真实世界中并不总是一帆风顺，我们需要学会适应不同的环境。总结的时候要注意结构的合理和逻辑的清晰。通过阅读下面的范文，你可以了解到一些实用的总结写作技巧和经验分享。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇一
实话实说，我才上了几节课的书法鉴赏，要我说出很高深的见解显然是不太可能的，所以，我就简单地说一下本人对书法鉴赏的一些浅显的感悟吧！
如何鉴赏书法？正如老师所说的，书法的鉴赏关键在于一个“鉴”字和一个“赏”字。鉴，是用眼睛去看的；赏，是用心去感悟的。二者结合，才能达到真正的鉴赏，有时候眼睛看到的东西也是会骗人的，只有经过自己的内心分析，才能真正地感悟出一个东西的好与坏，简而言之，鉴赏书法，不一定就得说出很高深的见解，一个字，一篇文章写得好不好，关键是你看到它，你的心里爽不爽，舒不舒服，你的心是不会骗你的。通俗地讲，你觉得看起来让人赏心悦目的书法，看多久都不会腻的书法，这就是好的书法，这就是成功的书法！
如何写书法？听老师说，当你写一个字的时候，你应该忘记这是一个字，我觉得这话非常有道理，有时候，“提笔忘字”也未尝不可！忘掉你是在写一个字，要深入到一种境界，把它当成一个图来构思，不能被固定的思维模式束缚了我们的思想，要有“否定之否定”的态度，要谨记“阴阳”定律！一个字如此，一副字也应该如此，通观全局，有时候要以一个统治者的姿态对待你笔下即将书写的字，有时候又要像一个朋友一样和你笔下的字“交流”。个人觉得，书法是活的，它有时候是一种情绪的宣泄，有时候是一种精神的传承，有时候还会是一个人生命的延续!总之，它是很有趣的！
本人是很喜欢很愿意触碰书法这一扇门的，记得以前有看过一篇博文，是关于书法与生活的，里面是这样描述的：“当今的很多书法家，之所以写得很差，倒不是因为他们技术不行训练不够，而是因为他们根本不懂书法是一种生活方式，没有将书法活动与他们的生活融合起来。这样的书法存在两种倾向：1，虚伪，不真诚；2，搞怪，不正经。所以我只能说，他们还没有入门，或者入错了门。”当时读完这一段话，我觉得不无道理，何为更接近生活而不做作的书法？怎样才算书法入门？慢慢我才懂得，只有把书法活动真正的融入日常生活，书法才有可能成为干净的、健康的，否则就会是畸形的、扭曲的。
说了这么多其实我也不知道说得对还是不对，但这些都是我想说的，我还想说，不论你是一个什么样的人，都应该研究一下书法，这是一件很有趣很受益的事情，学习书法，能解放你的思想，给你一种无形的精神，它甚至能影响你整个人生！
以上是我的一些拙见，不对之处还请见谅！
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇二
说实在话，谁能有这么高的水平，上了才那么几节书法鉴赏课，就可以对一幅作品作出2000字的评论呢。下文与《兰亭序》完全无关，如有雷同，纯属巧合。第一节课说考试内容是交一篇书法作品时，心中有点小激动，如今又改为对一幅作品的2000字鉴赏，实在令我蛋疼。不过高中时就想找个时间整理一下自己对于书法的见解了，现在正是时候。因为我知道，无论我内容是什么，哪怕是周杰伦《兰亭序》歌词ctrl+v十几遍，我照样过。以下是两段独白，请忽视。
怎么说书法鉴赏也是我选修课的第一志，更别说我还每节课都去了，这结课“论文”要是草草复制粘贴，我感觉对不起还是自己。
个人对书法还是很有兴趣的。当然，兴趣是源自实力，要是除了乾隆之外，还有谁拿着一手烂字，却说自己对书法兴趣浓厚，我只能微微一笑。碰巧初中、高中的语文老师都很强调练字，碰巧初中、高中都是语文科代表，巧合让我和书法结下了不解之缘。对比于专家，资历虽浅，水平虽差，但是好歹也写过十年字，对于书法也有许多看法。
遗传因素。
高中时班上有两个字写得好的同学，其中之一是我。我爸水平可以算得上是一个业余的书法家，偶然得知另一个同学他爸的字也写得很好，我不禁想：首先，我爸从不教我写字从不和我谈书法，估计他爸也是；其次，假设人群中字可以称为好的人占1/50（实际可能更低），那么“书法爸”+“书法儿子”的概率是1/2500，两个这样的儿子碰到的概率又很小（没有科学的方法计算，但是很小是绝对的）。故结论是，字的好坏有遗传因素在里面，至于相关性有多大，尚不得而知。
心情。
关于心情，未曾观察过。但之所以未曾观察过的原因，想必是我潜意识里并未发现心情不同时字的好坏差异。其实，更有事实为证：天下第一行书王羲之《兰亭序》是作者兰亭集会后写的草稿，心情比较轻松；天下第二行书颜真卿《祭侄文稿》是作者在失去亲人后，悲痛欲绝之下写的，仍不失作者应有的水平。故曰：心情者，与字基本无关也。
感觉。
这个，有关。写了这么多年字，发现总有几个字写起来既顺手有漂亮，每当写完这样的字，写后面的字就更加有手感。而且不止我一个人这么认为，高中老师也曾在班上说，练字前可以先写几个拿手的字，找找感觉。所以说“感觉这东西”，八成是能影响字的好坏的。
字体。
字体是我唯一还未得出结论的。写完一整篇作文，回头看时，发现字体会出现一两次转变，即使曾试图过控制自己保持字体，却每次都以失败告终。追其因，未果。
字如其人。
要看怎么理解。有人认为字写得好的人人品好，字写得差的人人品差。如果真是这样，那人品好的人岂不都是男人？不是我看不起女性，而是因为几年来碰到的字写得最好的女生，水平仍差我一大截。另一种看法，是字的风格如人的风格，个人比较赞同这一点。但真要通过观赏一幅作品来准确的刻画作者的性格，恐怕又有难度。人们看毛泽东《沁园春雪》时，说这草书里面可以看到他的伟人气质；看徐渭《行草书七律诗轴》时，又说一看这狂草就知道他是那种会拿锤子砸自己睾丸的疯子。而至于那种连字体都没有形成的人，想通过他的字来推测其为人，更是难上加难。
更上一层楼。
初中时临摹字帖也是作业的一部分，迷迷糊糊的临摹了好长时间。高中没有这硬性规定，出于对写字的爱好，有时候上课无聊时就在草稿纸上乱写，当然“乱”是指写的内容五花八门，态度还是一丝不苟的。那时一个字通常要反复写上十多遍，研究怎么写更好。这偶然的经历，却正好是进步的道路上必不可缺的。先由一塌糊涂，到基本形成字体，再到形成自己的字体。但在形成自己字体的过程中，也不能一味的“独立研究”，正如自己的错误自己永远难以发觉一样。而我很幸运，每年春节都被老爸逼着帮他对联——欣赏也是进步所必须的。你永远不会相信，你的大脑有在看过一个漂亮的字后，下次写到这个字的时候会不经意的模仿它的强大功能。不管你信不信，反正我信了。
少数人。
我懂得我爸为什么从不教我写字从不和我谈书法，根本就不是一个级别的，就算他说了我也听不懂。记得高中时老师请来全校字写得最好的老师给我们讲一堂书法课，来帮助我们练字，结果整堂课都在讲毛笔怎么选，宣纸有多贵之类的，毕竟我们等级太低，他讲了也是对牛弹琴。我也懂得我的一些二货同学经常说他觉得我的字比老师的还好，对他们来说，不告诉他们眼前这幅作品是王羲之的，说不定还以为是我的，表示可以理解，等级太低。
再讲一个笑话，去社联宣传部面试时，我说我擅长书法（一般情况下只说我擅长写字），然后学长问我你是擅长那种帅气的书法还是可爱的书法？我勒个去，“可爱的书法”，如果猜的没错的话，他应该是指那种商场打折的通告栏上的少女字体，我左手都比那写得好看（我不是左撇子）。然后我就不知道说什么好，怎么能用可爱来形容书法？只能说：“什么可爱的书法，不会啊。”最后，我就被刷了。从此我懂得，书法只是少数人的午后谈资。
总而言之，书法的复杂程度远非人能想像，以上几点，也仅是我对书法的见解的部分，望老师不喜勿喷，虽然说您九成只会看一下我的姓名学号，顶多扫一眼看字数够不够。但是，这“论文”，是要自己收藏的，看看十年后，回头看自己的这些观点，会不会觉得幼稚无比。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇三
李宁。
我将书法作为调节情绪，陶冶心性的休闲方式。至今研习米芾书法十余载，通过“啃米”，感觉从中汲取了不少养分。现在谈谈研习米芾书法的一些心得，和广大书法爱好者一起研讨、交流和学习。其中不乏一些拙见，请各位方家批评指正。
米芾，宋四家之一，成就以行书为最大。其书法一直为后世所景仰。其用笔“独有四面”、“刷字”，书风“风樯阵马，沉著痛快”。其实每个人对其书法都会有不同的理解和感受。我们应该重点了解他学书的经历、方法和态度，这样才能找到一条学习他书法的有效途径。米芾属于“集古成家”，对先前大师的用笔、章法及气韵都有深刻的领悟。米芾学书超乎寻常的尊重传统技法。他长于临摹古人书法，达到乱真程度。
能写出味道来。这就要求我们尊重传统，练好手上功夫。老老实实的在临帖上下功夫。
首先，抱定“米帖”不放。多花时间读帖、背帖，最主要的还是临帖。这里指的是“实临”（完全按原帖风貌临写）。对以下几方面，还应做到心中有数。
选帖。所选字帖必须是正规出版社出版的，最好原色原尺寸印刷。再选一两本工具书，有关结合米字讲解的。最好选名家编写的。
书写工具。选用纸张易熟不易生，相对不洇的。所选毛笔易细不易粗，易尖不易秃，软硬度适中。
定好先后顺序。建议先临写《蜀素帖》，此帖正处于“集字”阶段，字数也多，便于掌握其笔法和结体的共性特征。然后临写《苕溪诗帖》，此帖同样为过度期作品。笔法更为精到，相对难一些。最后选择其书信尺牍（篇幅虽小，更具米味）临写，注意笔法和结体的同时，感受其通篇的气韵及章法的处理。
我要强调的是，不建议在画有方格的纸张上单个字去临写。因为原作不是这样的。这么做不能充分体会到其结字的动态美感，用墨变化、处理每个字的空间感，以及整体气韵。不能因为临写得不象原作，而进行所谓的“意临”。而应在已经写得“很象”（尽可能的接近原作），并熟练掌握其笔法和结体之后，再进行“意临”。更不能因暂时写得不够象，而随意更换字帖。
其次，追其根源，研究米芾书法成因，理清其书法形成脉络。当我们临写有了一定基础之后，会感觉水平提升渐慢。这时我们应对米芾书法的出处和传承作以研究。研习对米芾书法影响较深的前人书法和当代书法。
米芾一生转益多师。他少时学颜、柳、欧、褚等唐楷，打下扎实的基本功。之后潜心魏晋，以晋人书风为指归。据说王献之墨迹《中秋帖》，就是他的临本，形神精妙。在晚年所书《自叙》中说道：“余初学，先学写壁，颜七八岁也。字至大一幅，写简不成，见柳而慕其紧结，乃学柳《金刚经》。久之，知其出于欧，乃学欧。久之，如印板排算，乃慕褚而学最久，又摩段季转折肥美，八面皆全。久之，觉段全泽展《兰亭》，遂并看法帖，入晋魏平淡，弃钟方而师师宜宫，《刘宽碑》是也。”
我们继续追随受米芾影响巨大的书家。米芾被评为“千年书家”之首，其后到了何人手下无米书的地步。
米友仁效法米芾乃家学渊源。南宋吴踞毕生以米芾为范本，创作上以保守姿态出现。在继承米芾书风方面，中规中矩。明代董其昌学米以手札一路面目，他是学米而自出己意的先行者。王铎在学习二王的基础上，将尺幅手札变成丈二巨制，书风中既有颜真卿的厚重沉雄，同时又将米芾的八面出锋发挥到极点。
我们再看看当代书坛学米的代表性书家。有曹宝麟、周慧珺、徐本。
一、黄惇、陈振濂、孙晓云和米闹等人。
曹宝麟以米书为范，用笔和结字又分别吸收了黄山谷和苏东坡的某些特质，以守成的姿态出现。周慧珺将魏碑的古朴苍劲和宋代行书技法大胆结合，自成一家。徐本一书在创作中时，增添很多草法，结字疏密更夸张一些。伦杰贤的行书，有米和二王的影子。黄惇虽学米，线条更显得漂亮。陈振濂书作更具随性。孙晓云是具有代表性的女书家，创作基本上以小行书为主，飘逸动人。米闹在行书创作中的结字疏密程度更夸张一些。
上述这些书家及其作品，我们应该有针对性的涉猎。对其共性的技法多练习，对个性的风格多揣摩。如果真正做到了“求同存异”，这意味着我们在米字的学习上已经不知不觉的又上一个台阶了。
这时，我们该进行到意临阶段。同时结合集字创作。或取笔法，或取墨法，或取章法，或取意境。通过“回炉”，达到对米芾书法进一步掌握和提高的目的。
对米芾书法的研习达到一定高度后，可以走向形成属于自己风格的自然王国，也就是创作阶段。我觉得，虽说“师古不泥”，但我们当下所欠缺的往往是“师古”。踏踏实实地继承传统技法。向古人学习，向书家取经。如果做不到这些，创作就成了空中楼阁。
当然，在研习过程中我们不能一个人闭门造车。可多通过相关书籍、光盘及网络。多看看名家教学。多参加各级书法展览，开阔自己的视野。多看书家现场书写，请书家指点。多和书友切磋交流。尽管同是“啃米族”，但每个人对米芾书法的理解和感受是不一样的。互相借鉴，取长补短。通过不断丰富自己，让自己的书艺不断提高。
在对米芾书法研习的过程中，会经历疑惑和不解，枯燥和孤独，而随着研习的深入，自己水平的提高，我们逐渐体会到这种与先贤对话，与古人交心的心理感受。难道我们不应该把老祖宗留下的宝贵文化遗产传承下来吗？！
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇四
这首诗，大约是唐玄宗天宝初年，李白第一次到长安时写的。《蜀道难》是他袭用乐府古题，展开丰富的想象，着力描绘了秦蜀道路上的奇丽惊险的山川，并从文中透露了对社会的某些忧虑与关切。
诗人大体按照由古及今，自秦入蜀的线索，抓住各处山水特点来描写，以展示蜀道之难。从“噫吁?戏”到“然后天梯石栈相钩连”为一个段落。一开篇就极言蜀道之难，以感情强烈的咏叹点出主题，为全诗奠定了雄放的基调。以下随着感情的起伏和自然场景的变化，“蜀道之难，难于上青天”的咏叹反复出现，象一首乐曲的主旋律一样激荡着读者的心弦。为什么说蜀道的难行比上天还难呢?这是因为自古以来秦、蜀之间被高册峻岭阻挡，由秦入蜀，太白峰首当其冲，只有高飞的鸟儿能从低缺处飞过。太白峰在秦都咸阳西南，是关中一带的最高峰。民谚云：“武公太白，去天三百。”诗人以夸张的笔墨写出了历史上不可逾越的险阻，并融汇了五丁开山的神话，点染了神奇色彩，犹如一部乐章的前奏，具有引人入胜的妙用。下面即着力刻画蜀道的高危难行了。从“上有六龙回日之高标”至“使人听此凋朱颜”为又一段落。这一段极写山势的高危，山高写得愈充分，愈可见路之难行。你看那突兀而立的高山，高标接天，挡住了太阳神的运行;山下则是冲波激浪、曲折回旋的河川。诗人不但把夸张和神话融为一体，直写山高，而且衬以“回川”之险。唯其水险，更见山势的高危。诗人意犹未足，又借黄鹤与猿猱来反衬，山高得连千里翱翔的黄鹤也不得飞度，轻疾敏捷的猿猴也愁于攀援，不言而喻，人行走就难上加难了。以上用虚写手法层层映衬，下面再具体写青泥岭的难行。
青泥岭，“悬崖万仞，山多云雨”(《元和郡县志》)，为唐代入蜀要道。诗人着重就其峰路的萦回和山势的峻危来表现人行其上的艰难情状和畏惧心理，捕捉了在岭上曲折盘桓、手扪星辰、呼吸紧张、抚胸长叹等细节动作加以摹写，寥寥数语，便把行人艰难的步履、惶悚的神情，绘声绘色地刻画出来，困危之状如在目前。至此蜀道的难行似乎写到了极处。但诗人笔峰一转，借“问君”引出旅愁，以忧切低昂的旋律，把读者带进一个古木荒凉、鸟声悲凄的境界。杜鹃鸟空谷传响，充满哀愁，使人闻声失色，更觉蜀道之难。诗人借景抒情，用“悲鸟号古木”、“子规啼夜月”等感情色彩浓厚的自然景观，渲染了旅愁和蜀道上空寂苍凉的环境气氛，有力地烘托了蜀道之难。然而，逶迤千里的蜀道，还有更为奇险的风光。自“连峰去天不盈尺”至全篇结束，主要从山川之险要来揭示蜀道之难，着力渲染惊险的气氛。如果说“连峰去天不盈尺”是夸饰山峰之高，“枯松倒挂倚绝壁”则是衬托绝壁之险。诗人先托出山势的高险，然后由静而动，写出水石激荡、山谷轰鸣的惊险场景。好象一串电影镜头：开始是山峦起伏、连峰接天的远景画面;接着平缓地推成枯树倒挂绝壁的特写;而后，跟踪而来的是一组快镜头，飞湍、瀑流、悬崖、转石，配合着万壑雷鸣的音响，飞快地从眼前闪过，惊险万状，目不暇接，从而造成一种势若排山倒海的强烈艺术效果，使蜀道之难的描写，简直达到了登峰造极的地步。如果说上面山势的高危已使人望而生畏，那此处山川的险要更令人惊心动魄了。风光变幻，险象丛生。在十分惊险的气氛中，最后写到蜀中要塞剑阁，在大剑山和小剑山之间有一条三十里长的栈道，群峰如剑，连山耸立，削壁中断如门，形成天然要塞。因其地势险要，易守难攻，历史上在此割据称王者不乏其人。诗人从剑阁的险要引出对政治形势的描写。他化用西晋张载《剑阁铭》中“开胜之地，匪亲勿居”的语句，劝人引为鉴戒，警惕战乱的发生，并联系当时的社会背景，揭露了蜀中豺狼的“磨牙吮血，杀人如麻”，从而表达了国事的忧虑与关切。唐天宝初年，太平景象的背后正潜伏着危机，后来发生的安史之乱，证明诗人的忧虑是有现实意义的。
李白以变化莫测的笔法，淋漓尽致地刻画了蜀道之难，艺术地展现了古老蜀道逶迤、峥嵘、高峻、崎岖的面貌，描绘出了一幅色彩绚丽的山水画卷。诗中那些动人的景象宛如历历在目。李白之所以描绘行如此动人，还在于融贯其间的浪漫主义激情。诗人寄情山水，放浪形骸。他对自然景物不是冷漠的观赏，而是热情地赞叹，借以抒发自己的理想感受。那飞流惊湍、奇峰险壑，赋予了诗人的情感气质，因而才呈现出飞动的灵魂和瑰伟的姿态。诗人善于把想象、夸张和神话传说融为一体进行写景抒情。言山之高峻，则曰“上有六龙回日之高标”;状道之险阻，则曰“地崩山摧壮士死，然后天梯石栈相钩连”......诗人“驰走风云，鞭挞海岳”(陆时雍《诗镜总论》评李白七古语)，从蚕丛开国说到五丁开山，由六龙回日写到子规夜啼，天马行空般地驰骋想象，创造出博大浩渺的艺术境界，充满了浪漫主义色彩。透过奇丽峭拔的山川景物，仿佛可以看到诗人那“落笔摇五岳、笔傲凌沧洲”的高大形象。唐以前的《蜀道难》作品，简短单薄。李白对乐府古题有所创新和发展，用了大量散文化诗句，字数从三言、四言、五言、七言，直到十一言，参差错落，长短不齐，形成极为奔放的语言风格。诗的用韵，也突破了梁陈时代旧作一韵到底的程式。后面描写蜀中险要环境，一连三换的韵脚，极尽变化之能事。所以殷?编《河岳英灵集》称此诗“奇之又奇，自骚人以还，鲜有此体调”。关于本篇，前人有种种寓意之说，断定是专为某人某事而作的。明人胡震亨、顾炎武认为，李白“自为蜀咏”，“别无寓意”。今人有谓此诗表面写蜀道艰险，实则写仕途坎坷，反映了诗人在长期漫游中屡逢踬碍的生活经历和怀才不遇的愤懑，迄无定论。
李白的作品，以乐府和歌行最为著名，他的豪迈狂放的风格，在这些作品中表现得特别淋漓痛快。乐府和歌行，在诗的形式上，原无分别，如果以乐府曲调为题目，就属于乐府诗，如果自己制造题目，不谱入任何曲调，就属于歌行体诗。“蜀道难”是魏晋时代早就有的歌曲，它属于相和歌辞中的瑟调曲。这个歌曲的内容就是歌咏蜀道的艰难，行旅之辛苦。李白此诗，以《蜀道难》为题，所描写也是蜀道的艰险，所以它属于乐府诗。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇五
我长期得到先生的多方面教诲，作为先生的私淑弟子，更加体认到他在我国传统文化史、艺术史方面取得的重大学术成就。
启功先生曾是书协主席，又是国家文物鉴定委员会主任委员，一般世人都以书画大师和大鉴定家目之。但如果详读先生撰述，他学术之渊深、涉猎之广博、鉴定之精审，特别是研究的旨趣、目标，是远非“书画大师”和“大鉴赏家”的称号所能概括的。
“书画鉴定”对一般收藏家而言，主要是判定真伪问题，但如从学术角度而言，则是解决书法史、绘画史的基本素材，以便形成正确的艺术史的问题。所以同是“书画鉴定”，从学术研究角度与从实用角度出发，在性质、深度和水平上是大不相同的。启功先生对古文字学、经学、史学、古典文学、哲学、宗教诸方面均有深入研究，且熟悉历代典章制度、礼仪民俗、戏曲小说，本人又是书法、绘画大师，有极高的艺术素养和敏锐的鉴赏眼光，所以能在学术研究与艺术鉴赏相结合的基础上，从整理、充实中国书法、绘画发展史的高度，有目的地去考订若干古代书法绘画上的重要实物和关键性的历史公案，取得卓越成就。
启功先生数十年来的大量研究工作和撰述，如《兰亭帖考》、《论怀素自叙帖》、《孙过庭书谱考》、《平复帖说并释文》、《山水画南北宗说辨》、《戾家考》、《旧题张旭草书古诗帖辨》、《古代字体论稿》等，都是围绕着为书法史、绘画史建立科学性的材料基础和廓清伪史料这一总的目标而进行的，所研究都是些重大问题和著名的历史公案，但举证充分，说理透彻，故虽考证极其精密而始终坚持基本宗旨。
《兰亭帖考》是启功先生在书法史研究上的力作。论文把现存之唐摹本、唐宋临本、定武本石刻、历代传刻本、伪造本按系统逐一归类，化繁为简，并重点就定武本、唐临本、唐摹本三类详加论述。指出神龙本行距前松后紧，中有浓淡墨改定加字之处具有草稿特点，保存兰亭帖原本面貌最完整。此文对兰亭帖的流传经过和现存实物做了周密的分析和历史性总结，是研究兰亭序的重要成果。
对旧题唐张旭草书四帖真实年代的考定是启功先生学识与目力结合、鉴定水平高出时辈的又一例证。此帖宋人、明人先后题为晋谢灵运和唐张旭书，现代又被人大力宣扬，号称张旭传世名迹。启功先生从书风判断它应为宋人所书，他通过对帖中文字逐句逐字进行研究，发现诗中避宋讳“玄”字，而讳玄字始于北宋大中祥符五年十月，有力地证明了此帖是北宋佚名人的草书佳作，先后被宋人、明人强加以谢灵运、张旭之伪名，变真迹为伪物。他语重心长地规劝当代鉴定家们要为人民负责，采取实事求是的科学态度，不要学那些“宁可要古而伪，不肯要近而真”的古代帝王、商贾和“好事家”。
《〈平复帖〉说并释文》是启功先生研究传世最古法书西晋陆机书《平复帖》的力作。此帖文字前人都没有能通释，因为此帖首尾完整，所释还必须文义可通，并可与史传相合。先生详考史传、本集、总集，兼及魏晋典籍，除完整之字外，连残损的五个字中也有三个字据文义及史传推释出。并对帖中提到的这三个人与陆机的交游加以考证，从帖文内容上也证明此帖确出于陆机之手。这是只有靠多方面的学识和高度的鉴赏能力相结合才能做到的。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇六
【摘 要】国画作为最具东方色彩的美术手法，是中华民族的瑰宝，在中国的绘画教学中具有重要地位。国画在引进小学美术课程后，由于美术教学传统的教授方式未发生变化，学生学习绘画感到枯燥，不利于实现美术教学目标和提高学生艺术技能。笔者根据教学实践经验，阐述了小学美术课堂中国画鉴赏及教学的新方法。
【关键词】小学美术；国画教学；技法
美术是学生了解艺术、陶冶情操、提升素养的重要课程。国画历史悠久，作为中华民族的瑰宝和中国古代美术的典型代表，是教师引导同学分享历史文化，积极参与本国文化传承的重要体现。近年来，国画在小学美术教学中占有重要地位，但受制于传统的应试教育教学方式，不利于美术教学目标的实现和学生自身艺术技能的提高。国画教育往往以传统方法为主，内容单一枯燥，绘画技法复杂，在一定程度上抑制了小学生创造性和艺术天性的发挥，同时也不利于培养小学生对国画的持久兴趣。如何将小学生国画教学与小学生的生活紧密结合起来，开发其潜能，发展和张扬小学生的个性，让他们画出能够充分表达其内心的、属于自己的画，从而让他们更广泛、深入地了解美术，提高自身的审美能力，成为国画教学实践中人们共同关注的热点话题。
一、结合实际，善于引导
教师在小学美术课堂教学中，需要根据小学生的心智特点及实际能力选择国画教材，初期以讲授小学生容易接受并能通过简单联系加以掌握的国画技术。针对国画知识中理论性较强的内容，需要教师注意转换成对于学生通俗易懂的语言实施教学。同时需要注重国画的审美性，充分发挥学生的创造性，并考虑小学生的生活经验，激发小学生的积极性，拓宽教学内容，促进小学生发散思维，必要时还应考虑个体差异、因材施教。
二、体验美感，增强兴趣
教师利用简单的国画技法为学生展现国画的独特魅力，增强学生学习国画的兴趣。例如在国画课程开始前，教师利用画笔勾勒简单的水墨线条，形成学生所熟悉的动物图案，使学生感受到国画简约而不简单的文化内涵。又如，教师在绘画开始前为学生展示调和水墨的方法，引导学生进一步体验国画的独特美，勾起小学生对国画学习的兴趣，同时带领学生进行国画兴趣练习，使学生在兴致高昂时加以练习。
三、掌握技能，训练技巧
学好国画离不开扎实的基本功，教师应着重对学生进行国画基本技能的训练。首先是绘画中的握笔姿势，教师需要对学生进行手把手的训练以引导学生掌握正确的握笔姿势，这对于学生国画绘画的长远发展具有基础性作用。其次是训练学生笔墨技巧，用笔技巧主要是创作中的毛笔绘画方法及蘸墨方法，用墨技巧则是需要教师指导学生在实践中观察不同墨色的差异及使用方法，并通过对比的方式使学生直观的感受到不同的笔墨技巧所塑造的国画艺术效果。
四、学会鉴赏，热爱国画
学会鉴赏是学生艺术素质提高的重要标志。在小学的国画教学中，对国画的品鉴是更高层次的国画学习，美术教师在国画鉴赏过程中引导学生多学习历史上国画大师的作品，在欣赏中不仅开阔了小学生艺术品鉴的层次，增加人文素养，有助于提升小学生的审美水平和精神境界。不仅如此，对国画的鉴赏更是对我国民族穿透文化瑰宝传承和保护的重要途径，欣赏名家作品，提升小学生的爱国情感和民族自豪感，由此更加热爱国画学习。
五、小结
国画博大精深，是美术教学取之不尽的艺术源泉。加强小学生国画教育，将会对小学生知识面的拓宽、想象力的丰富，形象思维的发达、创造能力的增强都有好处。因此，教师在小学国画教学中应根据小学生特点，发挥小学生的个性，在继承传统文化的基础上，进行更多的创新，让小学生热衷于学习和表现国画，并使其创新精神在我国优秀传统文化的熏陶下得以升华。
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书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇七
摘要：书法是我国具有悠久历史、具有民族风格的传统艺术。欣赏书法作品，可以获得 摘要 高尚的精神享受和美的情操。欣赏书法要从字的用笔、结体、布白、神采、风格、行气、形 质入手，同时还要结合书法作品作者的创作背景，并且要有一定的想象力，这样才能欣赏好 一副书法作品。
关键词：书法 书法作品 书法欣赏 关键词 中国的书法艺术博大精深，中国传统书法包含厚重的文化思想内涵，甚至儒释道三家思 想在经典书法作品中都有所体现。书法和其他的艺术是相通的，书法艺术美的形态、美的意 蕴里我们能看到、能体会到其他艺术美的品格。在其他艺术美的形式中，我们也能感受到书 法艺术美的形与质。书法的欣赏与实践是相互联系的，“眼高手低”的书法家从没有过。历代的书法家大多是具 有高度鉴赏能力的书法评论家。他们都十分重视“读帖”。所谓“读帖”，就是通过观摩书迹和 碑刻去领悟书法家所采用或创造的艺术风格和艺术手法，借以提高自己的鉴赏水平。汉字是由若干个线条式的笔画有机的组合而成的，这若各个笔画，尤其是一字之中的相 同笔画，在字中不能长短、粗细、浓淡一模一样，应该而且必须有所变化。如“多”字的四 个“撇”画，唐太宗认为，应该分别写作，一缩，二少缩，三亦缩，四须出锋。这里所说的 “缩”，就是笔势收缩而不伸展，含有“短”的意思：“锋”就是笔势伸展而不收缩，含有 “长”的意思。“多”字的“撇”画是这样，其它的笔画也是这样，否则，字形就显得死板，单调，也就无艺术可言。书法欣赏不外乎“形”、“神”二字。所谓“形”，指的是由特殊的笔画线条所构成的外 形，包括字的笔画、字的结构、一幅字的布局；所谓“神”，指的是上述外形中内在的精神，包括笔力、气势神态、情感等各个方面。因此，欣赏书法作品，不仅要看一点一画、一字字 和整幅字的外形，更要看它的笔力、气势、神态。如果外形美观多姿，内在奕奕有神，这就 是人们通常所说的“形神兼备”的好作品。一幅好的书法作品，犹如一幅好的山水画，它必然是字与字、行与行之间气势连贯，笔 虽短而意却连。汁白以当黑，疏密得当，给人以无穷的遐想和强烈的艺术感染力。书法作品 中的落款、印章也是整体中的有机组成部分，要注意是否用得恰倒好处，起到锦上添花的作 用；若是画蛇添足，也会有损于整幅作品的艺术性。我们对美的欣赏和领略，并不是一次就完成的，欣赏与品评书法作品，也必须从多方面 去领悟，并把其与自己的认识联系起来。若欣赏者也是书法爱好者或书法工作者，从专业角 度去窥视，采用隔段时间去欣赏品评一次的方法，则会有新的感觉和收获，甚至会同作品显 现出的人格化的物质内容进行交流，也可以说与作品的作者进行情感交流。书者意欲表现出 来的内在意识，这时便会传给了欣赏者。这样，作品已不再是与欣赏者对立的东西，而进入 了欣赏者的情感世界。姓名：/学号:/班级:/电话:
硬笔书法之美中国硬笔书法协会《全国第一届硬笔书法家作品展览》参赛论文 李伟华
我们从“美”字的产生可以了解到古人对“美”的看法。一种人认为“大羊为美”。羊成为美的对象，是和当时社会生活中畜牧业的产生有很大的关系。羊是当时人们生活的重要资源，对人类来说是非常可亲的。羊不但成为人们重要的食物，而且羊的性格比较温驯，是一种令人喜欢的动物，如羊角的对称、羊毛的蜷曲都富有装饰趣味，不少甲骨文中的“羊”字就是一些图案化的美丽的羊头。
也有人认为“美”是表现人的形象。“美”的上半步表现的是头上的装饰物，可能戴的是羊角，也可能插的是羽毛，表现一个人头上插着装饰物在手舞足蹈。体现了美和人物、美和装饰、美和艺术的关系。
从上面对美的解释看，美和生活，美和装饰，美和艺术，这几方面都有密切的关系。并且美是具有形象性的。硬笔书法从美的几个角度看都符合美的联系和特征，在点画、结构、整体篇章都会显示美的这几个特性。
生活是美的，生活也创造了美。硬笔书法艺术是古老的，也是年轻的。说它古老，是因为古人在没有毛笔之前，靠的就是硬笔，他们用刀刻，用木头和竹子、芦杆画字，也在追求着一种美。从古代大量留存的资料可以看出，成为我们现代研究与学习的范本。说它年轻，是大量使用硬笔书法是近百年的事。可以说现在硬笔与我们生活朝夕相处，不可分离，并有许多硬笔书法家创造了大量美的作品。
那么硬笔书法之美究竟表现在哪些方面呢？
一、硬笔书法的线条美
线是点移动的轨迹。在现实生活中，物体的不同的面相交而形成线。线条
笔书法的细腻、厚实、圆润、挺劲、灵动的特性就会显示刚劲有力而又优美柔和、富有变化的美感。好的硬笔书法作品就是能够将直线、曲线、折线进行巧妙的运用。当然要写出高品质的硬笔书法作品，对其线条还要有更高的要求，那就是 神采。
神采是骨力、形势、气韵的综合体现，是作品的精神风貌。神采是要靠线条形态来表现的。无论什么艺术都应该以追求“形神兼备，以形传神”。当然要写出具有神采的线条来，必须多读书、多与自然接触。世间万物会我心中，自然而然地会形成人的精神风貌。将人的精神风貌聚于笔端，才有自然生动、变幻无穷、神清骨秀的神韵。
“书者，心之迹也。”“书者，抒也。”人的喜、怒、哀、乐都将表现在作品上。王羲之的《兰亭序》，以喜乐之情、自然笔墨而获“天下第一行书”，这也是因为一群朋友聚会，其乐陶陶，下笔皆有喜气。而“天下第二行书”《祭侄稿》却以悲愤之情表现对敌之愤怒和失去侄子的悲伤，笔墨淋漓，一泻而下。我们在看岳飞写的“还我河山”，那爱国之情，民族之气，尽在笔墨中。
硬笔书法也不例外，线条美，还美在感情。
二、硬笔书法的结体美、篇章美
线条能表现书写者的感情。同时感情也表现在字的结体上。祝枝山说：“情
之喜怒哀乐，各有分数：喜则气和而字舒，怒则气粗而字险，哀则气郁而字敛，乐则气和而
字丽。情有轻重，则字的敛舒险丽，亦有深浅，变化无穷。”
书法的结体属于建筑美，硬笔的书法也是如此。我们在创作或欣赏硬笔书
法也可以借助于建筑进行比较。本文就以故宫的建筑与硬笔书法结体方面进行一些对比。
1、大与小的对比
在雄伟的天安门城楼下，巧妙的安置了两间火柴盒的小屋，这小屋除了特 定的用途外，在艺术上对天安门起烘托作用。这样对比让人对天安门的宏伟产生更强烈的感受。一些好的书法作品也是如此，运用字本身的特点以及作者的巧妙安排，让字大小参差错落，给人以强烈的感受。
2、高与低的对比
故宫为了烘托太和殿的崇高，周围采用了低矮连续的回廊。这种高低对比
不但用在建筑，也用在山水画中。王维说：“主峰最宜高耸，客山须是奔趋。”在书法的字的结构中有本身的字的高低，如：上下结构的字一般较高，左右结构的字较扁。我们可以根据这一特点以及上下字之间的结构处理，让整个作品的篇章有所变化。须知字的大小“状如算子，便不是书”。
3、宽与窄的变化
从正阳门到太和殿所形成的狭长空间与太和殿前的广阔空间形成强烈的对
比。在草书中常用这种欲放先收的手法。怀素的《自叙》中，开始叙述他的身世，用笔平缓，字形较小，写到后面随着情感的变化，字型越来越开展奔放，表现高潮的地方一个字所占的空间比几个字加在一起还大。在硬笔书法方面虽然表现没有那么的强烈，但还是有许多可取之处，“宽可走马，密不透风”，这样的变化给人感受到强烈的动感和变化之美。
4、色彩浓淡的对比
故宫在色彩上给人强烈的印象就是金碧辉煌。金黄色的琉璃瓦与青绿色为基调的檐饰相对比，在蓝天白云辉映下显得非常壮观美丽。在创作书法中，墨的黑纸白对比非常强烈，给人以想象的空间，当然现代许多硬笔书法也开始装饰画，在纸的色彩上多种多样，墨色也开始不仅仅是黑色。其它颜色组合合适也会创造出不同的美感来。特别是经过装裱后，色彩也更加丰富。当然色彩搭配不当，还会破坏作品的美感。
5、动与静的对比
建筑本身是静止的，但由于形体的变化呈现流动感。硬笔书法作品本身是
静止的，但由于线条、结体的变化呈现流动感。从景山山顶上眺望故宫，屋顶高低起伏好像一片金黄的波涛。这种波涛就是一种节奏，可以说是流动的音乐。英国文学家瓦尔特•帕特说“一切文艺都是趋向于音乐形态。”因为各种艺术都需要节奏、变化、和谐。硬笔书法也在线条和结体的变化中，表现出动与静的完美结合。
6、方与圆，曲与直的对比
建筑在造型上注意方圆变化，如天安门的门洞是圆形，而午门南端的门洞
是方形。在故宫笔直的中轴线上穿插了弧形的金水河，环绕于太和殿南边。在硬笔书写方面同样要注意方与圆，曲与直的变化，这种变化相互融合，才能使整幅作品生气勃勃而又不乏稳定。达到和美的境界。
综上所述，一切艺术的组合都有大小、高低、宽窄、色彩动静、方圆等的
美术课程标准》以来，全国各地的中小学美术教师积极投入到美术教育改革中，大大提高了教学效率。作为硬笔书法来说它是美术教学必不可少的补充。古人云：“书，如也。如其学，如其才，如其志，总之日：如其人而已。”
可见书法往往反映一个人的学识、性格、气质和风度等。毛泽东的字奔放、豪迈、龙飞凤舞、气吞山河，足以表现出他那博大的胸怀和宏伟的气魄。周恩来的字苍劲、清晰、严谨，表现了他坚定而谨慎的性格和苍松翠柏般的道德风范。书法是民族历史文明的精粹，是素质教育的重要内容，因此就自己的浅陋之见，谈几点对硬笔书法教学的体会：
一、教师的字是学生的活字贴
在教育教学过程中，我们都有共同感受，一个教师若能在第一堂课中板书写出漂亮的字体，一定会给学生留下深刻的印象，迅速地提高威信，从而课堂效果非常好。这是因为教师写出美观、大方、清晰的字，能吸引学生的注意力，使精力集中到讲课的内容上来，提高了课堂效果。同时，好的板书会给学生美的享受，从而会自觉不自觉的摹仿，这样就培养了学生严肃认真，耐心细致的学习态度，使学生从老师的板书中陶冶自己的情操。总之，教师的字对学生起着潜移默化的影响。因此，教师不但要有牢固的专业知识，还应练出一手漂亮的字，并掌握一定的书法理论知识，提高自身的修养，给学生一个良好的启蒙，使之终身受益。
二、激发学生的学习的兴趣，培养书法审美情操
首先，定点要准，取法要高。书法有实用和艺术双重性质。写字是基础，书法是升华。书法不仅要求正确的书写，更重于书写技巧、章法、意境，是一门独特的艺术。书法教学还有一个很重要的功能是美育，只有养成了良好的审美习惯和审美情操，才能使这种兴趣经久不衰，甚至终生以之。古人说：“取法乎上，仅得其中；取法乎中，仅得其下。”
所以硬笔书法教学取法要高，在教学中将书法理论、书法史、书法美学等丰富多彩的内容融会贯通，就能更强的激发学生的兴趣。
其次，书法学习要引导得法。初始阶段，要启发学生发现自己的问题，只有学生清晰地意识到自己的书写水平与社会的需要、自我的精神需求发生强烈冲突时，才会对掌握知识寄以很大的希望。孔子说：“不愤不悱，不启不发”。学书法不象学舞蹈、音乐、绘画那样生动、练久了会感到清苦乏味，会出现停滞，有的学生往往半途而废。这时教师要及时给予指导，点破迷津，提高学生的理论素养。苏东坡在《柳氏二外生求笔迹》中写道：“退笔如山未足珍，读书万卷始通神。”因此，教师要引导学生读一些书法理论，如：《青少年书法》、《中国钢笔书法》等，以理论指导实践，使二者有机结合。同时，充分利用多媒体进行书法欣赏教学，让学生初步了解书艺延革、风格变化、书体特点等，使学生感悟中国书法艺术的无穷魅力，提高学生对书法艺术的审美鉴赏能力和理解感悟能力，在加上对绘画、雕塑、工艺美术、音乐、文学等姐妹艺术的欣赏，使学生的文化素养得到全面提高。在练习过程中可穿插一些古人勤学苦练书法的故事和轶闻趣事，创造一种宽松愉快的气氛，让学生觉得学习硬笔书法很有意思。另外，对于课堂练习都应及时予以评点。评点时用劣中求优的方法，给予肯定和表扬，并指出关键不足，让学生感到自己不断进步，始终保持积极向上的劲头。同时展示优秀作品，为其他学生树立榜样，形成比、学、赶、超的学习氛围，激励更多的学生专心读贴、临贴，这样的评价反馈，使得学生注意力充分集中，当堂动手改正、当堂树立形象、有益于激发学生的学书兴趣，有益于迅速提高他们的书写水平。
再次，创造机会，让学生实现自我价值。人都有一种充分显示个人存在价值的基本需要，都希望有创造性的生活，而中学生这方面的表现欲则显得特别强烈。我们应给予热情的支持。如组织校园书法展览和书法比赛，鼓励学生参加市、省乃至全国举办的书画展，在去年九月县文联和墨怡社组织的“向阳杯”少儿书法现场比赛中我校一位同学荣获一等奖，其余几位同学获得了优秀奖，通过这次参与，开阔了学生的眼界，激发了学生学习书法的浓厚兴趣。在让学生走出去的同时，我们还要充分利用社会各界的艺术力量来进行教学。3月中旬学校领导邀请了另一学校的张老师来我校进行书法讲座，预计一个小时的讲座，延时到一个半小时，尤其在师生互动时，学生热情高涨，积极提问，那种对书法艺术求知的欲望深深感动着在场的每一位老师，讲座结束时大家还意犹未尽呢！通过此次讲座学生学书的兴趣更加浓厚了。
三、学书必先求法
第一，选贴。书坛对选什么贴入门众说纷纭，一般主张先临平稳的字体。如篆书、隶书、楷书，因它讲究笔法，点画清晰，横平竖直，易于掌握，行、草结体变化大，运笔复杂，初学者难于掌握。就个人的看法认为，对于中学生应考虑其实用性，最好先练楷书。目前钢笔书法字贴很多，因此，学生在选贴时可因人而宜，根据自己的爱好选择规范、工整的贴作为练字的范本。
第二，以临为主，心手并用。临摹字贴是练好字的必由之路，也是行之有效的方法。古今任何一个书法家无不是临贴上用功的。他们之所以成为一代艺术大师，都是初临一家，后临百家，将众家之长熔为一炉而自出新意，写出自己的风格面貌。因此，要练好字除勤学苦练之外，还要讲究临习的方法。即临贴四多：（1）多读；（2）多思，就是边读边琢磨每个字的用笔结构特点或作品的神韵；（3）多临，在细心观察和动脑思考之后，做到意在笔先，对笔画的长短、粗细、各部件的比例位置，作品的气势、神韵等都做到心中有数，才落笔临写；（4）多对照，每临完一个字或通篇作品时就和字贴对照反复比较，查出差距，然后再临写。黄庭坚的《论书》说：“佳贴时时临摹，可得形似。大要多取古法，细看令入神，乃到妙处，用心不杂，乃是入神要路。”可见临摹时一定要神采为上，以形传神。
第三，精读熟背，重在应用。所谓精读熟背，指练字不能贪多求快，每天临贴要少，逐渐增加，反复临写达到背着贴能默写的程度，为了巩固记忆要养成“空临”的习惯。同时要使书法练习和实践运用相结合，突出书法教学的实用性，配合语文及其它课程的教师抓好作业书写。
第四，练习是书法教学成功与否的关键一步。就教学而言，学生终究是教学的主体，没有数量的变化也就谈不上质的飞跃，学生进步的快慢取决于他们的练习量，正是这一点在课堂上教师应采取“精讲多练”的原则，使学生在教师讲解示范完后留存在大脑中的新鲜形象立刻得到强化。在此基础上，布置一定课外作业，让学生积少成多，从而真正掌握书写法度。
地实现素质教育目的。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇八
美术鉴赏课虽然结束了，但却让我受益匪浅，老师给我们看的纪录片让我了解了中国及世界其他国家的美术发展进程，让我感受到艺术给人带来的美感，也让我更善于发现生活中的美，审美观也有了很大的提高。在我们的课程中，我最感兴趣的是以莫奈为代表的印象画派，所以我的论文是以《日出印象》来看印象画派。
清晨的海港，海面上薄雾弥漫，一轮红日正从地平线冉冉升起，给清凉的雾气和粼粼的海面渲染了淡淡的红色。几艘小船正缓缓驶来，远处的货轮也开始工作了，整个海港在曙光中慢慢苏醒，阵阵暖意正随着那轮红日扑面而来，破晓前微凉的雾气也在渐渐散去。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现„„这就是三十二岁的莫奈给我们的日出印象。静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。一种素描的风格，一种诗的意境。
在十九世纪的法国，当一些前卫的艺术家已经厌倦了新古典主义的条条框框，陈旧的题材，宏大的场面，理性的构图，完美的人体，这一切新古典主义的核心传统都已经成为束缚，这些艺术家渴望冲破羁绊，尽情地抒写眼前的世界，抒发内心的向往。于是，一些新的绘画流派相继产生，其中对后世有着巨大影响的就是印象派，他的领袖就是法国人莫奈，而这幅《日出印象》也是最具代表性的一幅，同时更重要的是“印象派”这个名字便从这幅画得来。
但是印象派的出现并不是空穴来风，它的出现有其复杂的渊源。可以追溯到文艺复兴，人们的自我意识开始慢慢增强，画家也开始越来越尊重自己的主观感受，希望表现自己眼前真真切切的世界和内心真实的感情。而且这也是科学技术的发展，吸收了自然科学对色彩的研究，人们渐渐发现，物体的色彩并不是一成不变的，比如一座教堂是灰色的，但是它在朝阳的照射下就变成了金色，当夜幕降临它又变成了黑色。所以环境和光的变化，物体的颜色是随之发生变化的。印象派画家就是抓住这瞬息万变，转瞬即逝的光与色的印象，然后用自己的笔记录下眼前的景色和自己内心的感受。
莫奈觉得没有什么比这更重要，只有这样才是真正的价值和美好所在。他专注于每一个细微的光彩的变化，它的画面以一种超乎想象的灵动性散发着色彩的生命力。在他的画中，那些色块似乎在人们的眼前不停的跳跃，融合，使观众不知不觉中被带动被感染。《日出印象》便给人这种感觉，我们似乎站在海港不远处一个公寓的窗边，眼前旭日正在冉冉上升，驱走清凉的雾气，带给我们新的一天。
红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。
不再把自己关在画室里闭门造车，不再重现虚构的传说故事，他们带着折叠式手提画架，背着木制颜料盒，搭起遮棚，要着干粮，到野外去写生作画，把亲眼看到的搬到画布上，把实际发生的记录在作品中，把室内绘画变成户外艺术。
莫奈选择他观察日出的地点，不是一望无际的原野，不是山峦起伏的高原，而是他生活了多年的勒阿弗尔港口。他熟悉这里的海岸景色，他脊恋这里的水上生活，他甚至敏感这里的气候变化，所以这幅风景画充满了生活气息，人文的踪影。水光相应，烟波渺渺。几叶扁舟画龙点睛，给画带来了生气，船上的人若隐若现，给画赋予了灵魂。
绘画不是摄影。照片是原封不动地反映外在世界，每一个细节，不管放大多少倍，都绝对真实，都忠于生活。而一幅好的画，却能做到高于生活，用独特的表现手法，经过观众自己视觉的参与，更加栩栩如生，更加活灵活现。这就是我们常说的，不求形似，而求神似。
我们常常喜欢传统的经典的绘画，喜欢那匀和的色彩细腻的笔法，喜欢那维妙维肖，细致入微的表现。其实这往往是把绘画和摄影的功能混为一谈。而印象派，是对传统手法的反叛，小笔触，色彩分割的画法，近乱而远和，近粗而远匀，这开创了现代艺术的先河。此后，后印象主义，表现主义，立体主义，超现实主义，抽象主义，风起云涌，争奇斗艳，画家越来越注重于绘画的形式，而忽略甚至脱离它的情节内容。一直到了现代的抽象派，绘画成了纯粹的色彩组合，而其内容已经无从可知了。
这一切都起源于莫奈，他不愧为印象派之父，首先把自然的真实性降低于色彩表现形式之下，把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸，而有着独立的品格和自主的权利。
历史上没有一个画家，象莫奈那样自觉地运用这样的原理，针对同一主题，专门描绘不同季节，不同光线和不同天气状态下的色彩变化，这类作品被称之“连作”。他会在同一地点支上几幅画架，每天在依次特定的时间在特定的画架上作画，周而复始，来捕捉同一对象在不同时间下的不同色彩。
由此我们来看19世纪的的法国，在“浪漫”以前，其实有很长一段时期的固板和黑暗。那时，法国画坛由官方学院派主宰，画等级森严。年轻人想走艺术之路，路漫漫、荆棘重重：首先要进美术学院听课，画《圣经》故事或以希腊罗马历史题材的学院画参加比赛，获奖者到意大利进修，然后作品在沙龙展出，被美术学院聘用，最后进法兰西美术学院，才得以修成正果。
于是就有一部分青年画家反对官方学院派的墨守成规和独断专行，要求艺术上的革新和创作上的自由。他们经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆，交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。
当时随着科学的发展，光学和色彩学的很多研究成果问世。追求创新的画家们深受这些成果的影响和启发，把它们直接运用到艺术法则上，如：他们认为自然界的一切物体的色彩都是七种原色组合而成的太阳光的照射的结果。在不同的时间、环境、气候等客观条件下，物象受不同的光的支配而产生不同的色彩，如果离开了光和色彩便没有世界。
因此,印象派和古典写实派的首要区别就在于,它把表现“光”和“色彩”的综合效果成为画家绘画的首要任务，而具体的物象只是传达光和色彩的媒介，其本身的意义成為次要。所以我们在印象派的画中看到的是充满阳光和空气感的色块组合，大笔大笔的色块组成画面，展示色彩斑斓的与过去完全不同的视觉效果。其次，由于阳光、空气等环境是瞬息万变的，捕捉“光”和“色彩”带来的瞬间“印象”，便成了画家的另一任务。于是他们把画架搬到室外，面对自然进行写生，以迅速的手法把握瞬间的“印象”。印象派画家们把户外写生发展到最高度，展示出大自然不寻常的丰富灿烂的景象。再者,在构图上，印象派发展也可以说是夸大了古典主义的绘画的透视原则。対透视造成的物体大小形变加以强调,造成一种别致的“第一印象”的效果。另外,在造型上，印象派舍弃物体的边缘轮廓线，代之以较为含蓄的色彩过渡或强烈的色彩变换。也就是说是翻转了造型和色彩的关系，让造型服从于色彩,产生一种光影的朦胧。
所以说印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派画家吸收了写实主义绘画的营养，在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。根据“物体的色彩是由光的照射而产生，物体的固有色是不存在的”这一当时最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色。印象派画家倡导走出画室、去户外写生，力求真实地刻画自然，直接描绘阳光下的风景和日常生活，摒弃16世纪以来狭隘的褐色调。印象派的代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、西斯莱、毕沙罗等。在印象派之后，塞尚、高更和凡·高都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿自然光中的客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受，这就是大名鼎鼎的“后印象主义”三剑客。此后，现代主义的艺术潮流层出不穷，世界艺术形式的大变革开始了。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇九
“饰文字以观美”，这是鲁迅先生对中国书法艺术的诠释。古人也有“笔迹者界也，流美者人也”和“书则一字已见其心。”一说。文字的发展是从图形到汉字的，因此书法的历史也很悠远，可以追溯到三千多年前的殷商时代。那时的甲骨文和金文(青铜器铭文)是今天所能见到的最古的汉字，也是中国最古的书法“作品”。金文书法带有美化装饰的倾向，体现了整肃端庄的标准美。后来的秦朝的小篆、汉朝的隶书、唐朝的楷书，还有那些装饰性的瓦当文、美术化的花样字，都接续了殷商金文书法的这一传统。所以书法的发展经历了很多不同的时代。
中国书法艺术开始于汉字产生阶段，中华民族是最早使用线条表达文字意思的民族。而文字一开始的形态图画文字而不是图画，汉字也是这样。汉字的形成是基于绘画，经过线条的改变、刻画符号的发展一步步进化而来，出现在陶瓷上的线条符号具有了美得艺术价值，这就是书法的雏形。
中国书法史上一次大的改革出现在三国时期，楷书的点画线条运动更加丰富多彩，在空间造型上也趋于稳定。楷书出现后，中国书法在字体上的改变也基本结束了。
魏晋南北朝时期是书法发展的一个快速时期，因为当时极大地强调人格的自由和独立，推崇的才情、品貌、风度、言谈、智慧、个性，提出了“文以气为主”，“以形写神”为命题的艺术创作。并且在当时出现了书法的第一个高峰，使书法由古拙向妍美转变了。行、草书也出现在当时，这两种文体以连贯的线条运动为主，并使书法用笔的速度、节奏、笔墨等几方面得到了统一。
唐朝在中国书法史上有着难以磨灭的贡献，如初唐四家：欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷，使楷书向定型化、规范化的方向发展等等。唐朝把楷书推向了后人难以再现的高峰，同时也把草书推向了绝顶。中国书法在唐朝走向了成熟并奏响了历史最强音。
宋代的书法领袖以卓越的艺术实践，奠定了中国书法新的审美理想—“文气”、“书卷气”。他们在汉字字体、书体创新新的技法，在理论上阐述新的观点，。宋代书法成熟的标志是“苏黄迷蔡”的出现，他们以轻快活泼，恣肆放达的手法，以“意”为书的意境使人耳目一新，掀起了中国书法艺术发展的又一个高潮。
元代时中国书法史上力主复古，又别具艺术境界的特定时期。元代有一个很大的特点，即书与画的关系更为紧密。他们把诗、书、画、印连为一轴，这对以后的明、清的画风带来了很大的影响。
明代时书法发展的一个重要阶段，这一时期的书法是沿着宋元传统的基础上继续演变发展的。这一时期有两条发展脉络，一条以“三宋”，“二沈”为代表，第二条是狂草书风为线索，总之，都对清代的书法发展产生很大的影响。
清代的书法风格在当时的经济，思想，文化，政治的影响下具有时代风貌。清代是中国书法史上的“书道中兴”的重要发展时期，碑学的提倡，兴盛为书法的发展开创了新的天地。
现在我想说一说学习书法的心得，特别是在写书法时的体会。我认为书法是一种可以陶冶情操，静心凝弦的好方法。它特别能锻炼一个人的耐心，在心情烦躁时，在心事重重时，在怒火中烧时写一幅贴会有很好的效果，它能使你安静下来，细细思考，感觉就像与外界断了关系，他们影响不到你，你是在自己的世界中，没有人打扰。书法是一件高雅的事，所以我们在对待他时也要有佛家所说的一种境界，来世得菩提时，心似琉璃!所以，在闲暇时我们不妨写上一写，在烦躁时不妨写上一写，在快乐时也不妨写上一写。不求多精，但求明义。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十
书法是我国著名的出品，书法字体有很多种，学习好书法鉴赏，更加提升自己内部素养。下面是本站带来的书法鉴赏的。
心得体会。
仅供参考。
一个学期的鉴赏学习让我对原本陌生的书法鉴赏有了一定的了解。醉过方知酒浓，当置身于那一幅幅优秀的书法作品中，才知道书法爱好者如痴如醉地“求工于一笔之内，寄情于点画之间”那种情结为何!
书法是一门艺术，现在真正欣赏书法的还只在书法界搞书法创作的专业书法家和书法爱好者，非从事书法创作的能欣赏的人还不多，大多数人还只是一般看看而已。有道是“外行看热闹，内行看门道”，要瞧出门道，就必须懂得入此门道的方法，掌握这方面的知识，而很多非专业的人缺乏这方面的知识，对书法的欣赏只停留在“好”与“差”的感觉的层次上，是非常笼统和模糊的。要做到知其然知其所以然，必须多看多写多练。曹老师建议，作为初学者的我们学写字先从楷书或隶书入手。掌握各种笔法后再学其它书体就有了基础。临帖是练好字的必需手段。不临帖，全凭自己想法随意写，是上不了路子的。学写毛笔字一定要有恒心与毅力，要持之以恒，戒骄戒躁，不能一曝十寒。常说：“只要工夫深，铁杵磨成针”。
毛笔字比一般的硬笔书画在线条的要求上更为细致，它的笔画并不是从如至终完全一样的，从提笔，运笔到最后收笔，线条的丰满程度都有所不同，只有良好的视知觉能力才能对整个字的边、线和角有一个正确的把握。而且，对着墨的多少全控制在手腕与手指之间，对手部小肌肉的精细控制能力要求很高，力度的把握也十分重要。
练习书法能使人静,而静又是书法的前提!静以修身，对书法的追求是一种境界，曹老师说他从很小的时候开始便喜欢写写画画，还给我们展示了他十几年前的作品文章.和他的一些书法练习手稿。这也使我联想到了很多，这个时代的人们，当然这其中也包括我自己，都是很浮躁的，做事情缺乏持久力，也总是静不下心来!而老祖先留给我们这么多宝贵的艺术财富却不知道好好的运用!认真练习书法，不但可以提升我们自身的修养，还可以让渊源的文化传承发扬下去。
对书法的追求是一身的。点点滴滴的珍藏，汇聚成一本本的快乐来源!
大一第二学期上了光德兄的中国文化概论后，感觉受益匪浅，本学期再一次选了光德兄的课—《书法艺术鉴赏》。
我原本就对书法艺术颇有兴趣，不过那是很小的时候，那时候没有qq，也没有计算机游戏，闲暇时，就把学校发的书法书拿出来观看，临摹，感觉非常有意思。不过渐渐长大，我就已经没有时间花在书法上了，甚至到初中，书法可都取消了，而我也要应付大量的课程，所以书法艺术与我渐行渐远，不过，以后看到字写得好的人，我会忍不住向他们讨教，看到一个字漂亮的写法，我也会记下来，慢慢练习。
正如光德兄所说，《书法艺术鉴赏》这门课的名字并不合适，因为我们对书法艺术了解并不多，根本就没有鉴赏的水平，只能说是一堂‘扫盲课’，不过通过这堂‘扫盲课’，我还是收获不少。
第一个收获，是再一次与一个良师益友共度一个学期，在大学，每一堂课都能够座无虚席是一件不容易的事情，但光德兄李教授偏偏做到了。这与他独特的人格魅力是分不开的，吸引我们听他的课的原因主要有两个方面，第一个，当然是他渊博的学识，师者，传道受业解惑嘛，光德兄治学严谨，精益求精，学术积淀丰厚，而且它本身就是一个书法家，一个书法家来上书法艺术课是再合适不过了。他每一堂课的板书，都可以看作是几幅书法作品，每堂课我们都能欣赏他的书法作品，实在是很幸福的一件事。另一方面当然就是学术意外的东西了，光德兄李教授年逾花甲，却还愿放下身段，与我们称兄道弟，推心置腹，这让我们十分感动。而且光德兄坚持四项基本原则的教学方法别具一格，语言风趣幽默，常常能让我们忍俊不禁。课堂气氛十分活泼。在光德兄钢杆弟子qq群上，经常可以看到李教授写的一些东西，让我们感慨颇深。光德兄在课堂上也教给了我们，一些为人处世的道理，这在大学里面是不多见的，李教授做人力求完美的精神很值得我们学习。
第二个收获，当然是学术上的。在上《书法艺术鉴赏》课之前，我对书法艺术的认识相当肤浅，仅仅知道什么样的字是好看的，另外也就知道一些常见的几种字体而已。通过这一学期的学习，总算对书法有了更深的了解，不至于贻笑大方了。每堂课，光德兄会在黑板上挂上几幅书法作品供我们欣赏，然后讲解，介绍。;这种做法使我们离书法艺术更近，而不是像其它班那样仅仅是展示几张图片而已，这样不显得那么空洞，枯燥。总之，通过这堂课，对我来说，光德兄‘扫盲’的目的肯定是得到了的，今后与人谈论书法艺术方面的东西时，应该能谈上几句了。
《书法艺术鉴赏》是一门人文素质选修课，当然不会有多高的要求，对很多人来说，不过是偶尔光顾一些，凑凑学分罢了，但我不这样对待，这些课旨在提高我们的人文素质水平，而且当代大学生的人文素质水平确实有待提高，很多人连汉字都不能写的工整好看，对一个中国人来说，并不是一件光荣的事情。听这类人文素质课，在学习知识，拓宽视野的同时，也陶冶了情操，在某种程度上提升了做人的境界。
在我们的人生道路上，能够遇到几位良师益友，确实是非常幸运的事情，祝愿光德兄身体健康，早日完成他人生第三阶段的目标，但愿自己以后能多遇上几个这样的良师益友。
前些日子逛书店时，买了本《楷书技法与指导》的书，粗粗的浏览了一遍，对里面谈到的关于书法欣赏的内容有了兴趣。
书法家沈尹默说过“世人公认中国书法是最高艺术，就是因为它能显出惊人奇迹，无色而具画图的灿烂，无声而有音乐的和谐，引人欣赏，心畅神怡”(《书法论从》)。确实，一件优秀的书法作品，往往能令人百看不厌，心旷神怡，爱不释手。像唐太宗李世民对兰亭的喜爱一样，甚至都到了自私的陪葬的地步。
书法欣赏它本身有一定的规律：
首先书法是属于视觉艺术，它主要是通过作品对视觉的冲击而产生的。因此在欣赏上要注意反复不断的观赏玩味。
第二，书法欣赏的能动性。书法欣赏是积极的、能动的，怎么理解呢?书法的欣赏也要像美术、音乐作品的欣赏一样，离不联想和想象。如果欣赏者仅仅像认字一样看待书法作品的话，我想他只要把作品年成是一些刻板抽象的符号，而没有任何美感而言。因此在欣赏书法作品时，要充分发挥自身的联想和想象，充分的体验作者的每一个动作，每一次用笔铺毫，体会每一个急慢快缓的动作，这样才能充分体验书法的节奏、美感。
第三，书法欣赏的主观色彩。书法作品的欣赏是一种艺术的再创造，因此欣赏者不同的文化程度，性情气质，审美经验等都会对作品产生不同的看法，正所谓的“仁者乐山，智者乐水”。
同时书法的审美标准也可以从以下几点进行：
一、点画的线条美。
书法家运用提按、顿挫、轻重、粗细、强弱、徐疾等用笔的技巧，结全用黑的枯、湿、浓、淡等丰富的变化，使书法线条产生了极强折力感和情感之美。因此在审美的过程中，要注意书法线条的变化，体验作者的情感和动作变化。
二、结构的造型美。
对于书法作品的欣赏，首先人们往往会从作品上的文字内容入手，以字为单位进行一逐个的往下看，因此有了丰富的线条表现力后，也要注意整个字的结构变化。如《兰亭序》中的二十个“之”字一样，尽管字的点画简单，但个个姿态各不相同，极尽变化，就充分表现了字体结构的造型美同时也体现了作者对字极强的处理能力。
三、章法的整体美。
这一点主要是体现在作品的整体效果上，除了点画、单字的欣赏上，整体的效果也是十分重要的。章法也称为“布白”，其实质是指作者对作品中空间虚实的艺术处理。“实处之妙，皆由虚处而生”，“虚”与“实”，“白”与“黑”，相依相生，体现出虚实结合的美原理。因此要注意作品中章法的欣赏。
四、全幅作品的风格美。
风格，用马克思的话来讲：“风格就是人”，说具体一点，“风格在这里一般指的是个别艺术家在表现方式和笔调曲折等方面完全现出他的人格的一些特点”(黑格尔《美学》)。因此在书法作品的欣赏上，要注意对作者的风格化的认识与欣赏。
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书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十一
姓名：学号：指导老师：
写作时间：2013年6月6。
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摘要：中国画国画在内容和艺术创作上，反映了中华民族的民族意识和审美情趣，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。国画强调“外师造化，中得心源”，融化物我，创制意境，要求“意存笔先，画尽意在”，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，两者在达意抒情上都强调骨法用笔、因此绘画同书法、篆刻相互影响，相互促进。
关键字：国画。
山水画。
一个学期的美术欣赏课结束了，我受益良多。虽然不能说是精通，但是至少还是懂得了一些。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。这篇论文我就围绕“中国画”谈谈我的认识。
中国画是中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。在古代，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
中国画历史悠久，两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿，距离时代和生活愈去愈远。
以山水画为例，我们来了解下中国画的产生，发展及其内在精神。山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了。
初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。
山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展。
说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。
欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神，中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶，是灿烂的中华文化的一个重要组成部分，在它自身发展的过程中，逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系，所以民族性是中国山水画最显著的特征之一，中国山水画体现了中国人特有的审美情趣，即简练，恬静，含蓄和韵律等。
其实山水画从一开始就与其它的道家，佛家，儒家有关，佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的，它没有连续性和次序性，认定在精神上能够出现自发性的领悟，这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除，而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的。
佛家是对中国文化影响最大的思想体系，孔子最早提出“仁者乐山，智者乐水”，是以道德价值来评价山水，但是这种对大自然的审美追求，客观上已超出了道德的范畴，其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄，气息平和的总体风格。
儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个：一是取法自然，用于自然的统一，二是静态与动态的统一，三是客观世界与主观世界的统一。中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考，没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。
作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点，落笔后应意到笔随。我们不能忽视道家这里的深远影响，传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系，加以对比此和谐的处理，如方圆，横直，点线，刚柔，浓淡，冷暖，轻重，虚实等等。山本静，水流则动；石本顽，树活则灵”正所谓山水之静动，顽与灵，均是大自然中存在的各种阴阳节奏关系，作为山水画家如果不自觉到自觉地运用这些关系，笔下可如神助。
接下来，再谈谈中国画的艺术特点吧。
一、形与象通，意与形合。形与象通，意与形合是中国画造型的基本要求。形，指外形、轮廓，是中国画传神达意的主要要素。象，指自然客观存在的万物形象或作画者在绘画作品中创造的艺术形象，即作画者追求神似而不追求形似，是概括化、艺术化的形。形、轮廓是中国画造型不可缺少的主要依据，师法自然中的形，经过作画者思想的提炼和加工，创造“似与不似”之艺术的“形象”，形与象；意，指绘画作品的思想内容、作画者的构思设想和创作意图。它具有三方面的意义：（1）、作画者主观的意，即绘画的立意（2）、画面形象所体现的意。（3）、绘画对象的意。作画者的立意是主观的，绘画对象的意是客观的，画面形象的意是作画者师法自然，熔铸丹青，抒写胸臆的艺术结晶，这种意是建立在形的基础之上的，遗物象而取意取神，但舍形不能求意。中国绘画的艺术形式美是为了表现“神似”，这“神”是一种意，即作画者对物象本质的认识、审美的感受。
二、境与性会，因心造境。意境是中国传统美学的范畴，是自我与自然自然的高度融合。境，是画面中有情趣的自然景象。性，是作画者的性情、兴趣喜好、习性。境与性会是指画境要与作画者的性情合一，达到情境交融的地步，意即客观的自然景物与作画者的性情有机地结合起来，有如水乳交融，浑然一体，兴会神交；因心造境是作画者按自己的理想所描绘出的生活图景，这个图景是现实生活中所没有、或少有的，是作画者虚拟出来的虚幻飘渺的艺术境界，是作画者“心造”之境。
三、心师造化。心师造化是中国画创作的生活源泉，指作画者用心灵去师法和感悟客观事物的内在精神风采，获得艺术素材，并依自己的审美判断，进行分析研究，在自己的思想情感的熔炉中加工改造。心师造化是以自然为师，通过“目识心记”或是写生自然物象，概括提炼物象的基本特征，按一定的构图规律重新组合物象，创造一种有意味的意境。心师造化的艺术特点是中国画创作必须要遵循的准则。
四、以诗入画。以诗入画是中国画意境的追求，自唐代王维在画中把这两方面有机地结合起来以后，北宋的苏轼极力的推崇王维“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”认为王维创造了一种他人所不能及的意境。同时提出“诗画本一律，天工与清新（北宋·苏轼）”的艺术观点。宋代画院还以诗意画作为招画院画师的考题，形成了以诗入画的风气。后世的画家，特别是山水、花鸟画家都自觉地把诗意融入画中。“诗中有画，画中有诗”成为品评中国画的一个重要的标准，还以画中是否具有富于诗意的意境，作为评价中国画雅与俗、优与劣的文野之分。画中诗意的创造，含蓄而耐人寻味，其独特韵味是中国画所独有的。
五、中国画的艺术表现语言是点、线、面的组合。点、线、面是中国画最基本的表现语言，以线为主，点、面为辅，以线造型，以线传情。线作为中国画表现的载体，其特定的表现手段在原始的崖画中就已经有了。它除了作为造型手段之外，它还带有人的主观感情因素，性格化的线条中包含着作画者们的审美情感、学识修养以及对世态的观点和看法。自然之中，没有纯粹的点、线、面，是作画者们经过主观的抽取、概括后融入情思而来的，点、线、面是抽象化的外在表现形式，通过三者的有机组合创造一种和谐、舒适、美好的画面意境。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十二
稽山水清幽、风景秀丽。东晋时期，不少名士住在这里，谈玄论道，放浪形骸。在晋穆帝永和九年(353)上巳日，这是我国古老的流传民间的一种习俗。人们于农历三月上旬的巳日到水边举行仪式，用香薰草沾水洒在身上，或沐浴洗涤污垢，感受春意，祈求消除病灾与不祥。“初渡浙江有终焉之志”的王羲之，与司徒谢安、辞赋家孙绰、矜豪傲物的谢万、高僧支道林及王羲之的子、侄献子、凝之、涣之、玄之等四十一人在会稽山阴的兰亭，举行一场盛大的风雅集会，流觞曲水，饮酒赋诗，其间作诗三十七首，结纂为《兰亭集》。五十一岁的王羲之于酒酣之时，用蚕茧纸、鼠须笔趁兴疾书，为此作序，这就是“天下第一行书”《兰亭集序》，也称《兰亭序》、《兰亭》。这篇传送千古的名迹，全文共二十八行，三百四十二字，通篇飘逸至极，字势纵横，变化无穷，如有神助。充分体现出行书起伏多变、节奏感强、形态多姿，点画相应。在章法、结构、用笔上都达到了行书艺术的高峰。
《兰亭集序》是王羲之书法艺术的代表作，是我国书法艺术史上的一座高峰，他滋养了一代又一代的书法家。在我学习欣赏之后有如下感想与看法：
天然的布白。《兰亭集序》布局的形式，是采取纵有行、横无列，行款紧凑，首尾呼应的方式。《兰亭集序》一共二十八行，行的疏密大致相等，偶有宽密。如神龙般的通篇行距，前四行较疏，中幅均匀，末五行紧密。字与字之间，打字奥参差，不求划一，长短配合，错落有致。保留了起草时随手书写的自然姿态，颇得天然潇洒之美。
多变的结构。《兰亭集序》的结构可说极尽变化之能事，它不求平正，强调钦侧，不求对称，强调辑让，不求均匀，强调对比。结体或修长或浑圆，突破隶书扁平方正的行貌。特别是文字中有重复者，则转构别体，无一雷同，其中最为突出的是二十个“之”，写法个个不同或平稳舒放，或藏锋收敛，或端庄如楷，或流利似草，变化不一，尽态极妍。
最卓越的艺术品，往往在极小的空间里蕴含着极丰裕的艺术美。《兰亭集序》就是一座袖珍式的屹立于式幅之中的辉煌的书艺殿堂。唐太宗赞叹它“点曳之功，裁成之妙”。黄庭坚称赞说“《兰亭集序》，王右军平生得意书也，反复观之，略无一字一笔，不可人意。”其全文三百二十四字，每一字都被王羲之创造出一个生命的形象，都别出心裁，自成妙构。
欣赏王羲之的《兰亭集序》不仅是视觉上的享受，更是心灵的震撼，此美乃大美。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十三
——米开朗基罗。
摘要。
他是一位“无所不能的通才”，他是“人类的艺术楷模”，他的艺术作品都是世上的“典范”。米开朗琪罗是文艺复兴时期的“三杰”，之一，他生于1475年。因为在米开朗琪罗家乡有许许多多的石山，那里有许多的石匠。所以米开朗琪罗在以后曾经很开玩笑地说，我为什么那么喜欢凿石头呢？因为在我奶娘的奶水里边就有锤子和凿子。
关键词：通才；典范；三杰；石匠。
一、米开朗基罗简介：
（1）生平简介。
米开朗基罗〃博那罗蒂（全名michelangelodilodovicobuonarrotisimoni，又译“米开兰琪罗”、“米高安哲罗”1475年3月6日－1564年2月18日），意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。与拉斐尔和列奥纳多〃达芬奇并称为文艺复兴后三杰。
（2）家庭背景。
米开朗基罗的家族在中世纪曾显赫一时。不过到其父是，收入微薄。父亲是当地的一名法官，脾气爆烈，但是惧怕上帝。母亲在米开朗基罗六岁的时候就死了。之后被寄养在一个石匠的妻子的家里，因此从小就对雕塑发生兴趣。事实上，这个家庭没有任何产生艺术家的可能条件。尽管他在诗文上颇有才赋，但对于父亲给他安排的法语课却丝毫不感兴趣。相反，他对绘画表现出异乎寻常的热情。
（3）时代背景。
共餐，分享着自罗马奥古斯都大帝以来一切最显贵高雅的消遣。他在圣马可修道院的美第奇学院作学徒时接触到了古风艺术的经典作品和一大批哲人学者，并产生了崇古思想。时兴的新帕拉图主义和受到火刑惩处的多明我会教士萨伏那洛拉给了他一生最重要的影响。查理五世对他说过这样的话：“世界上不只有一位皇帝，但不会有第二个米开朗基罗。”
二、米开朗基罗作品鉴赏。
(1)绘画作品。
«最后的审判»（壁画1700cm×1330cm1536-1541梵蒂冈西斯廷礼拜堂）这幅画是米开朗基罗完成西斯廷礼拜堂天顶画25年后，再一次为这座教堂创作的另一项大工程。此画的创作历时6年。此时67岁的米开朗基罗已尝尽了生命中的痛苦，深知社会上各种人物的罪恶，悲愤幽怨凝聚笔端，正直的艺术家要以«末日审判»是自己进入天堂。“最后的审判”内容取材于圣经故事。画面背景是清透的蓝色空间，人物形象饱满生动。整幅画面气势磅礴、场面宏大，众多的人物把画面分为天堂、人间和地狱三个空间。世界末日来临之际，位于画面中央的是基督和圣母。这位鄙视雷同的画家笔下的基督年轻健壮，体魄像一位斗士，高高举起的手像是在下达最可怕的命令。他是那样的严厉无情，以致圣母背过了身子，扭过头去不忍观看这一残酷的场面。画面右侧是那些罪孽深重的人们正在被投入地狱，左侧则是善良的、遭受不幸人们的灵魂被带入天堂的过程。画中人物神态各异：基督用手势表现了他坚定而决绝的态度；圣母是这幅画作里最温柔的一个形象；围绕着基督执行审判的使者们，聚精会神地凝视着基督等待着他的判决；那些被审判有罪的人们脸上流露出惊恐或绝望；而那些正在升向天堂的灵魂则一脸安静之色。
（2）雕塑作品。
他留给了许多人们要思考的东西。
2、《大卫》。
大卫是一座立像，高5.5公尺，是在一块被人损坏过，而没有雕刻家再敢于动手的，闲置了近半个世纪的巨大大理石上雕刻而成的。米开朗基罗刀下的大卫是一个充满着旺盛生命力，有着必胜信念的健与美的英雄形象。在米开朗基罗以前，不少雕塑家曾塑造过大卫的形象，往往是表现战斗胜利后的大卫形象。如多那太罗的青铜雕像《大卫》，显出喜悦和悠然自得的神情。而米开朗基罗却是精心刻画了大卫临战前的一刹那头部微微转向左方，双目紧紧地凝视着敌人，左手握着肩上的投石器，右手自然的下垂，略握拳头，外表的平静，使塑像更具内在的紧张和运动感，更加显示出大卫的沉着、勇敢和必胜的信念。米开朗基罗的大卫获得了盛大的成功，雕像的勃勃雄姿成了当时佛罗伦萨市民心目中抵御外敌、保卫祖国的英雄形象的化身。
3、《摩西》。
《摩西》像是米开朗基罗用了4年时间完成的塑像，对后世产生了极为深远的影响。它用人体讴歌了正义和力量，使文艺复兴人文主义思想在艺术上得到充分体现，在人类雕塑艺术的发展史上留下了浓墨重彩的一笔。受到这一作品的启发，朗基石在这一系列中完成了一次精彩的飞跃，设计师将对创作的热情倾心融入到石刻中，运用了冷暖色调的大胆对比和纵深延长的纹路结构，变化中不失平衡，微妙处独具匠心。
三、总结。
在老师的讲解后，我们知道了米开朗基罗是艺术界的一代大师，带给后人无穷的瑰宝。米开朗基罗在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情（这个完全可以最后的审判中那张人皮看出来，米开朗基罗在他的作品中融入了自己的感情与信仰）。在米开朗基罗的壁画前伫立，会使你灵魂得到净化，使信教者便得虔诚，使一切邪恶变得澄清。他的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。让人感到人的美与健康。他的雕塑作品以写实的手法再现了人体的唯美与丰满，他在细节的刻画上处理得非常好，我们完全可以从他的雕塑作品的眼神、面部表情等看出人物的心理（这个从圣殇的圣母的眼神、嘴角等都可以感受到那份是伤痛）。通过这学期的美术鉴赏的课程以后，让我对美术的认识有了一个更加深入的了解。当然不仅是米开朗基罗，还有达芬奇，拉斐尔。对他们的身世和所处时代的背景以及他们所创作的作品背后的故事都有了一个了解，我觉得艺术史一个无边界的国界。老师的课非常有意思，从埃及的古老文明艺术讲到文艺复兴的艺术创作，从金字塔讲到米开朗基罗的《大卫》作品。课堂的内容徐徐动听，非富多彩。每次一上课就仿佛走进了艺术的殿堂，身临其境的跟艺术家们对话。其实回头想想也是，生活就是艺术，艺术就是生活。在美术鉴赏的课后，我们不仅可以用艺术的眼光看身边的事物，更可以将艺术融入到我们的生活中去。这样，我们的生活将充满趣味，充满艺术，充满美。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十四
摘要：《大河之舞》就是在讲述爱尔兰的传统,讲述它民族的历史,它运用爱尔兰传统的舞蹈“踢踏舞”来讲述这个历史的发展过程,用民族的传统来讲民族的历史,具备了民族的特点,它是带有民族特色的歌舞剧。
关键字：大河之舞踢踏舞歌舞剧爱尔兰。
在舞蹈鉴赏课上，我欣赏到了世界著名的《大河之舞》。《大河之舞》是俐落流畅的爱尔兰踢踏舞,是忧郁热情的西班牙佛朗明哥,是气质优柔的古典芭蕾,也是活力动感的现代舞。
《大河之舞》中的“大河”指的就是爱尔兰的里菲河,里菲河就像我们的黄河一样,是爱尔兰民族的“母亲河”,而恰恰是这一条“母亲河”记载着爱尔兰的历史,《大河之舞》就是在讲述爱尔兰的传统,讲述它民族的历史,它运用爱尔兰传统的舞蹈“踢踏舞”来讲述这个历史的发展过程,用民族的传统来讲民族的历史,具备了民族的特点,它是带有民族特色的歌舞剧。
《大河之舞》被誉为“地板上的精灵”，该剧以传统爱尔兰民族特色的踢踏舞为主轴，融合热情奔放的西班牙弗拉明戈舞，并汲取古典芭蕾与现代舞蹈的精髓，共同营造出一场气势如虹，异彩纷呈的绝世舞作。《大河之舞》是爱尔兰凯尔特人的骄傲，这种以踢踏舞为主的舞蹈和为踢踏舞专门编制的音乐，被称作世界上最具震撼力的舞蹈和最富感染力的音乐。据说凯尔特人生来就有舞蹈的天赋，他们对舞蹈的理解已经达到至高无上的境界。踢踏舞已经不单单是一个舞蹈，已经成为爱尔兰的民族艺术之魂和骄傲。同时它也成为一个媒介，连接了爱尔兰的过去与未来，连接了爱尔兰的民族与世界，现在已经成为世界艺术百花园中的一朵奇葩。
《大河之舞》的剧情是诗化般的，神话、传说、历史混合成爱尔兰那最初的朦胧而清晰的印象，如泣如诉的爱情、波澜壮阔的战争和永恒不死的自由，让心灵奔腾不息地穿行在爱尔兰那如诗的旷野上。在这里，艺术渲染了一个极具纵深感的背景。器乐和人声无比完美地结合起来，使爱尔兰的传统音乐旋律诞生出了新的灵魂。悠扬苍凉的爱尔兰风笛延续着古老的情怀，激扬的小提琴挑动着每一根敏感的心弦，让人们一次又一次被爱尔兰的文化和历史所感动。
舞，气势如虹，像潮水一般冲击着人们的视线和心灵。应该说，“大河之舞”的舞蹈已经深深融入了爱尔兰厚重的文化之中。
我喜欢《大河之舞》，我折服于舞者富有激情而不失细腻的表演，惊叹那复杂多变的节奏，明朗的舞步。与此同时，我的灵魂早已游走在爱尔兰民族的血泪史里。《大河之舞》是一部爱情悲剧，或者，更是一个民族的辛酸史。舞蹈聚合了一个国家深重的苦难和爱尔兰人民执着的企盼，正因为如此，原本单薄的舞蹈才会变的有些厚重，原本轻盈的舞蹈才会带上些历史的沧桑。在踢踏舞震撼的节奏里，我找寻到与芭蕾的静谧全然不同的奔放与激情，同时，我的内心有种情愫在暗暗滋生。光影浮动，每一次变幻预示着一次全新的发展。在《大河之舞》变幻莫测的节奏和贯穿始终的旋律里，舞者用踢踏这样一种方式讲述一个家族的灾难历程。《大河之舞》展现出的是真爱、丑陋的人性理想与现实矛盾冲突的融合体。它就犹如是一部叙述爱尔兰祖先与大自然的抗争，以及经历战争、饥荒等种种苦难后流离失所，重建家园的长篇血泪史诗。历史宛如一条长河，滔滔不绝地传颂着智慧、勇气、生命与爱。《大河之舞》让我享受到一种全新的感观体验，也将我的思想带到了比舞蹈更本质深远的层面。
在《大河之舞》中，舞者的服装并没有特别之处，男舞者多数是上身白衬衫，下身黑裤子，而女舞者基本上是一身黑连衣裙。就舞者的动作来讲，不管男女舞者，上身基本保持不动，两手自然下垂或偶尔掐腰，这就很自然的把人们的目光吸引到舞者的脚下，而舞者的脚下功夫才是“舞之魂”，那种千变万化，美轮美奂的踢踏动作，点燃的是激情，敲击的是震撼。在整个集体舞中，舞者的身高也不一定很整齐，但是他们的脚下的踢踏舞却整齐如一，踢踏出来的节拍是那样的和谐，那样的震撼人心。每一位舞者的精湛技艺都让人赞叹不已，每一位舞者的敬业精神亦让人油然起敬。舞蹈中不断变换的形式以及独特的三角队行，快速却毫无杂音的踢踏之声，使舞蹈具有强烈的层次感和穿透力，在视觉和听觉上都给人以空前的震撼力。布景更是将其剧情展现得淋漓尽致、丝丝入扣，将爱尔兰人民热爱自然、崇尚生命的精神表现得尽善尽美，并且使演员和布景完美地融合在了一起，你中有我，我中有你。《大河之舞》是一场力感、动感、质感与美感兼具的百老汇音乐歌舞盛宴。
《大河之舞》具有舞台化、戏剧化、现代化、商业化和国际化等特点，它有很多的艺术手段可以借鉴，强调的是现代人的现代化、节奏化，符合现代人的欣赏品味，因此它能够舞动世界，深受世界人民的欢迎。我想它能够获得如此大的成功，是因为它不仅给人们带来了娱乐，更洗涤了人们的心灵吧。
书法鉴赏的论文书法鉴赏论文篇十五
稽山水清幽、风景秀丽。东晋时期，不少名士住在这里，谈玄论道，放浪形骸。在晋穆帝永和九年(353)上巳日，这是我国古老的流传民间的一种习俗。人们于农历三月上旬的巳日到水边举行仪式，用香薰草沾水洒在身上，或沐浴洗涤污垢，感受春意，祈求消除病灾与不祥。“初渡浙江有终焉之志”的王羲之，与司徒谢安、辞赋家孙绰、矜豪傲物的谢万、高僧支道林及王羲之的子、侄献子、凝之、涣之、玄之等四十一人在会稽山阴的兰亭，举行一场盛大的风雅集会，流觞曲水，饮酒赋诗，其间作诗三十七首，结纂为《兰亭集》。五十一岁的王羲之于酒酣之时，用蚕茧纸、鼠须笔趁兴疾书，为此作序，这就是“天下第一行书”《兰亭集序》，也称《兰亭序》、《兰亭》。这篇传送千古的名迹，全文共二十八行，三百四十二字，通篇飘逸至极，字势纵横，变化无穷，如有神助。充分体现出行书起伏多变、节奏感强、形态多姿，点画相应。在章法、结构、用笔上都达到了行书艺术的高峰。
《兰亭集序》是王羲之书法艺术的代表作，是我国书法艺术史上的一座高峰，他滋养了一代又一代的书法家。在我学习欣赏之后有如下感想与看法：
天然的布白。《兰亭集序》布局的形式，是采取纵有行、横无列，行款紧凑，首尾呼应的方式。《兰亭集序》一共二十八行，行的疏密大致相等，偶有宽密。如神龙般的通篇行距，前四行较疏，中幅均匀，末五行紧密。字与字之间，打字奥参差，不求划一，长短配合，错落有致。保留了起草时随手书写的自然姿态，颇得天然潇洒之美。
多变的结构。《兰亭集序》的结构可说极尽变化之能事，它不求平正，强调钦侧，不求对称，强调辑让，不求均匀，强调对比。结体或修长或浑圆，突破隶书扁平方正的行貌。特别是文字中有重复者，则转构别体，无一雷同，其中最为突出的是二十个“之”，写法个个不同或平稳舒放，或藏锋收敛，或端庄如楷，或流利似草，变化不一，尽态极妍。
最卓越的艺术品，往往在极小的空间里蕴含着极丰裕的艺术美。《兰亭集序》就是一座袖珍式的屹立于式幅之中的辉煌的书艺殿堂。唐太宗赞叹它“点曳之功，裁成之妙”。黄庭坚称赞说“《兰亭集序》，王右军平生得意书也，反复观之，略无一字一笔，不可人意。”其全文三百二十四字，每一字都被王羲之创造出一个生命的形象，都别出心裁，自成妙构。
欣赏王羲之的《兰亭集序》不仅是视觉上的享受，更是心灵的震撼，此美乃大美。
“饰文字以观美”，这是鲁迅先生对中国书法艺术的诠释。古人也有“笔迹者界也，流美者人也”和“书则一字已见其心。”一说。文字的发展是从图形到汉字的，因此书法的历史也很悠远，可以追溯到三千多年前的殷商时代。那时的甲骨文和金文(青铜器铭文)是今天所能见到的最古的汉字，也是中国最古的书法“作品”。金文书法带有美化装饰的倾向，体现了整肃端庄的标准美。后来的秦朝的小篆、汉朝的隶书、唐朝的楷书，还有那些装饰性的瓦当文、美术化的花样字，都接续了殷商金文书法的这一传统。所以书法的发展经历了很多不同的时代。
中国书法艺术开始于汉字产生阶段，中华民族是最早使用线条表达文字意思的民族。而文字一开始的形态图画文字而不是图画，汉字也是这样。汉字的形成是基于绘画，经过线条的改变、刻画符号的发展一步步进化而来，出现在陶瓷上的线条符号具有了美得艺术价值，这就是书法的雏形。
中国书法史上一次大的改革出现在三国时期，楷书的点画线条运动更加丰富多彩，在空间造型上也趋于稳定。楷书出现后，中国书法在字体上的改变也基本结束了。
魏晋南北朝时期是书法发展的一个快速时期，因为当时极大地强调人格的自由和独立，推崇的才情、品貌、风度、言谈、智慧、个性，提出了“文以气为主”，“以形写神”为命题的艺术创作。并且在当时出现了书法的第一个高峰，使书法由古拙向妍美转变了。行、草书也出现在当时，这两种文体以连贯的线条运动为主，并使书法用笔的速度、节奏、笔墨等几方面得到了统一。
唐朝在中国书法史上有着难以磨灭的贡献，如初唐四家：欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷，使楷书向定型化、规范化的方向发展等等。唐朝把楷书推向了后人难以再现的高峰，同时也把草书推向了绝顶。中国书法在唐朝走向了成熟并奏响了历史最强音。
宋代的书法领袖以卓越的艺术实践，奠定了中国书法新的审美理想—“文气”、“书卷气”。他们在汉字字体、书体创新新的技法，在理论上阐述新的观点，。宋代书法成熟的标志是“苏黄迷蔡”的出现，他们以轻快活泼，恣肆放达的手法，以“意”为书的意境使人耳目一新，掀起了中国书法艺术发展的又一个高潮。
元代时中国书法史上力主复古，又别具艺术境界的特定时期。元代有一个很大的特点，即书与画的关系更为紧密。他们把诗、书、画、印连为一轴，这对以后的明、清的画风带来了很大的影响。
明代时书法发展的一个重要阶段，这一时期的书法是沿着宋元传统的基础上继续演变发展的。这一时期有两条发展脉络，一条以“三宋”，“二沈”为代表，第二条是狂草书风为线索，总之，都对清代的书法发展产生很大的影响。
清代的书法风格在当时的经济，思想，文化，政治的影响下具有时代风貌。清代是中国书法史上的“书道中兴”的重要发展时期，碑学的提倡，兴盛为书法的发展开创了新的天地。
现在我想说一说学习书法的心得，特别是在写书法时的体会。我认为书法是一种可以陶冶情操，静心凝弦的好方法。它特别能锻炼一个人的耐心，在心情烦躁时，在心事重重时，在怒火中烧时写一幅贴会有很好的效果，它能使你安静下来，细细思考，感觉就像与外界断了关系，他们影响不到你，你是在自己的世界中，没有人打扰。书法是一件高雅的事，所以我们在对待他时也要有佛家所说的一种境界，来世得菩提时，心似琉璃!所以，在闲暇时我们不妨写上一写，在烦躁时不妨写上一写，在快乐时也不妨写上一写。不求多精，但求明义。
学习“书法艺术鉴赏”这门课程的时间不长，本来就只有半学期的课，由于自己的骨折拉了两节课，是十分可惜的。但在我所上过的几堂课中，我依然感受到这门课程的独特魅力——中国书法艺术的悠久历史和精神内蕴。我就像翻开了一本弥漫着浓郁油墨香气的书，欲罢不能的沉浸在书法艺术的世界里。
和书法还是有点交情的，所以当初看到这门课程就毫不犹豫的选择了它。外公的书法有一定的功底，朋友和同事们都爱看他写毛笔字。作为最被疼爱的外孙女，从小，我就接受外公的指导练习书法。刚开始，帮外公磨砚，看着他“写大字”，渐渐的，外公给我看各种字帖，年幼的我就算写不来字，也知道了“篆书，隶书，楷书，行草，草书”，就在这种墨香宣纸环境的耳濡目染下，我对书法艺术有了亲近感。随后学习执笔姿势，描红，临摹字帖变的顺理成章。就这样，直至高中学业的繁忙和最疼爱我的外公的去世，我的书法荒废了，甚至连宣纸毛笔砚台墨汁的文房四宝都找不到，更别提能静下心来写我的大字了。
所以，当我看到“书法艺术鉴赏”这门课程时，一种久违的亲切感促使我重头开始了解书法——这对我来说既熟悉又陌生的艺术。果不其然，当我上了几节课后，我发现了一个不一样的书法世界。
曾经只懂得“篆书，隶书，楷书，行草，草书”，“柳体，颜体”的我并不了解整个书法艺术发展的历史过程和书法艺术的赏析。从前的我觉得书法就是写大字，但上了课之后，我明白，书法不仅仅是写字，它是一种艺术，是一种文化，它利用了最平淡无奇的生活实用工具——文字，负载了中国几千年的历史文化，能透露出写字人的性格和气质，也是大千世界的抽象和浓缩。
其实，我觉得，书法和绘画一样，是一门跨民族，跨时代，跨文化，跨国界的艺术。绘画是以色彩为媒介，以画面为形式;书法是以线条为媒介，以笔墨为形式。它们都是抽象的，有细腻精微的外在形式和深沉丰厚的精神内蕴。当摩尔的雕塑在美术馆展出人头攒动的景象出现，当人们争相去博物馆看凡高的《向日葵》，我们想到什么了吗?每年有许多学子留洋学画，但又多少高中生会在家练书法呢?既然绘画艺术能向全世界覆盖，书法艺术要走出国门，走向世界，是有可能的，那需要我们炎黄子孙共同努力，先从我们自己做起，重视先辈留下的宝贵文化财富——书法艺术，向世界诠释其精髓，将其发扬光大。
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