠绿色围巾,其整体打扮具有明显的`中国风味。[4]在设计孙悟空的面部时借助了京剧中脸谱的用色,形象较为夸张,富有人物特征,容易被人们熟记。动画场景中的南天门、花果山等布景均表现出我国青山绿水的色彩体系。《哪吒闹海》中的人物着装多选择红、绿、黑、白、青等颜色搭配,主要应用的是民间传统年画色彩。民间美术色彩的应用凸显了艺术自身文化的本性,民间色彩应用多为艳丽、明快、热烈的颜色,不仅追求强烈的视觉对比,还讲究画面的协调统一。

(三)民间美术元素在电影构图中的应用

我国传统民间绘画的构图讲究主次分明、完整饱满,并具有强烈的装饰感,在动画电影创作中都可进行借鉴。例如,《小蝌蚪找妈妈》是参照齐白石绘画制作而成的水墨形式动画作品,其画面构图均按照国画构图要求,计白当黑并以散点透视构图法则将鲜花、荷叶、水草、青蛙等进行展现,近景及远景均随着小蝌蚪移动而产生变化,将小蝌蚪生动可爱的特征描绘出来,画面具有较强的动感及国画美感。[5]《宝莲灯》中场景的构图主要借鉴了我国青绿山水绘画中的构图方法,装饰性较强且具有国画意境美。由此可以看出,对传统民间美术元素的应用不能简单浮于表面,应从剧本策划、人物设定到技术表现,借助科技手段展现民族文化价值与民族审美特征,使作品带有强烈的中国烙印。

中国文化是中华民族的精神之所在,而传统民间美术元素是中华民族所特有的艺术形式与灵魂。中国动画艺术只有将自身根植于取之不尽的浩瀚的传统民间美术元素之中,才能够获得长足的创新发展。伴随中国经济的高速发展,人们在精神生活中对于艺术的文化认同与审美也越来越强烈。动画电影是当下人们艺术生活中审美的重要对象,也是中国文化传承的重要载体,它能够在促进中国文化市场繁荣的同时达成中国文化的传承与创新,尤其是在当前我国经济面临着重大转型的过程中,动画电影创作必须将传统民族元素融入其中,彰显出中国传统文化的生命力与艺术表现力。

[1]张璐琪.国产动画电影的文化艺术探析———以《大闹天宫》为例[j].大舞台,20xx(01).

[2]王星儒.国产动画传统美学风格及文化探源[j].电影文学,20xx(21).

[3]张启忠.国产动画“民族化”的“愿”与“能”———“十七年”动画电影“民族化”的历史回溯[j].现代传播(中国传媒大学学报),20xx(12).

[4]徐坤.“中国学派”动画的内涵建构———以传统戏曲对动画的影响为例[j].当代电影,20xx(10).

[5]傅琪.《大鱼海棠》:新世纪“民族动画”复兴的迷思[j].艺术评论,20xx(09).

【本文地址:http://www.xuefen.com.cn/zuowen/6693078.html】

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