通过总结，我们可以查漏补缺，发现问题，为今后的工作和学习提供更好的指导和改进措施。通过引用他人的观点和经验，增加论述的广度和深度。接下来是一些成功者的成功心态和方法，或许可以帮助我们实现目标。
声乐钢琴伴奏体会篇一
（一）古代民族声乐
秦汉之后，为提高声乐的艺术美感，“歌”与“舞”的结合，将民族声乐艺术带入了全新的发展环境，其艺术思想内容也发生了本质上的转变，歌颂帝王将相、传唱爱情、弘扬爱国，大型歌舞依附于多元的艺术思想，成功跻身艺术主流行列。随后，唐诗宋词，将戏曲、诗词曲很好的融入到了声乐艺术中，这是声乐艺术最为鼎盛的时期，无论是民歌、说唱，还是歌舞、戏曲，其发展形态越来越全面，直至明清阶段，民族声乐在历史发展中不断的扩充、完善。
（二）现代民族声乐
进入20世纪，西方声乐开始引入中国，对中华民族声乐造成了强有力的冲击，西方艺术文化、思想快速侵入传统民族声乐，从演唱方法到发音技巧，从乐曲创作到表现形式，在现代民族声乐中，到处皆可见到西洋声乐的影子。
1.多元化
在网络信息技术的推动下，声乐艺术家们接触到的艺术信息更加多元，他们在创作声乐作品时，其思维方式和动机都会发生多元改变，如多民族文化融合、艺术融合、艺术表现形式融合。多元化的艺术信息可以为声乐艺术家提供源源不断的先进信息。
2.个性化
发音技巧、音乐创作内容不同，民族声乐的表现形态则不同，由此可见，每个民族声乐作品都是一个独立的整体，它经多元素文化填充，便可以形成特殊艺术，绽放个性风采。从艺术欣赏角度，日益挑剔的人们对民族声乐的欣赏需求越来越高，所以艺术家们纷纷选择利用声乐作品的个性化元素，博得眼球，抢占艺术高位。这也可以证明，民族声乐的个性化发展已经成为了一种趋势，也是民族声乐发展的一大优势性选择。
（一）“字正腔圆”的突出地位
所谓“字正腔圆”是古代歌唱艺术最基本的表演规则，“字正”，演唱者每个字的吐字发音必须清楚、干脆，每个字都是一个独立的单位，不能相互交叉，交互影响。同时，词语发声应具有艺术表现力，其中最为突出的理念便是“收声归韵”，要求字头、字腹和字尾的演唱表现必须连贯；“腔圆”，演唱者必须使用“圆腔”发声，字音的律动应当用柔情处理，字与音的相互融合，如同乐曲的脊梁一样，是支撑情感、艺术文化的基础框架。因此，“字正”与“腔圆”是民族声乐的基本审美标准，任何时代都不会改变。
（二）以“情感”为艺术主题
“情感”对审美思想的影响作用是巨大的，占据核心地位。从思想角度上分析，民族声乐代表着一个民族的艺术精髓，本民族人将生活感悟、精神文明融入到乐曲中，形成“讲述声音”，利用发声、演唱技巧，将乐曲情感表达出来。从技巧角度上分析，情感是没有技术可言的，歌唱技巧的好与坏，与乐曲情感表达是不存在直接联系的，所以传统意义上的审美标准，“字正腔圆”在情感审美上并不适用。因此，可以将情感看做是乐曲的灵魂，是支撑乐曲的重要生命力。现代艺术社会，人们对民族声乐情感的表达更为重视，把他当做核心审美标准，与“字正腔圆”一起，形成双向审美机制。
（三）强调音色的艺术表现力
在声乐艺术发展的过程中，声乐音色的多元变化从未停止，民族声乐与不同乐器的融合，给声乐作品在音色创造、发展提供了广阔的空间。除用乐器修饰音色之外，演唱者利用演唱技巧，也可以使声乐作品发挥出难以比拟的情感作用。从审美角度看，音色是审美的基础，是声乐作品表达情感的基石，是发挥声乐艺术感染力的必然手段，因此，演唱方法、嗓音状态、音色处理等声乐元素，对增强声乐音色的独特性，起到了至关重要的作用。
通过上文对民族声乐历史发展进程、特点、审美取向等内容进行系统分析可知，声乐审美取向的变迁，是鉴证声乐多元化、个性化发展的凭证。在原生态音乐、现代音乐、古典音乐、传统音乐多元文化思想的影响下，民族声乐的发展渠道会更加多样，其审美标准也会一在放宽规格化、固有化的内容，突显富有创造力、思想性艺术美感的内容价值。
声乐钢琴伴奏体会篇二
自从我开始学习声乐以来，伴奏一直是我必须面对的挑战之一。无论是与钢琴、吉他还是小提琴的合作，伴奏都是一项需要通过大量练习才能掌握的技能。在这篇文章中，我将分享我在声乐伴奏方面的一些心得体会，并希望能为那些也在学习声乐的人提供帮助。
第二段：敏锐的音乐感。
伴奏者需要敏锐的音乐感，能够准确把握曲子的节奏和情绪，以此更好地为歌手提供支持和引导。在学习伴奏时，我发现了一个技巧，就是先听一段时间的歌曲，熟悉其曲调和旋律，再开始尝试演奏伴奏。这样可以让我更深刻地理解歌曲的情感表达，从而更好地为歌手提供帮助。
第三段：灵活的和弦掌握。
伴奏中的和弦是关键，因为和弦是歌曲中不同和声组成的主要元素。对于钢琴或吉他等伴奏乐器的学习者来说，灵活掌握和弦是非常重要的。在我的学习过程中，我经常反复练习不同的和弦转换，尤其是那些更难以掌握的转换方式。我发现，通过反复练习和弦转换，不仅可以提高技巧，更能够对和弦转换的规律有更深刻的认识。
第四段：灵敏的反应能力。
伴奏者需要具有灵敏的反应能力，当歌手演唱过程中产生偏差时，伴奏者需要及时地调整自己的伴奏。这需要一个良好的沟通机制，包括沟通方式和语言表达等。在我的学习过程中，我意识到，与歌手之间建立起良好的沟通机制是非常重要的，这有助于提高伴奏的质量和效果。
第五段：总结。
总的来说，声乐伴奏虽然是一个挑战，但也是一个非常有趣和有意义的活动。在学习过程中，需要注重不断积累经验和技巧，灵活掌握乐器技巧、和弦转换和良好的沟通机制等，只有这样才能真正地为歌手提供优质的伴奏服务。我相信，在不断的练习和学习中，我们能够越来越好地掌握声乐伴奏的技巧，为我们的音乐之旅增添更美好的色彩和经历。
声乐钢琴伴奏体会篇三
作为一种音乐形式，钢琴伴奏一直被认为是演唱表演中不可或缺的一部分。对于大学生而言，学习钢琴伴奏不仅可以增加个人音乐素养，提升自身技能水平，还可以为广大文艺类社团提供更加完美的演出音乐配合。在此背景下，大学生们学习钢琴伴奏意义重大，也被证明是一项有益于个人发展的活动。
对于钢琴伴奏而言，技巧在实践中占有重要的地位。在演奏中，大学生需要掌握基础的乐理知识与钢琴演奏技巧，并且要能够独立地进行钢琴演奏，同时享受良好的节奏感和对旋律的理解。这不仅需要学生有一定的音乐天赋，还需要多次实践演奏，逐渐掌握不同的技巧与方法。
尽管在多次演奏实践中，学生们可以逐渐掌握演奏技巧，但在实践中仍然可能会面临许多挑战。钢琴伴奏作为表演音乐的一种形式，学生演奏不仅需要注意音乐表现与技巧，同时需要与主唱进行默契配合，保证演出的美感与完美度。因此，学生们在学习过程中要不断尝试，多次实践，逐渐克服面临的各种挑战。
在学习大学生钢琴伴奏的过程中，学生们要学会认识自身，在实践中不断提高自己的能力。同时，学生们要学会针对不同的演出类型和配乐进行不同的处理，在演出中逐渐提升音乐的表现力。在此过程中，学生还可以加入钢琴伴奏小组，与其他成员一起合作演奏或是参加比赛，充分展示自己的才华。
第五段：总结。
总的来说，大学生钢琴伴奏是一项有益于个人发展的音乐活动。学习钢琴伴奏不仅能够提升学生的音乐素养，还能为学生提供丰富的文艺活动体验。在学习过程中，学生应该注重积累经验，多次实践，并在实践中不断克服各种挑战，逐渐提高自己的音乐表现力和技能水平。
声乐钢琴伴奏体会篇四
[摘要]随着教学改革和艺术类高考政策的改变，传统的教学理念也必须不断更新。本文通过对弹好钢琴的几个要点的论述，简洁地阐明了如何对音乐高考生的钢琴演奏进行科学正确有效的辅导，用更新的教学理念与教学方法完善我们的教学，以帮助更多的考生取得优异成绩。同时，这对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系也是具有深远意义的。
[关键词]音乐高考；钢琴教学；创新；要点；心理素质；钢琴教学体系。
近几年来由于高考中艺术类的分数线较低。很多学生纷纷报考艺术类作为上大学的捷径之一。但从2005年高考录取的情况看，艺术类专业的录取分数线在不断提升：文化课成绩较好的学生走这条路的也比往年有所增多；今年各高校均没有扩招计划，艺术类高考竞争越来越激烈。同时，专业课考试的形势也越来越严峻：以辽宁省为例，今年全省的艺术类考生均于2007年1月26日在沈阳音乐学院集中考专业课。由此可见，专业的成绩确实更加真实、更加透明了，但另一方面，也确实增加了专业实力的竞争的力度。
怎样才能在这样激烈的竞争中脱颖而出，无疑给音乐高考的学生，尤其是辅导教师提出了新的挑战。面对高考形势的改变，教师的教学方式和手段也必须相应地改变，要有一个与之相适应的配套工程。笔者仅以辅导钢琴学科的音乐考生的教学实践，总结如何教好钢琴专业考生的一些手段和方法，供大家讨论与研究，希望以为高校输送高质量的音乐艺术人才为终极目标，在交流中碰撞出更好的教学思路。
本文从演奏钢琴的技术是基础，慢练是途径，音乐表现是目的，临场发挥的心理素质培养与训练的全过程，畅谈了考生在练琴中从纵向、横向，个体与综合训练中形成的音乐技能对智力要素中想象力创造力的启智作用，阐述了音乐高考中的钢琴教学，对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系具有深远的意义。
钢琴演奏是技术性很强的艺术，技术是到达钢琴艺术顶峰的基础。而这种基础的含义是丰富的，它包括钢琴演奏的技法和表现规律。独立理解以及处理音乐的能力等等。
教师要在第一节课对音乐考生进行全面了解，即通过考生的演奏听学生的音准、节奏，听调试中各种音色的不同触键技术技能，听音乐的表现内涵。通过对学生的初步了解是迈出教与学的第一步。有了这第一步，此后的教学安排便都是有针对性的了。
1、技术是音乐的前提。
首先分析学生所弹乐曲、练习曲中都包括哪些音乐材料，这些音型都应选择什么样的触键方法才能符合作品内容的需求和风格。然后，再将这几种不同的触键方法归纳起来，分阶段依次练习。采用难点分散解决。各个击破的战术，将每一个技术动作做到位。如：手指技巧中的“勾指”、八度的“伸展”、特殊的“拇指”、手指技巧的适应性变化——“快拨”、“慢抹”、“轻触”，手掌关节的“支撑”与“放弃”，音阶、琶音、和弦结构认知的手架把位技巧，手腕的“落滚”技巧、“刚柔相济”技巧，肘部下垂与提高技巧，腰部的协调，臀部的作用及肢体语言的融入。这些基本功训练结束后，还要引导学生认识旋律起伏。和声的色彩变化，节奏的错落有致，对音乐语言本身的规律和文法等等，都必须学会看懂和听懂它。要把技术和音乐统一起来，这才是练习基本功的目的。
2、技术为音乐服务。
（1）基础训练要从培养听力入手。
训练敏锐的听觉是打好基础的最重要一环。它是通过培养学生仔细倾听、检查自己弹奏的每一个音的质量、时值、力度、音色及上下左右的关系长期形成的。高考学生尽管时间有限也不能忽视这一环节，要尽可能地创造时机去训练。
对考生更要注意对他们听觉、视觉、大脑和心灵的协调一致的训练，挖掘并提炼他们的潜能。要反复提醒学生，要用自己的耳朵来监听自己的琴声。能听出弹奏的毛病才能及时纠正，才能提升自己的乐感。时时都要牢记培养听力是钢琴演奏的最基本的技术训练。
（2）视觉、听觉和记忆的协调。
视觉演奏快慢，是衡量学生学习效率的标准。视奏快，能有效地缩短学时，并能增强读谱能力和背谱能力。为钢琴演奏打下坚实基础。所以辅导考生要在着重安排强化视奏能力训练的基础上，还要增强背谱弹奏的训练。背谱亦即背奏，是训练大脑记忆力的最好方法，它需要调动听力、心灵，掌控琴声和音乐结构。是一种技术手段。能够背谱背奏便可腾出眼力来关注手指训练，从而增加手指弹奏的准确性和力度，迅速掌握演奏技巧。
（3）全方位训练。
在进入多元化钢琴教育的今天，全方位训练自然是集中外著名钢琴大师教育思想之大成的新理念，我们要为之实践而竭尽忠诚。强调技术与艺术并重，是相辅相成相得益彰的关系。以音乐艺术带动技术训练：以技术训练保障艺术的完美，使技术与艺术和谐共荣。造就创新的音乐人才。
慢练不是简单地把乐曲的速度放慢，它是一个内涵丰富的概念。其涵义就是要把乐曲中所标注的音的时值延长，把音与音之间的间隔拉大。实际上是把乐谱所承载的音乐元素放大了。放大了的实际效果是使阅读者对乐谱一目了然，心领神会，从而在弹奏过程中能够从容、准确地兑现乐谱。换一个角度来说，就是慢练能使人的运动神经有比较充足的时间，根据视觉、听觉反馈的信息，调整并改正演奏上的缺点、错误，从而建立起运动神经的正确习惯反映和条件反射。
所以对音乐考生的辅导中，要充分利用慢练这一手段，仔细分析每一个乐句的技术与音乐的关系，根据需要慢练。可以采取分解式慢练（分声部慢练：分手慢练），充分体验多声部多层次多音色的触键感觉，特别是难点之处，更是要用慢练这把钥匙开难点这把锁。
当然，慢练不是目的，而是一个过程，慢练的目的是快练。当考生能在慢练中准确无误地兑现乐谱时，就要逐渐加快速度，直至达到乐谱所示的要求。这时考生的演奏已经是优美动听，今非昔比了。
钢琴演奏是一门表演艺术，是演奏者通过钢琴用音乐语言来揭示作曲家深刻而广阔的内心世界活动的。同时也表现了演奏者的内心感受，并进而感染广大听众的。这种音乐表现的涵盖极为丰富，它包括美感、情感、情绪、情调、联想、想象、音乐意境、音乐形象以及音乐语言、音乐逻辑、音乐思维、音乐语调、音乐涵义、音乐趣味、音乐韵味、音乐哲理、音乐风格等等，都属于表现的范畴。钢琴的表现力是极其丰富的。人们常常把钢琴比做是一个乐队。它既能显现整个乐队气势磅礴的效果，又能模仿某一件乐器，甚至可以模仿人的歌声。在钢琴上。我们可以自由转调，使用丰富多彩的和声，发挥多声部的作用，惟妙惟肖地展示各种生动的事件、场面、背景，人物肖像、性格、内心活动等等。
钢琴的音乐表现是考生综合素质的反映，是弹奏技术和音乐情感的结合体。要使音乐考生在有限的时间内，对以上所述各点有所领悟。关键在于辅导教师在传授弹奏技艺的同时，还要千万百计地开启学生丰富的音乐情感之门。
首先，在技巧训练时要细心培养学生的声音分辨能力。音乐是听觉艺术，钢琴是通过音响来描绘音乐形象，表达思想情感的。声音分辨能力既是感受音乐内容最重要的保障，也是表现音乐情感的最基本条件。在教学中最值得注意的就是弹奏技巧和辨音能力两个方面。一定要使考生养成“听”的习惯，提高考生“听”的水平。
同时，从简短的乐句入手培养学生对音乐语言的感受能力。乐句是音乐的语句，是音乐表情达意的基本单位。它是理解音乐的基础，也是表达音乐的基础。乐句有长短。有高低起伏，有抑扬顿挫。乐句与乐句之间是有内在联系的。惟其如此，乐曲富有旋律，流畅而优美。组成乐句的最小单位是音符，音符与音符之间也是有内在联系的。考生惟有理解了乐句的内涵，把握了其中的内在联系。才能感受音乐语言，才能产生音乐情感，才能把内心从音符中感受到的东西，通过手指触键弹出乐音的方式显现出来。也就越能揭示乐音之间，乐音之中，乐音背后的音乐内涵，从而完成带给听者音乐感受的使命。音乐表现是音乐考生弹好钢琴的终极目的。
确保音乐考生的临场正常发挥，是师生和家长共同关注的关键词。因为在演出或考试的关键时刻，由于学生过度紧张而使演奏效果大打折的情况屡见不鲜。甚至在关键时刻由于过度紧张而使得手足无措，甚至头脑一片空白而无法弹奏下去的情况也时有发生。使得长时间的准备，多年的学练付之东流，令人扼腕。按常理，一般的演奏者，尤其是阅历不深的考生，初次登场都会有不同程度的紧张情绪。为了增强考生的心理素质，能以一颗平常心在考场上正常发挥，我做了一些探索。
1、在慢练的过程中，用视唱法，对每个音符的固定唱名做强化训练，借语言神经的兴奋点，强化旋律的准确记忆。以避免由于紧张而形成大脑一时记忆空白。
2、在视唱中，要反复推敲每一个音符的触键感觉，找出最佳音色，反复练习，以形成动力定型。以听觉掌控技术，从而避免由于紧张造成的记忆浅薄，手无章法。
3、进入角色。要尽可能地引导考生深入到作品的情景中去，展开想象的翅膀，敞开情感的大门。使外部世界的形象暗淡下来。使音乐成为唯一的真实世界。牢记德国伟大的音乐巨匠贝多芬的一句名言：“音乐应当使人类的精神爆发出火花”。
4、营造考试氛围。多次请几位老师或家长作为“评委”，模拟考试现场。要求考生每次入“考场”只能将所准备的曲目演奏一次。以避免在家长时间练习所形成的手记谱的“熟练”，总是第一遍不如第二遍，第二遍不如第三遍的只能逐步进入状态的不良习惯。这种模拟形式在一段时间内多次进行，情况表明是卓有成效的。
本文以为音乐高校输送优秀人才为终极目的，从技术、慢练、音乐表现、临场发挥四个方面阐述了音乐高考中钢琴专业考生的教学与辅导。实践证明它是行之有效的。但愿对考生与辅导教师能有参考价值。
随着钢琴教学与钢琴艺术的社会化，音乐高考中的钢琴教学已成为钢琴教育体系中的重要一环。而且随着音乐高考形势的日益严峻，它的重要性更是在社会上日益突现出来。它不仅关系到考生能否得到继续深造的机会，更关系到音乐高校能否招收到优秀学苗，从而培养出钢琴英才的大事。殷切期望更多的音乐教师、音乐理论家涉足这一领域。为我国音乐高校钢琴专业教育的成果，为我国钢琴教育体系完善做出贡献。
声乐钢琴伴奏体会篇五
20xx年xx月xx日至xx月xx日，我参加了由县教育局组织的钢琴伴奏国培讲座，在这半个月的培训时间里，我学到了好多有关钢琴即兴伴奏的知识，对此我倍感深受。下面就是我培训后的一点心得：
说到钢琴，大家决不会陌生，平常在电视电影里、逛街时都看见过，都知道学钢琴是一件多么优雅的事，但大家真正学习的，有条件学习的实在太少了，而弹得好的就更少了，比较幸运的是我而今正在学习钢琴，不敢说学得怎么样，但也有自己的一些看法。
刚接触钢琴的时候，就对他很感兴趣，但练习是一件痛苦的事。刚开始，从最基本的指法练起，枯燥而乏味，不过练好了真的受益匪浅，指法是弹钢琴的基础。后来慢慢地接触一些简单的曲子或片段，先单手练，左手练好练右手，后双手合弹，这才是真的在弹钢琴。简单的合手练完后就是难一点的了，先是右手旋律，左手伴奏，再是左右手互为旋律伴奏，一首比一首难，花的.时间也越来越长，人不自觉地就烦躁起来。但练得多了，发现一首曲子上手很快。后来我们加练了踏板，加大了练习难度，但还是被拿下。
钢琴真的是要练出来的，大家基本上都会对钢琴感兴趣，学习钢琴首先要热爱钢琴，只有热爱才会投入，才会学好，其次是要有一定的乐理知识，只有这样才能更好的了解感情及乐曲，还应该要有一定的视唱功底，视唱越好就越好。
钢琴学习最重要的就是练习，不厌其烦地练习，只有这样才能练好，试想如果练都不练，难道就能凭空弹出一首曲子，能把钢琴弹好？从最基本的指法练起，一步一步提升，慢慢地达到一个不错的水平。一般人弹钢琴只是一种兴趣，但如果想达到大师级别，除非你从小练起，有惊人的天赋，但我自认为没有，但我还是会把钢琴练好。也希望老师加大力度，对我严格要求。
在钢琴伴奏国培讲座培训期间，老师注重培养我们创造性的思维和演奏即兴伴奏的能力。在技巧方面，应借助练习钢琴作品来提高我们钢琴即兴伴奏技巧；在和声和音型方面，应重在丰满多彩的效果上下功夫，多总结一些音型织体的类型，以达到段落间对比和风格性的伴奏效果；在前奏，间奏与后奏的设计方面，要讲究音乐的起承转合，生动形象地为歌曲进行伴奏，烘托情绪。
总之，在钢琴伴奏国培讲座培训时间里，老师在钢琴即兴伴奏能力上进行了比较全面的系统的指导，使我们在钢琴即兴伴奏中的技巧、和声手法，伴奏音型，风格性等多方面有了更大的进步，弹奏技能臻于完善更出色地完成伴奏任务。学员们也学的非常刻苦，每天都是坚持在琴房里抓紧时间练习老师所布置的任务，虽然天气比较炎热，但是教育局领导曾局长和刘副局长等人还特意来看望了我们，这让我们更加感动，让我们增强了学习的信心，请领导放心，我们一定会努力学习的，决不辜负领导们对我们的关心和厚爱！请领导检查！
声乐钢琴伴奏体会篇六
钢琴伴奏是一种重要的艺术形式，它能够为唱歌者、乐器演奏者和舞蹈演员提供非常稳定和准确的音乐支持。钢琴伴奏可以大大增强表演者的表现力，使观众更容易被艺术家的表演所吸引。作为大学生的我们，我们可以通过自己的钢琴伴奏大大提升我们的音乐鉴赏能力和音乐技巧。
第二段：如何进行钢琴伴奏。
钢琴伴奏要求伴奏者对音符、节奏、和弦和旋律有深入的理解。在伴奏时，我们应该时刻注意和调整声音大小，控制速度并推动音乐节奏。我们还要学习如何实现旋律和和弦之间的协调，确保我们与乐器演奏者的演奏无缝配合以达到最佳效果。我们要注意掌握琴键和弹奏区域，在不同的段落中适当地变换强度和节奏。在不同的表演场合中，我们还要考虑如何与演奏者、观众和其他伴奏者协作。
在进行钢琴伴奏时，有许多技巧我们需要学习。首先，我们需要在演奏旋律时注意断奏点和吐息节奏，为演奏者创造出舒适的空间。其次，在配合乐器演奏时，我们需要明白如何在多音乐器中分配声音难点并给予协调性。另外，我们应该理解整体旋律和和弦的演奏结构，准确度量音乐的节拍和节奏，不断尝试将自己的音乐技巧提升至更高层次。
第四段：钢琴伴奏的重要性和启发。
作为音乐爱好者，我们应该深入了解钢琴伴奏的重要性。钢琴伴奏使用方便灵活，适用于各种生活和社交场合的小型表演。可以在多种音乐风格中体现毫不费力，还能共享音乐欣赏的乐趣。此外，钢琴伴奏的技巧要求和与音乐的深入理解，可以通过练习和不断实践每天提升自己的独立演奏技巧和音乐认知水平。
第五段：总结。
在进行钢琴伴奏时，我们应该时刻保持效率和注意力。我们需要讲究优美的旋律和和弦的协调性。我们要充实、简洁地推动音乐的旋律和节奏。我们需要将钢琴技巧反复训练，用最好的音乐技巧和理解表现自己。钢琴伴奏不仅仅是一种表演形式，更是一门快乐、发展和充实自己的音乐科学。
声乐钢琴伴奏体会篇七
作为一名大学生，我旗下是一名热爱音乐的学生，并且非常擅长弹钢琴。在学校里，我积极参加各种校内活动，有时候会受邀前往其他学校或社区参加演出。在这些活动中，我有很多机会演奏钢琴伴奏，也让我学到了一些关于大学生钢琴伴奏的心得体会。以下是我总结的五个方面。
第一，正确理解伴奏的作用。伴奏并不是独奏，而是为主奏者以及演出加分添彩。钢琴伴奏应该始终保持低调，不要过多地表现个人，而应该将主奏者提到更高的层次上。只有这样，才能真正体现出伴奏者的专业水平。
第二，准确把握节奏。伴奏者对于节奏的把握非常重要，应该根据节奏变化及时、准确地跟上主奏者。同时，还需要注重与其他乐器、声部之间的协调，保证整个演出的流畅性。
第三，合理运用音乐元素。除了正确的节奏，伴奏者还需注意其他元素，比如音乐节奏的速度、节拍、音量、音高等等。只有合理运用这些元素，才能让伴奏更有厚度和韵味，让演出效果更加优秀。
第四，注重与主奏者的配合。伴奏者不仅要熟练掌握乐曲的曲式、元素，还要与主奏者进行良好的配合。一方面，要仔细聆听主奏者的演奏习惯，及时作出相应调整；另一方面，也要根据主奏者的风格特点和演出需求，运用各种伴奏技巧和方法来丰富演奏效果。
第五，心态平和自然。伴奏虽然是配乐的一种，但是它沉稳的配合，由浅入深的跟进，甚至可以衬托出主乐器更好的作品效果，因此钢琴伴奏者需要心态平和，在表演时更要注意真实的情感表达，将音乐作为自己的嗓子和心灵所倾述的情感。
五个方面，对于一个大学生钢琴陪奏者而言，都是尤为重要的。这不仅让自己更好地掌握钢琴陪奏的技巧，更能为大学活动演出增添一份灵动与光彩。作为一名年轻的大学生，只有勇攀高峰才能不断提高自己的人生价值，成为音乐的瑰宝，展现出自己的风采。
声乐钢琴伴奏体会篇八
摘要：民族声乐是中华民族的瑰宝，不仅可以让人感受到民族音乐的无穷魅力，更可以让人感受到来自声乐与内心的情感的共鸣。在民族声乐的表演过程中，声音的作用是最为关键的，声音的表现力决定了民族声乐的情感传达和信息传递的质量。
要想对民族声乐中的声音表现力进行细致的分析和探究，首先就要对民族声乐的概况进行一定的了解。
（一）民族声乐的概念。
关于中华民族声乐的概念在不同学者的著作中存在不同的观点，目前在业界认可最广的概念是：中国的民族声乐是以目前我国音乐院校中民族声乐专为代表的，与民歌、说唱、戏曲的演唱不一样的是在担任并发扬了这些传统演唱艺术精华与特点的根本上，鉴戒了西欧的美声唱法歌唱理论和特点而形成的独树一帜的，并且有科学性、民族性、艺术性和时代精神特性的新民族歌唱艺术。
（二）民族声乐的特点。
我国民族声乐具备了声和情这两大特色。从“声”的方面看，演唱者需要通过一定的科学发声方法，让自己的声音与歌曲的情感相融合。从“情”的方面看，民族声乐作品最主要的目的就是要通过声乐作品来表达情感，因此在进行民族声乐演唱的过程之中，这些演唱者们不仅仅需要对歌曲的曲调和曲式进行很好的把握，还需要结合歌曲的背景来表达歌曲的情感。
（三）民族声乐的发展历程。
早在我国文明发源之初，劳动人民通过唱歌的方法来增添劳动过程中的乐趣。随着时间流逝，早期歌曲不断发展，最终形成了我国的民族声乐。二十世纪，出现了以萧友梅、赵元任等为代表的一批音乐家，他们将我国传统民族声乐题材与国外一些先进音乐理论进行融合，创造出新的民族声乐作品，并将我国民族声乐作品推向国际化。解放后，音乐创作者们作出一批积极向上的优秀歌曲，如朱践耳的《唱支山歌给党听》等。随着民族声乐发展，还出现了一批深受人民群众喜爱的民族歌唱家，如王昆、郭兰英等。中华民族声乐经过不停的发展，二十世纪中后期更加繁荣，在民族声乐创作上做出突出贡献的作曲家有谷建芬、徐沛东等。
（一）对于歌曲情感表达的作用。
民族声乐作品最重要的目的是以情动人，在我国的民族声乐作品中，随处可见与“情”相关的作品，如爱情、亲情、友情、师生情，这些情感才是民族声乐作品中最为精华的部分，而对于这些情感的表达就是通过声音来完成的。
（二）对于歌曲语言表达的作用。
声乐作品的表现力不仅是通过其作曲体现出来的，声乐作品中的歌词对于其表现力的增强作用同样也非常明显。不一样的声音对于语言的展现能力是不一样的，给人带来的情感体验也不尽相同。
（一）地方民歌。
我国的远古人民在劳动的过程中进行歌唱，让劳动的效率得到提升并减少了劳作时的苦闷和劳累。而这些劳动歌曲随之时间流逝形成了如今的民族声乐作品。不同地方的民歌演唱差异很大，这与当地的地缘因素和历史文化因素有很大关系，有的粗犷豪放，有的温柔细腻。例如我国陕西地区的民歌《信天游》豪放、嘹亮、高亢。而我国著名的民族声乐作品《刘三姐》则需用细腻甜美的声音去进行演绎。
（二）民族歌剧。
我国的民族歌剧是我国的民族声乐中十分重要的构成部分，民族歌剧在中国已经经过了近百年的成长历程，由于民族的歌剧一般具备很强的戏剧性，因此必须通过声音的不同表现将故事情节的转变以及人物情感的转变进行有力的表达。
（三）新时期的民族声乐作品。
在新时期，我国的民族声乐获得了更多的弥补和成长，作曲家们创作出了一些具备时代特征的民族声乐作品，其艺术表现力是前所未有的，而这样的艺术表现力同样需要声音去进行演绎，由于大部分作品额内容都是与国家的繁荣和民族的昌盛有关，因此需要嘹亮高亢的声音进行表达。
（一）具备良好的音质。
在民族声乐作品中声音表现力的根本是良好的音质。不同的声乐作品要求用不同的音质去表达。每一个人的音质都存在着差异，虽然演唱者可以通过后天的训练控制自己的音质，但是这与先天音质仍然存在一定的差异。我国的民族声乐作品的演唱过程中，演唱者的音质一般需做到圆润、有穿透力，这样才能以最佳的声音状态表现歌曲。
（二）具备充沛的感情。
民族声乐作品经常会通过不同民族特色乐器伴奏，让这些作品更具表现力及民族风，其实声音才是民族声乐作品中最为重要的乐器。要想在民族声乐作品的演唱中保持充沛的感情，首先演唱者要具备一颗感悟的心，体会民族声乐作品中所要表达的情绪和感情。其次，了解民族声乐作品的创作背景，否则会与作品的本意要大相径庭。
民族声乐作品的演绎是离不开声乐的表现力，在对民族声乐作品的概念、发展历史以及特点进行分析之后就可以发现，在民族声乐作品中达到感情与声音的融合是其具备表现力的关键。在我国不同民族声乐形式中，声音的表现力都是极其重要的。声音的表现力不仅需要良好的音质，更需要在声音中加入思想与情感的融合，才能使得我国民族声乐作品中的声音表现的完整。
声乐钢琴伴奏体会篇九
声乐演唱是广泛被大众接受和认可的艺术形式。它不仅有较强的感染力，而且还牵动着观(听)众的情感，并有多种风格的表演形式，可以满足观(听)众多元的审美情趣和情感的需要。声乐演唱是以人声作为载体，来表达声乐作品的内容、情感和风格等。音色、音高、音长和音强并称为音乐属性的四个要素。而声音的高低、音量的大小、音色的变化都会给观(听)众带来不同的情感体验。其中音色在声乐演唱中发挥着重要的作用，通过音色色彩的变化、形式多样的美学特质使得声乐表演更加的丰富，能够把作品表达得更加淋漓尽致，丝丝入扣，从而更能打动观众的心弦，更能震撼观(听)众内心深藏的情感。分析声乐演唱中的音色的美学特质，不但可以丰富我们对声乐演唱表现理论的认识，而且还将这种认识运用到声乐演唱实践中。
一、音色的基本内涵。
音色可以理解为声音的颜色，它是声音的重要属性之一。通过音色，可以将一个人的声音从其他人中辨别出来。声乐艺术不仅是以人的嗓音为乐器的演唱艺术，也是形成表演者独有特色的重要元素。总的来说，音色是独一无二的，所以声色也是一个人独有的个性特质。
既然我们知道，每个人的嗓音都有着独一无二的音色，每位声乐演唱者本身具有良好的音质基础，那么通过自身不一样的.表达方式和表现风格，凭着熟悉的音乐技能技巧，准确地将自身的嗓音调整为最为合适自己的状态，就能演绎出唯美的音乐效果和呈现出独有的艺术作品风格，给广大听众以广袤无垠的遐想。
音色自身就带有强烈的美学特质，并且具有独特性。在声乐演唱过程中拥有不同音色的表演者可以向观众展现出不同风格的声音，不管是激情豪迈的还是甜美婉转的，都体现出了声乐演唱中不同音色的美感。
依照人声的不同，可以把男女声音划分为不同的声部：女高音、女中音、女低音和男高音、男中音、男低音。在艺术歌曲中，不同的音色通过演唱者音色变化可以塑造出不同的人物形象。歌唱是依靠声音来表达情感的，它需要运用歌声中的各类色彩，来对人的各类情感进行呈现，在声乐演唱中音色是歌曲情感重要的一种表现技巧，比如在《魔王》歌曲中，父亲的慈爱、惊恐、失落与悲痛等情感，就需要演唱者运用不同音色进行表达。在歌唱中，色彩变化需要依靠气息力度进行掌控，同一个人演唱同一音高时，用的气息力度各不相同，其音色所产生的效果就大不一样。如果气息强，音色相对就强一些，而气息弱，其音色就相对柔和一些。我们知道音色明亮一般能给人带来愉悦、兴奋与积极之感，暗淡音色则会给人沉闷、凄惨与哀愁之感，音色是具有等级的，如同色彩一样，丰满深厚与单薄的脆亮均是音色等级中的两极，如在民歌《跑旱船》里，不仅要演唱出豪迈奔放之感，还要唱出美、甜、脆亮的音色来。我国民歌大多追求甜、脆、亮的音色，在腔体打开的同时需要声音的位置靠前，并形成中国独有的音色美学特质，在声乐演唱与人物塑造中，音色运用是非常重要的。
在中国几千年的历史演变中有很多关于声乐演唱中音色美学的研究理论。如：在儒家重要经典之一的《左传》中，就提到了声乐的长短、大小、急缓、清浊、刚柔等辩证观点。在现代音乐美学研究中，随着审美意识和审美情趣的变化对歌唱的音色美更有越来越新的诠释。在声乐演唱中，音色极具重要性，音色具有演唱美、表演美、情感美、文字美、吐字清晰等美学特质，能有效塑造人物形象，充分表现作品的风格和内涵，并丰富演唱者对艺术作品的情感表达，推动声乐演唱艺术向更高层次发展。
音色在提高演唱者风格、塑造人物形象、表现不同地域的作品风格时有着不同的美学特征体现，通过音色人们就可以在脑海里刻画出某种形象及变化。在声乐演唱中，演唱者运用不同的音色来塑造不同人物形象的性格特点，仿佛就像在戏曲中运用不同音色来表达净、旦、丑、生、末等角色一样，比如说，在体现声乐艺术的歌剧中，演唱者根据人物性格、歌唱语气、歌词内容并结合个人嗓音特点和审美习惯在音乐节奏、音色旋律等表现方法进行即兴的处理，使观(听)众听其声便知其歌剧的人物性格。观(听)众从而感受到歌剧中鲜活的人物形象，而且对歌剧要表达的意义也有了更为深刻的理解。
不同的演唱者在演绎声乐作品时会有不同的音色和风格，给观(听)众不同的美的享受。比如宋祖英的音色非常的甜美、亲切，纯净而且十分具有穿透力，同时还具有极强的艺术表现力和感染力，而迪里拜尔的音色圆润、浑厚、纯美，她们通过不同的音色演绎不同的个性特征，表达着不同的情感，由于她们个人独特的音色，造就了她们不同的演唱风格，为不同审美趣味的观众所青睐，也使演唱者们百花齐放，各展其姿，这些都是音色所赋予的。
另外，不同地域、不同民族的风格迥异的歌曲风格，其音色的运用也大不一样，产生美轮美奂的效果也大为不同。如：青藏地区的民歌音乐唱家们有意识地使用一些涩滞或者不甚圆润的音色，听起来有高原沧桑的感觉，有的还有一种凄凉之感，有时也通过换气、换词之机营造一唱三叹之感，使这种音色有着极强的穿透力，这种音乐调式的应用一直延续到青藏高原边缘的河陇一带和河套上游。同时，青藏高原地区的民歌特别是山歌类型，在音色中常常使用真假声结合的演唱方法，而且假声的时值延续得比河陇，河套一带的山歌还要长一些。再如：蒙古族长调民歌的基本音色，大致可划分为两大类型：明亮色和暗淡色，从其地域分布来讲，呼伦贝尔、科尔沁、鄂尔多斯、乌兰察布等地区的蒙古族长调民歌，音色明亮高亢，属于亮色系统;而锡林郭勒、昭乌达、阿拉善、新疆卫拉特等地的长调民歌，则音色柔和浑厚，属于暗色系列。
音色属于非物质文化范畴，是历史发展和文化沉淀的产物。如：蒙古族长调民歌的音色，之所以出现亮色和暗色的区别，有其社会和历史的原因，山林狩猎文化时期的蒙古族猎人，情感激烈，肃杀狞厉，喜欢模拟野兽的叫声，狩猎成功后集体舞蹈，高声呼喊，故其音色以明亮尖锐为主;反之，草原游牧文化时期的蒙古族牧民，关怀生命，充满仁慈之情，既不模拟动物的叫声，也没有集体舞蹈和高声呼喊，而是以优美抒情的蒙古族长调民歌来表达内在的情感，故其音色以柔和浑厚为主。江南是云朵林镜，烟柳画屏，庭院曲靖，小桥流水，这样的自然条件和生活环境养育了江南人民温柔敦厚的民风，歌曲是地方民俗民风具体生动的体现，可以淋漓尽致地体现出一个地区人民的品质、性格、兴趣、爱好及其他方面的特质，因此江南民歌音色曲折动人、清新优雅、温柔娴静、婉约轻扬。我们可以在音色的美学特征中，品味着风格迥异的风土人情。而在黄土高原，浩浩黄河养育了朴讷温厚、爽直豪放的陕北人民，因此在演唱陕北民歌时要根据不同地域风格选取恰当的声音，表现所理解和感受到的情感，塑造音乐形象。表现悲愤情绪时，一种是用少量的气息，音色较暗，音量轻而力度较强，产生一种压抑的、悲痛的、强忍的听觉效果，这种痛苦是往心头去的;另一种是用大的音量和较大量的气息，汹涌澎湃而出，并且有意漏些气息，喉咙的空间较大，甚至可以出现某种戏剧性的破音，形成一种倾诉感无法控制的宣泄声音，与观众产生强烈共鸣并有极强的感染力和震撼力;在演唱欢乐的陕北民歌时，演唱者的声音位置要高一些，喉咙的空间不必过大，气息要均匀而且要流畅，声音必须有光彩，轻巧而畅快，并提高声音的灵敏度和明快的声音色彩;当表达严肃的情绪时，演唱者的声音相对粗糙而坚硬，爆发性强，气息坚实，不能漏气。
在声乐演唱中，不同的音色的运用，能恰到好处地表达不同地域、不同民族的歌曲的风格和特点。这些风格和特点，是由于不同地方的历史环境、自然环境、生活环境、社会文化及民俗民风所形成的，通过音色这个载体，观众能品味到不同歌曲所承载着厚重的中华民族的风土人情，不同民族，美美与共，天下大同，这正可以通过民歌的演唱来表现，通过音色来体现，从这个意义上来说，音色的美，就是中华民族的美，也就是各民族的美。
总之，音色在声乐演唱中发挥着极其主要的作用，它可以使音乐风格得到更多元化的体现。听众从音色的美学特质中，品味到不同地域歌曲的不同风格及不同地方的风土习俗;也可以欣赏到歌曲中所塑造不同的人物形象而尽情陶醉其中，还可以领略到不同演唱者的风格和个性特征。演唱者可以通过分析音色在声乐艺术中的作用和美学特质，在演唱中更能自觉地运用音色来进行演唱，提高自身的演唱技能技巧和底蕴，更好地赋予作品应有的丰富内涵、深厚情怀和神韵。
声乐钢琴伴奏体会篇十
：声乐是歌唱艺术，钢琴伴奏是其主要伴奏形式。钢琴伴奏与声乐艺术之间的联系也十分紧密，两者之间既有互相依存的关系还有对立统一的关系。在钢琴伴奏过程中声乐艺术占据着十分重要的地位，不论是在旋律、情感亦或是音乐意境方面，钢琴伴奏都有赖于与声乐艺术之间产生紧密联系，与此同时我们也应当注意到钢琴伴奏的相对独立性，并在此基础上正确对待钢琴伴奏与声乐艺术的关系。本文分为两个部分，对钢琴伴奏与声乐艺术之间既相互依存，又对立统一的关系进行了较为具体的分析。
钢琴伴奏在声乐艺术中占据着极为重要的地位。很多艺术实践活动中也充分证实了这一点，和许多对立统一的事物相同。在不少歌曲当中，钢琴伴奏和声乐艺术都发挥着各自独有的优势，并形成了相互依存和对立统一的关系。只有明确了这样一种关系，并充分发挥出两者各自的优势和特点才能更好地发挥出音乐的魅力。
钢琴伴奏一直以来都被人定位是声乐艺术的一个重要的辅助手段。然而，如果从艺术表达的角度进行分析，这样的理解很大程度上看来是不太全面的。尤其是在一些国际声乐大师的演奏会上能够感受到不少优秀的作品都是通过钢琴伴奏和声乐旋律之间的相互配合来完成的。由此可见，钢琴伴奏的确是声乐艺术不可或缺的一部分，钢琴伴奏的旋律和所表现的情绪、意境都能够使声乐作品表现得更加完美。
1.旋律上相互依存。
旋律就是以音调和节奏为根本并在此基础上结合音高、音量等共同形成。在音乐作品当中，旋律能够抒发情感，表达人们内心最真实的感受。在艺术作品当中，声乐艺术和钢琴伴奏在旋律上也是一种相互依存的状态。“在艺术歌曲中，声乐演唱和钢琴伴奏在旋律上相互依存，有时在我们观看声乐测试时，声乐歌手和钢琴伴奏之间也会发生这种情况。歌唱家的音高高于或低于钢琴伴奏的音高：无论是长的或短的，还是音量或钢琴的响亮。”
2.情绪上相互依存。
在情感方面，钢琴伴奏和声乐艺术也是相互依存的状态，这子啊一些艺术歌曲当中也表现得十分突出。在具体表演过程中，钢琴伴奏可以通过一些情感辅音来传达作品想要传达的情感和意境，采用相应的演奏方法，生动形象的传达情感。一旦能够充分把握伴奏结构就更容易在钢琴伴奏的过程中将情感与景物融合在一起，进而更加强烈地表达出情绪。
3.意境上相互依存。
音乐作品的意境是一种情景交融虚实相生的状态。为了更好的传达音乐作品中所要表现的意境。完美地表现音乐作品，钢琴伴奏和声乐艺术要形成一种相互依存的状态。钢琴伴奏能够凸显声乐演唱的风格和特点，以相应的演奏方式来激发音乐的潜能。可见，在艺术作品中，钢琴伴奏和声乐艺术在意境上也是相互依存的。
钢琴伴奏和声乐艺术孰轻孰重一直以来都是人们关注的点。除了将两者的联系视作为相互依存之外，还有一些人将两者的联系总结为对立统一，两者有相互对立的一面，也有相互统一的方面。主要表现在音量、音色和节奏等三个方面。
1.音量上的对立统一。
音量是钢琴伴奏技术的主要内容之一。钢琴伴奏的演奏者必须对钢琴的强度有深刻的理解，并且知道什么时候应该表现出怎样的力量来发出钢琴的声音。钢琴伴奏应该清楚地了解歌手的音域和音量，以及他演奏的声音环境。然后逐段分析，考虑某些段落是否应该控制伴奏的音量，形成音量的统一：再一次，伴奏应该掌握对短吻鳄的声音的适当控制，某一段是否需要比钢琴更响亮，某些摘要是否应该比钢琴更轻柔；形成音量对立统一的关系。
2.音色上的对立统一。
音色是一种声音传达出来的感官特征。在声乐表演中，钢琴伴奏和声乐艺术之间存在着对立的关系，比如在一些艺术歌曲当中没有前奏曲就会显得相对薄弱，而加入了钢琴伴奏就可以使音色表现得更加突出，伴随着起起落落更加地鲜明。虽然钢琴伴奏和歌唱声调是对立的，但它们是统一的，声乐作品是完美的表现。
3.节奏上的对立统一。
节奏是音乐作品得以表达的关键所在。在艺术作品当中，通过节奏的快慢也可以准确地传达作品的情绪和创作者的内心情感。用音色、音量、节奏等来定义作品的风格。引导观众进入一个艺术环境和一种情感氛围，也引导合作者进入意境的作品，为以后的表演起到了奠基的作用。在旋律结束时，将有一个小测验，让整个表演进入一个调整区域，或者改变曲调，或者改变节奏，歌手也会用这段话来询问、调整呼吸和酝酿情绪。
综上所述，钢琴伴奏与声乐艺术之间的联系十分密切，两者相互依存，在彼此的协助下表现得更加完美，钢琴伴奏的演奏技巧能够带动声乐艺术的进一步表达和多样化发展。同时，两者又处于对立统一的状态，不论是音量上还是音色、节奏方面都呈现出一种既对立又统一的状态。本文对两者联系的具体分析也有助于进一步对钢琴艺术进行具体的分析。在声乐作品当中，钢琴伴奏和声乐艺术也是一种相辅相成的关系，它们共同合作，比如一些歌词较为动感的，钢琴伴奏也会特别衬托出生动、活泼的一种意境，根据相应的情感来调整伴奏的相应风格。明确两者之间的关系也有助于进一步挖掘钢琴和声乐艺术的特点。
声乐钢琴伴奏体会篇十一
声乐是指用科学的发声方法，发出优美嘹亮的歌声，又用歌声透过音乐化了的文学语言，生动地塑造不同乐曲中的人物形象、描绘歌曲意境、表达歌曲思想感情的音乐艺术。而声乐的乐器不象小提琴、钢琴等乐器那样定型，它就是人体本身，它需要在演唱的过程中，根据不同的歌曲风格和感情的需要，不断地调整呼吸的强和弱、共鸣腔体的大与小，并掌握适度的紧张与放松，方能发出高质量、完美的歌声。因此，作为一名歌唱学习者，就要掌握一套科学、卫生、完整、有效的发声方法，了解发声器官的构造和发声的基本原理，并通过不断的实践，方能把自己的歌唱乐器打造成一件优质品。而在整个演唱过程中，呼吸已成为重要的基础，是歌唱的生命。
（一）呼吸器官的组成。
人体的呼吸器官，包括鼻、口、咽、喉、气管、支气管以及肺。其中口、鼻、咽、喉、气管等是吸入和呼出气息的通道；肺是储存气息的一个器官，存在于人的胸腔中，其外部由肋骨及控制呼吸的肌肉群等组成。肺本身是不会进行独立呼吸的，它是靠控制呼吸的'两组肌肉群的扩张和收缩来完成呼吸运动的。论文检测。在胸腔下部存在着横膈膜，它的形状类似于倒置的碗，吸气时横膈膜下沉，胸腔扩大；呼气时横膈膜上升，胸腔缩小。
（二）歌唱状态下的呼吸特点。
日常生活中的呼吸与歌唱状态下的呼吸有所不同：日常的呼吸只是一种自然的、下意识的本能运动；歌唱的呼吸主要靠肺的底部的最大扩张，是一种有意识的、有一定深度、经过训练而形成的运动。歌唱时，吸完气后仍要保持吸气的状态，胸部不能很快地塌陷，然后再缓慢地、有控制地把气呼出。当然，这要经过长时间的训练，用意志来控制呼吸，才能形成吸气肌和呼气肌之间相对平衡的对抗，从而产生稳定的、优美的歌声。论文检测。
（三）科学、理想的呼吸方法。
遍采用的一种呼吸方法。其训练方法有两种：
（1）快吸慢呼法。你可以想象为突然间受到一种惊吓而倒吸一口气，然后就“站定”在这种状态上，腹部保持一种内外力量的对抗，稍后将气息慢慢吐出。这时横膈膜也得到了一定的锻炼，有了一定的支撑作用。做此练习时要注意胸部的动作是自然提起的，不要有僵硬、紧张的感觉。
（2）慢吸慢呼法。你可以想象为远远地飘来一缕花的清香，你自然而然地去吸闻，这时两肋与腰间肌肉就会向四周扩张，然后保持这种状态，将腹部以下肌肉放松，慢慢吐气。论文检测。做此练习时要注意吸气的自然性，不要过于做作。
呼气时，一定注意吸气后不要马上吐气，仍要有意识地保持吸气时的状态，胸部不许塌陷，要感觉到吸气肌肉群将气息有力地吸入到肺的下端，气息有了一定的落点和支点时，即我们平时所讲的“气沉丹田”，再慢慢地、有控制地放松吸气肌群，腹部肌肉紧张度逐渐松弛，使气息均匀、连贯地呼出。这样就会使呼气更加平稳而有力、均衡而有控制。
（四）常见的呼吸问题及解决方法。
有这样一句名言：“只有懂得怎样呼吸的人才能歌唱”。由此可见，呼吸是歌唱发声的基础和重要环节。呼吸只有处于最自然、最深部位的状态时，歌唱者才能全神贯注地投入到歌曲的演唱中，才能进入作品风格的展现和艺术创造的状态中。而现实中很多演唱者由于呼吸上存在着这样那样的问题，无形中阻碍了自己的音乐表现力。常见的呼吸问题有以下几种：
（1）漏气的问题。
歌唱者吸气后，由于自身对气息的控制能力较差，或者意念上的“保持吸气状态”的意识不强或有所松弛，所以在发声前往往先把吸入的气息松掉，或者在发声时同时呼气，这样就造成了气不够用或所谓“沙声”的现象。
解决方法：首先要在意识上有所加强，同时加强对气息的控制练习，保证吸入的气息有一定的停留感，声带要闭合。
（2）吸入的气息位置浅的问题。
在歌唱中，由于歌唱者吸入的气息没有沉入底端，胸腔没有扩张，横膈膜没有下沉，导致吸入的气息量不能支付歌唱的需要，从而出现“僵硬”或喉部拼命用力而使声音“挤”、“卡”或“抖动”的现象。
解决方法：要把意识集中在“吸”上，有意地加强吸气时的深度和力度，呼气时仍要注意保持吸气的状态，腹部不要软弱无力，注意吸气肌肉群和呼气肌肉群之间力量的平衡。
（3）用日常的呼吸状态去歌唱的问题。
由于歌唱者混淆了日常状态下的呼吸与歌唱状态下的呼吸之间的关系，用平时的呼吸状态去唱歌，而使得歌声出现“白”、“喊”、“虚”的现象。
解决方法：认识歌唱时正确的呼吸状态，加强肌肉控制气息的能力，解放喉部肌肉，学会适度的紧张与放松，增强共鸣的感觉。
米兰的一位著名声乐大师曾说过：“好好唱，怎样舒服，就怎样呼吸”。在呼吸方面，强调了自然性、流畅性，而不应该是过分的、僵硬的。呼吸是歌唱的基础，是非常重要的，但是需要强调的是：正确的呼吸只是一种手段，还要与其它条件如咬字、共鸣等相结合，才能最终获得良好的、自如的声音，而不能说“呼吸决定一切”。所以，在演唱的过程中，一定要做到各方面条件的有机结合，才能唱出最美、最动听的歌声。
声乐钢琴伴奏体会篇十二
钢琴有着很强的艺术表演力，被称之为乐器之王，著有音域宽广、和声丰富、表现力丰富等艺术特点，在声乐演唱中，钢琴伴奏不仅承担着表达音乐作品的内涵，而且起到烘托演唱者情感表达的作用。
因此，钢琴伴奏者要有较高的音乐素养和专业技能，才能和演唱者共同创造音乐作品的艺术魅力。
在声乐演唱中，虽然是以演唱者为主，但钢琴伴奏也非常重要，它不但可以渲染音乐气氛，加深主题、意境、背景等的渲染，塑造音乐形象，还可以让演唱者的情绪得到过渡、转化，提高对音乐作品的理解和感受，提升演唱者对音乐作品的表现能力。
声乐演唱和钢琴伴奏的平衡关系，“是指在某种特定情况下，两种事物互相融合、互相弥补、互相磨合，最终达到某种程度的共识与统一。”[1]钢琴自身具有较好的平衡性，这种平衡性基于演奏者扎实的基本功，左右手的相互协调、相互配合，确保了整个音乐旋律连贯、清晰、流畅。
钢琴的平衡理由，不仅仅表现在双手上，还在于声部与双手的平衡，各声部的主次是否清晰分明，更重要的在于与演奏者之间达成一种默契的配合。
在很多经典的中外声乐作品中，我们会发现音乐作品情感节奏的跌宕起伏、结构层次的疏密相间、音响力度的轻重强弱、音乐色彩的波澜起伏等，都完美阐释出音乐平衡的艺术之美。
如《我亲爱的》作品中，钢琴伴奏在前半部分的旋律是比较朴实宁静的;间奏过后，伴奏变为跳奏的柱式和弦，表达出主人公内心激动，怀揣小鹿砰砰跳的心情，与整个歌曲紧密地结合在一起，并配合歌曲的陈述、展开、高潮、结尾等，音乐的表现力不断地升华、丰富。
声乐演唱和钢琴伴奏的平衡关系更强调的是一种彼此的合作，以及钢琴伴奏的甘为“绿叶”的精神，钢琴伴奏从演唱者的整体风格出发，来完善整部作品的各个环节，烘托整体音乐气氛，提高作品的现场感染力。
声乐演唱与钢琴伴奏虽然在音乐作品内容诠释方面是相通的，但二者在表现形式还是有很大的不同，作为乐器之王的钢琴，有其独特的艺术特点。
钢琴不仅可以单独演奏，而且因其具有强大的融合性而成为了交响乐队首要合作的乐器。
现代钢琴基本上是由88个琴键构成，钢琴音域中包含了乐音中的最高音和最低音，而管乐器、弦乐器、唢呐、号等乐器基本上只有五个八度和两个半八度的音域，这些乐器无法表达出所有的音域，而钢琴演奏却可以实现。
因此，钢琴有着音域广和多音性的特点，在声乐演唱中，无论什么样的情绪和感情，钢琴都可以与之配合，深受演唱者和作曲家的喜爱，而且现代很多声乐演唱都离不开钢琴伴奏，钢琴伴奏大量的运用也使得其演奏越来越具有韵味。
和声是声乐演唱中经常使用的一种艺术手段，而且被频繁地使用，主要是指各种不同的声音根据一定的组织规律同时发出，形成多声部的高组织形态的声音构成。
[2]但是，和声这一声音构成并不是所有的乐器都可以完美地演奏，如管乐器无法在同一件乐器上演奏和声，弦乐器最多也只能演奏出两个音，但是钢琴就不一样了，它可以同时演奏出十多种音。
钢琴伴奏在和声方面有着巨大的优势，从而也就更加契合声乐演唱的需要。
三、钢琴伴奏的.专业要求。
声乐演唱者要想成功地诠释音乐作品内涵和情感，钢琴伴奏者必须要了作品的背景、风格、意境等，演唱者与伴奏者要共同研究作品内容、表现手法，从而构成一个高度的艺术化结合。
因此，作为一名合格的钢琴伴奏者，必须具备扎实的演奏技巧和深厚的理论基础等专业要求。
(一)扎实的演奏技巧。
钢琴演奏技巧不仅仅是指演奏者能弹得很快、很响等表面的形式，更重要的在于包括触键和音色的方面的技巧，能演奏出最丰富的音色变化。
钢琴伴奏的音色制约比独奏者要求更高，它除了要有音色制约的基本内容外，还要有自己的独特的要求。
钢琴独奏的音色是根据音乐表现和演奏者个人心境、情绪、情感，通过双手表达出来的;而钢琴伴奏音色是根据歌曲的情感和基调，和演唱者的所要表达的思想内容，来决定音色的沉重、轻柔、舒缓等。
拿舒伯特的歌曲《鳟鱼》来说，作曲家以愉快的基调，生动地描绘了清澈见底的溪水中鳟鱼自由自在的快乐形象，后来鳟鱼被猎人捕捉了，钢琴演奏一边要用多变的音色表达作曲家对鳟鱼命运的同情和惋惜;一边又要让听众们感受到鱼儿在溪水中嬉戏快乐的样子，因此要求钢琴伴奏者右手的全曲的密集音符，要弹奏得轻快、流畅而清晰，左手的连音与断奏完美地的结合，如果没有扎实的基本技术功底，根本无法真正的完成。
(二)深厚的理论基础。
钢琴伴奏者除了要有扎实的演奏技巧外，还应具备深厚的音乐基础理论知识，包括和声、曲式以及复调等相关的技术理论，掌握不同时期不同流派的著名作曲家、音乐风格等，学会分析音乐作品，比较不同版本音乐作品的不同，取长补短提高自己的音乐修养。
同时，钢琴伴奏者还要了解美学、社会文化等相关知识，能欣赏美术、设计等其他艺术门类的作品，丰富自己的艺术细胞;以及音乐美学、音乐史学等理论知识的积淀，了解作曲家的社会文化背景等，能帮助钢琴演奏者更好地把握音乐作品的主要思想。
因此，一位优秀的钢琴伴奏者，从某一个方面来讲，也是一位优秀色的音乐家，乐理方面的修养、音乐知识等方面可能比演唱者具有更深厚基础，我们知道，许多歌唱家在专业学习中注重圆润甜美的嗓音练习和歌唱技巧的训练，忽略了理论方面的学习，钢琴伴奏者甚至有时能充当演唱者的老师，帮助他们一起表达作品的情感和内涵。
参考文献：
[2]郑鄂.试论钢琴伴奏在声乐演唱中的作用[j].大舞台，，(02).
声乐钢琴伴奏体会篇十三
摘要：在声乐钢琴伴奏当中，演唱者与伴奏者之间的默契配合，能够更好的表达出音乐当中所蕴含的情感。伴奏者和演唱者需要具备扎实的功底，并在音乐当中投入感情，在彼此的相互感染当中，将声乐钢琴伴奏的艺术魅力充分的表达出来。在实际的教学当中，声乐教师应该具备高水平的钢琴演奏能力，能够将作品更加生动传神的表现出来，这是声乐专业学生在学习过程中需要提升的部分，有助于其声乐的学习。
钢琴伴奏在声乐演唱当中起到至关重要的作用，是整个声乐作品的有机组成，是不可或缺的一部分，代表着声乐作品的情感和灵魂。演奏者和歌唱者之间的相互配合，以钢琴作为渲染，烘托出声乐演唱的艺术魅力。在声乐教学中，首先需要让学生了解钢琴伴奏对于声乐演唱的重要意义，并在学习体验的过程中更好的理解声乐作品，能够在演奏和演唱当中投入感情，体会其艺术魅力所在。
一、钢琴演奏对于声乐演唱的重要意义。
钢琴伴奏是乐队伴奏之外的声乐伴奏形式，由于其宽广的音域和丰富的音色，能够为声乐演唱增添更加丰富的色彩，能够达到不逊色于乐队伴奏的艺术效果。声乐钢琴伴奏能够增加音乐作品的艺术表现力，需要演唱者和演奏者充分发挥想象力和创造力，将钢琴伴奏的旋律与歌曲巧妙融合在一起。在声乐教学当中，教师如果能够以钢琴伴奏作为辅助教学内容，帮助学生更好的`理解词曲内涵，对声乐学习有着很大的帮助，其效果要优于声乐技巧训练。在声乐钢琴伴奏的学习当中，不但声乐技巧得到有效提升，能够深入理解作品内涵，能够在声乐演唱当中充分表达自己的情感，学生能够得到更多音乐实践的机会。如果教师能够学生的声乐演唱进行钢琴伴奏，不仅能够提升学生的学习兴趣，同时增进师生间的艺术交流，对于学生无疑是有效的激励，而对于声乐教学同样具有重要的意义[1]。
目前在高校声乐教学当中，声乐专业教师具有很高的声乐教学水平，但是在钢琴演奏能力方面呈现出较大的差异。高水平的钢琴演奏者具有深厚的音乐功底，对于声乐的研究也会更加深入，能够准确的对音乐作品进行分析，这对于学生声乐学习的帮助是巨大的。高水平的钢琴演奏者具有很强的即兴伴奏的能力，能够在声乐教学当中随时进行指导，帮助学生更加深入的理解作品，在很大程度上丰富了声乐教学的内容。而对于钢琴演奏水平一般或者稍差的声乐教师来说，声乐教学，虽然能够利用声乐钢琴伴奏的方式进行指导，并具有一定实用性，但是规范性稍差，艺术表现力也有所欠缺，对于一些伴奏难度大的声乐作品，仍然只能进行声乐技巧方面的教学。声乐钢琴伴奏对于声乐教学有着积极的影响，能够促进声乐技巧和钢琴演奏水平的共同提升[2]。
1、具有良好的专业素养的声乐钢琴伴奏者。
声乐钢琴伴奏艺术魅力的呈现，是需要建立在声乐演唱者和钢琴演奏者的专业素养的基础之上，以高超的演奏技巧，表达出更加丰富的情感，能够在触键、音色、速度、节奏和旋律当中，巧妙的进行表达。钢琴伴奏者对于音乐的感受更加敏感，利用其高度灵敏的视觉能力和听觉能力，根据不同的声乐作品，能够灵活的进行应变，能够更好地配合演唱者，增加声乐作品的艺术魅力，保证声乐钢琴伴奏顺利的进行。钢琴伴奏者需要过硬的心理素质和即兴表现能力，以丰富的文学造诣与外语水平作为基础，进一步提升自身的钢琴演奏水准，进而能够更好地呈现声乐钢琴伴奏的艺术魅力[3]。
2、深入了解声乐作品。
无论是声乐作品演唱还是钢琴伴奏，真挚的情感表达才能突出体现作品的内涵。了解作品的创作背景及作词人和作曲家的生平，了解音乐作品的与特点，能够准确的揣摩作品的内涵，能够在声乐钢琴伴奏淋漓尽致的进行表达，塑造更加完美的艺术形象，丰富其思想感情，在珠联璧合的声乐钢琴伴奏当中，充分彰显声乐作品的艺术魅力。
3、尊重原创。
在声乐作品表演中，更加与作品相互贴合的情感就是原创作者。因此，在钢琴伴奏，应该尊重原创者，根据曲谱进行分析和解读，基于声乐作品的内容和结构，站在原创者的角度，将情感注入到作品当中，正确包围音高、音势和节奏，以准确的速度、力度和表情进行表达。伴奏手法需要与作品所要表达的情感和蕴含的情绪相吻合，突出声乐作品风格，成功的将声乐钢琴伴奏的艺术魅力呈现出来[4]。
四、结论。
钢琴伴奏是一种独具魅力音乐表现形式，与声乐演唱成为有机的艺术整体，钢琴演奏赋予了声乐演唱精神与灵魂，更加形象生动的进行情感表达。在钢琴演奏者和声乐演唱者之间的默契配合下，以钢琴渲染演唱，充分彰显声乐钢琴演奏的艺术魅力。声乐钢琴伴奏者具有良好的专业素养，深入了解声乐作品，尊重原创，对于声乐教学的有效开展具有重要的意义。
参考文献:。
[2]翟鑫.钢琴伴奏艺术在声乐表现艺术中的魅力[j].南昌教育学院学报,,03:55+75.
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