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书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇一
目录
一、米芾介绍
二、书法鉴赏
三、米芾代表作欣赏
【摘要】：可以说，世界上任何一种文字的创立，最初都是为了记录语言。但是，纵观大千世界，在流传下来的这么多种文字当中惟有汉字兼具了实用和审美的功效，衍生出了独具魅力的书法艺术。其在中国传统文化中的地位也是毋庸置疑的--书法就是传统文化的缩影。中国的艺术传统和丰厚的文化遗产是中华民族一代又一代先哲智慧的结晶。中国书法是中华传统文化中最为奇特的艺术。书法艺术在数千年继承、发展及开拓、创新的过程中，曾出现过一位又一位杰出的书法大师。在宋代的书坛上，就有一位最具个性、独领风骚的书法大师——米芾。
关键词：行草、狂傲、个性、古怪、创新
一、米芾介绍(一)生平简介
米芾（1051—1107），初名黻，字元章，号襄阳漫士，海岳外史，鹿门居士，无碍居士，家居道士等，湖北襄阳（今襄樊）人，居徙居润州（今江苏镇江），人又称“米南宫”。北宋著名大书画家，鉴藏家。祖籍太原，后迁居襄阳，人称“米襄阳”。
米芾能诗擅文，书画尤具功力。篆、隶、行、草、楷各体皆能，行草造诣尤高。芾自云学过各家各派，但从其作品观之，得王献之、释智永二家最多。其书淋漓痛快，隽雅奇变，晚年书艺更达至炉火纯青之境。与苏轼、黄庭坚、蔡襄合称“宋四家”。
米芾著有《书史》、《画史》、《海岳名言》等，对前人多有讥贬，然决不因袭古人语，为历代书家所重。
《宋史》称米芾书法：“沉著飞翥，得王献之笔意，尤工临移，至乱真不可辨……”《宣和书谱》则说：“书学羲之，诗追李白，篆宗史镏，隶法师宜官。晚年出入规矩，自谓„善书者只一笔，我独有四面‟。寸纸数字，人争售之，以为珍玩。”
米芾的书法富有天真率意的特性，他的艺术道路又不同于苏东坡、黄庭坚等人的求意，而是能集古出新，他开辟了宋代尚意书风的另一条道路，对后世有深远影响。
宣和年间，米芾因书画方面成就得蔡京推荐，召为书画学博士。他一生没有担任重要的官职，一方面因为他不曾参加过科举，另一方面也因为他颠狂的个性和怪诞的举止使朝廷不能授以重任。他的“颠狂”是闻名遐迩的，故人又称他“米颠”。据《宋史》卷四百四十四《文苑六·米芾传》载：“（米芾）冠服效唐人，风神萧散，音吐清畅，所至人聚视之。而好洁成癖，至不与人同巾器。所为谲异，时有可传笑者。”类似的传闻非常多。这种性情决定了米芾强烈的个性，这与他在艺术上强烈地追求摆脱羁束的叛逆精神和力求惊世骇俗出人意表的行为是相符的。不仅是他的诗文和他开宗之派的“米家山水”如此，连他自认为“一混二王恶体，照耀皇宋千古”的书法也是如此。
二、书法鉴赏(一)名家点评
米芾之书，苏轼称之为“风樯阵马，沉著痛快，当与钟、王并行，非但不愧而已。”米芾的书上追晋人的风度，但其早年学书则经历了一个相当长的过程。《群玉堂帖》载其《学书帖·叙》中叙述了这个经历。他从即小开始学书，先是从唐代入手，但因唐法过于严谨，以至如“印板排算”，他逐渐地上溯魏晋，甚至更加高古。由唐至晋是米芾学书历程中一个重要特点，现存米芾最早的作品是在唐阎立本《步辇图》卷后的题名，为其29岁时所作。字形瘦长，中宫紧结，笔势内压，颇有欧、褚、柳的特点，这是他学唐的一个证明。学晋人，他采取“集古字”的方式，即从晋人书法中一个字一个字地临摹，故其临摹功夫很深，常能以假乱真。在风神上，他推崇王献之甚于推崇王羲之。在他看来，小王更自然天真，尤其是精神的外拓，性情的率真，更符合米芾狂放的个性。
在用笔上，米芾多以侧笔为主。侧笔是相对于中锋用笔而言的，它使笔毫欹侧于纸面并与用笔的运动方向成一定角度。笔锋较外露，故能使线条造成爽利峻拔的感觉。米芾将侧锋用笔用到了极致。他又强调笔毫运动方向的多变，追求笔触的变化多端，即“八面出锋”，他在《海岳名言》中用“锋势备全”来注脚这个“八面”，这是相对于欧、虞、柳、颜等人单调贫乏的“一笔书”而言的。米芾还喜欢大量的提按顿挫的动作，而且这些动作的幅度往往都较大，富于跳跃性。这一点也是与他的“八面出锋”紧密相关的。
米芾的书法在技巧上取得的成就堪称中国书法史上的高峰，他的线条竭尽变化之能事，在毫不费力的经营中就能脱落出一种完全出人意料的新招式。在结体上，米芾讲究字型欹侧，姿态夸张。他的欹侧不是一味地向某一方向偏侧，而是多方位地挪移偏侧，使每一个字型都有一种走向。他的字型又大小不一，任其自然。反对状如算子，大小如一的章法，因而章法上能有跌宕起伏的气势。这很符合宋代尚意的思潮。
米芾的书法大大丰富了宋代尚意书风的表现范围，他的模式不同于苏东坡、黄庭坚的一味追求创新，而是走了集古出新的创作之路。他的书法对后世书法的发展有着重要的影响，单从书迹看，他的追仿者代不乏人，宋代有其子米友仁承家学，后成为晚明四大家之一；其后有赵孟頫、杨维桢、文徵明、唐寅、董其昌、王铎等人都受到了他的影响。他的影响不仅仅在于他的书迹上，而且在于他开创的艺术道路上。
三、米芾代表作欣赏
米芾《将之苕溪诗帖》行书 墨迹纸本 全称《将之苕溪戏作呈诸友诗卷》，亦作《苕溪诗卷》、《米南宫诗翰》，澄心堂纸本墨迹卷。纵33.3厘米，横189.5厘米。全卷35行，共294字，北京故宫博物院藏。末署年款“元戊辰八月八日作”，知作于宋哲宗元祐三年戊辰（公元1088年），时米芾38岁。所书为自撰诗，共6首。卷前引首有“米南宫诗翰”五篆字。卷末有其子米友仁跋：“右呈诸友等诗，先臣芾真足迹，臣米友仁鉴定恭跋。”后纸另有明李东阳跋。《苕溪诗》是米芾行书的重要代表作品。此帖是以米芾游苕溪时的诗作书写。开首有句“将之苕溪戏作呈诸友，襄阳漫仕黻”。此帖是米芾经意之作，全卷书风挥洒自如，痛快淋漓，变化有致，逸趣盎然，反映了米芾中年书的典型面貌。笔法清健，结构潇丽，有晋王献之的笔意。其书写风格最近《兰亭叙》。此帖用笔取法二王而险峻过之。落笔不拘中锋，常以侧锋取势。其书方圆并用，变化迭出。圆转处稳健凝重，气势雄浑；方折处果敢迅疾，意趣天然。点画顾盼有情，跌宕生姿。肥而劲，瘦而丰，即细如丝缕，亦不失圆劲飘逸。结字欹侧，力趋险绝。正、侧、掩、仰、向、背随意结字，变化莫测。危而不失，险而不怪，天趣盎然。用笔、结字、分行、布白均有独到之处。寓静于动，能放能收。通篇八面生锋，笔力老辣沉雄，潇洒自然。气势宏大，飘逸绝尘。其意境清新，节奏明快。字里行间处处显示出书家敏捷的才思和澎湃的激情。不愧为宋代“尚意”书风的代表。吴其贞《书画记》评称：“运笔潇洒，结构舒畅，盖效颜鲁公；书者，绝无雄心霸气，为米老超格，妙书。”据鉴藏印记，知此帖曾藏入南宋绍兴内府，明杨士奇、陆水村、项元汴诸家，后入清乾隆内府，并刻入《三希堂法帖》。清亡后，《苕溪诗卷》被溥仪携至东北，伪满覆灭后与其他文物一起散失，《苕溪诗卷》当时被古玩界称为“东北货”，在“东北货”中，有很多通过各种渠道流出中国。《苕溪诗卷》回归有一个离奇故事。1963年4月，一个东北小伙来到北京荣宝斋，用一粗布包裹，送来一堆破烂——皆为浩劫之后的残破之物，有些碎片只有指甲大小，没想到竟有有心人收而藏之，纹丝未动。经过专家仔细拼接、抚平，竟然有大书法家赵孟府等人的国宝真迹37件，有些残片与故宫所藏残品正好吻合，终于合璧。一年后，即1964年3月，又是这位青年，拿着同样的包裹送来与上次类似的一堆破烂，经过整理，拼凑书画残卷20余幅。由于这位年轻人未留下真实姓名和地址，当荣宝斋后来赴东北准备以2000元再次酬谢时，竟未能找到其人。直到1990年，这个谜底才被揭开。原来，这些残片是他的父亲丁征龙1945年9月8日在长春街头购得，在回家的路上，同行的三人中，有一个叫骆大昭的见财变歹，杀死他父亲和另一个同伴。他的母亲孙曼霞在事发12天后，终将骆大昭通过当局绳之以法。这个浸有鲜血的包裹便被孙曼霞仔细收藏18载，虽家贫而不市之，最后终于献给国家。在这批国宝中，就有米芾的《苕溪诗》。《苕溪诗》回归时已有残伤，缺损数字，后居延光室影印本临摹补完，重新装裱。
米芾《蜀素帖》行书，亦称《拟古诗帖》，墨迹绢本，行书。纵29.7厘米，横284.3厘米；书于宋哲宗元祐三年（1088），米芾三十八岁时，共书自作各体诗八首，计71行658字，署黻款。“蜀素”是北宋时蜀地（四川）生产的一种质地精良本色绢（丝绸织物）。有个叫邵子中的人把一段蜀素裝裱成卷，上织有乌丝栏，制作讲究，只在卷尾写了几句话，空出卷首以待名家留下墨宝，以遗子孙，可是传了祖孙三代，竟无人敢写。因为丝绸织品的纹罗粗糙，滞涩难写，故非功力深厚者不敢问津。《蜀素帖》经宋代湖州（浙江吳兴）郡守林希收藏二十年後，一直到北宋元祐三年（公元1088）八月米芾三十八岁时，米芾立林希邀请，結伴遊览太湖近郊的苕溪，林希取出珍藏的蜀素卷，請米芾书写，米芾才胆过人，当仁不让，一挥到底，一口气写了自作的八首詩。写得随意自如，清劲飞动，真似如鱼得水一般，他在上面题了自作五七言八首诗，这就是《蜀素帖》。此卷由于丝绸织品不易受墨而出现了较多的枯笔，使通篇墨色有浓有淡，如渴骥奔泉，更觉精彩动人。卷中数诗均是当時記遊或送行之作。卷末款署“元祐戉辰，九月二十三日，溪堂米黻記”。《蜀素帖》书于烏丝栏內，但气势丝毫不受局限，率意放纵，用笔俊迈，笔势飞动，提按转折挑，曲尽变化。《拟古》二首尚出以行惜，愈到后面愈飞动洒脱，神采超逸。米芾用笔喜“八面出锋”，变化莫测。此帖用笔多变，正侧藏露，长短粗细，体态万千，充分体现了他“刷字”的独特风格。《蜀素帖》结构奇险率意，变幻灵动，缩放有效，欹正相生，字形秀丽颀长，风姿翩翩，随意布势，不衫不履。用笔纵横挥洒，洞达跳宕，方圆兼备，刚柔相济，藏锋处微露锋芒，露锋处亦显含蓄，垂露收笔处戛然而止，似快刀斫削，悬针收笔处有正有侧，或曲或直；提按分明，牵丝劲挺；亦浓亦纤，无乖无戾，亦中亦侧，不燥不润。章法上，紧凑的点画与大段的空白强烈对比，粗重的笔画与轻柔的线条交互出现，流利的笔势与涩滞的笔触相生相济，风樯阵马的动态与沉稳雍容的静意完美结合，形成了《蜀素帖》独具一格的章法。总之，率意的笔法，奇诡的结体，中和的布局，一洗晋唐以来和平简远的书风，创造出激越痛快、神采奕奕的意境。所以清高士奇曾题诗盛赞此帖：“蜀缣织素鸟丝界，米颠书迈欧虞派。出入魏晋酝天真，风樯阵马绝痛快”。因蜀素粗糙，书时全力以赴，故董其昌在《蜀素帖》后跋曰：“此卷如狮子搏象，以全力赴之，当为生平合作”。另外，由于丝绸织品不易受墨而出现了较多的枯笔，使通篇墨色有浓有淡，如渴骥奔泉，更觉精彩动人。《蜀素帖》明代归项元汴、董其昌、吴廷等著名收藏家珍藏，清代落入高士奇、王鸿绪、傅恒之手，后入清内府，现存台湾台北故宫博物院。
参考文献：
致谢：
在本次论文设计过程中，感谢我的学校，给了我学习的机会，在学习中，老师从选题指导、论文框架到细节修改，都给予了细致的指导，提出了很多宝贵的意见与建议，老师以其严谨求实的治学态度、高度的敬业精神、兢兢业业、孜孜以求的工作作风和大胆创新的进取精神对我产生重要影响。他渊博的知识、开阔的视野和敏锐的思维给了我深深的启迪。这篇论文是在老师的精心指导和大力支持下才完成的 感谢所有授我以业的老师，没有这些年知识的积淀，我没有这么大的动力和信心完成这篇论文。感恩之余，诚恳地请各位老师对我的论文多加批评指正，使我及时完善论文的不足之处。
谨以此致谢最后，我要向百忙之中抽时间对本文进行审阅的各位老师表示衷心的感谢。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇二
说实在话，谁能有这么高的水平，上了才那么几节书法鉴赏课，就可以对一幅作品作出2000字的评论呢。下文与《兰亭序》完全无关，如有雷同，纯属巧合。第一节课说考试内容是交一篇书法作品时，心中有点小激动，如今又改为对一幅作品的2000字鉴赏，实在令我蛋疼。不过高中时就想找个时间整理一下自己对于书法的见解了，现在正是时候。因为我知道，无论我内容是什么，哪怕是周杰伦《兰亭序》歌词ctrl+v十几遍，我照样过。以下是两段独白，请忽视。
怎么说书法鉴赏也是我选修课的第一志，更别说我还每节课都去了，这结课“论文”要是草草复制粘贴，我感觉对不起还是自己。
个人对书法还是很有兴趣的。当然，兴趣是源自实力，要是除了乾隆之外，还有谁拿着一手烂字，却说自己对书法兴趣浓厚，我只能微微一笑。碰巧初中、高中的语文老师都很强调练字，碰巧初中、高中都是语文科代表，巧合让我和书法结下了不解之缘。对比于专家，资历虽浅，水平虽差，但是好歹也写过十年字，对于书法也有许多看法。
遗传因素。
高中时班上有两个字写得好的同学，其中之一是我。我爸水平可以算得上是一个业余的书法家，偶然得知另一个同学他爸的字也写得很好，我不禁想：首先，我爸从不教我写字从不和我谈书法，估计他爸也是；其次，假设人群中字可以称为好的人占1/50（实际可能更低），那么“书法爸”+“书法儿子”的概率是1/2500，两个这样的儿子碰到的概率又很小（没有科学的方法计算，但是很小是绝对的）。故结论是，字的好坏有遗传因素在里面，至于相关性有多大，尚不得而知。
心情。
关于心情，未曾观察过。但之所以未曾观察过的原因，想必是我潜意识里并未发现心情不同时字的好坏差异。其实，更有事实为证：天下第一行书王羲之《兰亭序》是作者兰亭集会后写的草稿，心情比较轻松；天下第二行书颜真卿《祭侄文稿》是作者在失去亲人后，悲痛欲绝之下写的，仍不失作者应有的水平。故曰：心情者，与字基本无关也。
感觉。
这个，有关。写了这么多年字，发现总有几个字写起来既顺手有漂亮，每当写完这样的字，写后面的字就更加有手感。而且不止我一个人这么认为，高中老师也曾在班上说，练字前可以先写几个拿手的字，找找感觉。所以说“感觉这东西”，八成是能影响字的好坏的。
字体。
字体是我唯一还未得出结论的。写完一整篇作文，回头看时，发现字体会出现一两次转变，即使曾试图过控制自己保持字体，却每次都以失败告终。追其因，未果。
字如其人。
要看怎么理解。有人认为字写得好的人人品好，字写得差的人人品差。如果真是这样，那人品好的人岂不都是男人？不是我看不起女性，而是因为几年来碰到的字写得最好的女生，水平仍差我一大截。另一种看法，是字的风格如人的风格，个人比较赞同这一点。但真要通过观赏一幅作品来准确的刻画作者的性格，恐怕又有难度。人们看毛泽东《沁园春雪》时，说这草书里面可以看到他的伟人气质；看徐渭《行草书七律诗轴》时，又说一看这狂草就知道他是那种会拿锤子砸自己睾丸的疯子。而至于那种连字体都没有形成的人，想通过他的字来推测其为人，更是难上加难。
更上一层楼。
初中时临摹字帖也是作业的一部分，迷迷糊糊的临摹了好长时间。高中没有这硬性规定，出于对写字的爱好，有时候上课无聊时就在草稿纸上乱写，当然“乱”是指写的内容五花八门，态度还是一丝不苟的。那时一个字通常要反复写上十多遍，研究怎么写更好。这偶然的经历，却正好是进步的道路上必不可缺的。先由一塌糊涂，到基本形成字体，再到形成自己的字体。但在形成自己字体的过程中，也不能一味的“独立研究”，正如自己的错误自己永远难以发觉一样。而我很幸运，每年春节都被老爸逼着帮他对联——欣赏也是进步所必须的。你永远不会相信，你的大脑有在看过一个漂亮的字后，下次写到这个字的时候会不经意的模仿它的强大功能。不管你信不信，反正我信了。
少数人。
我懂得我爸为什么从不教我写字从不和我谈书法，根本就不是一个级别的，就算他说了我也听不懂。记得高中时老师请来全校字写得最好的老师给我们讲一堂书法课，来帮助我们练字，结果整堂课都在讲毛笔怎么选，宣纸有多贵之类的，毕竟我们等级太低，他讲了也是对牛弹琴。我也懂得我的一些二货同学经常说他觉得我的字比老师的还好，对他们来说，不告诉他们眼前这幅作品是王羲之的，说不定还以为是我的，表示可以理解，等级太低。
再讲一个笑话，去社联宣传部面试时，我说我擅长书法（一般情况下只说我擅长写字），然后学长问我你是擅长那种帅气的书法还是可爱的书法？我勒个去，“可爱的书法”，如果猜的没错的话，他应该是指那种商场打折的通告栏上的少女字体，我左手都比那写得好看（我不是左撇子）。然后我就不知道说什么好，怎么能用可爱来形容书法？只能说：“什么可爱的书法，不会啊。”最后，我就被刷了。从此我懂得，书法只是少数人的午后谈资。
总而言之，书法的复杂程度远非人能想像，以上几点，也仅是我对书法的见解的部分，望老师不喜勿喷，虽然说您九成只会看一下我的姓名学号，顶多扫一眼看字数够不够。但是，这“论文”，是要自己收藏的，看看十年后，回头看自己的这些观点，会不会觉得幼稚无比。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇三
论文摘要：不少学生对怎样的字是好字缺乏认识，对于怎样写好一个字更是懵懵懂懂，提笔只是端正地写字而非真正意义上的练字。要想提升学生习字效率，使写字教学真正实现有效，可从指导学生进行书法欣赏入手，帮助他们领略汉字之美，提升学生习字的内驱力，由知到行，促发学生的练字兴趣与积极性。
论文关键词：写字教学,书法欣赏。
要让学生成为“书法家”，首先让他们成为“书法鉴赏家”。
仔细翻看学生的习字册，就能很清楚地找寻到答案。习字册上有描红和临写两部分内容，对不少学生而言，描红是描红，但临写却不是临写，而是抄写。在习字册的临写空行中，很多学生都是在认真地写着自己的字。这些学生虽然是在练字，可压根儿就没有摸到练字的门道，虽然认真，却难有进展。
因此，我们原本生字教学中的“三步走”（读准字音，记住字形，理解字义）中的“记住字形”，应该更新为“品记字形”。学生不仅仅要记住字形，更是要品出字形之美。只有当学生认识并领略了汉字的独特美感之后，他们才会成为有心人，才会意识到应该把字写好，才会有写好字的内在愿望。在此基础上，教师再引导学生就字的笔画走向、间架结构进行观察思考，让学生自己去探寻一个好字是怎么写成的，这才算是把学生领进了习字的大门。
第一，让学生学会欣赏。现行语文教材每一篇课文后上都有生字描红，这些字都是名家所书，值得学生学习揣摩。教师可以在课上或是课余时间，花上几分钟带着学生好好欣赏。
如何欣赏，首先要注意形式，最好是采用投影或板书，而且字形要大，这样就能给学生一种视觉冲击力，真正的好字在出示的一刹那间就完全可以将学生“震”住。
再有，就是教师要相信学生的接受能力。在确保是好字的前提下，教师要尽可能地将自己的感受说给学生听，不用担心“飘逸”、“和谐”、“舒展”这些词语学生听不懂。当教师以一种沉醉其中的口吻向学生诉说自己感悟到的汉字之美时，学生就会不自觉地应和起来，毕竟，每个都有对美的认识天性。
让学生学会欣赏，其最终目的是要让学生体会、寻找这些字究竟好在什么地方。教师要教会学生如何去分析字的间架结构，并从相同结构的`汉字中寻找规律，总结将字写美观的方法。
以“讠”的书写为例，教师要引导学生认识若要写好“讠”，就要做到“横不平竖不直”，就是第二笔中的横画要向右上扬，而接下来的折笔（即竖画）是向左下斜的，这样写“讠”，这个偏旁就多了一份灵动。
第二，让学生学会比较。现在一些教材上的描红字体与配套的习字册上的描红字体并不是一人所写，因此字形会有所差别。书法艺术博大精深，教材与习字册上的“范字”皆由名家所写，教师也不能武断地去说哪个字好或是规定学生只能练某一家。这就给我们的写字教学带来了一定的困扰。不过，从另一角度来看，或许能将其视作一项不错的教学资源。
怎么做？就是让学生进行比较。教师可以把选择权交给学生。让学生自己去评判，让学生根据自我喜好进行选择。有了比较，有了选择，学生练字时反倒记忆深刻。这是一种特殊的心理，因为认定了某一种字形的写法，潜意识里就有一种“我和你不同”的小骄傲。当这种自我意识冒了出来之后，在练字时就能够遵循自己喜欢的字形进行书写，在临写时并不会受另一种字形的干扰。用书法上的术语来说，就是从“临帖”进入到了“背帖”。
在学会欣赏、学会比较之后，学生对好字有了较多的认识，一个个俨然是小小“书法鉴赏家”了。这时的他们，进入到了一个“眼高手低”的阶段——他们能分辨好字，但他们的头脑还管不住自己的手，心中有字，心中有好字，可手上就是写不出来。这个时候，学生就到了“愤”和“悱”的阶段，我们教师要做的就是去“启”和“发”，就是要激励学生去好好练字，将心中的好字变成自己笔下的好字。因为有想把字写好的内驱力，加上对好字有一定的认识，此时学生练字就能取到“事半功倍”的效果。
除了单一的练字，教师还可以通过修改来让学生得到提高。
第一，修改自己的字。对于学生交上的习字作业，教师除了批阅打等第、圈画好字以示表扬之外，还应把写得不好的字指出来，让学生自我修改。修改的过程就是学生自我提高的过程。
第二，修改他人的字。不少学生都“好为人师”，针对他们这一心理，可以组织学生当一回“小老师”，来评判、修改其他同学写的字。这样，不仅对被修改者有促动，对修改者也有促动。被修改者，能看到自己的字的缺陷，知道了要加油努力的地方。修改者，首先要找出他人写的不好的字，这是在考验他的鉴赏力；其次是作修改，这更是需要真功夫了，否则找到了他人的短处结果自己却没能力斧正，或是修改后还不如原来的，那真是糗大了。当然如果能顺利完成修改，那对其无疑是一种莫大的肯定和鼓励。
让每一位学生都成为书法家，这或许只是一个美丽的梦想。但是，我们的写字教学，就应该抱有这个梦想，并为之去努力。让每一位学生把字写好，让每一位学生都离书法家更近一步！
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇四
李宁。
我将书法作为调节情绪，陶冶心性的休闲方式。至今研习米芾书法十余载，通过“啃米”，感觉从中汲取了不少养分。现在谈谈研习米芾书法的一些心得，和广大书法爱好者一起研讨、交流和学习。其中不乏一些拙见，请各位方家批评指正。
米芾，宋四家之一，成就以行书为最大。其书法一直为后世所景仰。其用笔“独有四面”、“刷字”，书风“风樯阵马，沉著痛快”。其实每个人对其书法都会有不同的理解和感受。我们应该重点了解他学书的经历、方法和态度，这样才能找到一条学习他书法的有效途径。米芾属于“集古成家”，对先前大师的用笔、章法及气韵都有深刻的领悟。米芾学书超乎寻常的尊重传统技法。他长于临摹古人书法，达到乱真程度。
能写出味道来。这就要求我们尊重传统，练好手上功夫。老老实实的在临帖上下功夫。
首先，抱定“米帖”不放。多花时间读帖、背帖，最主要的还是临帖。这里指的是“实临”（完全按原帖风貌临写）。对以下几方面，还应做到心中有数。
选帖。所选字帖必须是正规出版社出版的，最好原色原尺寸印刷。再选一两本工具书，有关结合米字讲解的。最好选名家编写的。
书写工具。选用纸张易熟不易生，相对不洇的。所选毛笔易细不易粗，易尖不易秃，软硬度适中。
定好先后顺序。建议先临写《蜀素帖》，此帖正处于“集字”阶段，字数也多，便于掌握其笔法和结体的共性特征。然后临写《苕溪诗帖》，此帖同样为过度期作品。笔法更为精到，相对难一些。最后选择其书信尺牍（篇幅虽小，更具米味）临写，注意笔法和结体的同时，感受其通篇的气韵及章法的处理。
我要强调的是，不建议在画有方格的纸张上单个字去临写。因为原作不是这样的。这么做不能充分体会到其结字的动态美感，用墨变化、处理每个字的空间感，以及整体气韵。不能因为临写得不象原作，而进行所谓的“意临”。而应在已经写得“很象”（尽可能的接近原作），并熟练掌握其笔法和结体之后，再进行“意临”。更不能因暂时写得不够象，而随意更换字帖。
其次，追其根源，研究米芾书法成因，理清其书法形成脉络。当我们临写有了一定基础之后，会感觉水平提升渐慢。这时我们应对米芾书法的出处和传承作以研究。研习对米芾书法影响较深的前人书法和当代书法。
米芾一生转益多师。他少时学颜、柳、欧、褚等唐楷，打下扎实的基本功。之后潜心魏晋，以晋人书风为指归。据说王献之墨迹《中秋帖》，就是他的临本，形神精妙。在晚年所书《自叙》中说道：“余初学，先学写壁，颜七八岁也。字至大一幅，写简不成，见柳而慕其紧结，乃学柳《金刚经》。久之，知其出于欧，乃学欧。久之，如印板排算，乃慕褚而学最久，又摩段季转折肥美，八面皆全。久之，觉段全泽展《兰亭》，遂并看法帖，入晋魏平淡，弃钟方而师师宜宫，《刘宽碑》是也。”
我们继续追随受米芾影响巨大的书家。米芾被评为“千年书家”之首，其后到了何人手下无米书的地步。
米友仁效法米芾乃家学渊源。南宋吴踞毕生以米芾为范本，创作上以保守姿态出现。在继承米芾书风方面，中规中矩。明代董其昌学米以手札一路面目，他是学米而自出己意的先行者。王铎在学习二王的基础上，将尺幅手札变成丈二巨制，书风中既有颜真卿的厚重沉雄，同时又将米芾的八面出锋发挥到极点。
我们再看看当代书坛学米的代表性书家。有曹宝麟、周慧珺、徐本。
一、黄惇、陈振濂、孙晓云和米闹等人。
曹宝麟以米书为范，用笔和结字又分别吸收了黄山谷和苏东坡的某些特质，以守成的姿态出现。周慧珺将魏碑的古朴苍劲和宋代行书技法大胆结合，自成一家。徐本一书在创作中时，增添很多草法，结字疏密更夸张一些。伦杰贤的行书，有米和二王的影子。黄惇虽学米，线条更显得漂亮。陈振濂书作更具随性。孙晓云是具有代表性的女书家，创作基本上以小行书为主，飘逸动人。米闹在行书创作中的结字疏密程度更夸张一些。
上述这些书家及其作品，我们应该有针对性的涉猎。对其共性的技法多练习，对个性的风格多揣摩。如果真正做到了“求同存异”，这意味着我们在米字的学习上已经不知不觉的又上一个台阶了。
这时，我们该进行到意临阶段。同时结合集字创作。或取笔法，或取墨法，或取章法，或取意境。通过“回炉”，达到对米芾书法进一步掌握和提高的目的。
对米芾书法的研习达到一定高度后，可以走向形成属于自己风格的自然王国，也就是创作阶段。我觉得，虽说“师古不泥”，但我们当下所欠缺的往往是“师古”。踏踏实实地继承传统技法。向古人学习，向书家取经。如果做不到这些，创作就成了空中楼阁。
当然，在研习过程中我们不能一个人闭门造车。可多通过相关书籍、光盘及网络。多看看名家教学。多参加各级书法展览，开阔自己的视野。多看书家现场书写，请书家指点。多和书友切磋交流。尽管同是“啃米族”，但每个人对米芾书法的理解和感受是不一样的。互相借鉴，取长补短。通过不断丰富自己，让自己的书艺不断提高。
在对米芾书法研习的过程中，会经历疑惑和不解，枯燥和孤独，而随着研习的深入，自己水平的提高，我们逐渐体会到这种与先贤对话，与古人交心的心理感受。难道我们不应该把老祖宗留下的宝贵文化遗产传承下来吗？！
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇五
我长期得到先生的多方面教诲，作为先生的私淑弟子，更加体认到他在我国传统文化史、艺术史方面取得的重大学术成就。
启功先生曾是书协主席，又是国家文物鉴定委员会主任委员，一般世人都以书画大师和大鉴定家目之。但如果详读先生撰述，他学术之渊深、涉猎之广博、鉴定之精审，特别是研究的旨趣、目标，是远非“书画大师”和“大鉴赏家”的称号所能概括的。
“书画鉴定”对一般收藏家而言，主要是判定真伪问题，但如从学术角度而言，则是解决书法史、绘画史的基本素材，以便形成正确的艺术史的问题。所以同是“书画鉴定”，从学术研究角度与从实用角度出发，在性质、深度和水平上是大不相同的。启功先生对古文字学、经学、史学、古典文学、哲学、宗教诸方面均有深入研究，且熟悉历代典章制度、礼仪民俗、戏曲小说，本人又是书法、绘画大师，有极高的艺术素养和敏锐的鉴赏眼光，所以能在学术研究与艺术鉴赏相结合的基础上，从整理、充实中国书法、绘画发展史的高度，有目的地去考订若干古代书法绘画上的重要实物和关键性的历史公案，取得卓越成就。
启功先生数十年来的大量研究工作和撰述，如《兰亭帖考》、《论怀素自叙帖》、《孙过庭书谱考》、《平复帖说并释文》、《山水画南北宗说辨》、《戾家考》、《旧题张旭草书古诗帖辨》、《古代字体论稿》等，都是围绕着为书法史、绘画史建立科学性的材料基础和廓清伪史料这一总的目标而进行的，所研究都是些重大问题和著名的历史公案，但举证充分，说理透彻，故虽考证极其精密而始终坚持基本宗旨。
《兰亭帖考》是启功先生在书法史研究上的力作。论文把现存之唐摹本、唐宋临本、定武本石刻、历代传刻本、伪造本按系统逐一归类，化繁为简，并重点就定武本、唐临本、唐摹本三类详加论述。指出神龙本行距前松后紧，中有浓淡墨改定加字之处具有草稿特点，保存兰亭帖原本面貌最完整。此文对兰亭帖的流传经过和现存实物做了周密的分析和历史性总结，是研究兰亭序的重要成果。
对旧题唐张旭草书四帖真实年代的考定是启功先生学识与目力结合、鉴定水平高出时辈的又一例证。此帖宋人、明人先后题为晋谢灵运和唐张旭书，现代又被人大力宣扬，号称张旭传世名迹。启功先生从书风判断它应为宋人所书，他通过对帖中文字逐句逐字进行研究，发现诗中避宋讳“玄”字，而讳玄字始于北宋大中祥符五年十月，有力地证明了此帖是北宋佚名人的草书佳作，先后被宋人、明人强加以谢灵运、张旭之伪名，变真迹为伪物。他语重心长地规劝当代鉴定家们要为人民负责，采取实事求是的科学态度，不要学那些“宁可要古而伪，不肯要近而真”的古代帝王、商贾和“好事家”。
《〈平复帖〉说并释文》是启功先生研究传世最古法书西晋陆机书《平复帖》的力作。此帖文字前人都没有能通释，因为此帖首尾完整，所释还必须文义可通，并可与史传相合。先生详考史传、本集、总集，兼及魏晋典籍，除完整之字外，连残损的五个字中也有三个字据文义及史传推释出。并对帖中提到的这三个人与陆机的交游加以考证，从帖文内容上也证明此帖确出于陆机之手。这是只有靠多方面的学识和高度的鉴赏能力相结合才能做到的。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇六
剪纸是民间艺术的一种。是以纸为加工对象，以剪刀(或刻刀)为工具进行创作的艺术。
每一种艺术都有自己独特的艺术风格，由于剪纸材料(纸)和所用的工具(剪刀和刻刀)决定了剪纸具有它自己的艺术风格。剪纸艺术是一门“易学”但却“难精”的民间技艺，作者大多出于乡村妇女和民间艺人之手，由于他(她)们以现实生活中的见闻事物作题材，对物象观察，全凭纯朴的感情与直觉的印象为基础，因此形成剪纸艺术浑厚、单纯、简洁，明快的特殊风格，反映了农民那种朴实无华的精神。归纳前人的经验大概有以下几个方面：
1.线线相连与线线相断。
纸剪纸作品由于是在纸上剪出或刻出的，因此必须采取镂空的办法，由于镂空，就形成了阳纹的剪纸必须线线相连，阴纹的剪纸必须线线相断，如果把一部分的线条剪断了，就会使整张剪纸支离破碎，形不成画面。由此就产生了千刻不落，万剪不断的结构。这是剪纸艺术的一个重要特点。剪纸很讲究线条，因为剪纸的画面就是由线条构成的。根据实践经验把剪纸的线条归纳为五个字：“圆、尖、方、缺、线”。要求达到：“圆如秋月、尖如麦芒、方如青砖、缺如锯齿、线如胡须。”可以说线条是剪纸造型的基础。
2.构图造型图案化。
在构图上，剪纸不同于其他绘画，”它较难表现三度空间、场景和形象的层层重叠，对于物象之间的比例和透视关系也往往有所突破。它主要依据形象在内容上的联系，较多使用组合的手法，由于在造型上的夸张变形，又可使用图案形式美的一些规律，作对称、均齐、平衡、组合、连续等处理。它可以把太阳、月亮、星星，飞鸟、云彩，同地面上的建筑物、人群，动物同时安排在一个画面上。常见的有“层层垒高”或并用“隔物换景”的形式。
3.形象夸张、简洁、优美，富有节奏感。
由于受到工具和材料局限，要求剪纸在处理形象时，既要抓住物象特征，又得做到线条连接自然。因此，就不能采取自然主义的写实手法。要求抓注形象的主要部分，大胆舍去次要部分，使主体一目了然。形体要突出，形成朴实、大方的优美感，物象姿态要夸张，动作要大，姿势要优美，就像舞台上的亮相动作一样，富有节奏感。
4.色彩单纯、明快。
剪纸的色彩要求在简中求繁，少作同类色、类似色、邻近色的配置。要求在对比色中求协调。同时还要注意用色的比例。如用一个为主的颜色形成主调时，其他颜色在对比度上可以程度不同地减弱。有时碰到各种颜色并置起来，稍有生硬的感觉时，则把它们分别套入黑色。金色剪成的主稿里，即可获得协调、明快的感觉。
5.刀法要”稳、准、巧”
民间剪纸的许多特点和风格都是是由于刀法上的一定技巧而产生的，如张永寿创作的“百菊图”，许多地方都是运用刀法的技巧。例如刻一种“罗汉须”的菊花，由于它初开时是直瓣，盛开时就卷曲，形成螺丝圈，剪这种菊花，要一瓣一瓣从里往外圈剪，剪成后花瓣卷曲自如，才能组成一朵形象殊异、风味别致的菊花。
如果刻一种叫“鹭鸶羽”的菊花，由于它开花时一瓣套着一瓣，一瓣勾着一瓣，剪这种菊，要运用“掏剪法”，剪起的地方要片片相连，瓣瓣相随，花瓣之间的粗细、大小才能参差有致，变化不同，剪成的花才能像鹭鸶的羽毛一样丰满而美丽。
当同时刻制数量比较多的剪纸时，在刀法的运用上，要切不要划，切出来的剪纸比划出来的剪纸要显得厚实。用刀时必须要像手拿钢锯一样，上、下来回切动，用力要刚劲、均匀，否则，刀在千里就会失去灵活性。注意不要左右来回摆动，握刀上下必须垂直，刻出的剪纸才会准确。在剪纸时，下刀和起刀必须做到准，特别是在刀与刀们连接的地方，说下就下，说起就起，否则，线条就容易被刀刻断或者刻不断而把剪纸撕坏。
这里的“巧”主要是指运用巧刀刻出的“锯齿”和”月牙儿”。这是剪纸刀法中很重要的两种刀法。这两种刀法运用得恰当，就能形成剪纸艺术独具的“刀味纸感”。
刀法的运用。
下面具体谈一下这两种刀法的运用。
剪纸成品“锯齿”是作者在制作过程中，由于纸和刀的切割移动而自然产生的，它利用锯齿的长短、疏密、曲直，刚柔，钝锐的变比，结合不同物象的'特征，表现它的质感、量感、结构等。
刻植物时，柔和的锯齿纹可以表现它的花果，坚硬的锯齿纹可以表现树的叶子和茎的针刺、毛绒。
刻动物时，细密的锯齿纹可以表现软软的绒毛，刚健的锯齿纹可以表现硬实的鬃毛，圆实半弧形的锯齿纹可以表现禽鸟、鱼虫的羽毛和鳞。
刻人物时，用跳动的锯齿纹可以表现活动的眉毛，胡子，头发，用修长丰润的锯齿纹可以表现小孩丰满的肌肤。
“月牙儿”也是剪刻时自然产生的各种弧形装饰，它以阴刻为主，主要表现人物的衣纹，或破坏大块黑的面积，根据个同物象的特征，形状，可长可短，可宽可窄，可曲可直，能变化出各种不同的类型。
“锯齿”和“月牙儿”这两种形式也往往不同一张剪纸画面中交错运用，使得层次更加分明和富有变化。
从南北朝时期的“对马团花”和“对猴团花“剪纸技法中的锯齿和月牙儿的萌芽出现，经过于百年的历史演变，一直延续，巳成为一种装饰图案的规律被人们所喜爱和运用。
民间剪纸的刀法形式除“锯齿”和“月牙儿”之外，还有诸如花朵、涡纹、云纹和水纹等。
剪纸艺术的种类：
由于各人的观点合乎依据不同，剪纸的分类也不同。例如有人认为用刀刻出来的不叫剪纸，而应该称为刻纸;但是有人却认为追本溯源，古代的剪纸也是剪镂刀刻的，何况剪也有“绞刀”之别称，为何刀刻就不能称为剪纸呢?事实上，剪镂刀刻的痕迹确有差异，其应用的技法也有难易之分，因此，世人认为刀剪并用的作品可统称为剪纸，而纯刀刻的作品仍可称为剪纸，于是剪纸分类上就有剪纸、刻纸之分了。
以纹样分类。
剪纸的纹样大致可以为：人物、鸟兽、文字、器用、鳞介、花木、果菜、昆虫、山水等，还有人提出加上世界珍奇、现代器物两类，共计11类。
又中国剪纸的特点，表现为题材的寓意，所以寓意可作为分来的依据，由此可分为：纳吉祝福、怯邪、除恶、劝勉、警戒、趣味等七类。
以用途分类。
有人认为剪纸的分类应以用途为据，由此可分为：
(1)装饰类：贴于它物之上以供欣赏或增加它物之美的剪纸，如窗花。
(2)俗信类：用于祭祀、祈福、怯灾、怯邪、驱毒的剪纸，如门神。
(3)稿模类：用于版模、印染的剪纸，如绣稿。
(4)设计类：能增加它物之美，或能宣扬它物的剪纸，如电影或电视的片头。
另外也有人认为剪纸应分为三类：
(1)凡是用单色纸剪做的窗花、彩稿(花样子)，称为剪纸。
(2)凡是用彩色纸剪做、经粘贴而成的作品，应称为剪贴。
(3)凡是剪后再填色的作品应称为剪画。此种说法未免含混笼统、似是而非，不仅类同窗花的繁多作品未列入，而且剪画一词释义尚多，不宜据于列类，何况剪而染色的作品将如何归类，实待商榷。
剪纸成品以用纸及制作分类。
还有以用纸及制作分类的，多用于教学之用。它将剪纸分为二类七种：
第一类：单色剪纸。就是用一种色纸来剪做的。又细分为：
(1)折剪类，即将纸折叠后剪，放开后可得一种图案或字型。
(2)迭剪类，即将数张纸重叠在一起，钉牢后再依稿剪之，一次可得数张作品。
第二类：复色剪纸，又称为彩色剪纸。是以数张彩纸分剪后剪拼贴成图;或以白纸依稿剪成，再染填上各种颜色;或先剪成主版，衬以白纸后再染填上各种颜色。细分可为：
(1)衬色类，先用单色剪纸的方法剪做成图，再以彩纸为衬。
(2)套色类，以单色剪纸的方法剪成主版和次版的形象，再另剪色纸贴裱在主版需要的部位上;或将画稿所需的各色色纸，重叠在一起钉牢，再沿稿线以次剪成，择取一张为主版，贴裱在衬底上，再将其余的部分添贴在主版之上。
(3)拼色类，即分别用色纸剪成各部分形象，再依图样贴裱在衬纸上;或见各色纸重叠在一起钉牢，再依稿剪成，吻拼于衬纸上。
(4)染色类，即用易于浸渍的白纸或浅色纸剪成各种形象，再逐次染成所需的颜色;或先将纸染色，再剪成形象。
(5)填色类，即先用黑色纸或深色纸剪出主版，裱贴在白纸上，再依稿填涂各种颜色;或用白纸剪成主题形象，裱贴后再填染所需颜色;也有先填色而后剪做的。
(6)磁性剪纸，磁性剪纸在工艺上有手工制作和机器制作之分，手工剪纸又有剪和刻之分。
至于兼用两类方法制作的剪纸，应择其主要的方法归其类别。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇七
这首诗，大约是唐玄宗天宝初年，李白第一次到长安时写的。《蜀道难》是他袭用乐府古题，展开丰富的想象，着力描绘了秦蜀道路上的奇丽惊险的山川，并从文中透露了对社会的某些忧虑与关切。
诗人大体按照由古及今，自秦入蜀的线索，抓住各处山水特点来描写，以展示蜀道之难。从“噫吁?戏”到“然后天梯石栈相钩连”为一个段落。一开篇就极言蜀道之难，以感情强烈的咏叹点出主题，为全诗奠定了雄放的基调。以下随着感情的起伏和自然场景的变化，“蜀道之难，难于上青天”的咏叹反复出现，象一首乐曲的主旋律一样激荡着读者的心弦。为什么说蜀道的难行比上天还难呢?这是因为自古以来秦、蜀之间被高册峻岭阻挡，由秦入蜀，太白峰首当其冲，只有高飞的鸟儿能从低缺处飞过。太白峰在秦都咸阳西南，是关中一带的最高峰。民谚云：“武公太白，去天三百。”诗人以夸张的笔墨写出了历史上不可逾越的险阻，并融汇了五丁开山的神话，点染了神奇色彩，犹如一部乐章的前奏，具有引人入胜的妙用。下面即着力刻画蜀道的高危难行了。从“上有六龙回日之高标”至“使人听此凋朱颜”为又一段落。这一段极写山势的高危，山高写得愈充分，愈可见路之难行。你看那突兀而立的高山，高标接天，挡住了太阳神的运行;山下则是冲波激浪、曲折回旋的河川。诗人不但把夸张和神话融为一体，直写山高，而且衬以“回川”之险。唯其水险，更见山势的高危。诗人意犹未足，又借黄鹤与猿猱来反衬，山高得连千里翱翔的黄鹤也不得飞度，轻疾敏捷的猿猴也愁于攀援，不言而喻，人行走就难上加难了。以上用虚写手法层层映衬，下面再具体写青泥岭的难行。
青泥岭，“悬崖万仞，山多云雨”(《元和郡县志》)，为唐代入蜀要道。诗人着重就其峰路的萦回和山势的峻危来表现人行其上的艰难情状和畏惧心理，捕捉了在岭上曲折盘桓、手扪星辰、呼吸紧张、抚胸长叹等细节动作加以摹写，寥寥数语，便把行人艰难的步履、惶悚的神情，绘声绘色地刻画出来，困危之状如在目前。至此蜀道的难行似乎写到了极处。但诗人笔峰一转，借“问君”引出旅愁，以忧切低昂的旋律，把读者带进一个古木荒凉、鸟声悲凄的境界。杜鹃鸟空谷传响，充满哀愁，使人闻声失色，更觉蜀道之难。诗人借景抒情，用“悲鸟号古木”、“子规啼夜月”等感情色彩浓厚的自然景观，渲染了旅愁和蜀道上空寂苍凉的环境气氛，有力地烘托了蜀道之难。然而，逶迤千里的蜀道，还有更为奇险的风光。自“连峰去天不盈尺”至全篇结束，主要从山川之险要来揭示蜀道之难，着力渲染惊险的气氛。如果说“连峰去天不盈尺”是夸饰山峰之高，“枯松倒挂倚绝壁”则是衬托绝壁之险。诗人先托出山势的高险，然后由静而动，写出水石激荡、山谷轰鸣的惊险场景。好象一串电影镜头：开始是山峦起伏、连峰接天的远景画面;接着平缓地推成枯树倒挂绝壁的特写;而后，跟踪而来的是一组快镜头，飞湍、瀑流、悬崖、转石，配合着万壑雷鸣的音响，飞快地从眼前闪过，惊险万状，目不暇接，从而造成一种势若排山倒海的强烈艺术效果，使蜀道之难的描写，简直达到了登峰造极的地步。如果说上面山势的高危已使人望而生畏，那此处山川的险要更令人惊心动魄了。风光变幻，险象丛生。在十分惊险的气氛中，最后写到蜀中要塞剑阁，在大剑山和小剑山之间有一条三十里长的栈道，群峰如剑，连山耸立，削壁中断如门，形成天然要塞。因其地势险要，易守难攻，历史上在此割据称王者不乏其人。诗人从剑阁的险要引出对政治形势的描写。他化用西晋张载《剑阁铭》中“开胜之地，匪亲勿居”的语句，劝人引为鉴戒，警惕战乱的发生，并联系当时的社会背景，揭露了蜀中豺狼的“磨牙吮血，杀人如麻”，从而表达了国事的忧虑与关切。唐天宝初年，太平景象的背后正潜伏着危机，后来发生的安史之乱，证明诗人的忧虑是有现实意义的。
李白以变化莫测的笔法，淋漓尽致地刻画了蜀道之难，艺术地展现了古老蜀道逶迤、峥嵘、高峻、崎岖的面貌，描绘出了一幅色彩绚丽的山水画卷。诗中那些动人的景象宛如历历在目。李白之所以描绘行如此动人，还在于融贯其间的浪漫主义激情。诗人寄情山水，放浪形骸。他对自然景物不是冷漠的观赏，而是热情地赞叹，借以抒发自己的理想感受。那飞流惊湍、奇峰险壑，赋予了诗人的情感气质，因而才呈现出飞动的灵魂和瑰伟的姿态。诗人善于把想象、夸张和神话传说融为一体进行写景抒情。言山之高峻，则曰“上有六龙回日之高标”;状道之险阻，则曰“地崩山摧壮士死，然后天梯石栈相钩连”......诗人“驰走风云，鞭挞海岳”(陆时雍《诗镜总论》评李白七古语)，从蚕丛开国说到五丁开山，由六龙回日写到子规夜啼，天马行空般地驰骋想象，创造出博大浩渺的艺术境界，充满了浪漫主义色彩。透过奇丽峭拔的山川景物，仿佛可以看到诗人那“落笔摇五岳、笔傲凌沧洲”的高大形象。唐以前的《蜀道难》作品，简短单薄。李白对乐府古题有所创新和发展，用了大量散文化诗句，字数从三言、四言、五言、七言，直到十一言，参差错落，长短不齐，形成极为奔放的语言风格。诗的用韵，也突破了梁陈时代旧作一韵到底的程式。后面描写蜀中险要环境，一连三换的韵脚，极尽变化之能事。所以殷?编《河岳英灵集》称此诗“奇之又奇，自骚人以还，鲜有此体调”。关于本篇，前人有种种寓意之说，断定是专为某人某事而作的。明人胡震亨、顾炎武认为，李白“自为蜀咏”，“别无寓意”。今人有谓此诗表面写蜀道艰险，实则写仕途坎坷，反映了诗人在长期漫游中屡逢踬碍的生活经历和怀才不遇的愤懑，迄无定论。
李白的作品，以乐府和歌行最为著名，他的豪迈狂放的风格，在这些作品中表现得特别淋漓痛快。乐府和歌行，在诗的形式上，原无分别，如果以乐府曲调为题目，就属于乐府诗，如果自己制造题目，不谱入任何曲调，就属于歌行体诗。“蜀道难”是魏晋时代早就有的歌曲，它属于相和歌辞中的瑟调曲。这个歌曲的内容就是歌咏蜀道的艰难，行旅之辛苦。李白此诗，以《蜀道难》为题，所描写也是蜀道的艰险，所以它属于乐府诗。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇八
【摘 要】国画作为最具东方色彩的美术手法，是中华民族的瑰宝，在中国的绘画教学中具有重要地位。国画在引进小学美术课程后，由于美术教学传统的教授方式未发生变化，学生学习绘画感到枯燥，不利于实现美术教学目标和提高学生艺术技能。笔者根据教学实践经验，阐述了小学美术课堂中国画鉴赏及教学的新方法。
【关键词】小学美术；国画教学；技法
美术是学生了解艺术、陶冶情操、提升素养的重要课程。国画历史悠久，作为中华民族的瑰宝和中国古代美术的典型代表，是教师引导同学分享历史文化，积极参与本国文化传承的重要体现。近年来，国画在小学美术教学中占有重要地位，但受制于传统的应试教育教学方式，不利于美术教学目标的实现和学生自身艺术技能的提高。国画教育往往以传统方法为主，内容单一枯燥，绘画技法复杂，在一定程度上抑制了小学生创造性和艺术天性的发挥，同时也不利于培养小学生对国画的持久兴趣。如何将小学生国画教学与小学生的生活紧密结合起来，开发其潜能，发展和张扬小学生的个性，让他们画出能够充分表达其内心的、属于自己的画，从而让他们更广泛、深入地了解美术，提高自身的审美能力，成为国画教学实践中人们共同关注的热点话题。
一、结合实际，善于引导
教师在小学美术课堂教学中，需要根据小学生的心智特点及实际能力选择国画教材，初期以讲授小学生容易接受并能通过简单联系加以掌握的国画技术。针对国画知识中理论性较强的内容，需要教师注意转换成对于学生通俗易懂的语言实施教学。同时需要注重国画的审美性，充分发挥学生的创造性，并考虑小学生的生活经验，激发小学生的积极性，拓宽教学内容，促进小学生发散思维，必要时还应考虑个体差异、因材施教。
二、体验美感，增强兴趣
教师利用简单的国画技法为学生展现国画的独特魅力，增强学生学习国画的兴趣。例如在国画课程开始前，教师利用画笔勾勒简单的水墨线条，形成学生所熟悉的动物图案，使学生感受到国画简约而不简单的文化内涵。又如，教师在绘画开始前为学生展示调和水墨的方法，引导学生进一步体验国画的独特美，勾起小学生对国画学习的兴趣，同时带领学生进行国画兴趣练习，使学生在兴致高昂时加以练习。
三、掌握技能，训练技巧
学好国画离不开扎实的基本功，教师应着重对学生进行国画基本技能的训练。首先是绘画中的握笔姿势，教师需要对学生进行手把手的训练以引导学生掌握正确的握笔姿势，这对于学生国画绘画的长远发展具有基础性作用。其次是训练学生笔墨技巧，用笔技巧主要是创作中的毛笔绘画方法及蘸墨方法，用墨技巧则是需要教师指导学生在实践中观察不同墨色的差异及使用方法，并通过对比的方式使学生直观的感受到不同的笔墨技巧所塑造的国画艺术效果。
四、学会鉴赏，热爱国画
学会鉴赏是学生艺术素质提高的重要标志。在小学的国画教学中，对国画的品鉴是更高层次的国画学习，美术教师在国画鉴赏过程中引导学生多学习历史上国画大师的作品，在欣赏中不仅开阔了小学生艺术品鉴的层次，增加人文素养，有助于提升小学生的审美水平和精神境界。不仅如此，对国画的鉴赏更是对我国民族穿透文化瑰宝传承和保护的重要途径，欣赏名家作品，提升小学生的爱国情感和民族自豪感，由此更加热爱国画学习。
五、小结
国画博大精深，是美术教学取之不尽的艺术源泉。加强小学生国画教育，将会对小学生知识面的拓宽、想象力的丰富，形象思维的发达、创造能力的增强都有好处。因此，教师在小学国画教学中应根据小学生特点，发挥小学生的个性，在继承传统文化的基础上，进行更多的创新，让小学生热衷于学习和表现国画，并使其创新精神在我国优秀传统文化的熏陶下得以升华。
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书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇九
书法是中国古代文明的产物，与古代文化思想相映成趣，了解这一点会使我们从另一个度品度书法，加深对书法艺术的体悟。书法是一种高度抽象的艺术，它以线条为基本表现语言，具有极强的概括性，是虚的体现。但同时它又以汉字为书写对象，汉字的表意特征使它同时具有实指性，是实的化身。书法融虚实于一体，兼收古代哲学、文学、音乐、绘画等学科的诸多因素，表达物象更为独特、深邃，更加博大精深。
书法虚实的产生跟我国古代美学思想不无关联，这也正是书法生于中国而非别土的根本原因。可以说是中国古代的文化思想滋养了书法的幼年。产生于殷商时期的《易经》，以乾坤为两极，乾为天为阳为实，坤为地为阴为虚，由此演化而出的六十四卦象，只有乾是实的其他皆虚。它是一种哲学思想、认识，也是一种文化态度、美学观念。由此推演出的太极阴阳图，一黑一白，一实一虚，无疑是一幅十分神奇美妙的书法精品。老庄哲学的鼻祖老子在《道德经》中也十分详尽地阐释了无和有、虚和实的关系，“少则得，多则惑”，“兵强则灭，木强则折”，“天下莫柔弱于水，而攻坚者莫之能胜”等，无不是书法中虚实美的极好注脚。孟子曰：“充实之谓美。”它似乎强调的是实；其实这只是入世进取思想的一面之词，由孔孟奠基的儒学还有“达则兼济天下，穷则独善其身”的另一种说法，是与实相伴的虚境，是构成生活真实美的必要补充。
从“书画同源”的理论，依然可以看出虚和实在书法中的地位。中国画尤讲虚实。实则厚重，虚则空灵。只实不虚则板，只虚不实则福所谓“计白以当黑”“知黑而守白”，书画皆宜。山水画中的云水多为虚白，而山石树木常常实写。石涛的“一画”说，强调的依然是以少胜多。即便如近代张大千全景式的泼墨山水，构图中仍有意到笔虚之处，在实实在在的大片墨团中也留出层次，透出气韵，使流动、使呼应、使牵连。中国画注重意境，而境外生象、虚实并济更是千古不易的美学法则。“赏花归来马蹄香”的蜜蜂，“深山藏古寺”的旌幌，以驱遣有限而达于无穷，均是画龙点睛之笔。“书画同源”不仅是用笔方法的相同，更是虚实等审美观念的媾同。“点如高山坠石，勒如千里阵云”已颇入画理，虚从中来，虚实相生。
“飞白”的存在是书法的虚又一具体体现，“挂一漏万”更是对虚实美的高度概括。书法线条自身的实（或黑）与线外的虚（或白）不是按比例配置的，它们根据需要，欲灵秀超脱则虚大于实，欲浑然厚重则实大于虚。但从整体篇章看，白多于黑，虚大于实，以实重虚轻相互平衡所致。
书法用笔也有虚实的美学原则，藏锋和露锋就是它的一种基本表现。藏锋是什么？藏就是虚，是声东击西，是看不见的存在，是刻意追求的一种境界。露锋是藏锋的对立，是坦坦白白的锋芒，是真实的流露，是对藏的颠覆，是藏锋的补充。所以篆书多不露锋，以示浑穆；隶书楷书藏多露少，端严而不失活泼；行草书藏露牵带、中侧并举，故虚实蜂起，意态万千。
书法的结构同样具有虚实美的辩证关系。结构中讲究呼应，点画之间，部分之间，字与字，行与行，局部与局部，局部与整体，正文与落款等，呼应关系无处不在。笔画与笔画、字与字之间的呼应在行草书中可以是牵丝，上引下带，是实的存在；在正书中则是意向，是虚的化身。实的生动，虚的蕴藉。而篇章的呼应多靠气势贯穿，是实际存在的线条，充溢的是气韵精神。可见书法中“虚”的境界不是可有可无的，它基于实又超然而出，成了一种实体无法追踵的高妙去处，是实的补充，也是实的延伸。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十
实话实说，我才上了几节课的书法鉴赏，要我说出很高深的见解显然是不太可能的，所以，我就简单地说一下本人对书法鉴赏的一些浅显的感悟吧！
如何鉴赏书法？正如老师所说的，书法的鉴赏关键在于一个“鉴”字和一个“赏”字。鉴，是用眼睛去看的；赏，是用心去感悟的。二者结合，才能达到真正的鉴赏，有时候眼睛看到的东西也是会骗人的，只有经过自己的内心分析，才能真正地感悟出一个东西的好与坏，简而言之，鉴赏书法，不一定就得说出很高深的见解，一个字，一篇文章写得好不好，关键是你看到它，你的心里爽不爽，舒不舒服，你的心是不会骗你的。通俗地讲，你觉得看起来让人赏心悦目的书法，看多久都不会腻的书法，这就是好的书法，这就是成功的书法！
如何写书法？听老师说，当你写一个字的时候，你应该忘记这是一个字，我觉得这话非常有道理，有时候，“提笔忘字”也未尝不可！忘掉你是在写一个字，要深入到一种境界，把它当成一个图来构思，不能被固定的思维模式束缚了我们的思想，要有“否定之否定”的态度，要谨记“阴阳”定律！一个字如此，一副字也应该如此，通观全局，有时候要以一个统治者的姿态对待你笔下即将书写的字，有时候又要像一个朋友一样和你笔下的字“交流”。个人觉得，书法是活的，它有时候是一种情绪的宣泄，有时候是一种精神的传承，有时候还会是一个人生命的延续!总之，它是很有趣的！
本人是很喜欢很愿意触碰书法这一扇门的，记得以前有看过一篇博文，是关于书法与生活的，里面是这样描述的：“当今的很多书法家，之所以写得很差，倒不是因为他们技术不行训练不够，而是因为他们根本不懂书法是一种生活方式，没有将书法活动与他们的生活融合起来。这样的书法存在两种倾向：1，虚伪，不真诚；2，搞怪，不正经。所以我只能说，他们还没有入门，或者入错了门。”当时读完这一段话，我觉得不无道理，何为更接近生活而不做作的书法？怎样才算书法入门？慢慢我才懂得，只有把书法活动真正的融入日常生活，书法才有可能成为干净的、健康的，否则就会是畸形的、扭曲的。
说了这么多其实我也不知道说得对还是不对，但这些都是我想说的，我还想说，不论你是一个什么样的人，都应该研究一下书法，这是一件很有趣很受益的事情，学习书法，能解放你的思想，给你一种无形的精神，它甚至能影响你整个人生！
以上是我的一些拙见，不对之处还请见谅！
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十一
摘要：书法是我国具有悠久历史、具有民族风格的传统艺术。欣赏书法作品，可以获得 摘要 高尚的精神享受和美的情操。欣赏书法要从字的用笔、结体、布白、神采、风格、行气、形 质入手，同时还要结合书法作品作者的创作背景，并且要有一定的想象力，这样才能欣赏好 一副书法作品。
关键词：书法 书法作品 书法欣赏 关键词 中国的书法艺术博大精深，中国传统书法包含厚重的文化思想内涵，甚至儒释道三家思 想在经典书法作品中都有所体现。书法和其他的艺术是相通的，书法艺术美的形态、美的意 蕴里我们能看到、能体会到其他艺术美的品格。在其他艺术美的形式中，我们也能感受到书 法艺术美的形与质。书法的欣赏与实践是相互联系的，“眼高手低”的书法家从没有过。历代的书法家大多是具 有高度鉴赏能力的书法评论家。他们都十分重视“读帖”。所谓“读帖”，就是通过观摩书迹和 碑刻去领悟书法家所采用或创造的艺术风格和艺术手法，借以提高自己的鉴赏水平。汉字是由若干个线条式的笔画有机的组合而成的，这若各个笔画，尤其是一字之中的相 同笔画，在字中不能长短、粗细、浓淡一模一样，应该而且必须有所变化。如“多”字的四 个“撇”画，唐太宗认为，应该分别写作，一缩，二少缩，三亦缩，四须出锋。这里所说的 “缩”，就是笔势收缩而不伸展，含有“短”的意思：“锋”就是笔势伸展而不收缩，含有 “长”的意思。“多”字的“撇”画是这样，其它的笔画也是这样，否则，字形就显得死板，单调，也就无艺术可言。书法欣赏不外乎“形”、“神”二字。所谓“形”，指的是由特殊的笔画线条所构成的外 形，包括字的笔画、字的结构、一幅字的布局；所谓“神”，指的是上述外形中内在的精神，包括笔力、气势神态、情感等各个方面。因此，欣赏书法作品，不仅要看一点一画、一字字 和整幅字的外形，更要看它的笔力、气势、神态。如果外形美观多姿，内在奕奕有神，这就 是人们通常所说的“形神兼备”的好作品。一幅好的书法作品，犹如一幅好的山水画，它必然是字与字、行与行之间气势连贯，笔 虽短而意却连。汁白以当黑，疏密得当，给人以无穷的遐想和强烈的艺术感染力。书法作品 中的落款、印章也是整体中的有机组成部分，要注意是否用得恰倒好处，起到锦上添花的作 用；若是画蛇添足，也会有损于整幅作品的艺术性。我们对美的欣赏和领略，并不是一次就完成的，欣赏与品评书法作品，也必须从多方面 去领悟，并把其与自己的认识联系起来。若欣赏者也是书法爱好者或书法工作者，从专业角 度去窥视，采用隔段时间去欣赏品评一次的方法，则会有新的感觉和收获，甚至会同作品显 现出的人格化的物质内容进行交流，也可以说与作品的作者进行情感交流。书者意欲表现出 来的内在意识，这时便会传给了欣赏者。这样，作品已不再是与欣赏者对立的东西，而进入 了欣赏者的情感世界。姓名：/学号:/班级:/电话:
硬笔书法之美中国硬笔书法协会《全国第一届硬笔书法家作品展览》参赛论文 李伟华
我们从“美”字的产生可以了解到古人对“美”的看法。一种人认为“大羊为美”。羊成为美的对象，是和当时社会生活中畜牧业的产生有很大的关系。羊是当时人们生活的重要资源，对人类来说是非常可亲的。羊不但成为人们重要的食物，而且羊的性格比较温驯，是一种令人喜欢的动物，如羊角的对称、羊毛的蜷曲都富有装饰趣味，不少甲骨文中的“羊”字就是一些图案化的美丽的羊头。
也有人认为“美”是表现人的形象。“美”的上半步表现的是头上的装饰物，可能戴的是羊角，也可能插的是羽毛，表现一个人头上插着装饰物在手舞足蹈。体现了美和人物、美和装饰、美和艺术的关系。
从上面对美的解释看，美和生活，美和装饰，美和艺术，这几方面都有密切的关系。并且美是具有形象性的。硬笔书法从美的几个角度看都符合美的联系和特征，在点画、结构、整体篇章都会显示美的这几个特性。
生活是美的，生活也创造了美。硬笔书法艺术是古老的，也是年轻的。说它古老，是因为古人在没有毛笔之前，靠的就是硬笔，他们用刀刻，用木头和竹子、芦杆画字，也在追求着一种美。从古代大量留存的资料可以看出，成为我们现代研究与学习的范本。说它年轻，是大量使用硬笔书法是近百年的事。可以说现在硬笔与我们生活朝夕相处，不可分离，并有许多硬笔书法家创造了大量美的作品。
那么硬笔书法之美究竟表现在哪些方面呢？
一、硬笔书法的线条美
线是点移动的轨迹。在现实生活中，物体的不同的面相交而形成线。线条
笔书法的细腻、厚实、圆润、挺劲、灵动的特性就会显示刚劲有力而又优美柔和、富有变化的美感。好的硬笔书法作品就是能够将直线、曲线、折线进行巧妙的运用。当然要写出高品质的硬笔书法作品，对其线条还要有更高的要求，那就是 神采。
神采是骨力、形势、气韵的综合体现，是作品的精神风貌。神采是要靠线条形态来表现的。无论什么艺术都应该以追求“形神兼备，以形传神”。当然要写出具有神采的线条来，必须多读书、多与自然接触。世间万物会我心中，自然而然地会形成人的精神风貌。将人的精神风貌聚于笔端，才有自然生动、变幻无穷、神清骨秀的神韵。
“书者，心之迹也。”“书者，抒也。”人的喜、怒、哀、乐都将表现在作品上。王羲之的《兰亭序》，以喜乐之情、自然笔墨而获“天下第一行书”，这也是因为一群朋友聚会，其乐陶陶，下笔皆有喜气。而“天下第二行书”《祭侄稿》却以悲愤之情表现对敌之愤怒和失去侄子的悲伤，笔墨淋漓，一泻而下。我们在看岳飞写的“还我河山”，那爱国之情，民族之气，尽在笔墨中。
硬笔书法也不例外，线条美，还美在感情。
二、硬笔书法的结体美、篇章美
线条能表现书写者的感情。同时感情也表现在字的结体上。祝枝山说：“情
之喜怒哀乐，各有分数：喜则气和而字舒，怒则气粗而字险，哀则气郁而字敛，乐则气和而
字丽。情有轻重，则字的敛舒险丽，亦有深浅，变化无穷。”
书法的结体属于建筑美，硬笔的书法也是如此。我们在创作或欣赏硬笔书
法也可以借助于建筑进行比较。本文就以故宫的建筑与硬笔书法结体方面进行一些对比。
1、大与小的对比
在雄伟的天安门城楼下，巧妙的安置了两间火柴盒的小屋，这小屋除了特 定的用途外，在艺术上对天安门起烘托作用。这样对比让人对天安门的宏伟产生更强烈的感受。一些好的书法作品也是如此，运用字本身的特点以及作者的巧妙安排，让字大小参差错落，给人以强烈的感受。
2、高与低的对比
故宫为了烘托太和殿的崇高，周围采用了低矮连续的回廊。这种高低对比
不但用在建筑，也用在山水画中。王维说：“主峰最宜高耸，客山须是奔趋。”在书法的字的结构中有本身的字的高低，如：上下结构的字一般较高，左右结构的字较扁。我们可以根据这一特点以及上下字之间的结构处理，让整个作品的篇章有所变化。须知字的大小“状如算子，便不是书”。
3、宽与窄的变化
从正阳门到太和殿所形成的狭长空间与太和殿前的广阔空间形成强烈的对
比。在草书中常用这种欲放先收的手法。怀素的《自叙》中，开始叙述他的身世，用笔平缓，字形较小，写到后面随着情感的变化，字型越来越开展奔放，表现高潮的地方一个字所占的空间比几个字加在一起还大。在硬笔书法方面虽然表现没有那么的强烈，但还是有许多可取之处，“宽可走马，密不透风”，这样的变化给人感受到强烈的动感和变化之美。
4、色彩浓淡的对比
故宫在色彩上给人强烈的印象就是金碧辉煌。金黄色的琉璃瓦与青绿色为基调的檐饰相对比，在蓝天白云辉映下显得非常壮观美丽。在创作书法中，墨的黑纸白对比非常强烈，给人以想象的空间，当然现代许多硬笔书法也开始装饰画，在纸的色彩上多种多样，墨色也开始不仅仅是黑色。其它颜色组合合适也会创造出不同的美感来。特别是经过装裱后，色彩也更加丰富。当然色彩搭配不当，还会破坏作品的美感。
5、动与静的对比
建筑本身是静止的，但由于形体的变化呈现流动感。硬笔书法作品本身是
静止的，但由于线条、结体的变化呈现流动感。从景山山顶上眺望故宫，屋顶高低起伏好像一片金黄的波涛。这种波涛就是一种节奏，可以说是流动的音乐。英国文学家瓦尔特•帕特说“一切文艺都是趋向于音乐形态。”因为各种艺术都需要节奏、变化、和谐。硬笔书法也在线条和结体的变化中，表现出动与静的完美结合。
6、方与圆，曲与直的对比
建筑在造型上注意方圆变化，如天安门的门洞是圆形，而午门南端的门洞
是方形。在故宫笔直的中轴线上穿插了弧形的金水河，环绕于太和殿南边。在硬笔书写方面同样要注意方与圆，曲与直的变化，这种变化相互融合，才能使整幅作品生气勃勃而又不乏稳定。达到和美的境界。
综上所述，一切艺术的组合都有大小、高低、宽窄、色彩动静、方圆等的
美术课程标准》以来，全国各地的中小学美术教师积极投入到美术教育改革中，大大提高了教学效率。作为硬笔书法来说它是美术教学必不可少的补充。古人云：“书，如也。如其学，如其才，如其志，总之日：如其人而已。”
可见书法往往反映一个人的学识、性格、气质和风度等。毛泽东的字奔放、豪迈、龙飞凤舞、气吞山河，足以表现出他那博大的胸怀和宏伟的气魄。周恩来的字苍劲、清晰、严谨，表现了他坚定而谨慎的性格和苍松翠柏般的道德风范。书法是民族历史文明的精粹，是素质教育的重要内容，因此就自己的浅陋之见，谈几点对硬笔书法教学的体会：
一、教师的字是学生的活字贴
在教育教学过程中，我们都有共同感受，一个教师若能在第一堂课中板书写出漂亮的字体，一定会给学生留下深刻的印象，迅速地提高威信，从而课堂效果非常好。这是因为教师写出美观、大方、清晰的字，能吸引学生的注意力，使精力集中到讲课的内容上来，提高了课堂效果。同时，好的板书会给学生美的享受，从而会自觉不自觉的摹仿，这样就培养了学生严肃认真，耐心细致的学习态度，使学生从老师的板书中陶冶自己的情操。总之，教师的字对学生起着潜移默化的影响。因此，教师不但要有牢固的专业知识，还应练出一手漂亮的字，并掌握一定的书法理论知识，提高自身的修养，给学生一个良好的启蒙，使之终身受益。
二、激发学生的学习的兴趣，培养书法审美情操
首先，定点要准，取法要高。书法有实用和艺术双重性质。写字是基础，书法是升华。书法不仅要求正确的书写，更重于书写技巧、章法、意境，是一门独特的艺术。书法教学还有一个很重要的功能是美育，只有养成了良好的审美习惯和审美情操，才能使这种兴趣经久不衰，甚至终生以之。古人说：“取法乎上，仅得其中；取法乎中，仅得其下。”
所以硬笔书法教学取法要高，在教学中将书法理论、书法史、书法美学等丰富多彩的内容融会贯通，就能更强的激发学生的兴趣。
其次，书法学习要引导得法。初始阶段，要启发学生发现自己的问题，只有学生清晰地意识到自己的书写水平与社会的需要、自我的精神需求发生强烈冲突时，才会对掌握知识寄以很大的希望。孔子说：“不愤不悱，不启不发”。学书法不象学舞蹈、音乐、绘画那样生动、练久了会感到清苦乏味，会出现停滞，有的学生往往半途而废。这时教师要及时给予指导，点破迷津，提高学生的理论素养。苏东坡在《柳氏二外生求笔迹》中写道：“退笔如山未足珍，读书万卷始通神。”因此，教师要引导学生读一些书法理论，如：《青少年书法》、《中国钢笔书法》等，以理论指导实践，使二者有机结合。同时，充分利用多媒体进行书法欣赏教学，让学生初步了解书艺延革、风格变化、书体特点等，使学生感悟中国书法艺术的无穷魅力，提高学生对书法艺术的审美鉴赏能力和理解感悟能力，在加上对绘画、雕塑、工艺美术、音乐、文学等姐妹艺术的欣赏，使学生的文化素养得到全面提高。在练习过程中可穿插一些古人勤学苦练书法的故事和轶闻趣事，创造一种宽松愉快的气氛，让学生觉得学习硬笔书法很有意思。另外，对于课堂练习都应及时予以评点。评点时用劣中求优的方法，给予肯定和表扬，并指出关键不足，让学生感到自己不断进步，始终保持积极向上的劲头。同时展示优秀作品，为其他学生树立榜样，形成比、学、赶、超的学习氛围，激励更多的学生专心读贴、临贴，这样的评价反馈，使得学生注意力充分集中，当堂动手改正、当堂树立形象、有益于激发学生的学书兴趣，有益于迅速提高他们的书写水平。
再次，创造机会，让学生实现自我价值。人都有一种充分显示个人存在价值的基本需要，都希望有创造性的生活，而中学生这方面的表现欲则显得特别强烈。我们应给予热情的支持。如组织校园书法展览和书法比赛，鼓励学生参加市、省乃至全国举办的书画展，在去年九月县文联和墨怡社组织的“向阳杯”少儿书法现场比赛中我校一位同学荣获一等奖，其余几位同学获得了优秀奖，通过这次参与，开阔了学生的眼界，激发了学生学习书法的浓厚兴趣。在让学生走出去的同时，我们还要充分利用社会各界的艺术力量来进行教学。3月中旬学校领导邀请了另一学校的张老师来我校进行书法讲座，预计一个小时的讲座，延时到一个半小时，尤其在师生互动时，学生热情高涨，积极提问，那种对书法艺术求知的欲望深深感动着在场的每一位老师，讲座结束时大家还意犹未尽呢！通过此次讲座学生学书的兴趣更加浓厚了。
三、学书必先求法
第一，选贴。书坛对选什么贴入门众说纷纭，一般主张先临平稳的字体。如篆书、隶书、楷书，因它讲究笔法，点画清晰，横平竖直，易于掌握，行、草结体变化大，运笔复杂，初学者难于掌握。就个人的看法认为，对于中学生应考虑其实用性，最好先练楷书。目前钢笔书法字贴很多，因此，学生在选贴时可因人而宜，根据自己的爱好选择规范、工整的贴作为练字的范本。
第二，以临为主，心手并用。临摹字贴是练好字的必由之路，也是行之有效的方法。古今任何一个书法家无不是临贴上用功的。他们之所以成为一代艺术大师，都是初临一家，后临百家，将众家之长熔为一炉而自出新意，写出自己的风格面貌。因此，要练好字除勤学苦练之外，还要讲究临习的方法。即临贴四多：（1）多读；（2）多思，就是边读边琢磨每个字的用笔结构特点或作品的神韵；（3）多临，在细心观察和动脑思考之后，做到意在笔先，对笔画的长短、粗细、各部件的比例位置，作品的气势、神韵等都做到心中有数，才落笔临写；（4）多对照，每临完一个字或通篇作品时就和字贴对照反复比较，查出差距，然后再临写。黄庭坚的《论书》说：“佳贴时时临摹，可得形似。大要多取古法，细看令入神，乃到妙处，用心不杂，乃是入神要路。”可见临摹时一定要神采为上，以形传神。
第三，精读熟背，重在应用。所谓精读熟背，指练字不能贪多求快，每天临贴要少，逐渐增加，反复临写达到背着贴能默写的程度，为了巩固记忆要养成“空临”的习惯。同时要使书法练习和实践运用相结合，突出书法教学的实用性，配合语文及其它课程的教师抓好作业书写。
第四，练习是书法教学成功与否的关键一步。就教学而言，学生终究是教学的主体，没有数量的变化也就谈不上质的飞跃，学生进步的快慢取决于他们的练习量，正是这一点在课堂上教师应采取“精讲多练”的原则，使学生在教师讲解示范完后留存在大脑中的新鲜形象立刻得到强化。在此基础上，布置一定课外作业，让学生积少成多，从而真正掌握书写法度。
地实现素质教育目的。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十二
——米开朗基罗。
摘要。
他是一位“无所不能的通才”，他是“人类的艺术楷模”，他的艺术作品都是世上的“典范”。米开朗琪罗是文艺复兴时期的“三杰”，之一，他生于1475年。因为在米开朗琪罗家乡有许许多多的石山，那里有许多的石匠。所以米开朗琪罗在以后曾经很开玩笑地说，我为什么那么喜欢凿石头呢？因为在我奶娘的奶水里边就有锤子和凿子。
关键词：通才；典范；三杰；石匠。
一、米开朗基罗简介：
（1）生平简介。
米开朗基罗〃博那罗蒂（全名michelangelodilodovicobuonarrotisimoni，又译“米开兰琪罗”、“米高安哲罗”1475年3月6日－1564年2月18日），意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。与拉斐尔和列奥纳多〃达芬奇并称为文艺复兴后三杰。
（2）家庭背景。
米开朗基罗的家族在中世纪曾显赫一时。不过到其父是，收入微薄。父亲是当地的一名法官，脾气爆烈，但是惧怕上帝。母亲在米开朗基罗六岁的时候就死了。之后被寄养在一个石匠的妻子的家里，因此从小就对雕塑发生兴趣。事实上，这个家庭没有任何产生艺术家的可能条件。尽管他在诗文上颇有才赋，但对于父亲给他安排的法语课却丝毫不感兴趣。相反，他对绘画表现出异乎寻常的热情。
（3）时代背景。
共餐，分享着自罗马奥古斯都大帝以来一切最显贵高雅的消遣。他在圣马可修道院的美第奇学院作学徒时接触到了古风艺术的经典作品和一大批哲人学者，并产生了崇古思想。时兴的新帕拉图主义和受到火刑惩处的多明我会教士萨伏那洛拉给了他一生最重要的影响。查理五世对他说过这样的话：“世界上不只有一位皇帝，但不会有第二个米开朗基罗。”
二、米开朗基罗作品鉴赏。
(1)绘画作品。
«最后的审判»（壁画1700cm×1330cm1536-1541梵蒂冈西斯廷礼拜堂）这幅画是米开朗基罗完成西斯廷礼拜堂天顶画25年后，再一次为这座教堂创作的另一项大工程。此画的创作历时6年。此时67岁的米开朗基罗已尝尽了生命中的痛苦，深知社会上各种人物的罪恶，悲愤幽怨凝聚笔端，正直的艺术家要以«末日审判»是自己进入天堂。“最后的审判”内容取材于圣经故事。画面背景是清透的蓝色空间，人物形象饱满生动。整幅画面气势磅礴、场面宏大，众多的人物把画面分为天堂、人间和地狱三个空间。世界末日来临之际，位于画面中央的是基督和圣母。这位鄙视雷同的画家笔下的基督年轻健壮，体魄像一位斗士，高高举起的手像是在下达最可怕的命令。他是那样的严厉无情，以致圣母背过了身子，扭过头去不忍观看这一残酷的场面。画面右侧是那些罪孽深重的人们正在被投入地狱，左侧则是善良的、遭受不幸人们的灵魂被带入天堂的过程。画中人物神态各异：基督用手势表现了他坚定而决绝的态度；圣母是这幅画作里最温柔的一个形象；围绕着基督执行审判的使者们，聚精会神地凝视着基督等待着他的判决；那些被审判有罪的人们脸上流露出惊恐或绝望；而那些正在升向天堂的灵魂则一脸安静之色。
（2）雕塑作品。
他留给了许多人们要思考的东西。
2、《大卫》。
大卫是一座立像，高5.5公尺，是在一块被人损坏过，而没有雕刻家再敢于动手的，闲置了近半个世纪的巨大大理石上雕刻而成的。米开朗基罗刀下的大卫是一个充满着旺盛生命力，有着必胜信念的健与美的英雄形象。在米开朗基罗以前，不少雕塑家曾塑造过大卫的形象，往往是表现战斗胜利后的大卫形象。如多那太罗的青铜雕像《大卫》，显出喜悦和悠然自得的神情。而米开朗基罗却是精心刻画了大卫临战前的一刹那头部微微转向左方，双目紧紧地凝视着敌人，左手握着肩上的投石器，右手自然的下垂，略握拳头，外表的平静，使塑像更具内在的紧张和运动感，更加显示出大卫的沉着、勇敢和必胜的信念。米开朗基罗的大卫获得了盛大的成功，雕像的勃勃雄姿成了当时佛罗伦萨市民心目中抵御外敌、保卫祖国的英雄形象的化身。
3、《摩西》。
《摩西》像是米开朗基罗用了4年时间完成的塑像，对后世产生了极为深远的影响。它用人体讴歌了正义和力量，使文艺复兴人文主义思想在艺术上得到充分体现，在人类雕塑艺术的发展史上留下了浓墨重彩的一笔。受到这一作品的启发，朗基石在这一系列中完成了一次精彩的飞跃，设计师将对创作的热情倾心融入到石刻中，运用了冷暖色调的大胆对比和纵深延长的纹路结构，变化中不失平衡，微妙处独具匠心。
三、总结。
在老师的讲解后，我们知道了米开朗基罗是艺术界的一代大师，带给后人无穷的瑰宝。米开朗基罗在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情（这个完全可以最后的审判中那张人皮看出来，米开朗基罗在他的作品中融入了自己的感情与信仰）。在米开朗基罗的壁画前伫立，会使你灵魂得到净化，使信教者便得虔诚，使一切邪恶变得澄清。他的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。让人感到人的美与健康。他的雕塑作品以写实的手法再现了人体的唯美与丰满，他在细节的刻画上处理得非常好，我们完全可以从他的雕塑作品的眼神、面部表情等看出人物的心理（这个从圣殇的圣母的眼神、嘴角等都可以感受到那份是伤痛）。通过这学期的美术鉴赏的课程以后，让我对美术的认识有了一个更加深入的了解。当然不仅是米开朗基罗，还有达芬奇，拉斐尔。对他们的身世和所处时代的背景以及他们所创作的作品背后的故事都有了一个了解，我觉得艺术史一个无边界的国界。老师的课非常有意思，从埃及的古老文明艺术讲到文艺复兴的艺术创作，从金字塔讲到米开朗基罗的《大卫》作品。课堂的内容徐徐动听，非富多彩。每次一上课就仿佛走进了艺术的殿堂，身临其境的跟艺术家们对话。其实回头想想也是，生活就是艺术，艺术就是生活。在美术鉴赏的课后，我们不仅可以用艺术的眼光看身边的事物，更可以将艺术融入到我们的生活中去。这样，我们的生活将充满趣味，充满艺术，充满美。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十三
标题说的有点大，但并非哗众取宠，本来关注的人就少，又无名气，另外写的本身也并且示意别人，而仅仅是我最近一年来对中西方音乐的理解，歌曲不在此列。
以前是经常听歌曲的，但是多少年过来，真正经久不衰的，或者让我入神的歌曲少之又少，对于写的好与坏不敢置评，但和最近一年听音乐来比，我更喜欢音乐。次说并非附庸风雅，对于音乐具有发自心底的喜欢，虽然以前也偶尔听听音乐名曲，但是真的有些附庸风雅了，那时不懂音乐，或许因为年龄的缘故，或者因为阅历的原因。
对于音乐的喜欢并没有一个明显的事件刺激，似一阵春风，慢慢的来，对音乐就渐渐的有些痴迷，当然痴迷音乐并非喜欢所有类型的音乐，同听者想通的音乐自然能获得读者的喜欢。
说到音乐，有人曾将其比作天国的语言，也有天籁之声之说，但无论怎样，在我看来，音乐也是表达事件或情感的一种方式，如同面对一个感人的事件，画家作画，作者写文章，记者拍照，政客演讲，而音乐作家用音乐的方式来表达，只是音乐的方式对很多人来说不如文章、画面等表现的直接而已。
音乐，旋律的变化，如同文章的.起承转合，其最终体现的音乐深层的东西，对人性本能或精神的刻画或追求，如同我们看很多优秀的电影或伟大的著作一样。
在很多音乐作品中，情感的表达是最常见的一种，很多音乐如同文章或电视一样，同样能让你身临其境，音乐本身似乎也在讲述一个或优美，或凄婉的故事，让你如醉如痴。我以为就此类型的音乐而言，中国民乐，日本音乐、西方音乐多是如此。入神听来，听音乐与看电影无差别。
但即使此类型的音乐若想听懂，却也非易事，这并非说听者需要多高的知识素养，我觉得应该是听者和音乐作者本身心灵、环境、阅历等方面的多大程度上的相似或想通之处。我记得我最初听月光曲的时候，并未感觉到其有多好听，后来一次的偶然的月夜，我一个人走在乡间的下路上，耳边响起月光曲，音乐、晓月，幽静的下路，轻轻的音乐，感觉如此之美，如果换个环境恐怕难有此心境。
中国古典音乐很值得一提，尤其中国有些经典名曲，如果上述的音乐是将故事层面，那么中国有些古典音乐堪称精神食粮了，要想听懂这些音乐实在太难，原因我认为，没有那份雅兴，没有那个文化，没有那个素养，没有那个境界，也没有那个阅历……我就是这个层面中的一员，对于中国古典音乐很多听不懂。记得当年阮籍（或是嵇康，不是很确定）郁闷之极，到山中请教大师，与大师讲了很多，但是只笑而不语，阮籍只好别过，郁闷之极，下山途中，长“啸”一声，却引大师也“啸"，啸声彼伏，啸声长了语言，长了音乐。平时我等常人，郁闷之时，长叹一声，这一”叹“又蕴含多少无奈啊。
中国很多名曲，完全达到了人与自然的融合，开篇很大，环境优美，似灵魂在山林中穿越，达到了天地人和谐统一的境界，听此音乐实在是一种精神上的享受，然听懂者实在需要与音乐本身或作者有太多的契合度，否则难以领会其中味道。
好的音乐能让你平静下来，如同一个技法高超的按摩大师，能让你的心灵平静下来，让你与音乐溶于一体。
音乐，一种让人享受的文化载体！
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十四
美术鉴赏课虽然结束了，但却让我受益匪浅，老师给我们看的纪录片让我了解了中国及世界其他国家的美术发展进程，让我感受到艺术给人带来的美感，也让我更善于发现生活中的美，审美观也有了很大的提高。在我们的课程中，我最感兴趣的是以莫奈为代表的印象画派，所以我的论文是以《日出印象》来看印象画派。
清晨的海港，海面上薄雾弥漫，一轮红日正从地平线冉冉升起，给清凉的雾气和粼粼的海面渲染了淡淡的红色。几艘小船正缓缓驶来，远处的货轮也开始工作了，整个海港在曙光中慢慢苏醒，阵阵暖意正随着那轮红日扑面而来，破晓前微凉的雾气也在渐渐散去。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现„„这就是三十二岁的莫奈给我们的日出印象。静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。一种素描的风格，一种诗的意境。
在十九世纪的法国，当一些前卫的艺术家已经厌倦了新古典主义的条条框框，陈旧的题材，宏大的场面，理性的构图，完美的人体，这一切新古典主义的核心传统都已经成为束缚，这些艺术家渴望冲破羁绊，尽情地抒写眼前的世界，抒发内心的向往。于是，一些新的绘画流派相继产生，其中对后世有着巨大影响的就是印象派，他的领袖就是法国人莫奈，而这幅《日出印象》也是最具代表性的一幅，同时更重要的是“印象派”这个名字便从这幅画得来。
但是印象派的出现并不是空穴来风，它的出现有其复杂的渊源。可以追溯到文艺复兴，人们的自我意识开始慢慢增强，画家也开始越来越尊重自己的主观感受，希望表现自己眼前真真切切的世界和内心真实的感情。而且这也是科学技术的发展，吸收了自然科学对色彩的研究，人们渐渐发现，物体的色彩并不是一成不变的，比如一座教堂是灰色的，但是它在朝阳的照射下就变成了金色，当夜幕降临它又变成了黑色。所以环境和光的变化，物体的颜色是随之发生变化的。印象派画家就是抓住这瞬息万变，转瞬即逝的光与色的印象，然后用自己的笔记录下眼前的景色和自己内心的感受。
莫奈觉得没有什么比这更重要，只有这样才是真正的价值和美好所在。他专注于每一个细微的光彩的变化，它的画面以一种超乎想象的灵动性散发着色彩的生命力。在他的画中，那些色块似乎在人们的眼前不停的跳跃，融合，使观众不知不觉中被带动被感染。《日出印象》便给人这种感觉，我们似乎站在海港不远处一个公寓的窗边，眼前旭日正在冉冉上升，驱走清凉的雾气，带给我们新的一天。
红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。
不再把自己关在画室里闭门造车，不再重现虚构的传说故事，他们带着折叠式手提画架，背着木制颜料盒，搭起遮棚，要着干粮，到野外去写生作画，把亲眼看到的搬到画布上，把实际发生的记录在作品中，把室内绘画变成户外艺术。
莫奈选择他观察日出的地点，不是一望无际的原野，不是山峦起伏的高原，而是他生活了多年的勒阿弗尔港口。他熟悉这里的海岸景色，他脊恋这里的水上生活，他甚至敏感这里的气候变化，所以这幅风景画充满了生活气息，人文的踪影。水光相应，烟波渺渺。几叶扁舟画龙点睛，给画带来了生气，船上的人若隐若现，给画赋予了灵魂。
绘画不是摄影。照片是原封不动地反映外在世界，每一个细节，不管放大多少倍，都绝对真实，都忠于生活。而一幅好的画，却能做到高于生活，用独特的表现手法，经过观众自己视觉的参与，更加栩栩如生，更加活灵活现。这就是我们常说的，不求形似，而求神似。
我们常常喜欢传统的经典的绘画，喜欢那匀和的色彩细腻的笔法，喜欢那维妙维肖，细致入微的表现。其实这往往是把绘画和摄影的功能混为一谈。而印象派，是对传统手法的反叛，小笔触，色彩分割的画法，近乱而远和，近粗而远匀，这开创了现代艺术的先河。此后，后印象主义，表现主义，立体主义，超现实主义，抽象主义，风起云涌，争奇斗艳，画家越来越注重于绘画的形式，而忽略甚至脱离它的情节内容。一直到了现代的抽象派，绘画成了纯粹的色彩组合，而其内容已经无从可知了。
这一切都起源于莫奈，他不愧为印象派之父，首先把自然的真实性降低于色彩表现形式之下，把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸，而有着独立的品格和自主的权利。
历史上没有一个画家，象莫奈那样自觉地运用这样的原理，针对同一主题，专门描绘不同季节，不同光线和不同天气状态下的色彩变化，这类作品被称之“连作”。他会在同一地点支上几幅画架，每天在依次特定的时间在特定的画架上作画，周而复始，来捕捉同一对象在不同时间下的不同色彩。
由此我们来看19世纪的的法国，在“浪漫”以前，其实有很长一段时期的固板和黑暗。那时，法国画坛由官方学院派主宰，画等级森严。年轻人想走艺术之路，路漫漫、荆棘重重：首先要进美术学院听课，画《圣经》故事或以希腊罗马历史题材的学院画参加比赛，获奖者到意大利进修，然后作品在沙龙展出，被美术学院聘用，最后进法兰西美术学院，才得以修成正果。
于是就有一部分青年画家反对官方学院派的墨守成规和独断专行，要求艺术上的革新和创作上的自由。他们经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆，交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。
当时随着科学的发展，光学和色彩学的很多研究成果问世。追求创新的画家们深受这些成果的影响和启发，把它们直接运用到艺术法则上，如：他们认为自然界的一切物体的色彩都是七种原色组合而成的太阳光的照射的结果。在不同的时间、环境、气候等客观条件下，物象受不同的光的支配而产生不同的色彩，如果离开了光和色彩便没有世界。
因此,印象派和古典写实派的首要区别就在于,它把表现“光”和“色彩”的综合效果成为画家绘画的首要任务，而具体的物象只是传达光和色彩的媒介，其本身的意义成為次要。所以我们在印象派的画中看到的是充满阳光和空气感的色块组合，大笔大笔的色块组成画面，展示色彩斑斓的与过去完全不同的视觉效果。其次，由于阳光、空气等环境是瞬息万变的，捕捉“光”和“色彩”带来的瞬间“印象”，便成了画家的另一任务。于是他们把画架搬到室外，面对自然进行写生，以迅速的手法把握瞬间的“印象”。印象派画家们把户外写生发展到最高度，展示出大自然不寻常的丰富灿烂的景象。再者,在构图上，印象派发展也可以说是夸大了古典主义的绘画的透视原则。対透视造成的物体大小形变加以强调,造成一种别致的“第一印象”的效果。另外,在造型上，印象派舍弃物体的边缘轮廓线，代之以较为含蓄的色彩过渡或强烈的色彩变换。也就是说是翻转了造型和色彩的关系，让造型服从于色彩,产生一种光影的朦胧。
所以说印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派画家吸收了写实主义绘画的营养，在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。根据“物体的色彩是由光的照射而产生，物体的固有色是不存在的”这一当时最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色。印象派画家倡导走出画室、去户外写生，力求真实地刻画自然，直接描绘阳光下的风景和日常生活，摒弃16世纪以来狭隘的褐色调。印象派的代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、西斯莱、毕沙罗等。在印象派之后，塞尚、高更和凡·高都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿自然光中的客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受，这就是大名鼎鼎的“后印象主义”三剑客。此后，现代主义的艺术潮流层出不穷，世界艺术形式的大变革开始了。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十五
摘要：中西绘画交流早在明万历年间就有，而清初的郎世宁则是公认的传入西画技法的第一人。郎世宁带来的西方绘画美学思想独特的魅力在于融合了传统宫廷画思想，成就了郎世宁特殊的作品风貌。
giuseppecastiglione，汉名郎世宁，意大利米兰人，生于1688年7月19日，是18世纪以西法作中国画最有成就的画家。由于对东方文化极度热忱，促使他在康熙五十四年（1715）来中国传教。最初以传播教义为目的他为了获取传播天主教的便利和权益入职内廷，为帝王作画，并逐渐受到赏识和器重，至乾隆三十一年六月十日在北京病逝，他在中国的艺术生涯长达五十年。他的作品为了迎合当时封建君主的喜好，不断在中西文化的撞击中成熟，对当时的宫廷绘画产生了一定影响。因其画风受中西方绘画的共同影响，所以采用中西掺和的画法，纵观郎世宁的作品绘画风格特点可从以下几类作品中比较与传统宫廷画的差异。
郎世宁在人物肖像画方面，以当时先进于中国的解剖学作为造型依据，加之擅长运用逼真画法描绘人物，体现出较强的写实能力，因而受到好奇西方学术、艺术和科技的清朝皇帝的器重。郎世宁的肖像作品追求立体感、准确性、比例合理、晕染精细、凹凸分明。这一类作品的特点可以从他几幅比较重要的作品当中如体现出来，其中比较典型的是《乾隆朝服像》《乾隆大阅图》《孝贤纯皇后像》《平安春信图》等。他的肖像作品最具特点之处在于对光源的处理方面，他采用正面光源，抛弃西画过强的光影对比，迎合传统中国画，这样的革新使人物面部整体感觉更柔和更清晰，这是郎世宁欧洲画法融合中国传统技法的再创造。
郎世宁的纪实画作品主要有《马术图》《万树园赐宴图》《平定西域战图》《平定西域回部战图》《丛薄行诗意图》《哈萨克贡马图》等。
这些大型纪实画不仅抛弃了纪实画常用的长卷形式，也抛弃了传统中国画因封建等级制度而过度夸大帝王地位的画法，改为适当的人物比例，但在构图中将主要人物置于显著位置或者加强对主要人物的刻画来强调君主或主要人物的身份特殊性。其特点表现在主要人物具有肖像特征，对人物服装以及背景描绘具体而细致，层层渲染。郎世宁的纪实画不仅在绘画风格技法上有所改变，最重要的是在构图上都有别于传统中国画。
郎世宁纪实画的构图中将人马、聚散、景物处理的富有节奏感，体现了画面的虚实、物象的繁复，但又融洽和谐的关系，具有明显的欧洲画风。同时，他在绘画中也尝试从创作中争得自由，尽量避免把近景远景结合在同一个画面中，纪实画多采用宏观远视的方法，不仅使整个画面感觉有纵深感，还使人物和周围的环境符合实际比例，同时兼顾了中国人的视觉习惯又不违背西方人的作画习惯。
在花鸟走兽类绘画作品中，《嵩献英芝图》《聚瑞图》《孔雀开屏图》《九犬图》《百骏图》《五马图》《柳荫双骏图》《万卉同春图》《仙萼长春册》等是其主要代表作。在绘制这一类作品时，郎世宁发挥了他高超的写生技法，用笔精到，宛然若生，利用西方透视和明暗作水墨画。不管是马匹、树木、水流、土坡，还是花枝、鸟雀等，都非常注重质感的细腻表现。
他在运用西方写生技法画蕴含传统中国元素的作品过程中适当添加了光影处理和明暗交界线的运用，使得花鸟走兽有了栩栩如生、呼之欲出的感觉。
在郎世宁的这类作品中，他更多的是来塑造形体，减弱了笔墨线条独立的审美意义，然而笔墨线条是中国绘画和书法造型的基础，对于受西方绘画影响较深的郎世宁自然难以体会笔墨线条的微妙乐趣，更多的是在意形体结构的把握，所以笔法全无。虽然如此，但是也给予了这个外国人改变中国传统中国画更大的发展空间。这种作画方式使他的画体积感和真实感以及空间感更强。这种有别于传统的绘画技法，是对传统中国画的一种补充，也是一种冲击，在画坛中开拓了崭新的艺术天地。
郎世宁在进入中国前学到的西方绘画特点是写实、写生、忠于自然、忠于光源、忠于黄金分割、忠于人体解剖，力求再现生活；同时，他也被中国画所体现的意境所吸引。因此，他尝试着适应中国的欣赏习惯和宫廷的需要用西法画中国画，郎世宁学习中国画技巧并不断用中西不同的观察方法和表现方法改造传统中国画。
总之，他致力于中西画法的变通与折衷，对传统中国画来说不失为一种很好的突破和尝试。虽然我们可以站在中国传统绘画或西方传统绘画各自的角度来评价郎世宁的绘画，但是我们也应该认识到他的作品所呈现出的这种特殊面貌中中西碰撞的艺术价值。
他的中国画中和了中西方的差异，也在一定程度上改变了中国人的审美趣味，因此要将他的作品放在特殊的历史文化背景下研究，郎世宁的画代表着一种新的审美趣味和一个新的画派，对后人在中国画探索新的技法或表达形式上有所启迪并产生深远而积极的影响。另外，郎世宁曾与中国士大夫年希尧探讨西法透视，并用年之笔撰写了《视学》，这也是一部详细介绍郎世宁西法绘画技巧的理论著作，也是最早介绍西方透视法的著作。而且，郎世宁的油画功底深厚，还给中国宫廷培养了一批学习油画的宫廷画家，对中国传统绘画与西方技法的融合发挥了重要作用。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十六
鉴赏是小学美育的灵魂，是打开儿童美丽心境的钥匙。一个对生活充满热爱、对生命充满理解和尊重的人，总是会从不同角度去鉴赏，发现美和价值，这在教育中是一种真正的、充满智慧的大教育观。在小学美育中，鉴赏更是必不可少，范围也是非常广泛的，课堂教学的艺术鉴赏课外教材的补充鉴赏，兴趣爱好的培养鉴赏，人才的赏识教育，从一幅画，一节课，一本书，一个人，一个国家都有他值得鉴赏的魅力。下面我来谈谈鉴赏教学的多种形式。
任何美术作品都不是孤立存在的。不是真空的产物，都是在特定的历史文化背景中创造出来的。因而在进行美术鉴赏教学时，不能单纯地讲技法，而要将作品回归到原有的历史环境中，回归到特定的文化情境中，让学生真正体会到作品所要表达的人文含义。
教师可介绍作品产生的时代背景和相关的历史故事，加深学生对作品内涵的理解。如青铜器、秦俑体现了中华民族的民族精神，中国山水画体现了意境和神宗意识，古希腊艺术体现了崇尚理想与科学的精神，文艺复兴时期艺术作品体现了人文主义思想。在鉴赏中国古代山水画时，可以放一段中国古筝名曲《高山流水》，一方面能够集中学生的注意力，另一方面能够促使学生理解山水画的意境。有时还可以选择一些具有文学情节的作品供学生鉴赏，如在鉴赏齐白石的作品《虾》时，教师可以轻声吟起齐白石的诗：“塘里无鱼虾自奇，也从荷叶戏东西；写生我懒求形似，不厌声名到老低”，帮助学生体会作者创作时的心态，尽快融入到作品的情境中来。
伟大的教育家苏霍姆林斯基曾经说过：“没有一条富有诗意的、情感的和审美的清泉，就不可能有学生全面的智力发展。”可见，生活是艺术创作的源泉。生活中的美术现象俯手可拾。在美术教学时，可以密切联系学生的生活经验，把课内与课外、校内与校外结合起来，创造出一个宏观意义上的美学情境。我们可以带领学生到校园中走走，让他们分析、评论校园建筑的布局和特色，找自己感兴趣的建筑进行全方位观察。如果有条件，我们还可以带学生参观当地的美术馆、博物馆、宗教寺庙、园林、民居；或者来到野外，那初升的太阳、绚丽的晚霞、雨后的春笋、雪中的高楼等绚丽多彩的大自然会牵动着儿童的心，为美术教育提供极好的营养品。打破教师对讲台的垄断，打破教科书对课堂的垄断，开放课堂，提供多元化选择，以真正适应课程改革的需要。比如《校园小记者》书本要求学生出一期校园小报，学习艺术字。我要求学生当一次真正的小记者，走出课堂，采访学生和老师，以亲身经历来积累资料和经验。在实践中体会艺术的真谛。
人类以眼睛、耳朵、皮肤、鼻子等多种感官去感受美，这在以美育人的美术教学课堂中尤为重要，因此应利用多种途径加以调动。例如：精美的挂图、优美流畅的语言、生动形象的表情、优雅的举止、得体的服饰、悦耳动听的音乐等等，形成了美的教具、美的语言、美的表情、美的服饰、美的音乐、使美无处不在，美贯穿始终，让学生感到上一节美术鉴赏课就是一种美的享受，在潜移默化中受到美的熏陶。
学生鉴赏美术作品所得到的感受肯定是见仁见智的。不过，由于受经验和能力所限，他们的看法也许是幼稚和片面的，但只要是真切的感受，我们就应该给予尊重和认可，不必强求统一。现代美术教学非常重视让学生表达自己的感受，我们一定要有意识地为学生创造这种机会。
课堂是交互式的主平台。教师可引导学生在鉴赏过程中讨论，在讨论中鉴赏，可以从对作品的题材、主题、造型要素与形式等进行讨论，还可探讨作品的风格，内涵，即感情、观念、思想等。鼓励学生在个性的基础上大胆地表现，发表自己与众不同的见解。积极创设生动和谐的氛围，展开想象的翅膀，发挥创新的潜能，做到敢想、敢说、敢做、敢画，培养学生的创新意识。
计算机可以将课件制作水平提高到一个新的水平。如在教学中，对于点、线、面、体的理解，以前只能枯燥地讲解，现在通过计算机的帮助，教师可以成功制作出简易动画，演示点到线、线到面、面到体的整个运动轨迹，并运用在画中的不同位置来观察不同的视觉效果。从而更好地理解作品构图。
美术鉴赏课有很强的直观性，使用计算机辅助教学，通过数码投影仪，就可以将作品清晰地放大展示，让学生在鉴赏课上能够真正地“鉴赏”。
别林斯基说：“美和道德是两姐妹”。从本质上看，不道德的事物是不美的，只有符合健康的审美心理的事物才是真实、高尚、道德的。换而言之，一个人只有接受了卓有成效的审美教育，在其发现美、评价美、追求美的过程中，形成正确的审美评判标准，才可能成为一个高尚的、有道德的时代新人。因而，在美术教育中渗透思想品德教育，是不可推卸的责任。教师应根据鉴赏作品所蕴含的丰富的内涵，挖掘和强化作品中的德育因素，将思想品德教育、行为规范教育、人格情操教育、理想和人生观教育有机地结合到教学活动中，以实现“教书育人”的最终教学目的。
当然，在艺术教育中不仅有教师对于学生美术鉴赏的教育，更有对于学生个人的鉴赏，对人的鉴赏，远比一副艺术作品的鉴赏更具有前瞻性，我们教育的根本是人，推动社会发展的也是人，学生就是我们国家未来的希望，世界的未来主人，因此，人才的培养就是对人的鉴赏，先鉴赏，后发展，是如今教育界流行和倡导的理念，“鉴赏”不仅仅是“爱”，更是信任、尊重、理解、激励、宽容、提醒。通过鉴赏教育，帮助学生找到学习、生活乃至未来发展最合适的位置，让他们将自己的个性和潜能发挥到极致，获得生命的乐趣。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十七
在高中音乐教学活动中，音乐鉴赏的教学占有很大的份量，音乐鉴赏教学不但能够潜移默化的影响学生的人格，还能感染学生的内心。然而目前很多高中的音乐鉴赏教学现状却不容乐观，不但教学设施陈旧，教师的教学方法还比较单一，严重的影响着学生鉴赏音乐的能力。因此本文就对高中音乐鉴赏的现状进行了分析，并根据分析现状中得出的问题，提出解决对策，为高中的音乐鉴赏教学提供参考。
音乐鉴赏；高中音乐教学；存在问题和解决对策。
众所周知，音乐能够陶冶人的情操、体现人们的审美情绪、表达人们的思想情感。而高中作为学生生涯中一个非常重要的阶段，其音乐教学的主要任务就是提高高中生的音乐鉴赏能力，让学生通过教师的教学掌握正确的鉴赏音乐的方法，提高学生的审美水平。
目前很多高中音乐鉴赏存在的主要问题就是，如音乐教学设施陈旧、对音乐教学的不重视以及单一的教学方式等，严重的影响着学生的音乐鉴赏能力。因此必须要对其进行完善和改正。
（一）音乐教学设施陈旧。
目前很多高中院校的音乐教学设备都比较陈旧，主要体现在教学设备和音乐教材陈旧方面。并且随着我国科技的发展，网络的普及，陈旧的教学设施很显然已经无法适应目前音乐教学的需要了，极大的限制了学生学习音乐的积极性和主动性。同时陈旧的音乐教材，即无法满足学生对音乐的追求，也无法提高学生的审美观念，让学生在音乐鉴赏中还会出现一些错误性的理解。而且很多教师习惯性的选择流行音乐作为音乐教材，让学生对音乐的兴趣只停留在流行音乐中，对于中西方比较经典的音乐作品却不感兴趣，极大的影响着音乐鉴赏的教学。
（二）对于音乐教学不够重视。
受应试教育的影响，我国很多高中院校的教师和管理人员都对音乐课程有着一定的偏见，主要原因就是音乐课程不是高考的考试范围，因此不被重视。并且很多学校和老师都对音乐教学一直抱有负面的态度，认为音乐课程会影响到学生的学习成绩，因此即使有音乐鉴赏教学，也会被语文、数学以及地理等科目的教学所取代，严重的制约着音乐教学的开展。
（三）教师教学方法比较单一。
目前很多高中的音乐老师在教授学生音乐鉴赏时，以理论式为主，缺乏跟学生的互动。并且加上学生的人数比较多，教师在教学过程中也无法做到因材施教，经常的将音乐鉴赏课当成是分析课，从而大大的降低了学生学习音乐的兴趣。同时高中很多音乐教师都是业余的，不但缺乏基本的音乐素质，教学水平还比较低，其教学的方式只是为了完成教学任务，从不去考虑如何教授好音乐课程，来陶冶学生的情操。而且还有很多音乐教师在备课过程中，只关注怎么样准备教材，却没有准备如何给学生留出音乐鉴赏的思考空间，激发学生的思维能力，培养学生的创造能力，从而无法真正的发挥音乐鉴赏教学的作用。
可以从激发学生对音乐鉴赏课的兴趣和加强师生间的交流互动的方式来提高音乐鉴赏教学的能力。
（一）更新音乐设施，做好基础性的保障。
上文中我们分析到目前很多高中学校的音乐设施比较简单，甚至有的还没有音乐设施，因此必须要更新音乐设施。首先学校和领导应该意识到音乐鉴赏教学的重要性，让其了解到音乐鉴赏教学不会影响到语文、数学以及英语等高考科目的成绩，反而会让学生能够在音乐鉴赏中，放松心情，以更好的状态去学习高考科目。其次更新音乐教学设备和教学设施，如钢琴、长笛、多媒体教室等，以此来为音乐鉴赏课程的教学提供基础性的保障。
（二）体会音乐时代背景和音乐风格，激发学生的兴趣。
在激发学生对音乐鉴赏课的兴趣时，首先要让学生体会音乐的时代背景和音乐家的音乐风格。高中生目前正处于人生中一个非常关键的阶段，不但学习压力大，情感还比较困惑，因此音乐鉴赏课的教学不但有利于帮助学生树立明确的学习目标和人生目标，还能有效的抚平学生浮躁的情绪。在音乐鉴赏课中通过分析音乐家所处的时代背景和音乐的内容，让学生了解的音乐家的音乐风格，以此来激发学生对音乐作品的兴趣。如通过聆听贝多芬的作品，不但可以了解英雄主义时代的特征，还能了解到贝多芬的音乐风格，从而拓宽了学生的视野，提高了学生的音乐鉴赏水平。同时还可以让学生聆听不同题材的音乐作品，让其能够从各个角度来体会音乐的魅力。如通过听莫扎特、德彪西的音乐作品，感受其音乐表达方式，了解其音乐风格，以此来提高自己的音乐鉴赏能力。
（三）加强师生之间的互动。
鉴于目前很多高中学校的音乐鉴赏教学采用了灌输式的教学方式，不但无法激发学生的兴趣，也没有拉近师生之间的关系，影响着学生音乐鉴赏的成绩。因此本文认为可以采用互动式教学方法，来有目的的开展师生之间的互动，让学生成为教学的主体，教师作为教学的引导者和交流者，为学生营造一个民主的课堂氛围，让学生在轻松愉悦的教学过程中感受到音乐的感悟。并且在对互动式的教学过程中，教师还需要善于聆听学生的意见，要以鼓励和表扬的方式，对学生进行指导，以此来保证音乐鉴赏的教学成绩。如在多彩的民族风的音乐鉴赏课中，教师应该根据教学要求，来组织学生对民族音乐的产生和发展进行讨论，鼓励学生勇敢的发表自己的音乐看法，让学生在互动的过程中，体会到各个民族音乐的特点。教师在讨论过程中，应该根据学生的看法和意见，及时的进行补充，不但加强了师生之间的互动，还能学生真正的掌握了音乐鉴赏的能力。同时在互动过程中，教师切莫急于求成，必须要循序渐进，以此来让学生充分的理解教学内容，增加学生的课堂和情感参与度，保证教学成绩和学生的音乐鉴赏能力。
三、结束语。
综上所述，高中音乐鉴赏在提高高中生的整体素质中发挥着非常重要的作用。高中音乐教师必须要优化自己的教学方法、提高自己的教学水平、提高对音乐鉴赏教育的重视，以此来促进音乐鉴赏教学的开展。
参考文献。
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[2]靳月。浅谈高中音乐鉴赏教学存在的弊端及其对策[j]。音乐时空，20xx，（7）：119—119。
[3]高杰。高中音乐课堂教学存在的问题与对策[j]。成功：教育，20xx，（9）：171—171。
作者：刘光鹏单位：湖南隆回县万和实验学校。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十八
摘要：
音乐鉴赏是高中学生的必修模块，它是对欣赏音乐有更高层次、更高要求的感受和体验。目前学校音乐课仍然采用以“教材为主”，采用传统知识性灌输的方式开展教学，忽视学生对音乐的热情。所以在音乐鉴赏课上，要采用一种多元文化态度，利用“体验式教学”模式来开展高中音乐鉴赏教学工作。
一、“体验式音乐教学”的特征与模式。
（一）“体验式音乐教学”的作用。
1、提供多元的审美内容：如汲取世界音乐精华，融合姊妹艺术文化：“体验式音乐教学”的内容选择具有开放性和综合性，在课程内容的选择上可以吸收具有时代感、富有现代气息的优秀作品。
2、学会自主学习：音乐教学的网络环境，教师引导学生成为信息加工的主体。现在各种媒体所传播的不同风格的音乐给学生带来强有力的吸引力和选择范围。教师应尊重学生的选择，把优秀流行歌曲和通俗歌曲纳入教学计划，让学生自动学则健康有益的流行歌曲，在此过程，教师只进行把质量关即可。
3、培养学生的群体意识和合作交往能力应试教育的影响，学生的一大半的时间都在为考试而学习。并且无论在学校．老师还是家长眼里，成绩就是说明学生的一切。学生长期处于这样的压力下，心理健康受成绩额影响很大。在音乐课堂上采用“体验式”，让学生敢于交流自己的内心，缓解学习压力，培养他们的群体合作精神。
（二）“体验式音乐教学”的基本模式。
1、课内型的“体验式音乐教学”
在音乐课堂上，老师根据学生的情况设计教学内容，如通过教师示范辅助，如在高中音乐鉴赏第二单元《腔调情韵—多彩的民歌》，学习当中，老师会结合不同地域的民歌作典型乐句的不同的范唱，使学生能深入地理解各地民歌的演唱特点；有的音乐老师还给他们跳各地的民族舞蹈片断，让他们更深切地感受当地的民俗风情。这样的音乐教育方式深受学生的喜爱。有时，在音乐教育中，老师会在教学中按照学生的需要，把流行音乐带入课堂。让学生有选择去唱优秀的、明朗向上的作品。这样的方式在潜移默化中学生陶冶了情操而又毫无说教的枯燥。
2、课外型的音乐体验式教学。
“艺术源于生活”，在有条件的情况下，教师可结合实际情况，带领学生参加文艺汇演、民间艺术活动；组织学生欣赏综艺节目，或者一起对晚会、节目、台词、灯光、音响、服饰等进行品评和讨论。
二、“体验式音乐教学”的实施措施。
“体验式音乐教学”的教学情境创设要坚持“诱发性、真实性、接近性、合作性”的原则。具体措施初步归纳如下：
（一）创设体验情境，融入情感。
首先可创设实物演示情境即以实物为中心，略设必要情境，构成一个整体，以演示某一特定情境。如欣赏竹笛曲《姑苏行》时，可以用笛子演奏片段，用投影仪播放苏州园林美景，教学效果会达到事半功倍的效果。老师在音乐课上让学生欣赏《日落时分》、《海滨》、《圣歌》、《短小的故事》、《仙境》、《往日时光》，学生的心理和身体都会处于非常放松的状态；当让学生欣赏或演唱《太空计划》、《前奏曲》、《希望之歌》、《旋转》、《巴赫主题变奏曲》以及朝鲜族歌曲《红太阳照边疆》时，学生都觉得自己更自信了；还有当让学生欣赏诸如贝多芬的《英雄》、《命运》、《田园》以及《五星红旗》等这些雄浑大气、荡气回肠、催人奋进的音乐，可以缓解学生的自卑胆怯心理；而让学生们唱朝鲜族民歌，促进他们热爱自己家乡，自己民族的情怀。
（二）让学习方式与学习环境巧妙融合。
在学校，除了在班级内采用“体验式音乐教学”外，学校可以利用现有的条件，如课间广播，在不同的时间段选择不同的音乐进行播放，如在早上可以播放《山水情》、《振作精神》、《松弛》等，而晚上可以播放《小憩》、《晚安》、《日落时分》、《往日时光》等类型的音乐，让学生早上起来有个好心情，晚上可以放松的睡觉；中午课间播放能解放紧张的精神和肉体的音乐如《玛雅的故乡》、《多伦布的黎明》等类型的音乐；在饭间可以播放进餐音乐，如《爱》、《我渴望的欢乐》、《记忆》、《我得爱》等。通过这样，可以让所有学生在不同的时间段，不同的环境下，心理都得到放松，这样会使学生能更投入学习。在音乐课内外，可根据不同的内容创造不同的环境来刺激发展学生的各种才能，有助于对学生既“扬长”，又能“避短”，一专多能。
（三）师生互动，分享体验。
在音乐的学习中，让每位同学分享自己的心得，同学们之间敢于面对面讨论音乐，学生之间的互相分享在知识上可以互相增进，每位同学可以有机会查看彼此的内心世界，学会不同方位的思考，也可锻炼学生的语言表达能力。三、结语老师音乐教育课内容的选择教学内容的选择，尽可能的多体现多样化及现代化的特点，把学生的实际需求和现代社会音乐的发展走向。在音乐课上，老师要多关注培养学生的情感的表现．审美的能力。教师如何在课堂中善于运用“体验式”教学，还需要教师的长期揣摩和学习，能让学生在主动参加的过程中学到知识，是一项长期而有意义的工作。
参考文献：
[1]郭文庆。音乐鉴赏课“参与———体验”教学模式初探[j]。职业教育，20xx，（07）。
[2]赵冰。浅析高中音乐鉴赏课中的情感体验[j]。现代阅读，20xx，（21）。
[3]张静。如何提高中学音乐鉴赏课的教学水平[j]。中学教学参考，20xx（33）。
作者：冷保全单位：山东省临朐县实验中学。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十九
书法是我国著名的出品，书法字体有很多种，学习好书法鉴赏，更加提升自己内部素养。下面是本站带来的书法鉴赏的。
心得体会。
仅供参考。
一个学期的鉴赏学习让我对原本陌生的书法鉴赏有了一定的了解。醉过方知酒浓，当置身于那一幅幅优秀的书法作品中，才知道书法爱好者如痴如醉地“求工于一笔之内，寄情于点画之间”那种情结为何!
书法是一门艺术，现在真正欣赏书法的还只在书法界搞书法创作的专业书法家和书法爱好者，非从事书法创作的能欣赏的人还不多，大多数人还只是一般看看而已。有道是“外行看热闹，内行看门道”，要瞧出门道，就必须懂得入此门道的方法，掌握这方面的知识，而很多非专业的人缺乏这方面的知识，对书法的欣赏只停留在“好”与“差”的感觉的层次上，是非常笼统和模糊的。要做到知其然知其所以然，必须多看多写多练。曹老师建议，作为初学者的我们学写字先从楷书或隶书入手。掌握各种笔法后再学其它书体就有了基础。临帖是练好字的必需手段。不临帖，全凭自己想法随意写，是上不了路子的。学写毛笔字一定要有恒心与毅力，要持之以恒，戒骄戒躁，不能一曝十寒。常说：“只要工夫深，铁杵磨成针”。
毛笔字比一般的硬笔书画在线条的要求上更为细致，它的笔画并不是从如至终完全一样的，从提笔，运笔到最后收笔，线条的丰满程度都有所不同，只有良好的视知觉能力才能对整个字的边、线和角有一个正确的把握。而且，对着墨的多少全控制在手腕与手指之间，对手部小肌肉的精细控制能力要求很高，力度的把握也十分重要。
练习书法能使人静,而静又是书法的前提!静以修身，对书法的追求是一种境界，曹老师说他从很小的时候开始便喜欢写写画画，还给我们展示了他十几年前的作品文章.和他的一些书法练习手稿。这也使我联想到了很多，这个时代的人们，当然这其中也包括我自己，都是很浮躁的，做事情缺乏持久力，也总是静不下心来!而老祖先留给我们这么多宝贵的艺术财富却不知道好好的运用!认真练习书法，不但可以提升我们自身的修养，还可以让渊源的文化传承发扬下去。
对书法的追求是一身的。点点滴滴的珍藏，汇聚成一本本的快乐来源!
大一第二学期上了光德兄的中国文化概论后，感觉受益匪浅，本学期再一次选了光德兄的课—《书法艺术鉴赏》。
我原本就对书法艺术颇有兴趣，不过那是很小的时候，那时候没有qq，也没有计算机游戏，闲暇时，就把学校发的书法书拿出来观看，临摹，感觉非常有意思。不过渐渐长大，我就已经没有时间花在书法上了，甚至到初中，书法可都取消了，而我也要应付大量的课程，所以书法艺术与我渐行渐远，不过，以后看到字写得好的人，我会忍不住向他们讨教，看到一个字漂亮的写法，我也会记下来，慢慢练习。
正如光德兄所说，《书法艺术鉴赏》这门课的名字并不合适，因为我们对书法艺术了解并不多，根本就没有鉴赏的水平，只能说是一堂‘扫盲课’，不过通过这堂‘扫盲课’，我还是收获不少。
第一个收获，是再一次与一个良师益友共度一个学期，在大学，每一堂课都能够座无虚席是一件不容易的事情，但光德兄李教授偏偏做到了。这与他独特的人格魅力是分不开的，吸引我们听他的课的原因主要有两个方面，第一个，当然是他渊博的学识，师者，传道受业解惑嘛，光德兄治学严谨，精益求精，学术积淀丰厚，而且它本身就是一个书法家，一个书法家来上书法艺术课是再合适不过了。他每一堂课的板书，都可以看作是几幅书法作品，每堂课我们都能欣赏他的书法作品，实在是很幸福的一件事。另一方面当然就是学术意外的东西了，光德兄李教授年逾花甲，却还愿放下身段，与我们称兄道弟，推心置腹，这让我们十分感动。而且光德兄坚持四项基本原则的教学方法别具一格，语言风趣幽默，常常能让我们忍俊不禁。课堂气氛十分活泼。在光德兄钢杆弟子qq群上，经常可以看到李教授写的一些东西，让我们感慨颇深。光德兄在课堂上也教给了我们，一些为人处世的道理，这在大学里面是不多见的，李教授做人力求完美的精神很值得我们学习。
第二个收获，当然是学术上的。在上《书法艺术鉴赏》课之前，我对书法艺术的认识相当肤浅，仅仅知道什么样的字是好看的，另外也就知道一些常见的几种字体而已。通过这一学期的学习，总算对书法有了更深的了解，不至于贻笑大方了。每堂课，光德兄会在黑板上挂上几幅书法作品供我们欣赏，然后讲解，介绍。;这种做法使我们离书法艺术更近，而不是像其它班那样仅仅是展示几张图片而已，这样不显得那么空洞，枯燥。总之，通过这堂课，对我来说，光德兄‘扫盲’的目的肯定是得到了的，今后与人谈论书法艺术方面的东西时，应该能谈上几句了。
《书法艺术鉴赏》是一门人文素质选修课，当然不会有多高的要求，对很多人来说，不过是偶尔光顾一些，凑凑学分罢了，但我不这样对待，这些课旨在提高我们的人文素质水平，而且当代大学生的人文素质水平确实有待提高，很多人连汉字都不能写的工整好看，对一个中国人来说，并不是一件光荣的事情。听这类人文素质课，在学习知识，拓宽视野的同时，也陶冶了情操，在某种程度上提升了做人的境界。
在我们的人生道路上，能够遇到几位良师益友，确实是非常幸运的事情，祝愿光德兄身体健康，早日完成他人生第三阶段的目标，但愿自己以后能多遇上几个这样的良师益友。
前些日子逛书店时，买了本《楷书技法与指导》的书，粗粗的浏览了一遍，对里面谈到的关于书法欣赏的内容有了兴趣。
书法家沈尹默说过“世人公认中国书法是最高艺术，就是因为它能显出惊人奇迹，无色而具画图的灿烂，无声而有音乐的和谐，引人欣赏，心畅神怡”(《书法论从》)。确实，一件优秀的书法作品，往往能令人百看不厌，心旷神怡，爱不释手。像唐太宗李世民对兰亭的喜爱一样，甚至都到了自私的陪葬的地步。
书法欣赏它本身有一定的规律：
首先书法是属于视觉艺术，它主要是通过作品对视觉的冲击而产生的。因此在欣赏上要注意反复不断的观赏玩味。
第二，书法欣赏的能动性。书法欣赏是积极的、能动的，怎么理解呢?书法的欣赏也要像美术、音乐作品的欣赏一样，离不联想和想象。如果欣赏者仅仅像认字一样看待书法作品的话，我想他只要把作品年成是一些刻板抽象的符号，而没有任何美感而言。因此在欣赏书法作品时，要充分发挥自身的联想和想象，充分的体验作者的每一个动作，每一次用笔铺毫，体会每一个急慢快缓的动作，这样才能充分体验书法的节奏、美感。
第三，书法欣赏的主观色彩。书法作品的欣赏是一种艺术的再创造，因此欣赏者不同的文化程度，性情气质，审美经验等都会对作品产生不同的看法，正所谓的“仁者乐山，智者乐水”。
同时书法的审美标准也可以从以下几点进行：
一、点画的线条美。
书法家运用提按、顿挫、轻重、粗细、强弱、徐疾等用笔的技巧，结全用黑的枯、湿、浓、淡等丰富的变化，使书法线条产生了极强折力感和情感之美。因此在审美的过程中，要注意书法线条的变化，体验作者的情感和动作变化。
二、结构的造型美。
对于书法作品的欣赏，首先人们往往会从作品上的文字内容入手，以字为单位进行一逐个的往下看，因此有了丰富的线条表现力后，也要注意整个字的结构变化。如《兰亭序》中的二十个“之”字一样，尽管字的点画简单，但个个姿态各不相同，极尽变化，就充分表现了字体结构的造型美同时也体现了作者对字极强的处理能力。
三、章法的整体美。
这一点主要是体现在作品的整体效果上，除了点画、单字的欣赏上，整体的效果也是十分重要的。章法也称为“布白”，其实质是指作者对作品中空间虚实的艺术处理。“实处之妙，皆由虚处而生”，“虚”与“实”，“白”与“黑”，相依相生，体现出虚实结合的美原理。因此要注意作品中章法的欣赏。
四、全幅作品的风格美。
风格，用马克思的话来讲：“风格就是人”，说具体一点，“风格在这里一般指的是个别艺术家在表现方式和笔调曲折等方面完全现出他的人格的一些特点”(黑格尔《美学》)。因此在书法作品的欣赏上，要注意对作者的风格化的认识与欣赏。
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书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇二十
大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。从而，促进大学生全面和谐的发展。
有生即有情，有情即有艺术。故艺术非专科，乃人所本能；艺术无专家，人人皆生知也。晚近世变多端，人事繁琐，逐末者忘本，循流者忘源，人各竭其力于生活之一隅，而丧生其人生之常情。于是世间创立“艺术”为专科，而称专长此道者为“艺术家”。盖“艺术”与“艺术家”兴而艺术始衰矣！出“艺术”之深宫，辞“艺术家”之尊位，对稚子而教之习艺，执途人而与之论美，谈言微中，亦足以启发其生知之本能，而归复其人生之常情。是则事事皆可成艺术，而人人也皆得为艺术家。著名艺术家丰子恺先生的这段话讲的非常深刻，艺术应该是属于全民的。而现今艺术的创造却被集中在艺术家身上，这并不利于大学生们艺术素质和审美观的提高。普通高校加强美育，主旨是在“育人”，是要教育学生逐步树立马克思主义的审美观。审美观是关于美、审美、美的创造等问题的基本观点，是世界观和人生观的重要组成部分。而大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。从而，促进大学生全面和谐的发展。由此可知大学生学习美术鉴赏课程对于大学生素质的培养有着非常重要的作用，所以就更应该实现美术鉴赏课程在大学里的普及。这里的普及不能单单只是书本、字面上的普及，而是真正让大学生实现在精神上的普及，真正的了解学习美术鉴赏课程的意义，这就需要我们大学生能真正的看透一些问题。那么以下这些问题能够帮助我们更好的认识到学习美术鉴赏这门课程的必要性。
标志。它继承和发展着人类的文明成果，传播、保存、融合、发展着民族的文化，是民族形成、生存及发展的生命机制。美术教育作为一种精神生产，对人们的社会心理、风俗习惯、道德规范、文化传统有至关重要的影响，成为整个文化建设的基础。
二、美术鉴赏课对大学生的全面而深刻的影响体现在哪些方面呢？首先它表现在以美引善蔡元培先生大力提倡“以美育代宗教”，就是因为作为“美育”的重要载体之一的美术有辅助道德进步的教育功能。大学生的思想品德不是先天具有的，也不是后天自发形成的，而是在社会、家庭，特别是在学校教育中形成和发展起来的。美术鉴赏课就是学校的教育课程之一。人的道德理想、道德认识、道德情感、道德行为建立在审美的基础之上，并以美作为追求的价值取向。在思想道德素质养成过程中，美术鉴赏课把中外美术精品直接呈现给广大学生，使他们产生“直观”的美感。“审美带有令人解放的性质”，能使人的主体性得到美的提升，前苏联教育家霍姆林斯基说过：“美是人的道德财富的源泉。”高校的美术鉴赏课是普通美术教育工作在高校的一种延续，是一种富有强烈艺术感染力的审美教育。这种审美教育是通过鉴赏美术作品的意境、线条、色彩、构图、肌理、空间及作者创作背景等完成的，它可以把高度发展的社会理性转化为直观的、生动的感性形式，其中蕴含的政治思想内容、伦理道德内涵，均使受教育者在提高审美感受、表现能力的同时，心灵得到净化，道德情操得到升华，从而达到崇高的精神境界。生动的艺术形象和直观的构思，给青年学生以启迪、以感动，从美术作品中感受到美，精神上获得愉悦和满足，同时也在潜移默化中获取了很多人文知识，接受了思想道德教育，人的身心得以全面和谐的发展。其次就是就是表现在以美启真素质教育应以培养学生的创新精神为重点。
好的美术作品，可以充分发挥学生丰富的想象力。爱因斯坦曾说过，想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。美术鉴赏可以使学生感知、注意、记忆联想、幻想、创造等思维能力得到发展。通过作品的鉴赏，可以提高学生的视觉感知能力，对各种色彩的象征义和引申义的理解会更加敏锐、协调，可以这样认为，美术鉴赏具有启迪智慧的作用。美术鉴赏的过程是一种视觉思维的过程，也是鉴赏者审美创造的过程。它是鉴赏者通过对艺术家创造的艺术品的感受、想象、体验、理解和鉴别等一系列视觉思维活动，通过对艺术作品的欣赏，从而达到开阔视野、扩大认知领域，提高艺术素养和审美能力的目的。
在美术鉴赏过程中，由于鉴赏者面对的是富于启发性的典型视觉形象，所以会自然地唤起种种有关的联想和想象。在联想和想象的作用下，通过特定艺术形象可以感知和认识更为丰富的内容。中国古代诗论中就有“象外之象，景外之景”之说，宋代诗人梅尧臣要求“作者得于心，览者会以意”。中国画的留白处理，正是留给鉴赏者想象的空间，这是鉴赏者对艺术作品再创造的过程。艺术作品不管表现得多么完整、具体，都留有广大的想象空间，这些空间需要鉴赏者通过联想和想象去丰富和发展，使鉴赏者形象思维能力得到进一步的培养与提高。
创造力的培养是素质教育的核心，美术鉴赏正适合这种创造心理的培养，尤其在美术鉴赏过程中对作品的色彩、比例、空间、节奏等视觉思维的训练，能在潜移默化中帮助学生开拓视野，培养学生具有丰富的空间想象力，开启思维的深度和广度。再次表现为以美怡情美术鉴赏对学生身体素质的提高大有裨益。如鉴赏古希腊雕塑《米洛斯的维纳斯》时，引导学生围绕人体美的标准进行讨论，通过美术鉴赏课帮助学生认识美的时代性、阶级性和多层次性，并转而欣赏“维纳斯”的古典、和谐、健康、自然之美。
美术鉴赏对学生健全心理素质也是至关重要的。美术鉴赏课对学生进行心理素质教育的进程中，首先要培养学生的爱美心理，使他们对美有一个正确的认识和概念，学会欣赏美、鉴赏美、表现美。优秀的美术作品都是作者对自然、人生和社会的理解，是创作者心灵的表露，所以在美术鉴赏中，广大学生可以通过艺术作品这一媒介与作者进行心灵对话，使自己的心灵得到熏陶、感染、净化与提升，从而使学生的认知心理、情性心理、社会心理得到和谐发展。
总之，美术鉴赏中的各个方面、各个环节无一不关联着素质教育，关联着大学生自由和谐的发展。所以我们就要更加强调大学生学习美术鉴赏课程的必要性。主要是逐步树立马克思主义的审美观。审美观是关于美、审美、美的创造等问题的基本观点，是世界观和人生观的重要组成部分。而大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。从而，促进大学生全面和谐的发展。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇二十一
“饰文字以观美”，这是鲁迅先生对中国书法艺术的诠释。古人也有“笔迹者界也，流美者人也”和“书则一字已见其心。”一说。文字的发展是从图形到汉字的，因此书法的历史也很悠远，可以追溯到三千多年前的殷商时代。那时的甲骨文和金文(青铜器铭文)是今天所能见到的最古的汉字，也是中国最古的书法“作品”。金文书法带有美化装饰的倾向，体现了整肃端庄的标准美。后来的秦朝的小篆、汉朝的隶书、唐朝的楷书，还有那些装饰性的瓦当文、美术化的花样字，都接续了殷商金文书法的这一传统。所以书法的发展经历了很多不同的时代。
中国书法艺术开始于汉字产生阶段，中华民族是最早使用线条表达文字意思的民族。而文字一开始的形态图画文字而不是图画，汉字也是这样。汉字的形成是基于绘画，经过线条的改变、刻画符号的发展一步步进化而来，出现在陶瓷上的线条符号具有了美得艺术价值，这就是书法的雏形。
中国书法史上一次大的改革出现在三国时期，楷书的点画线条运动更加丰富多彩，在空间造型上也趋于稳定。楷书出现后，中国书法在字体上的改变也基本结束了。
魏晋南北朝时期是书法发展的一个快速时期，因为当时极大地强调人格的自由和独立，推崇的才情、品貌、风度、言谈、智慧、个性，提出了“文以气为主”，“以形写神”为命题的艺术创作。并且在当时出现了书法的第一个高峰，使书法由古拙向妍美转变了。行、草书也出现在当时，这两种文体以连贯的线条运动为主，并使书法用笔的速度、节奏、笔墨等几方面得到了统一。
唐朝在中国书法史上有着难以磨灭的贡献，如初唐四家：欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷，使楷书向定型化、规范化的方向发展等等。唐朝把楷书推向了后人难以再现的高峰，同时也把草书推向了绝顶。中国书法在唐朝走向了成熟并奏响了历史最强音。
宋代的书法领袖以卓越的艺术实践，奠定了中国书法新的审美理想—“文气”、“书卷气”。他们在汉字字体、书体创新新的技法，在理论上阐述新的观点，。宋代书法成熟的标志是“苏黄迷蔡”的出现，他们以轻快活泼，恣肆放达的手法，以“意”为书的意境使人耳目一新，掀起了中国书法艺术发展的又一个高潮。
元代时中国书法史上力主复古，又别具艺术境界的特定时期。元代有一个很大的特点，即书与画的关系更为紧密。他们把诗、书、画、印连为一轴，这对以后的明、清的画风带来了很大的影响。
明代时书法发展的一个重要阶段，这一时期的书法是沿着宋元传统的基础上继续演变发展的。这一时期有两条发展脉络，一条以“三宋”，“二沈”为代表，第二条是狂草书风为线索，总之，都对清代的书法发展产生很大的影响。
清代的书法风格在当时的经济，思想，文化，政治的影响下具有时代风貌。清代是中国书法史上的“书道中兴”的重要发展时期，碑学的提倡，兴盛为书法的发展开创了新的天地。
现在我想说一说学习书法的心得，特别是在写书法时的体会。我认为书法是一种可以陶冶情操，静心凝弦的好方法。它特别能锻炼一个人的耐心，在心情烦躁时，在心事重重时，在怒火中烧时写一幅贴会有很好的效果，它能使你安静下来，细细思考，感觉就像与外界断了关系，他们影响不到你，你是在自己的世界中，没有人打扰。书法是一件高雅的事，所以我们在对待他时也要有佛家所说的一种境界，来世得菩提时，心似琉璃!所以，在闲暇时我们不妨写上一写，在烦躁时不妨写上一写，在快乐时也不妨写上一写。不求多精，但求明义。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇二十二
稽山水清幽、风景秀丽。东晋时期，不少名士住在这里，谈玄论道，放浪形骸。在晋穆帝永和九年(353)上巳日，这是我国古老的流传民间的一种习俗。人们于农历三月上旬的巳日到水边举行仪式，用香薰草沾水洒在身上，或沐浴洗涤污垢，感受春意，祈求消除病灾与不祥。“初渡浙江有终焉之志”的王羲之，与司徒谢安、辞赋家孙绰、矜豪傲物的谢万、高僧支道林及王羲之的子、侄献子、凝之、涣之、玄之等四十一人在会稽山阴的兰亭，举行一场盛大的风雅集会，流觞曲水，饮酒赋诗，其间作诗三十七首，结纂为《兰亭集》。五十一岁的王羲之于酒酣之时，用蚕茧纸、鼠须笔趁兴疾书，为此作序，这就是“天下第一行书”《兰亭集序》，也称《兰亭序》、《兰亭》。这篇传送千古的名迹，全文共二十八行，三百四十二字，通篇飘逸至极，字势纵横，变化无穷，如有神助。充分体现出行书起伏多变、节奏感强、形态多姿，点画相应。在章法、结构、用笔上都达到了行书艺术的高峰。
《兰亭集序》是王羲之书法艺术的代表作，是我国书法艺术史上的一座高峰，他滋养了一代又一代的书法家。在我学习欣赏之后有如下感想与看法：
天然的布白。《兰亭集序》布局的形式，是采取纵有行、横无列，行款紧凑，首尾呼应的方式。《兰亭集序》一共二十八行，行的疏密大致相等，偶有宽密。如神龙般的通篇行距，前四行较疏，中幅均匀，末五行紧密。字与字之间，打字奥参差，不求划一，长短配合，错落有致。保留了起草时随手书写的自然姿态，颇得天然潇洒之美。
多变的结构。《兰亭集序》的结构可说极尽变化之能事，它不求平正，强调钦侧，不求对称，强调辑让，不求均匀，强调对比。结体或修长或浑圆，突破隶书扁平方正的行貌。特别是文字中有重复者，则转构别体，无一雷同，其中最为突出的是二十个“之”，写法个个不同或平稳舒放，或藏锋收敛，或端庄如楷，或流利似草，变化不一，尽态极妍。
最卓越的艺术品，往往在极小的空间里蕴含着极丰裕的艺术美。《兰亭集序》就是一座袖珍式的屹立于式幅之中的辉煌的书艺殿堂。唐太宗赞叹它“点曳之功，裁成之妙”。黄庭坚称赞说“《兰亭集序》，王右军平生得意书也，反复观之，略无一字一笔，不可人意。”其全文三百二十四字，每一字都被王羲之创造出一个生命的形象，都别出心裁，自成妙构。
欣赏王羲之的《兰亭集序》不仅是视觉上的享受，更是心灵的震撼，此美乃大美。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇二十三
稽山水清幽、风景秀丽。东晋时期，不少名士住在这里，谈玄论道，放浪形骸。在晋穆帝永和九年(353)上巳日，这是我国古老的流传民间的一种习俗。人们于农历三月上旬的巳日到水边举行仪式，用香薰草沾水洒在身上，或沐浴洗涤污垢，感受春意，祈求消除病灾与不祥。“初渡浙江有终焉之志”的王羲之，与司徒谢安、辞赋家孙绰、矜豪傲物的谢万、高僧支道林及王羲之的子、侄献子、凝之、涣之、玄之等四十一人在会稽山阴的兰亭，举行一场盛大的风雅集会，流觞曲水，饮酒赋诗，其间作诗三十七首，结纂为《兰亭集》。五十一岁的王羲之于酒酣之时，用蚕茧纸、鼠须笔趁兴疾书，为此作序，这就是“天下第一行书”《兰亭集序》，也称《兰亭序》、《兰亭》。这篇传送千古的名迹，全文共二十八行，三百四十二字，通篇飘逸至极，字势纵横，变化无穷，如有神助。充分体现出行书起伏多变、节奏感强、形态多姿，点画相应。在章法、结构、用笔上都达到了行书艺术的高峰。
《兰亭集序》是王羲之书法艺术的代表作，是我国书法艺术史上的一座高峰，他滋养了一代又一代的书法家。在我学习欣赏之后有如下感想与看法：
天然的布白。《兰亭集序》布局的形式，是采取纵有行、横无列，行款紧凑，首尾呼应的方式。《兰亭集序》一共二十八行，行的疏密大致相等，偶有宽密。如神龙般的通篇行距，前四行较疏，中幅均匀，末五行紧密。字与字之间，打字奥参差，不求划一，长短配合，错落有致。保留了起草时随手书写的自然姿态，颇得天然潇洒之美。
多变的结构。《兰亭集序》的结构可说极尽变化之能事，它不求平正，强调钦侧，不求对称，强调辑让，不求均匀，强调对比。结体或修长或浑圆，突破隶书扁平方正的行貌。特别是文字中有重复者，则转构别体，无一雷同，其中最为突出的是二十个“之”，写法个个不同或平稳舒放，或藏锋收敛，或端庄如楷，或流利似草，变化不一，尽态极妍。
最卓越的艺术品，往往在极小的空间里蕴含着极丰裕的艺术美。《兰亭集序》就是一座袖珍式的屹立于式幅之中的辉煌的书艺殿堂。唐太宗赞叹它“点曳之功，裁成之妙”。黄庭坚称赞说“《兰亭集序》，王右军平生得意书也，反复观之，略无一字一笔，不可人意。”其全文三百二十四字，每一字都被王羲之创造出一个生命的形象，都别出心裁，自成妙构。
欣赏王羲之的《兰亭集序》不仅是视觉上的享受，更是心灵的震撼，此美乃大美。
“饰文字以观美”，这是鲁迅先生对中国书法艺术的诠释。古人也有“笔迹者界也，流美者人也”和“书则一字已见其心。”一说。文字的发展是从图形到汉字的，因此书法的历史也很悠远，可以追溯到三千多年前的殷商时代。那时的甲骨文和金文(青铜器铭文)是今天所能见到的最古的汉字，也是中国最古的书法“作品”。金文书法带有美化装饰的倾向，体现了整肃端庄的标准美。后来的秦朝的小篆、汉朝的隶书、唐朝的楷书，还有那些装饰性的瓦当文、美术化的花样字，都接续了殷商金文书法的这一传统。所以书法的发展经历了很多不同的时代。
中国书法艺术开始于汉字产生阶段，中华民族是最早使用线条表达文字意思的民族。而文字一开始的形态图画文字而不是图画，汉字也是这样。汉字的形成是基于绘画，经过线条的改变、刻画符号的发展一步步进化而来，出现在陶瓷上的线条符号具有了美得艺术价值，这就是书法的雏形。
中国书法史上一次大的改革出现在三国时期，楷书的点画线条运动更加丰富多彩，在空间造型上也趋于稳定。楷书出现后，中国书法在字体上的改变也基本结束了。
魏晋南北朝时期是书法发展的一个快速时期，因为当时极大地强调人格的自由和独立，推崇的才情、品貌、风度、言谈、智慧、个性，提出了“文以气为主”，“以形写神”为命题的艺术创作。并且在当时出现了书法的第一个高峰，使书法由古拙向妍美转变了。行、草书也出现在当时，这两种文体以连贯的线条运动为主，并使书法用笔的速度、节奏、笔墨等几方面得到了统一。
唐朝在中国书法史上有着难以磨灭的贡献，如初唐四家：欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷，使楷书向定型化、规范化的方向发展等等。唐朝把楷书推向了后人难以再现的高峰，同时也把草书推向了绝顶。中国书法在唐朝走向了成熟并奏响了历史最强音。
宋代的书法领袖以卓越的艺术实践，奠定了中国书法新的审美理想—“文气”、“书卷气”。他们在汉字字体、书体创新新的技法，在理论上阐述新的观点，。宋代书法成熟的标志是“苏黄迷蔡”的出现，他们以轻快活泼，恣肆放达的手法，以“意”为书的意境使人耳目一新，掀起了中国书法艺术发展的又一个高潮。
元代时中国书法史上力主复古，又别具艺术境界的特定时期。元代有一个很大的特点，即书与画的关系更为紧密。他们把诗、书、画、印连为一轴，这对以后的明、清的画风带来了很大的影响。
明代时书法发展的一个重要阶段，这一时期的书法是沿着宋元传统的基础上继续演变发展的。这一时期有两条发展脉络，一条以“三宋”，“二沈”为代表，第二条是狂草书风为线索，总之，都对清代的书法发展产生很大的影响。
清代的书法风格在当时的经济，思想，文化，政治的影响下具有时代风貌。清代是中国书法史上的“书道中兴”的重要发展时期，碑学的提倡，兴盛为书法的发展开创了新的天地。
现在我想说一说学习书法的心得，特别是在写书法时的体会。我认为书法是一种可以陶冶情操，静心凝弦的好方法。它特别能锻炼一个人的耐心，在心情烦躁时，在心事重重时，在怒火中烧时写一幅贴会有很好的效果，它能使你安静下来，细细思考，感觉就像与外界断了关系，他们影响不到你，你是在自己的世界中，没有人打扰。书法是一件高雅的事，所以我们在对待他时也要有佛家所说的一种境界，来世得菩提时，心似琉璃!所以，在闲暇时我们不妨写上一写，在烦躁时不妨写上一写，在快乐时也不妨写上一写。不求多精，但求明义。
学习“书法艺术鉴赏”这门课程的时间不长，本来就只有半学期的课，由于自己的骨折拉了两节课，是十分可惜的。但在我所上过的几堂课中，我依然感受到这门课程的独特魅力——中国书法艺术的悠久历史和精神内蕴。我就像翻开了一本弥漫着浓郁油墨香气的书，欲罢不能的沉浸在书法艺术的世界里。
和书法还是有点交情的，所以当初看到这门课程就毫不犹豫的选择了它。外公的书法有一定的功底，朋友和同事们都爱看他写毛笔字。作为最被疼爱的外孙女，从小，我就接受外公的指导练习书法。刚开始，帮外公磨砚，看着他“写大字”，渐渐的，外公给我看各种字帖，年幼的我就算写不来字，也知道了“篆书，隶书，楷书，行草，草书”，就在这种墨香宣纸环境的耳濡目染下，我对书法艺术有了亲近感。随后学习执笔姿势，描红，临摹字帖变的顺理成章。就这样，直至高中学业的繁忙和最疼爱我的外公的去世，我的书法荒废了，甚至连宣纸毛笔砚台墨汁的文房四宝都找不到，更别提能静下心来写我的大字了。
所以，当我看到“书法艺术鉴赏”这门课程时，一种久违的亲切感促使我重头开始了解书法——这对我来说既熟悉又陌生的艺术。果不其然，当我上了几节课后，我发现了一个不一样的书法世界。
曾经只懂得“篆书，隶书，楷书，行草，草书”，“柳体，颜体”的我并不了解整个书法艺术发展的历史过程和书法艺术的赏析。从前的我觉得书法就是写大字，但上了课之后，我明白，书法不仅仅是写字，它是一种艺术，是一种文化，它利用了最平淡无奇的生活实用工具——文字，负载了中国几千年的历史文化，能透露出写字人的性格和气质，也是大千世界的抽象和浓缩。
其实，我觉得，书法和绘画一样，是一门跨民族，跨时代，跨文化，跨国界的艺术。绘画是以色彩为媒介，以画面为形式;书法是以线条为媒介，以笔墨为形式。它们都是抽象的，有细腻精微的外在形式和深沉丰厚的精神内蕴。当摩尔的雕塑在美术馆展出人头攒动的景象出现，当人们争相去博物馆看凡高的《向日葵》，我们想到什么了吗?每年有许多学子留洋学画，但又多少高中生会在家练书法呢?既然绘画艺术能向全世界覆盖，书法艺术要走出国门，走向世界，是有可能的，那需要我们炎黄子孙共同努力，先从我们自己做起，重视先辈留下的宝贵文化财富——书法艺术，向世界诠释其精髓，将其发扬光大。
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