总结是前进的动力，让我们更好地规划未来的发展。写总结可以借鉴他人的经验，但也要保持独立思考和个性化。探寻历史背后的故事，了解历史对我们的影响和启示。
声乐钢琴伴奏体会篇一
文化产业化给我们文化教育事业提出了许多必须思考的问题。作为具有中国文化传统和文化特色的民族声乐教育，在中国的文化产业发展中应当居于什么地位？有什么职能？有何种发展机遇？本文从民族声乐教育与文化艺术生产者、当代科技、文化资源、文化市场四个方面，以文化产业的理论视角，初步提出了发展民族声乐教育的新思路。
文化产业作为当代人类社会创造财富的一种新的产业形态，是伴随着全球工业化和现代化的进程而发展起来的，是一个集中代表了现代经济、社会文化发展的全球化新兴产业，因此，引起了社会各方面的普遍关注。近年来，中国文化产业实践与理论的勃兴，为各项文化艺术事业提出了若干新的问题。对这些问题的深入思考与探讨，将有利于我们在文化艺术事业发展中辨清方向，明确目的，增加动力，取得实效。
21世纪的国际竞争实质是文化的竞争，文化竞争力成为了综合国力不可忽视的组成部分。文化产业是文化竞争力的载体和直接体现，发展文化产业竞争力的首要前提就是要全面提高艺术生产力。
艺术生产力的基本要素之一是文化艺术生产者。民族声乐教育是培养文化艺术生产者（歌唱者）的具体手段。中国的民族声乐教育为当代中国培养了众多的歌唱人才，一批优秀的歌唱者创造了一个民族声乐的时代，但这却没有构成相应的艺术生产力和文化竞争力——我们的民族声乐作品有多少打入国际市场？我们的民族声乐艺术家每年有多少人能在世界各地巡演？这些国际性演出又有多少经济回报？即使是在国内，问题也很严重：民族声乐的唱片出版远不如“通俗”畅销；民族声乐的专场演出很少且影响不大；民族声乐作品的创作风格手法单一且题材近似；而整个声乐教育界更为尴尬的是大多数声乐学生毕业后要改行……这些现象的存在给民族声乐教育提出了现实性的课题——我们到底该培养怎样的文化艺术生产者！
当今社会，在全球文化产业的环境下，作为文化生产力基本因素而显现出巨大能量的人已经不再仅仅特指歌唱艺术家群体，而是包括与之相关的策划者、制作者、管理者、经营者、传播者、批评者等等。正是由于众多从事文化艺术生产各个环节的人们的合力，才推动了艺术产业繁荣兴盛。民族声乐教育要成为综合国力发展的强大促进力，就要改变现行的教育理念：其一，民族声乐教育要培养具有声音控制表达能力的歌唱者，更要培养民族声乐艺术的歌唱家，他们作为艺术生产者，应能够完成某些特殊时代或地域文化风格的表达；其二，民族声乐教育在以培养歌唱技能为主的基础上，还要拓展教学内容和方法，使歌唱者懂得艺术价值的实现途径与手段——策划、制作、经营管理、传播等，以主动的姿态投入到文化产业的实践中去，改变目前民族声乐艺术产业的外行化和单纯追求经济利益的操作模式，使民族声乐学习者在文化市场中具有更多的主动权和更为广泛的生存发展空间。
当代科技的发展决定着现代文明具有技术品格，从而也决定着民族声乐艺术的生产传播方式的技术化特征。最先进的技术、设备、手段和方法在文化艺术生产各行业的广泛应用，也给民族声乐教育提出了如何使用科技手段提高教育质量的新课题。
面对激烈竞争的文化艺术市场，唯有能掌握科技手段进行艺术生产、积累和传播的艺术工作者，才能够脱颖而出。民族声乐艺术的传播在科技时代已不再是人际传播方式为主，而多为大众传播（广播、电视、网络，cd、vcd、dvd等）方式。现代数字技术为歌唱者创造了无处不在而又简便易用的各种录音、录像、制作加工、编辑合成等设备，每一位歌唱者首先都应该学会怎样使用录音、扩音设备，让自己的歌声符合常规的拾音效果（尤其是那些特别轻柔或特别强烈的声音的表达）。通过录音手段反复磨练具有自己特质的声音，让声乐的传播更富有准确、流畅、细腻、动人的魅力。另外，民族声乐的表演特征可通过数字录像设备得到深刻而丰富的锤炼。歌唱者面对镜头和面对镜子是完全不同的感觉，通过录像，客观地审视自己，才能准确地把握表演的要领和分寸，创造感人的视听效果。这自然需要对声乐教学设备的投入。一架钢琴作为声乐教学设备的全部家当，已显得原始和落后。培养现代化人才需要先进的思想，更需要现代化的设备。学校应对声乐教学提供高科技的教学设备，为培养新时期现代化科技含量高的声乐人才奠定物质基础。
当今的世界是一个由传播媒体结构而成的信息化世界，加拿大学者麦克卢汉把它称作“地球村”。由于传播技术的发达与普及，人们对于传播媒体普遍具有一种特殊的依赖性：信息、知识、文化娱乐等，都依赖于媒体的传播。民族声乐的发展也毫无选择地依托于传媒。因此，掌握传媒技术方法，提高传播意识和传播能力，是文化产业发展的重要基础，也是一切文化教育事业的紧迫任务。当下的网络媒体已经造成了音乐传播的火爆态势，网络不仅传播速度快，且传播面广，影响力之大已超过广播电视。在此情势下，民族声乐为什么要沉默？为什么不去传播自己而甘当受众？是自以为清高吗？不是！这一方面是传播意识不强，另一方面则是对当代技术比较陌生。声乐教师应熟悉并掌握当代科学技术，引导学生去学习、去实践。但事实却相反，有些教师对当今科学技术的发展状况不去主动了解，沉醉于传统的声乐教学模式，不思进取，有的甚至落后于学生，造成了教与学的被动局面。教师队伍现代科学技术知识的落后，是培养文化艺术生产者的一大障碍。其实，网络艺术传播手段也是文化产业的重要组成部分，各种各类音频视频编辑软件应用十分便捷且效果丰富，流媒体压缩格式的播放效率也越来越高，网络艺术传播已形成了强劲的潮流，冲击着传统的主流媒体。鉴于此，民族声乐教育应当开阔科学教学理念，开拓技术教学内容，加大技术设备建设力度，提高教师队伍素质，从而在人才培养、文化积累、艺术交流、媒体传播、产业提升等各个方面作出新尝试、新探索和新贡献。
当代科学技术的发展带动了文化产业的迅猛发展，但要使文化产业取得强大的竞争力，还必须注重保护、开发和利用文化艺术资源。在发展文化艺术生产力的过程中，文化艺术资源可以超越时间、地域、国家、民族等条件的限制，成为全人类的共同精神财富，以求得开发利用，同时促进世界范围文化消费、文化交流、文化贸易。
中国几千年的文化遗产是当今文化产业的巨大宝藏，如能开发得好，不仅能创造可观的经济价值，同时又能实现良好的社会价值；既能够保持文化生态平衡，同时又能创造出新的文化艺术品类，从而全面加强中国的文化竞争力。在这方面，民族声乐教育有着不可推卸的责任。
首先是保护。保护文化遗产，是开发和利用资源的先决条件。人类的音乐文化遗产是一种特殊的资源，是人类口头的非物质文化遗产。在中国音乐发展史中，宋朝以前的音乐主要是在歌舞形式中发展的，宋朝以后的音乐主要是在戏剧形式中发展的，显然，这些都与歌唱有关。所以说，在当今文化产业的环境中，民族声乐教育有着保护音乐文化资源的责任，这种保护不是封存或遮盖，相反，要动用一切可能的手段将它们展现起来并沿传下去。每一位民族声乐的学习者都应该掌握大量的中国民歌文献和唱法技巧（甚至包括原生态唱法），以使文化物种尽可能持久保留，从而保留住中国音乐文化的发展之源。这或许是民族声乐教育的艰深课题，但却是历史的使命与时代的责任！
有人质疑，现今有多少学生会唱自己家乡的歌？这虽然是一个非常简单的现象，但它却反映了一个深刻的、引起人们反思的社会问题。著名音乐教育家谢嘉幸老师在《寻找家乡的歌——音乐教育的现代化观念之三》一文中提到：“如果一种文化一开始就丧失它的个性，它的性格，它的‘灵魂’，这将是一个巨大的损失。”（《中国音乐教育》2001年第11期）这应当引起所有民族音乐教育工作者注意。“音乐是文化的灵魂，音乐是民族的血脉”，它融进了人们的情感，倾诉着人的喜怒哀乐，反映着民族的心理与性格，是具有民族独特风格的精神财富。今天我们提倡重视和保护民族民间音乐并不是封闭保守，是要为这个色彩斑斓的世界保留一份美丽的风景；如果作为文化灵魂的音乐有一天“进化”得没了个性与民族特色，带给人们无限欢乐的音乐将变得索然无味；我们曾经“只为那今天的村庄，还唱着过去的歌谣”而惆怅，如果不保护“文化生态环境”，中国在多元文化世界里将处于什么位置？谢嘉幸老师倡议，“为了使每一个学生拥有最优化的音乐素质结构”，音乐教育应该“先学乡土音乐，再学民族音乐，再了解外国音乐”。我们的学生既是民族民间音乐的传承者、表演者，又是欣赏者和创造者，重视本民族音乐文化的传承已成为国际音乐教育的发展趋势。国际音乐教育学会（isme）认为“世界音乐的丰富多样性给国际理解、合作与和平带来机遇”，而“我们的音乐教育中缺乏文化观念，我们的民族音乐观念一直很糊涂”的现象依然存在。
其次是开发利用。文化产业的主要竞争力，来源于对文化资源进行合理的开发和利用，使之物化为精神产品，传播于世。所谓“合理”的开发利用，主要是禁止一切破坏性的开发。对于民歌艺术的开发而言，一方面，忠诚于历史，保护其原貌；另一方面，尽可能全面地开发，让非物质文化渐渐长大。关于民歌艺术的利用。我们主要从民歌艺术所蕴含的历史特征、文化韵味和民族精神方面加以利用——现代戏剧、歌剧、舞蹈、电影、电视剧、电视小品、民族史诗等。一切艺术传播样式都能承载大量的音乐文化资源，只要利用得好，增值同时又能实现社会价值。大型现代吕剧《补天》以史诗的气魄、酣畅的叙事结构和精巧的选材，生动再现了建国初期8000名山东籍赴疆垦荒女兵为改造西北荒原奉献青春、汗水和泪水书写的悲壮历史，弘扬了人性的宽容、坚忍、和谐之美。现代吕剧《补天》的创作汇集了三位国家一级编剧、全国著名青年导演、获得梅花奖的一批优秀中青年演员等。艺术表演、舞美、灯光和音乐创作一起创造了入选2006年国家舞台艺术精品工程十大剧目之一，实现了艺术创作上的历史性突破，为传统吕剧增添了时代特色，震撼了到场观众的心灵。但它的经济效益又如何呢？此剧在广大爱好艺术的人群中知之又是多少？这样一部优秀的、大投入的戏剧为什么没有产生巨大的艺术与经济效应？是我们的戏不够优秀，还是我们对文化产业的意识不强？拿大型现代吕剧《补天》2004年11月在上海美琪大戏院的演出和李宇春2006年5月在上海大舞台的演出票价来比较，吕剧《补天》的最高票价是280元一张，而李宇春的最高票价则是980元。“超女”现象应当承认是文化产业成功运作的范例，它给我们带来的启示是多样的。我们民族民间的传统艺术应有文化产业手段的积极保护，当代中华民族声乐教育也应把保护、开发和利用音乐文化资源并使其充分增值作为自己的分内之责，因为只有民族声乐教育具有这种功能——培养民族音乐艺术的生产者。
在文化艺术活动中，只有形成文化市场的消费需求，才会有文化艺术的大规模生产。文化消费的需求促成市场的形成，巨大的消费市场空间对于艺术生产力的发展提出了新要求。文化生产力的发展使人类不再以物质资源为核心，而是以知识、智力等精神性资源为核心资源，它在一定程度上能够突破物质资源的有限性及其制约，充分发挥人的创造力和潜能，使人的主体地位普遍显现和提升，使个体能够自觉地追求个性的自由和自我的实现，这才是人们精神的最终消费需求。
民族声乐教育应面向市场，这或许不是个新话题，但却是个新课题。市场在哪里？怎样去面对？实际上，艺术生产按照美的规律创造出文艺作品，满足了艺术消费者的审美需求，而这种需求的满足又形成并提高了艺术消费者的审美能力和新的审美需求，反过来推动艺术生产向着更高、更美的境界发展。对此，马克思曾经作过一番形象的解释，他说：“钢琴演奏者生产了音乐，满足了我们的音乐感，不也是在某种意义上生产了音乐感吗？……钢琴演奏者刺激生产；部分地是由于他使我们的个性更加精力充沛，更加生气勃勃，或者在通常意义上说，他唤起了新的需要，而为满足这种需要，就要用更大的努力来从事直接的物质生产。”（《马克思恩格斯全集》第46卷上册，第264页）由此可见，文化生产力作用于人的影响远大于物质生产力的作用，它对人的心理、情感甚至对人的生理都会产生影响。
培养具有现代市场意识的民族声乐人才，不仅要使他们在理论上了解市场循环的规律，更要锻炼他们具体的市场操作能力。文化产业是专门为大众消费而生产产品的现代产业部门，它的产品从一开始就是作为供市场销售的可互换物而加以生产的。因而其中包含两层生产关系：一个层面是艺术创造者——艺术家、制作者、管理者、传播者及批评者之间的关系。在这当中，艺术的个性表现或风格寻求与把握占主导地位。另一层面是产业生产——包含文化艺术生产与消费的关系、艺术生产资料所有制关系等等。在这当中，文化的命运与资本的命运紧密相连，一切要按市场规律运转，制造需求、占领市场、获取利润成为文化艺术生产的重要方向。要使民族声乐教育能够培养出具有市场意识的人才，就要不断地让学生观察市场、调查市场、策划市场，摸清创造需求的路径和方法，探索营销手段，计算生产成本，锻炼市场意志，从而以专业的技术、全面的能力和全新的姿态，展现出新时代中华民族声乐艺术创造者应有的风采。
声乐钢琴伴奏体会篇二
20xx年xx月xx日至xx月xx日，我参加了由县教育局组织的钢琴伴奏国培讲座，在这半个月的培训时间里，我学到了好多有关钢琴即兴伴奏的知识，对此我倍感深受。下面就是我培训后的一点心得：
说到钢琴，大家决不会陌生，平常在电视电影里、逛街时都看见过，都知道学钢琴是一件多么优雅的事，但大家真正学习的，有条件学习的实在太少了，而弹得好的就更少了，比较幸运的是我而今正在学习钢琴，不敢说学得怎么样，但也有自己的一些看法。
刚接触钢琴的时候，就对他很感兴趣，但练习是一件痛苦的事。刚开始，从最基本的指法练起，枯燥而乏味，不过练好了真的受益匪浅，指法是弹钢琴的基础。后来慢慢地接触一些简单的曲子或片段，先单手练，左手练好练右手，后双手合弹，这才是真的在弹钢琴。简单的合手练完后就是难一点的了，先是右手旋律，左手伴奏，再是左右手互为旋律伴奏，一首比一首难，花的.时间也越来越长，人不自觉地就烦躁起来。但练得多了，发现一首曲子上手很快。后来我们加练了踏板，加大了练习难度，但还是被拿下。
钢琴真的是要练出来的，大家基本上都会对钢琴感兴趣，学习钢琴首先要热爱钢琴，只有热爱才会投入，才会学好，其次是要有一定的乐理知识，只有这样才能更好的了解感情及乐曲，还应该要有一定的视唱功底，视唱越好就越好。
钢琴学习最重要的就是练习，不厌其烦地练习，只有这样才能练好，试想如果练都不练，难道就能凭空弹出一首曲子，能把钢琴弹好？从最基本的指法练起，一步一步提升，慢慢地达到一个不错的水平。一般人弹钢琴只是一种兴趣，但如果想达到大师级别，除非你从小练起，有惊人的天赋，但我自认为没有，但我还是会把钢琴练好。也希望老师加大力度，对我严格要求。
在钢琴伴奏国培讲座培训期间，老师注重培养我们创造性的思维和演奏即兴伴奏的能力。在技巧方面，应借助练习钢琴作品来提高我们钢琴即兴伴奏技巧；在和声和音型方面，应重在丰满多彩的效果上下功夫，多总结一些音型织体的类型，以达到段落间对比和风格性的伴奏效果；在前奏，间奏与后奏的设计方面，要讲究音乐的起承转合，生动形象地为歌曲进行伴奏，烘托情绪。
总之，在钢琴伴奏国培讲座培训时间里，老师在钢琴即兴伴奏能力上进行了比较全面的系统的指导，使我们在钢琴即兴伴奏中的技巧、和声手法，伴奏音型，风格性等多方面有了更大的进步，弹奏技能臻于完善更出色地完成伴奏任务。学员们也学的非常刻苦，每天都是坚持在琴房里抓紧时间练习老师所布置的任务，虽然天气比较炎热，但是教育局领导曾局长和刘副局长等人还特意来看望了我们，这让我们更加感动，让我们增强了学习的信心，请领导放心，我们一定会努力学习的，决不辜负领导们对我们的关心和厚爱！请领导检查！
声乐钢琴伴奏体会篇三
声乐伴奏是指在演唱过程中，由钢琴、小提琴、大提琴、吉他等乐器伴奏演唱。声乐伴奏不仅购唱者的演唱过程增添了更多的陪衬，还会让演唱者在音乐中更加深入，更加懂得如何表达感情。作为一个长年为声乐演唱者伴奏的声乐伴奏者，我深知声乐伴奏的重要性。本文将从“准备工作”、“与歌手的配合”、“对音乐的理解”、“技巧与表现”、“不断学习进步”五个方面来谈谈我对声乐伴奏的体会和经验。
一、准备工作。首先，声乐伴奏者需要对伴奏的曲目有充分的了解并做好准备工作。这包括听这首歌的多个版本，了解歌曲的历史背景和背后的故事，以及对歌曲进行分析和理解。这有助于更好地感受歌曲的情感和表达，从而实现与演唱者的更好配合。其次，声乐伴奏者需要反复练习和强化伴奏技巧，以协调歌曲的节奏、节拍和和弦变化，并使表演更加自如，更加自信。
二、配合歌手。与演唱者的配合是成功的声乐伴奏的关键。声乐伴奏者应该保持耐心和耐性，并根据歌唱者的需要进行不同的伴奏方式。对于那些比较熟练的歌手，声乐伴奏者应该给予足够的自由和空间来创造独特的音乐表演，而对于那些需要更多指导和支持的演唱者，声乐伴奏者应该更加亲切和耐心。在与演唱者的互动中，声乐伴奏者应该了解演唱者的情感表达和表现风格，以便产生更加协调和融洽的效果。
三、音乐理解。声乐伴奏者必须有良好的音乐理解能力，能够理解曲子的起伏，曲调的变化，并有良好的即兴处理能力。除此之外，了解一些基础的乐理知识是至关重要的。良好的乐理理解可以帮助声乐伴奏者在演奏过程中对和弦和旋律进行深入的理解，并使表演更加自如、精准和具有表现力。
四、技巧与表现。声乐伴奏技巧包括了曲谱的解读能力、演奏技巧的熟练度、落实旋律的真挚性等多个方面。在实际演奏过程中，声乐伴奏者应该更加注重自己的演奏技巧和表演技巧，增强自身的演奏技巧水平，发挥自身的表达元素，使声乐作品更有表现力和情感感染力。当声乐演唱者以具有自己的情感感染力演唱时，声乐伴奏者应根据此感觉进行相应的调整来达到完美的配合效果。
五、不断学习进步。伴奏是一项极具挑战性的工作，且伴奏的水平已经成为评价一个声乐团体优劣的重要标准之一，所以声乐伴奏者始终需要不断提高自己的水平。一些方法可以帮助声乐伴奏者不断学习进步，其中包括寻找指导性的良好资料，进入良好的学术机构系统学习乐理和乐器知识，和其他伴奏者的交流，模仿所尊敬的伴奏者风格等。此外，要保持对流行乐作品以及古典作品的热情，积极地参与音乐节和音乐比赛，了解新形式的音乐演法，并尝试进一步取得团队内部认可和社会表彰。
总之，声乐伴奏是声乐演唱中不可或缺的一环。声乐伴奏者需要具备多层次的技能和技巧，以与歌唱者配合良好，从而实现协同效应并生成完美的音乐效果。对声乐伴奏者而言，不断学习，磨练技巧和热爱音乐都是取得基础成功的关键。希望本文可以为声乐团队成员提供一些有益的经验和想法。
声乐钢琴伴奏体会篇四
自从我开始学习声乐以来，伴奏一直是我必须面对的挑战之一。无论是与钢琴、吉他还是小提琴的合作，伴奏都是一项需要通过大量练习才能掌握的技能。在这篇文章中，我将分享我在声乐伴奏方面的一些心得体会，并希望能为那些也在学习声乐的人提供帮助。
第二段：敏锐的音乐感。
伴奏者需要敏锐的音乐感，能够准确把握曲子的节奏和情绪，以此更好地为歌手提供支持和引导。在学习伴奏时，我发现了一个技巧，就是先听一段时间的歌曲，熟悉其曲调和旋律，再开始尝试演奏伴奏。这样可以让我更深刻地理解歌曲的情感表达，从而更好地为歌手提供帮助。
第三段：灵活的和弦掌握。
伴奏中的和弦是关键，因为和弦是歌曲中不同和声组成的主要元素。对于钢琴或吉他等伴奏乐器的学习者来说，灵活掌握和弦是非常重要的。在我的学习过程中，我经常反复练习不同的和弦转换，尤其是那些更难以掌握的转换方式。我发现，通过反复练习和弦转换，不仅可以提高技巧，更能够对和弦转换的规律有更深刻的认识。
第四段：灵敏的反应能力。
伴奏者需要具有灵敏的反应能力，当歌手演唱过程中产生偏差时，伴奏者需要及时地调整自己的伴奏。这需要一个良好的沟通机制，包括沟通方式和语言表达等。在我的学习过程中，我意识到，与歌手之间建立起良好的沟通机制是非常重要的，这有助于提高伴奏的质量和效果。
第五段：总结。
总的来说，声乐伴奏虽然是一个挑战，但也是一个非常有趣和有意义的活动。在学习过程中，需要注重不断积累经验和技巧，灵活掌握乐器技巧、和弦转换和良好的沟通机制等，只有这样才能真正地为歌手提供优质的伴奏服务。我相信，在不断的练习和学习中，我们能够越来越好地掌握声乐伴奏的技巧，为我们的音乐之旅增添更美好的色彩和经历。
声乐钢琴伴奏体会篇五
声乐伴奏是指为歌手演唱的歌曲不断地弹奏和衬托的音乐器乐，进行的是歌与乐的交互演绎。一个好的声乐伴奏，可以为歌曲增色添彩，让听众更好地感受到歌曲的情感和意境，提高演出的整体品质。因此，对于任何一位声乐演唱者而言，掌握声乐伴奏技巧、感受力和表现力都至关重要。
第二段：对声乐伴奏的技巧和表现力的重视。
良好的声乐伴奏技巧是伴奏者必备的基本素养。对于伴奏者而言，应该把握好乐曲的速度、节奏、音高、强弱等元素，以便能够准确地配合歌手演唱。同时，伴奏应着重把握音乐渲染力和感染力，让听众在歌手演唱的同时，更进一步感受到音乐的魅力和情感。
第三段：力求与歌唱者的默契配合。
好的声乐伴奏不仅需要技巧功底，更要有与歌唱者的默契配合。伴奏者需要充分了解歌曲演唱的情感表达，融入进歌曲的氛围，与歌唱者进行一致性的合作，达到共同表现歌曲的目的。在紧密的合作中，声乐伴奏的重要性有时超过了歌手本身。
第四段：对于声乐伴奏的情感把握。
声乐伴奏本身就是一种表达情感的艺术形式。伴奏者应该具有良好的情感把握能力，能够对歌曲的情感深入挖掘，并通过乐器演奏把情感表现得淋漓尽致。只有真正体会到歌曲的情感，才能在演奏中更好地表现贴近于歌曲的情感。
第五段：总结。
伴奏是歌曲不可分割的重要组成部分，绝不能轻视，只有当声乐与伴奏良好配合时，才能真正达到完美的境地。在传统音乐与现代音乐中，声乐伴奏的需求越来越大，因此对于已经掌握了声乐技巧的人来说，学习伴奏技艺能够帮助他们走更远的路，并进一步提高自己的综合水平。
声乐钢琴伴奏体会篇六
[摘要]随着教学改革和艺术类高考政策的改变，传统的教学理念也必须不断更新。本文通过对弹好钢琴的几个要点的论述，简洁地阐明了如何对音乐高考生的钢琴演奏进行科学正确有效的辅导，用更新的教学理念与教学方法完善我们的教学，以帮助更多的考生取得优异成绩。同时，这对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系也是具有深远意义的。
[关键词]音乐高考；钢琴教学；创新；要点；心理素质；钢琴教学体系。
近几年来由于高考中艺术类的分数线较低。很多学生纷纷报考艺术类作为上大学的捷径之一。但从2005年高考录取的情况看，艺术类专业的录取分数线在不断提升：文化课成绩较好的学生走这条路的也比往年有所增多；今年各高校均没有扩招计划，艺术类高考竞争越来越激烈。同时，专业课考试的形势也越来越严峻：以辽宁省为例，今年全省的艺术类考生均于2007年1月26日在沈阳音乐学院集中考专业课。由此可见，专业的成绩确实更加真实、更加透明了，但另一方面，也确实增加了专业实力的竞争的力度。
怎样才能在这样激烈的竞争中脱颖而出，无疑给音乐高考的学生，尤其是辅导教师提出了新的挑战。面对高考形势的改变，教师的教学方式和手段也必须相应地改变，要有一个与之相适应的配套工程。笔者仅以辅导钢琴学科的音乐考生的教学实践，总结如何教好钢琴专业考生的一些手段和方法，供大家讨论与研究，希望以为高校输送高质量的音乐艺术人才为终极目标，在交流中碰撞出更好的教学思路。
本文从演奏钢琴的技术是基础，慢练是途径，音乐表现是目的，临场发挥的心理素质培养与训练的全过程，畅谈了考生在练琴中从纵向、横向，个体与综合训练中形成的音乐技能对智力要素中想象力创造力的启智作用，阐述了音乐高考中的钢琴教学，对进一步研究和探讨科学的钢琴教学体系具有深远的意义。
钢琴演奏是技术性很强的艺术，技术是到达钢琴艺术顶峰的基础。而这种基础的含义是丰富的，它包括钢琴演奏的技法和表现规律。独立理解以及处理音乐的能力等等。
教师要在第一节课对音乐考生进行全面了解，即通过考生的演奏听学生的音准、节奏，听调试中各种音色的不同触键技术技能，听音乐的表现内涵。通过对学生的初步了解是迈出教与学的第一步。有了这第一步，此后的教学安排便都是有针对性的了。
1、技术是音乐的前提。
首先分析学生所弹乐曲、练习曲中都包括哪些音乐材料，这些音型都应选择什么样的触键方法才能符合作品内容的需求和风格。然后，再将这几种不同的触键方法归纳起来，分阶段依次练习。采用难点分散解决。各个击破的战术，将每一个技术动作做到位。如：手指技巧中的“勾指”、八度的“伸展”、特殊的“拇指”、手指技巧的适应性变化——“快拨”、“慢抹”、“轻触”，手掌关节的“支撑”与“放弃”，音阶、琶音、和弦结构认知的手架把位技巧，手腕的“落滚”技巧、“刚柔相济”技巧，肘部下垂与提高技巧，腰部的协调，臀部的作用及肢体语言的融入。这些基本功训练结束后，还要引导学生认识旋律起伏。和声的色彩变化，节奏的错落有致，对音乐语言本身的规律和文法等等，都必须学会看懂和听懂它。要把技术和音乐统一起来，这才是练习基本功的目的。
2、技术为音乐服务。
（1）基础训练要从培养听力入手。
训练敏锐的听觉是打好基础的最重要一环。它是通过培养学生仔细倾听、检查自己弹奏的每一个音的质量、时值、力度、音色及上下左右的关系长期形成的。高考学生尽管时间有限也不能忽视这一环节，要尽可能地创造时机去训练。
对考生更要注意对他们听觉、视觉、大脑和心灵的协调一致的训练，挖掘并提炼他们的潜能。要反复提醒学生，要用自己的耳朵来监听自己的琴声。能听出弹奏的毛病才能及时纠正，才能提升自己的乐感。时时都要牢记培养听力是钢琴演奏的最基本的技术训练。
（2）视觉、听觉和记忆的协调。
视觉演奏快慢，是衡量学生学习效率的标准。视奏快，能有效地缩短学时，并能增强读谱能力和背谱能力。为钢琴演奏打下坚实基础。所以辅导考生要在着重安排强化视奏能力训练的基础上，还要增强背谱弹奏的训练。背谱亦即背奏，是训练大脑记忆力的最好方法，它需要调动听力、心灵，掌控琴声和音乐结构。是一种技术手段。能够背谱背奏便可腾出眼力来关注手指训练，从而增加手指弹奏的准确性和力度，迅速掌握演奏技巧。
（3）全方位训练。
在进入多元化钢琴教育的今天，全方位训练自然是集中外著名钢琴大师教育思想之大成的新理念，我们要为之实践而竭尽忠诚。强调技术与艺术并重，是相辅相成相得益彰的关系。以音乐艺术带动技术训练：以技术训练保障艺术的完美，使技术与艺术和谐共荣。造就创新的音乐人才。
慢练不是简单地把乐曲的速度放慢，它是一个内涵丰富的概念。其涵义就是要把乐曲中所标注的音的时值延长，把音与音之间的间隔拉大。实际上是把乐谱所承载的音乐元素放大了。放大了的实际效果是使阅读者对乐谱一目了然，心领神会，从而在弹奏过程中能够从容、准确地兑现乐谱。换一个角度来说，就是慢练能使人的运动神经有比较充足的时间，根据视觉、听觉反馈的信息，调整并改正演奏上的缺点、错误，从而建立起运动神经的正确习惯反映和条件反射。
所以对音乐考生的辅导中，要充分利用慢练这一手段，仔细分析每一个乐句的技术与音乐的关系，根据需要慢练。可以采取分解式慢练（分声部慢练：分手慢练），充分体验多声部多层次多音色的触键感觉，特别是难点之处，更是要用慢练这把钥匙开难点这把锁。
当然，慢练不是目的，而是一个过程，慢练的目的是快练。当考生能在慢练中准确无误地兑现乐谱时，就要逐渐加快速度，直至达到乐谱所示的要求。这时考生的演奏已经是优美动听，今非昔比了。
钢琴演奏是一门表演艺术，是演奏者通过钢琴用音乐语言来揭示作曲家深刻而广阔的内心世界活动的。同时也表现了演奏者的内心感受，并进而感染广大听众的。这种音乐表现的涵盖极为丰富，它包括美感、情感、情绪、情调、联想、想象、音乐意境、音乐形象以及音乐语言、音乐逻辑、音乐思维、音乐语调、音乐涵义、音乐趣味、音乐韵味、音乐哲理、音乐风格等等，都属于表现的范畴。钢琴的表现力是极其丰富的。人们常常把钢琴比做是一个乐队。它既能显现整个乐队气势磅礴的效果，又能模仿某一件乐器，甚至可以模仿人的歌声。在钢琴上。我们可以自由转调，使用丰富多彩的和声，发挥多声部的作用，惟妙惟肖地展示各种生动的事件、场面、背景，人物肖像、性格、内心活动等等。
钢琴的音乐表现是考生综合素质的反映，是弹奏技术和音乐情感的结合体。要使音乐考生在有限的时间内，对以上所述各点有所领悟。关键在于辅导教师在传授弹奏技艺的同时，还要千万百计地开启学生丰富的音乐情感之门。
首先，在技巧训练时要细心培养学生的声音分辨能力。音乐是听觉艺术，钢琴是通过音响来描绘音乐形象，表达思想情感的。声音分辨能力既是感受音乐内容最重要的保障，也是表现音乐情感的最基本条件。在教学中最值得注意的就是弹奏技巧和辨音能力两个方面。一定要使考生养成“听”的习惯，提高考生“听”的水平。
同时，从简短的乐句入手培养学生对音乐语言的感受能力。乐句是音乐的语句，是音乐表情达意的基本单位。它是理解音乐的基础，也是表达音乐的基础。乐句有长短。有高低起伏，有抑扬顿挫。乐句与乐句之间是有内在联系的。惟其如此，乐曲富有旋律，流畅而优美。组成乐句的最小单位是音符，音符与音符之间也是有内在联系的。考生惟有理解了乐句的内涵，把握了其中的内在联系。才能感受音乐语言，才能产生音乐情感，才能把内心从音符中感受到的东西，通过手指触键弹出乐音的方式显现出来。也就越能揭示乐音之间，乐音之中，乐音背后的音乐内涵，从而完成带给听者音乐感受的使命。音乐表现是音乐考生弹好钢琴的终极目的。
确保音乐考生的临场正常发挥，是师生和家长共同关注的关键词。因为在演出或考试的关键时刻，由于学生过度紧张而使演奏效果大打折的情况屡见不鲜。甚至在关键时刻由于过度紧张而使得手足无措，甚至头脑一片空白而无法弹奏下去的情况也时有发生。使得长时间的准备，多年的学练付之东流，令人扼腕。按常理，一般的演奏者，尤其是阅历不深的考生，初次登场都会有不同程度的紧张情绪。为了增强考生的心理素质，能以一颗平常心在考场上正常发挥，我做了一些探索。
1、在慢练的过程中，用视唱法，对每个音符的固定唱名做强化训练，借语言神经的兴奋点，强化旋律的准确记忆。以避免由于紧张而形成大脑一时记忆空白。
2、在视唱中，要反复推敲每一个音符的触键感觉，找出最佳音色，反复练习，以形成动力定型。以听觉掌控技术，从而避免由于紧张造成的记忆浅薄，手无章法。
3、进入角色。要尽可能地引导考生深入到作品的情景中去，展开想象的翅膀，敞开情感的大门。使外部世界的形象暗淡下来。使音乐成为唯一的真实世界。牢记德国伟大的音乐巨匠贝多芬的一句名言：“音乐应当使人类的精神爆发出火花”。
4、营造考试氛围。多次请几位老师或家长作为“评委”，模拟考试现场。要求考生每次入“考场”只能将所准备的曲目演奏一次。以避免在家长时间练习所形成的手记谱的“熟练”，总是第一遍不如第二遍，第二遍不如第三遍的只能逐步进入状态的不良习惯。这种模拟形式在一段时间内多次进行，情况表明是卓有成效的。
本文以为音乐高校输送优秀人才为终极目的，从技术、慢练、音乐表现、临场发挥四个方面阐述了音乐高考中钢琴专业考生的教学与辅导。实践证明它是行之有效的。但愿对考生与辅导教师能有参考价值。
随着钢琴教学与钢琴艺术的社会化，音乐高考中的钢琴教学已成为钢琴教育体系中的重要一环。而且随着音乐高考形势的日益严峻，它的重要性更是在社会上日益突现出来。它不仅关系到考生能否得到继续深造的机会，更关系到音乐高校能否招收到优秀学苗，从而培养出钢琴英才的大事。殷切期望更多的音乐教师、音乐理论家涉足这一领域。为我国音乐高校钢琴专业教育的成果，为我国钢琴教育体系完善做出贡献。
声乐钢琴伴奏体会篇七
作为一名大学生，我旗下是一名热爱音乐的学生，并且非常擅长弹钢琴。在学校里，我积极参加各种校内活动，有时候会受邀前往其他学校或社区参加演出。在这些活动中，我有很多机会演奏钢琴伴奏，也让我学到了一些关于大学生钢琴伴奏的心得体会。以下是我总结的五个方面。
第一，正确理解伴奏的作用。伴奏并不是独奏，而是为主奏者以及演出加分添彩。钢琴伴奏应该始终保持低调，不要过多地表现个人，而应该将主奏者提到更高的层次上。只有这样，才能真正体现出伴奏者的专业水平。
第二，准确把握节奏。伴奏者对于节奏的把握非常重要，应该根据节奏变化及时、准确地跟上主奏者。同时，还需要注重与其他乐器、声部之间的协调，保证整个演出的流畅性。
第三，合理运用音乐元素。除了正确的节奏，伴奏者还需注意其他元素，比如音乐节奏的速度、节拍、音量、音高等等。只有合理运用这些元素，才能让伴奏更有厚度和韵味，让演出效果更加优秀。
第四，注重与主奏者的配合。伴奏者不仅要熟练掌握乐曲的曲式、元素，还要与主奏者进行良好的配合。一方面，要仔细聆听主奏者的演奏习惯，及时作出相应调整；另一方面，也要根据主奏者的风格特点和演出需求，运用各种伴奏技巧和方法来丰富演奏效果。
第五，心态平和自然。伴奏虽然是配乐的一种，但是它沉稳的配合，由浅入深的跟进，甚至可以衬托出主乐器更好的作品效果，因此钢琴伴奏者需要心态平和，在表演时更要注意真实的情感表达，将音乐作为自己的嗓子和心灵所倾述的情感。
五个方面，对于一个大学生钢琴陪奏者而言，都是尤为重要的。这不仅让自己更好地掌握钢琴陪奏的技巧，更能为大学活动演出增添一份灵动与光彩。作为一名年轻的大学生，只有勇攀高峰才能不断提高自己的人生价值，成为音乐的瑰宝，展现出自己的风采。
声乐钢琴伴奏体会篇八
钢琴伴奏是一种重要的艺术形式，它能够为唱歌者、乐器演奏者和舞蹈演员提供非常稳定和准确的音乐支持。钢琴伴奏可以大大增强表演者的表现力，使观众更容易被艺术家的表演所吸引。作为大学生的我们，我们可以通过自己的钢琴伴奏大大提升我们的音乐鉴赏能力和音乐技巧。
第二段：如何进行钢琴伴奏。
钢琴伴奏要求伴奏者对音符、节奏、和弦和旋律有深入的理解。在伴奏时，我们应该时刻注意和调整声音大小，控制速度并推动音乐节奏。我们还要学习如何实现旋律和和弦之间的协调，确保我们与乐器演奏者的演奏无缝配合以达到最佳效果。我们要注意掌握琴键和弹奏区域，在不同的段落中适当地变换强度和节奏。在不同的表演场合中，我们还要考虑如何与演奏者、观众和其他伴奏者协作。
在进行钢琴伴奏时，有许多技巧我们需要学习。首先，我们需要在演奏旋律时注意断奏点和吐息节奏，为演奏者创造出舒适的空间。其次，在配合乐器演奏时，我们需要明白如何在多音乐器中分配声音难点并给予协调性。另外，我们应该理解整体旋律和和弦的演奏结构，准确度量音乐的节拍和节奏，不断尝试将自己的音乐技巧提升至更高层次。
第四段：钢琴伴奏的重要性和启发。
作为音乐爱好者，我们应该深入了解钢琴伴奏的重要性。钢琴伴奏使用方便灵活，适用于各种生活和社交场合的小型表演。可以在多种音乐风格中体现毫不费力，还能共享音乐欣赏的乐趣。此外，钢琴伴奏的技巧要求和与音乐的深入理解，可以通过练习和不断实践每天提升自己的独立演奏技巧和音乐认知水平。
第五段：总结。
在进行钢琴伴奏时，我们应该时刻保持效率和注意力。我们需要讲究优美的旋律和和弦的协调性。我们要充实、简洁地推动音乐的旋律和节奏。我们需要将钢琴技巧反复训练，用最好的音乐技巧和理解表现自己。钢琴伴奏不仅仅是一种表演形式，更是一门快乐、发展和充实自己的音乐科学。
声乐钢琴伴奏体会篇九
作为最知名乐器之一，钢琴艺术发展迅速，同时也成为了声乐教学过程中十分重要的一项教学技能。教师在教学过程中科学合理地使用钢琴伴奏，可以使自己的指导艺术化、简洁化，以声乐语言代替文字语言，可以有效地拉动学生们的学习积极性，提升学生声乐素养。本文就钢琴伴奏在声乐教学中的运用进行浅谈，希望能给广大教师群体带来些许帮助。
钢琴伴奏；声乐；教学运用
就学术界认知而言，钢琴伴奏的别名为艺术指导，这个现象表明：钢琴与艺术者并不仅仅是单纯地附属关系，而且在更高层次上是对演奏者所表演的艺术作品的整体把握和指导。一场声乐表演的有序进行，必然离不开钢琴对其合理地引导指挥；其情感的抒发，也离不开钢琴的渲染烘托。钢琴伴奏作为提高作品表现力的重点之一，在声乐教学中有着极为关键的作用。
根据我国当前对音乐理论的研究，声乐教学过程对钢琴伴奏的重视程度越来越高，更多的声乐演唱者与声乐授课教师认可并赞赏钢琴伴奏所具有的艺术指导性作用。相比之前，人们将钢琴伴奏职业冠以“配角”的头衔，而今的钢琴伴奏事业也呈现广泛被人们所青睐的趋势。
1.学生不够重视钢琴伴奏。就当前学生方面而言，钢琴伴奏在现阶段声乐教学中存在的问题。虽然人们对钢琴的态度与之前已千差万别，但在实际教学过程中，钢琴伴奏在教学过程中的艺术指导性并未得到学校的充分开发与利用。对于学生这个声乐学习群体，其较大一部分仍然忽视了钢琴伴奏的重要性，他们认为只要学习技巧，即使没有钢琴的伴奏，也可以充分领略声乐的内涵，对钢琴伴奏的学习、练习也只有在面对考试与表演前的一小段时间，与钢琴节奏的契合度、默契度不达标，纯粹为了应付而学习钢琴伴奏，钢琴伴奏在声乐演奏、教学过程中的艺术指导性作用也根本不会得到任何的体现。
2.教师钢琴伴奏能力较差。就当前教师方面而言，声乐教学课堂仍有许多年老的教师，由于受到学校资金问题等部分客观环境因素的影响，没有很好的掌握即兴伴奏方法与技巧。而今虽然具备了充分的条件去学习，但年龄较大，学习知识速度下降，从心理上产生了对方琴伴奏的排斥感，低估钢琴伴奏对声乐教学过程的作用。即使部分教师学习了部分钢琴弹奏技巧，但是“一指禅”弹奏方法并不能带给课堂活跃的生命力，学生的课堂学习效率也会因此低下，使学生在面对如此伴奏时，便已经丢失了对声乐的兴趣。
虽然现阶段学校在教学过程中对钢琴伴奏的应用并不是很理想，但仍有很多学校正确的运用了钢琴伴奏，充分将钢琴伴奏的艺术指导性作用体现出来，其取得的成效也是显而易见的。下面就该部分学校对钢琴伴奏的运用方面加以介绍。
声乐技巧教学。声乐技巧教学存在三大重点：一是气息教学，在该教学部分，钢琴的指导性作用得到了充分的体现。首先，钢琴伴奏下学生会更富有热情，钢琴伴奏通过节奏的变换有效地引导学生们体验嗓音、气息等完美的搭配，当二者的节奏达到同步时，就表明学生的自然气息状态得到了提升，气息训练的成效也得到充分的体现。这是一种帮助同学们检验学习成效，锻炼气息变化细节的有效途径。其二是共鸣教育，钢琴具备一种共鸣音色，学生可以在这种钢琴基音上进行共振，在课堂的演唱训练过程中又快又好地找到伴奏共鸣音，从学生的视听效果角度产生积极影响。利用钢琴伴奏使学生们掌握运用人体共鸣箱的有效办法，并使整个演奏过程中出现的音色与音调完美融合，从而使学生根据不同的曲目风格，即使转换不同的个人气息。其三是技巧训练，声乐技巧包括连音、挑音、噎音等，要求学生在表演时能够准确连贯的表现出来。例如，在连音训练中，即使有部分辅音加入，元音也必须保持连贯，方琴伴奏在帮助学生完成该训练过程中可以通过多声旋律弹奏的技巧，直接引导学生精确地完成连音训练。钢琴伴奏地融入可以提示学生及时转换演唱风格，帮助演唱者统一节奏、抒发情感，更加生动地传达出创作者所想要表达的情感。
2.即兴钢琴伴奏。即兴伴奏指的是伴奏者在没有钢琴伴奏谱的情况下，要求其即兴为演唱者提供助力、渲染氛围的一种伴奏形式。这要求伴奏者对音乐理解程度、熟悉程度高，声乐教师要充分接触各种曲式、曲调以及声学，对其把握要达到较高境界，即兴钢琴伴奏的进行以及优势才能得到更好的体现。即兴演奏可以代替语言说教传达出教师突然产生的灵感或者学生存在的问题，含蓄的传达方式又能够锻炼学生发现错误、把握音乐节奏与旋律的能力，从而引导学生学会自发性纠错。教师在对低年级学生进行声乐伴奏指导过程中，应当选择比较直白的曲目，着力表现该曲目的旋律，并根据该曲目的节奏与力度进行即兴创作，举一反三、当堂检验，以引导学生准确流利地演唱。
3.声乐表演教学。钢琴伴奏以其独特的艺术表现手法，可以在声乐表演过程中辅助学生展现乐曲的特点，突出作者想要表达的情绪。首先，对于即将登上舞台表演的同学而言，加入钢琴伴奏能够帮助表演者放松自己紧张的情绪，快速进入应有的状态，并且对表演者的形体表现技巧也有一定的指导，使其更好的利用个人姿态、手势等为表演增光添彩。可以培养学生个人心理素质有着良好的作用；其次，在表演训练中加入钢琴伴奏，可以让学生们根据曲谱进行表演，兼顾自身发音与音乐节奏的呼应，使之具有更好的协调性，给予了学生们二度创作的机会；最后，表演元素中添加钢琴伴奏，使演唱者的表演更加丰满，能够丰富观众的直观感受，帮助观众理解作者的创作情感，声乐表演的质量与效果也就得到了充分发挥。
不同的学生拥有不同的嗓音，其对音乐的把握、运用也会有较大的差异，对于人数较多的大型声乐课堂，教师很难顾及到每个学生，而钢琴伴奏的运用能够很好的解决这个问题，多种不同的音符、音色与音量等可以满足大部分学生的学习需要。在教学中，钢琴可以很好地引导学生们理解和把握作品，在学生训练过程中起到指导性作用。科学合理的利用该方法，能够帮助学生们创造更好的学习条件，锻炼更扎实的音乐技巧。
声乐钢琴伴奏体会篇十
作为一种音乐形式，钢琴伴奏一直被认为是演唱表演中不可或缺的一部分。对于大学生而言，学习钢琴伴奏不仅可以增加个人音乐素养，提升自身技能水平，还可以为广大文艺类社团提供更加完美的演出音乐配合。在此背景下，大学生们学习钢琴伴奏意义重大，也被证明是一项有益于个人发展的活动。
对于钢琴伴奏而言，技巧在实践中占有重要的地位。在演奏中，大学生需要掌握基础的乐理知识与钢琴演奏技巧，并且要能够独立地进行钢琴演奏，同时享受良好的节奏感和对旋律的理解。这不仅需要学生有一定的音乐天赋，还需要多次实践演奏，逐渐掌握不同的技巧与方法。
尽管在多次演奏实践中，学生们可以逐渐掌握演奏技巧，但在实践中仍然可能会面临许多挑战。钢琴伴奏作为表演音乐的一种形式，学生演奏不仅需要注意音乐表现与技巧，同时需要与主唱进行默契配合，保证演出的美感与完美度。因此，学生们在学习过程中要不断尝试，多次实践，逐渐克服面临的各种挑战。
在学习大学生钢琴伴奏的过程中，学生们要学会认识自身，在实践中不断提高自己的能力。同时，学生们要学会针对不同的演出类型和配乐进行不同的处理，在演出中逐渐提升音乐的表现力。在此过程中，学生还可以加入钢琴伴奏小组，与其他成员一起合作演奏或是参加比赛，充分展示自己的才华。
第五段：总结。
总的来说，大学生钢琴伴奏是一项有益于个人发展的音乐活动。学习钢琴伴奏不仅能够提升学生的音乐素养，还能为学生提供丰富的文艺活动体验。在学习过程中，学生应该注重积累经验，多次实践，并在实践中不断克服各种挑战，逐渐提高自己的音乐表现力和技能水平。
声乐钢琴伴奏体会篇十一
（一）古代民族声乐
秦汉之后，为提高声乐的艺术美感，“歌”与“舞”的结合，将民族声乐艺术带入了全新的发展环境，其艺术思想内容也发生了本质上的转变，歌颂帝王将相、传唱爱情、弘扬爱国，大型歌舞依附于多元的艺术思想，成功跻身艺术主流行列。随后，唐诗宋词，将戏曲、诗词曲很好的融入到了声乐艺术中，这是声乐艺术最为鼎盛的时期，无论是民歌、说唱，还是歌舞、戏曲，其发展形态越来越全面，直至明清阶段，民族声乐在历史发展中不断的扩充、完善。
（二）现代民族声乐
进入20世纪，西方声乐开始引入中国，对中华民族声乐造成了强有力的冲击，西方艺术文化、思想快速侵入传统民族声乐，从演唱方法到发音技巧，从乐曲创作到表现形式，在现代民族声乐中，到处皆可见到西洋声乐的影子。
1.多元化
在网络信息技术的推动下，声乐艺术家们接触到的艺术信息更加多元，他们在创作声乐作品时，其思维方式和动机都会发生多元改变，如多民族文化融合、艺术融合、艺术表现形式融合。多元化的艺术信息可以为声乐艺术家提供源源不断的先进信息。
2.个性化
发音技巧、音乐创作内容不同，民族声乐的表现形态则不同，由此可见，每个民族声乐作品都是一个独立的整体，它经多元素文化填充，便可以形成特殊艺术，绽放个性风采。从艺术欣赏角度，日益挑剔的人们对民族声乐的欣赏需求越来越高，所以艺术家们纷纷选择利用声乐作品的个性化元素，博得眼球，抢占艺术高位。这也可以证明，民族声乐的个性化发展已经成为了一种趋势，也是民族声乐发展的一大优势性选择。
（一）“字正腔圆”的突出地位
所谓“字正腔圆”是古代歌唱艺术最基本的表演规则，“字正”，演唱者每个字的吐字发音必须清楚、干脆，每个字都是一个独立的单位，不能相互交叉，交互影响。同时，词语发声应具有艺术表现力，其中最为突出的理念便是“收声归韵”，要求字头、字腹和字尾的演唱表现必须连贯；“腔圆”，演唱者必须使用“圆腔”发声，字音的律动应当用柔情处理，字与音的相互融合，如同乐曲的脊梁一样，是支撑情感、艺术文化的基础框架。因此，“字正”与“腔圆”是民族声乐的基本审美标准，任何时代都不会改变。
（二）以“情感”为艺术主题
“情感”对审美思想的影响作用是巨大的，占据核心地位。从思想角度上分析，民族声乐代表着一个民族的艺术精髓，本民族人将生活感悟、精神文明融入到乐曲中，形成“讲述声音”，利用发声、演唱技巧，将乐曲情感表达出来。从技巧角度上分析，情感是没有技术可言的，歌唱技巧的好与坏，与乐曲情感表达是不存在直接联系的，所以传统意义上的审美标准，“字正腔圆”在情感审美上并不适用。因此，可以将情感看做是乐曲的灵魂，是支撑乐曲的重要生命力。现代艺术社会，人们对民族声乐情感的表达更为重视，把他当做核心审美标准，与“字正腔圆”一起，形成双向审美机制。
（三）强调音色的艺术表现力
在声乐艺术发展的过程中，声乐音色的多元变化从未停止，民族声乐与不同乐器的融合，给声乐作品在音色创造、发展提供了广阔的空间。除用乐器修饰音色之外，演唱者利用演唱技巧，也可以使声乐作品发挥出难以比拟的情感作用。从审美角度看，音色是审美的基础，是声乐作品表达情感的基石，是发挥声乐艺术感染力的必然手段，因此，演唱方法、嗓音状态、音色处理等声乐元素，对增强声乐音色的独特性，起到了至关重要的作用。
通过上文对民族声乐历史发展进程、特点、审美取向等内容进行系统分析可知，声乐审美取向的变迁，是鉴证声乐多元化、个性化发展的凭证。在原生态音乐、现代音乐、古典音乐、传统音乐多元文化思想的影响下，民族声乐的发展渠道会更加多样，其审美标准也会一在放宽规格化、固有化的内容，突显富有创造力、思想性艺术美感的内容价值。
声乐钢琴伴奏体会篇十二
在声乐演唱中，钢琴为其伴奏是一种常见的艺术形式，钢琴伴奏是整个歌唱艺术里不可或缺的一个组成部分。声乐演唱和钢琴伴奏在风格情绪，艺术细节的处理，还有他们的表演境界完全统一一致的，两者在统一，和谐的配合下，才能取得整个表演的成功。要做到如此完整的配合，也就需要对钢琴伴奏者和声乐演唱具有一定的要求，钢琴伴奏者要具有扎实的演奏技能，要能够深入的了解作品所要表达的内涵，而声乐演唱者也要有具有基本的歌唱唱技巧的表现能力，能够掌握住整首作品的精髓，表达的情感。所以，一首完整的声乐表演，要靠两个人的共同努力和相互配合，才能达到一个琴瑟共鸣的境界。
1.1 烘托渲染音乐作品的情绪
在声乐演唱的过程中，钢琴伴奏是不可或缺的，但是钢琴不只是单单的伴奏，更多的是与声乐作品的默契配合，深化作品表达的情感，塑造鲜活鲜明的的艺术形象，也就成为声乐演唱中不可缺少的一部分了。并且钢琴伴奏还是整首声乐作品抒情的基础，贯穿于整首声乐作品之中。为声乐演唱烘托出气氛背景，塑造声乐作品中的形象，刻画曲子中的内心情感。通过自然的演奏，把整首声乐作品的情绪和氛围带给演唱者，把演唱者带入到特定的音乐环境中去，在丰富的音乐氛围里，展开声乐作品的情感，是演唱者更加投入，深刻的表现出声乐作品的音乐艺术形象，给予观众以美的享受。
1.2 对声乐演唱者的指导
一个优秀的钢琴伴奏者在声乐发音技巧、音准、节奏、呼吸、咬字等方面给予基本的指导，并且能够在作品的风格，历史文化背景做出客观的判断，进行客观的伴奏，对演唱者也可以进行这方面的指导和帮助。如果要想整场的声乐演唱表演成为一场听觉盛宴，就要求演唱者不仅要了解整首作品表达的情感，还要掌握整首作品的风格，选择合适的演唱表演的技巧，将音乐与情感还有文学巧妙地结合在一起，融在一起。并且还需要准确的听觉，因为声乐演唱者不仅要听自己的演唱，还要听钢琴的伴奏，要从头到尾配合默契、保持如一，才能更好的深刻的表达出该声乐作品的情感内涵，以达到更好的表演效果，使其成为一场极其丰盛的听觉的视觉的盛宴。
钢琴伴奏和声乐演唱是一种相铺相成的关系，两者缺一不可，钢琴伴奏为声乐作品的情感内涵及其风格进行演绎，给演唱者烘托了背景气氛，从而使演唱者能够更好的处理作品的情感和选择合适的技巧。
2.1 钢琴伴奏与声乐演唱者气息的配合
在一首作品进行声乐演唱的过程中，每一个乐句或者在气口的地方都会进行换气，一个优秀的演唱者在换气时有着巧妙的技巧，可以把换气口处理的非常好，是整首声乐作品，让大家听起来非常的流畅，优美。这时候，钢琴伴奏一定要配合好演唱者的气息，把整首作品的高低起伏和气息的连贯性给表达出来，不能仅仅只管弹自己的，各管各的，脱离了演唱者演唱。一定要留心观察演唱者气息的规律，伴奏和声乐演唱者要多加协调配合，以达到伴奏和声乐演唱为一体的表演效果，只有钢琴伴奏和声乐演唱相互配合、共同协作、相互交融，才能做到乐句清晰、伴奏稳定、协调流畅。
2.2 钢琴伴奏与声乐演唱节奏的配合
节奏是音乐的灵魂，它以一种秩序的形式存在。在伴奏和声乐演唱的过程中，根据作品的转化，钢琴伴奏也进行了相对的改变，特别是节奏方面，用节奏、音色的转变作品的情绪及风格，引导听众进入到不一样的情绪氛围中，也引导了演唱者情感，更加深刻的投入进去，为后面做好了铺垫，从而奠定了基础。在一段旋律过后，会有一个间奏，通过这个间奏进行调整，作品情绪情感的转变，演唱者也可以进行调整，酝酿一下接下来的情绪。对节奏的准确把握使作品的情感得到了升华，给大家美的享受。
2.3 钢琴伴奏和声乐演唱者音量效果的配合
钢琴伴奏作为声乐演唱的合作者，对整体的效果的影响是非常大的，是显而易见的。当你为一个声乐演唱者伴奏时，一定要注意伴奏的音量和声乐演唱者的音量是否融洽。有一些演唱者是属于大号的声音，如大号的女高音，当这些大号的声音在演唱时，钢琴伴奏的音量就不要太小，要让演唱者以及听众能够听到伴奏的旋律，从而给演唱者一种带动的作用。但是如果声乐演唱者的声音比较小号，轻巧一点的，那么伴奏的声音就不要过于强烈，导致的结果是喧宾夺主，听不到演唱者的声音。在声乐作品前面的叙述部分，伴奏的声音效果也不要太强烈，到中间高潮部分或者情绪比较激动的部分，伴奏的声音效果可以放出来，音量就要突出来，烘托渲染了气氛，调动演唱者的情绪。所以，钢琴在进行伴奏的过程中，一定要注意好音量的控制，要注意与声乐演唱者的融合，这样才能更加完美的诠释整首声乐作品所要表达的情感内涵。
2.4 钢琴伴奏与其作品旋律的配合
一首声乐作品都有它的叙述部分、高潮部分以及结尾部分，如果要使整场表演得到更好的效果，伴奏就要掌握了解整首歌曲的结构，要知道它的叙述部分，高潮部分等分别在哪些地方。在叙述部分，钢琴伴奏就要谈得连贯柔和通畅，当到达整首声乐作品的高潮部分就渐渐地把气势给推上来，把整首作品推向高潮，调动起演唱者的情感。在推动高潮部分的时候可以进行一些演奏技巧，比如半音阶进行，或者反向音阶的进行，或者改变和弦、色彩、或者进行琶音震音等一些手法，以加强高潮部分的情绪和氛围。例如歌曲《我和我的祖国》就运用了反向音阶进行的手法，向整首的高潮部分进行推进，提高了声乐演唱者的情绪，表现出演唱者对祖国的歌颂和热爱之情，表达了该作品中的爱国情怀，力度和气势不断的增长上升，使得其情绪高亢兴奋，激昂。
总之，钢琴伴奏与声乐演唱是一个有机的整体，两者是相互依存、相互配合、缺一不可。想要更好的诠释一首声乐作品，伴奏和声乐演唱必须要默契的配合，注意细节方面的处理，伴奏者和演唱者多沟通磨合，相互交融，在不断的磨合中，展现出一个更加完整，完美的艺术作品。
声乐钢琴伴奏体会篇十三
摘要：民族声乐是中华民族的瑰宝，不仅可以让人感受到民族音乐的无穷魅力，更可以让人感受到来自声乐与内心的情感的共鸣。在民族声乐的表演过程中，声音的作用是最为关键的，声音的表现力决定了民族声乐的情感传达和信息传递的质量。
要想对民族声乐中的声音表现力进行细致的分析和探究，首先就要对民族声乐的概况进行一定的了解。
（一）民族声乐的概念。
关于中华民族声乐的概念在不同学者的著作中存在不同的观点，目前在业界认可最广的概念是：中国的民族声乐是以目前我国音乐院校中民族声乐专为代表的，与民歌、说唱、戏曲的演唱不一样的是在担任并发扬了这些传统演唱艺术精华与特点的根本上，鉴戒了西欧的美声唱法歌唱理论和特点而形成的独树一帜的，并且有科学性、民族性、艺术性和时代精神特性的新民族歌唱艺术。
（二）民族声乐的特点。
我国民族声乐具备了声和情这两大特色。从“声”的方面看，演唱者需要通过一定的科学发声方法，让自己的声音与歌曲的情感相融合。从“情”的方面看，民族声乐作品最主要的目的就是要通过声乐作品来表达情感，因此在进行民族声乐演唱的过程之中，这些演唱者们不仅仅需要对歌曲的曲调和曲式进行很好的把握，还需要结合歌曲的背景来表达歌曲的情感。
（三）民族声乐的发展历程。
早在我国文明发源之初，劳动人民通过唱歌的方法来增添劳动过程中的乐趣。随着时间流逝，早期歌曲不断发展，最终形成了我国的民族声乐。二十世纪，出现了以萧友梅、赵元任等为代表的一批音乐家，他们将我国传统民族声乐题材与国外一些先进音乐理论进行融合，创造出新的民族声乐作品，并将我国民族声乐作品推向国际化。解放后，音乐创作者们作出一批积极向上的优秀歌曲，如朱践耳的《唱支山歌给党听》等。随着民族声乐发展，还出现了一批深受人民群众喜爱的民族歌唱家，如王昆、郭兰英等。中华民族声乐经过不停的发展，二十世纪中后期更加繁荣，在民族声乐创作上做出突出贡献的作曲家有谷建芬、徐沛东等。
（一）对于歌曲情感表达的作用。
民族声乐作品最重要的目的是以情动人，在我国的民族声乐作品中，随处可见与“情”相关的作品，如爱情、亲情、友情、师生情，这些情感才是民族声乐作品中最为精华的部分，而对于这些情感的表达就是通过声音来完成的。
（二）对于歌曲语言表达的作用。
声乐作品的表现力不仅是通过其作曲体现出来的，声乐作品中的歌词对于其表现力的增强作用同样也非常明显。不一样的声音对于语言的展现能力是不一样的，给人带来的情感体验也不尽相同。
（一）地方民歌。
我国的远古人民在劳动的过程中进行歌唱，让劳动的效率得到提升并减少了劳作时的苦闷和劳累。而这些劳动歌曲随之时间流逝形成了如今的民族声乐作品。不同地方的民歌演唱差异很大，这与当地的地缘因素和历史文化因素有很大关系，有的粗犷豪放，有的温柔细腻。例如我国陕西地区的民歌《信天游》豪放、嘹亮、高亢。而我国著名的民族声乐作品《刘三姐》则需用细腻甜美的声音去进行演绎。
（二）民族歌剧。
我国的民族歌剧是我国的民族声乐中十分重要的构成部分，民族歌剧在中国已经经过了近百年的成长历程，由于民族的歌剧一般具备很强的戏剧性，因此必须通过声音的不同表现将故事情节的转变以及人物情感的转变进行有力的表达。
（三）新时期的民族声乐作品。
在新时期，我国的民族声乐获得了更多的弥补和成长，作曲家们创作出了一些具备时代特征的民族声乐作品，其艺术表现力是前所未有的，而这样的艺术表现力同样需要声音去进行演绎，由于大部分作品额内容都是与国家的繁荣和民族的昌盛有关，因此需要嘹亮高亢的声音进行表达。
（一）具备良好的音质。
在民族声乐作品中声音表现力的根本是良好的音质。不同的声乐作品要求用不同的音质去表达。每一个人的音质都存在着差异，虽然演唱者可以通过后天的训练控制自己的音质，但是这与先天音质仍然存在一定的差异。我国的民族声乐作品的演唱过程中，演唱者的音质一般需做到圆润、有穿透力，这样才能以最佳的声音状态表现歌曲。
（二）具备充沛的感情。
民族声乐作品经常会通过不同民族特色乐器伴奏，让这些作品更具表现力及民族风，其实声音才是民族声乐作品中最为重要的乐器。要想在民族声乐作品的演唱中保持充沛的感情，首先演唱者要具备一颗感悟的心，体会民族声乐作品中所要表达的情绪和感情。其次，了解民族声乐作品的创作背景，否则会与作品的本意要大相径庭。
民族声乐作品的演绎是离不开声乐的表现力，在对民族声乐作品的概念、发展历史以及特点进行分析之后就可以发现，在民族声乐作品中达到感情与声音的融合是其具备表现力的关键。在我国不同民族声乐形式中，声音的表现力都是极其重要的。声音的表现力不仅需要良好的音质，更需要在声音中加入思想与情感的融合，才能使得我国民族声乐作品中的声音表现的完整。
声乐钢琴伴奏体会篇十四
【摘要】在声乐表演过程当中，表演者往往重视发音的技巧以及歌唱技能，而忽略了一个重要的问题，即心理素质。演唱者的实际心理素质在很大程度上影响了声乐表演的水平，影响整个表演的实际效果。良好的心理素质可以说是保证声乐演唱水平的一个主要因素，应当作为声乐学习的一个重要组成部分。因此本文重点探究心理素质与演唱之间的关系，分析声乐表演当中所需要的心理素质，提出培养演唱者良好心理素质的途径。
【关键词】声乐演唱；心理素质；培养途径
一、心理素质与演唱的关系
通过对相关文献资料搜集整理发现，当前国内外有很多专家学者都对心理素质做了深入研究。所谓的心理素质，指的是人的大脑在反映客观现实的过程中，神经系统和感知器官对一个客观现实的应变能力。结合这个定义可以看出，影响心理素质的因素包括主观机能以及客观现实。从实践的角度来看，一名优秀的歌唱者往往具备更加积极的心理素质，例如，在专业声乐考试的考场当中，有些考生表现得潇洒大气，声音自然而有力，身体松弛，气息流动，声情并茂。但是也有一些考生在演唱过程中身体僵硬，声音颤抖十分明显，节奏混乱，甚至有部分考生对于自己的气息都无法很好掌控，更有甚者，在考试过程当中忘记歌词，这必然会影响考生的实际考试成绩。这些问题的出现，归根结底也就是考生个人的心理素质不过硬。其实每一位演唱者在舞台上都会感觉紧张，紧张的情绪往往会在很大程度上影响演唱者的演唱水平。而这种紧张的情绪可以分为两种，一种是适度的紧张情绪，它反而能够促使演唱者演唱水平的提高，甚至可以促使演唱者超水平发挥；另一种则是过度的紧张，这与个人的心理素质有关。结合我国当前的声乐专业教学来看，在教育过程中，教师往往更加重视培养学生的唱歌技巧，重点对于一些歌唱技巧方面进行训练，这样的一种教学模式，在很大程度上忽略了心理素质的培养。在实践当中也可以看出，有些学生明明具备较高水平的演唱技巧，也具备一名优秀歌唱者基本的技能和素质，但是在演唱过程中却发挥不出原有的水平。所以在歌唱表演当中，良好的心理素质是必不可少的。
二、影响声乐表演的心理要素
（一）个人情绪的影响。一般来说，个人的情绪在受到外界刺激之后，如果其心理反应是更加积极的，那么就会以积极的态度去对待周边的事物。反之，如果个人在受到外界的'刺激之后产生了一些消极的情绪，其心理反应是消极的，就会感到悲痛、烦躁、愤怒以及厌恶。如果歌唱者心情欢乐，加上科学的表演技巧，那么他（她）就能够很好地完成演出。相反，如果歌唱者在表演过程中出现消极的心理反应，产生对舞台、对观众的恐惧感，那么，就算具备再高的演唱技巧，也无法发挥出来。从音乐作品的角度来看，任何一首作品都能够触发人们积极的情感，从而使得个人获得良好的心理状态以及信心。但是仅仅只有音乐作品还远远不够，因为在声乐演唱过程中，各种突发状况会随时发生，歌唱者也无法排除由于各种因素所导致的紧张情绪。比如在不同的环境下，表演者虽然对某些歌曲十分熟悉，但是无法在舞台上发挥真实水平，从而使观众无法走进歌唱者的音乐世界。
（二）性格的影响。每个人的性格都各不相同，这也决定了人们有不同的行为方式。在一场音乐会中，有的演唱者上台之后身体放松、气息流畅、大胆且收放自如，而有的演唱者在演唱过程中会遇到诸多问题，面临复杂的舞台环境以及观众，使得他们出现怯场、畏惧的心理。但是不同性格的演唱者出现这种情况后，其表现是不同的。一般来说，性格相对外向的，他们对于自身非常有自信，在舞台上很容易与观众互动，并且能够很好地带动观众的情绪，表现得游刃有余；性格相对内向的，个人的主观思维太过僵硬，导致他们在上台表演时很难与观众进行互动，所取得的实际演唱效果不是十分理想。
（三）个人意识。个人意识对歌唱者的影响也是十分明显的，在演唱过程中，存在着大脑对动作有意识控制与潜意识控制的心理活动。这两种不同的心理活动是相互作用且相互影响的。表演者在唱歌过程中，大脑会将理想的唱歌状态转化成为一个表象，并且逐步形成心理暗示，这就促使歌唱者努力对自己的发音器官进行调节，通过这种方式来达到最佳的演唱效果。如果仅凭个人意识去控制自己的行为还远远不够，因为面对复杂的舞台情况，很多歌唱者会遇到各种各样的突发状况，会打乱歌唱者的节奏，影响歌唱者的个人意识。在这个时候，如果歌唱者心理素质不佳，那么最终其表演无法达到既定效果，这对于演唱者个人的发展是极为不利的。所以在日常练习过程中不仅仅要有意识地控制自己的发声，还需要培养个人潜意识的思维能力。
三、培养演唱者心理素质的途径
（一）培养自信心。对于演唱者自信心的培养，应当是整个声乐教学当中的重点。因为声乐教学从本质上来看，是一个相对比较枯燥乏味的过程，歌唱者在学习的不同阶段都会表现出不同的状态，对声乐都会有不同的认知，对音乐也都会有不同的体会。一般来说，歌唱者具备较强的自信心，能够在表演的时候产生更加积极的心理反应，效果也就更加良好。但是在不同的学习阶段培养的内容是不同的，比如有的学生在一开始学习声乐的过程中，对音乐比较感兴趣，也对自己的声音比较自信，但是经过一段长时间的学习之后，学生会发现自己在学习当中所暴露的问题越来越多，比如发声不对、无法控制气息等，在这样的条件下，学生个人的自信心也就会逐步遭受打击，读声乐专业的学生对于自己的歌声越来越不自信。而这个时候，就需要教师对学生进行全方位的辅导，重新帮助学生树立起自信心。其实从本质上来看，声乐专业的学生在歌唱方面比其他非专业的学生拥有更大的优势，他们自身所认为的毛病和不足，在一些非专业的学生看来并不是太大的问题，但是如果忽略了这些不足，那么学生在后续的发展中必然会遇到更大的困难。而面对这样的问题，学生应当调整好心态，要理智去看待这些问题，要相信自己不怕困难，不怕挫折，这样一来，对于声乐的学习，也就会慢慢自信起来，将自己的毛病和错误一一改正，从而逐步融入到更深层次的学习中，将来在舞台上表演才能够更加游刃有余。
（二）选择合适的歌曲。每一位歌唱者的声音都会有所不同，歌唱者的技巧水平也有所不同，所发出的声音也会存在着一定程度的差异。比如有一些歌唱者其声音高亢而明亮，或者圆润而甜美，所以像这种类型的歌唱者就应当选择一些民歌来进行演唱，这样的嗓音十分适合演唱民歌，通过演唱这些歌曲，他们会对于自己的声音越来越自信，也会对于自己的未来越来越坚定。还有一些歌唱者，嗓音特点是深沉宽广，所以就应当以美声唱法为主。每一位不同嗓音的歌唱者，都有适合自己的歌曲，在学习的过程中就有一个更加清晰的目标，而且能够搜集相应的歌曲资料，通过分析研究歌曲的创作背景，更加清晰了解歌曲所要表达的思想情感，通过这样的方式，才能够对整个歌词有更加深层次的理解，从而在演唱过程中表现得更加良好。
（三）提高演唱技巧。要尝试进一步提升演唱技巧。中国有句古话叫做“艺高人胆大”，也就是说，只有技术过硬，人才会更加对自己有信心。任何一位歌唱者的成功都不是偶然的，他们在音乐上也下了很多功夫和心血，也是通过不断学习，不断改正自己的发声习惯，才能够取得一定的成就。而为了不断突破、不断超越，这些歌唱者从来不会停下自己的脚步，一直都在学习，只有这样，自身的整体水平才能够提高。而伴随着演唱技巧的提高，他们自然能够挑战一些高难度的歌曲，能够有信心将自己最完美的歌声传达给观众。胸有成竹的歌唱者在舞台上才能够表现得更加自然，而且游刃有余，演唱技巧的提高也使得他们能够更加自信，更加坚定自己所走的道路。
（四）多参加实践。经常参加实践活动能够帮助歌唱者获取更多的演唱经验，让他们看到诸多不同的现场情况，这样一来，舞台经验丰富了，也就知道如何应对突发情况了，这对于歌唱者整体水平的提高起到十分重要的作用。实践是检验真理的唯一标准，歌唱者只有多次的实践，才能够清楚自己的不足，对于自己的不足进行改善才能够进一步走向成功。作为一名合格的歌唱者，如果没有舞台，那么就永远不会成长，而歌唱者提升自己最好的方式，也就是通过舞台、通过舞台演出来获取更多的经验，学到更多的知识，更好地提升自己的歌唱水平。
四、结语
声乐演唱与个人的心理素质是相互关联的，个人心理素质的好坏，将直接影响声乐演唱的效果，作为歌唱者在演唱过程中，需要清楚认知到心理素质的重要性及重要作用，在日常学习和实践的过程中，更多地重视培养自己积极的心理素质，这样才能够成为一名优秀的歌唱者。
声乐钢琴伴奏体会篇十五
钢琴有着很强的艺术表演力，被称之为乐器之王，著有音域宽广、和声丰富、表现力丰富等艺术特点，在声乐演唱中，钢琴伴奏不仅承担着表达音乐作品的内涵，而且起到烘托演唱者情感表达的作用。
因此，钢琴伴奏者要有较高的音乐素养和专业技能，才能和演唱者共同创造音乐作品的艺术魅力。
在声乐演唱中，虽然是以演唱者为主，但钢琴伴奏也非常重要，它不但可以渲染音乐气氛，加深主题、意境、背景等的渲染，塑造音乐形象，还可以让演唱者的情绪得到过渡、转化，提高对音乐作品的理解和感受，提升演唱者对音乐作品的表现能力。
声乐演唱和钢琴伴奏的平衡关系，“是指在某种特定情况下，两种事物互相融合、互相弥补、互相磨合，最终达到某种程度的共识与统一。”[1]钢琴自身具有较好的平衡性，这种平衡性基于演奏者扎实的基本功，左右手的相互协调、相互配合，确保了整个音乐旋律连贯、清晰、流畅。
钢琴的平衡理由，不仅仅表现在双手上，还在于声部与双手的平衡，各声部的主次是否清晰分明，更重要的在于与演奏者之间达成一种默契的配合。
在很多经典的中外声乐作品中，我们会发现音乐作品情感节奏的跌宕起伏、结构层次的疏密相间、音响力度的轻重强弱、音乐色彩的波澜起伏等，都完美阐释出音乐平衡的艺术之美。
如《我亲爱的》作品中，钢琴伴奏在前半部分的旋律是比较朴实宁静的;间奏过后，伴奏变为跳奏的柱式和弦，表达出主人公内心激动，怀揣小鹿砰砰跳的心情，与整个歌曲紧密地结合在一起，并配合歌曲的陈述、展开、高潮、结尾等，音乐的表现力不断地升华、丰富。
声乐演唱和钢琴伴奏的平衡关系更强调的是一种彼此的合作，以及钢琴伴奏的甘为“绿叶”的精神，钢琴伴奏从演唱者的整体风格出发，来完善整部作品的各个环节，烘托整体音乐气氛，提高作品的现场感染力。
声乐演唱与钢琴伴奏虽然在音乐作品内容诠释方面是相通的，但二者在表现形式还是有很大的不同，作为乐器之王的钢琴，有其独特的艺术特点。
钢琴不仅可以单独演奏，而且因其具有强大的融合性而成为了交响乐队首要合作的乐器。
现代钢琴基本上是由88个琴键构成，钢琴音域中包含了乐音中的最高音和最低音，而管乐器、弦乐器、唢呐、号等乐器基本上只有五个八度和两个半八度的音域，这些乐器无法表达出所有的音域，而钢琴演奏却可以实现。
因此，钢琴有着音域广和多音性的特点，在声乐演唱中，无论什么样的情绪和感情，钢琴都可以与之配合，深受演唱者和作曲家的喜爱，而且现代很多声乐演唱都离不开钢琴伴奏，钢琴伴奏大量的运用也使得其演奏越来越具有韵味。
和声是声乐演唱中经常使用的一种艺术手段，而且被频繁地使用，主要是指各种不同的声音根据一定的组织规律同时发出，形成多声部的高组织形态的声音构成。
[2]但是，和声这一声音构成并不是所有的乐器都可以完美地演奏，如管乐器无法在同一件乐器上演奏和声，弦乐器最多也只能演奏出两个音，但是钢琴就不一样了，它可以同时演奏出十多种音。
钢琴伴奏在和声方面有着巨大的优势，从而也就更加契合声乐演唱的需要。
三、钢琴伴奏的.专业要求。
声乐演唱者要想成功地诠释音乐作品内涵和情感，钢琴伴奏者必须要了作品的背景、风格、意境等，演唱者与伴奏者要共同研究作品内容、表现手法，从而构成一个高度的艺术化结合。
因此，作为一名合格的钢琴伴奏者，必须具备扎实的演奏技巧和深厚的理论基础等专业要求。
(一)扎实的演奏技巧。
钢琴演奏技巧不仅仅是指演奏者能弹得很快、很响等表面的形式，更重要的在于包括触键和音色的方面的技巧，能演奏出最丰富的音色变化。
钢琴伴奏的音色制约比独奏者要求更高，它除了要有音色制约的基本内容外，还要有自己的独特的要求。
钢琴独奏的音色是根据音乐表现和演奏者个人心境、情绪、情感，通过双手表达出来的;而钢琴伴奏音色是根据歌曲的情感和基调，和演唱者的所要表达的思想内容，来决定音色的沉重、轻柔、舒缓等。
拿舒伯特的歌曲《鳟鱼》来说，作曲家以愉快的基调，生动地描绘了清澈见底的溪水中鳟鱼自由自在的快乐形象，后来鳟鱼被猎人捕捉了，钢琴演奏一边要用多变的音色表达作曲家对鳟鱼命运的同情和惋惜;一边又要让听众们感受到鱼儿在溪水中嬉戏快乐的样子，因此要求钢琴伴奏者右手的全曲的密集音符，要弹奏得轻快、流畅而清晰，左手的连音与断奏完美地的结合，如果没有扎实的基本技术功底，根本无法真正的完成。
(二)深厚的理论基础。
钢琴伴奏者除了要有扎实的演奏技巧外，还应具备深厚的音乐基础理论知识，包括和声、曲式以及复调等相关的技术理论，掌握不同时期不同流派的著名作曲家、音乐风格等，学会分析音乐作品，比较不同版本音乐作品的不同，取长补短提高自己的音乐修养。
同时，钢琴伴奏者还要了解美学、社会文化等相关知识，能欣赏美术、设计等其他艺术门类的作品，丰富自己的艺术细胞;以及音乐美学、音乐史学等理论知识的积淀，了解作曲家的社会文化背景等，能帮助钢琴演奏者更好地把握音乐作品的主要思想。
因此，一位优秀的钢琴伴奏者，从某一个方面来讲，也是一位优秀色的音乐家，乐理方面的修养、音乐知识等方面可能比演唱者具有更深厚基础，我们知道，许多歌唱家在专业学习中注重圆润甜美的嗓音练习和歌唱技巧的训练，忽略了理论方面的学习，钢琴伴奏者甚至有时能充当演唱者的老师，帮助他们一起表达作品的情感和内涵。
参考文献：
[2]郑鄂.试论钢琴伴奏在声乐演唱中的作用[j].大舞台，，(02).
声乐钢琴伴奏体会篇十六
发声训练是歌唱发声的一种综合性基本技能训练，学习唱歌必须从最基本的发声训练开始。无论是美声唱法、民族唱法、通俗唱法还是原生态唱法，我们在学习歌唱曲目前都必须进行发声训练，只有掌握了科学的发声方法，才能为演唱曲目打下良好的基础。发声训练是声乐教学中非常重要的教学内容，也是声乐专业学生必须掌握的基本功。本文主要探讨大学声乐教学中发声训练的有效方法，以提高大学声乐专业学生的声乐能力。
大学声乐教学;发声训练;有效方法。
声乐是以人的声带为主，配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息，发出悦耳的、连续性、有节奏的声音。发声训练是声乐教学中非常重要的组成部分，进行发声训练的目的是为了更好的为演唱者与演唱作品服务。由于每个人的发声习惯、音色音域、嗓音条件都会有所差异，因此发声训练必须是有针对性的、有意识的训练。声乐学生在进行发声训练时要做到呼吸、发声及共鸣互相协调配合，以练就纯净而富有弹性的声音。但是发声训练并不是说只有长期坚持就能够达到理想的发音状态，而是要讲究发声练习的方法。我们只有掌握了科学的发声训练方法，并反复加强训练，才能用正确的发声位置进行歌唱，从而更好地演绎歌唱曲目。
2.1掌握正确的发声姿势。
掌握正确的发声姿势有助于歌唱者对气息的运用与共鸣腔的协调，因此，正确的发声姿势可在很大程度上提升总体的歌唱效果。在进行发声训练时，首先要学习正确的发声姿势，这是歌唱者声音通畅、纯净的关键，也是声乐教学中的基本内容。据调查发现，部分大学声乐专业学生过于注重声乐技巧而忽视了最基本的发声姿势练习，这不利于声乐学生发声能力与声乐演唱能力的提高，所以，在日常的声乐教学过程中应加强学生对发声姿势的练习。要想掌握正确的发声姿势，则必须学会科学、正确的站立姿态。所谓正确站立姿态，就是我们在演唱时身体自然直立，全身处于自然放松的状态，头部微抬保持在眼睛平视前方时稍高的位置，两肩自然下垂，胸部自然挺起，小腹微微内收。两脚一前一后稍分开，前脚着力，身体的重量平稳落在双脚上。面部表情与眼神要生动传神。在演唱过程中眼睛应稍稍张大一些，不要眯起眼眼睛虚着唱歌。歌唱时确保颈脖与后背、腰部在一条直线上，使得气息畅通无阻。演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，避免出现歪嘴、瞪眼等不良表现。因此，教师在开展声乐教学时，必须严格对学生的不良姿态进行纠正，积极引导学生培养正确、科学的发音姿势，养成良好的发音习惯。
2.2加强共鸣腔体训练。
共鸣腔体的运用对提升歌曲演唱效果有着至关重要的作用。教师在对学生进行共鸣腔体训练时应时刻关注学生的训练方法是否正确，一旦发现学生的训练方法错误或有偏差应及时引导与纠正。例如，在进行头腔共鸣训练时教师应注意观察学生的训练状态，避免学生过于追求音量的宏亮或音色的饱满而压低喉咙，造成喉部肌肉的损伤;再比如在进行胸腔共鸣训练的过程中，也会有部分学生不能完全掌握胸腔的张合技巧而出现肢体僵硬的现象。在训练时，教师应及时察觉学生容易出现错误的地方并及时给予正确的引导。此外，为了更好的训练学生腔体共鸣技巧的运用，教师可以让学生尝试通过打哈欠来感受口腔自然张开的状态，并且向学生详细讲解人体口腔自然张开时具有哪些特征，让学生通过反复练习与感悟来协调身体的各个腔体的张合状态，以确保气息能够在口腔、咽腔和鼻腔之间自由流动。“微笑训练法”也是进行共鸣腔体训练的有效方法，进行微笑训练有助于放松脸部肌肉，使得鼻腔自然扩张，下巴与喉头不会处于紧绷的状态，有利于声带的自然震动，从而将声音传送至口腔上颚再产生声音的共鸣。训练共鸣腔体运用的方法还有很多，教师应注重引导学生找到适合自己的方法，并督促学生反复加强训练，以提高自身声乐歌唱能力。
2.3进行咬字、吐字训练。
咬字、吐字训练也是大学声乐教学中的一个重要内容。掌握咬字、吐字技巧，除了是将字音准确清晰地传达给听众之外，更重要的是通过正确的咬字、吐字与歌唱发声有机结合起来，以达到“字正腔圆”与“字正腔纯”的目的，从而生动形象地传达歌曲的情感，使歌声更富有感染力。而咬不准字头，吐不准字腹，归不好字韵，是声乐专业学生中普遍存在的问题。在进行咬字、吐字训练时，声乐教师首先要让学生正确理解咬字和吐字的理论技巧，然后在引导学生学习正确的发音口型，口型的张合应该与字的声母、韵母的发音部位紧密结合。例如，韵母在演唱时要适当延长且要保持口型不变，否则会出现声音不清晰的现象。为了训练学生正确的歌唱口型，教师可以让学生带一面小镜子，边练习边看自己的口型，一旦发现口型错误便可及时纠正。此外，声乐教师还可以指导学生通过时胸廓慢慢向里收，此时膈肌上移，加快气体从胸腔径内通过朗读歌词来找到正确的发音方法，再让学生结合正确的发声的速度，将气体由肺部排出，进而完成呼气过程。此外，教师方法用高位置的半声或轻声演唱字少、母音变化不多的乐曲还要引导学生正确运用声乐呼吸技巧，以确保学生进行演唱或练声曲，以提高学生的咬字、吐字能力。在咬字、吐字训练时能够保持气息与乐曲的节奏一致。中，教师要注意对一些容易混淆的字音及地区方言进行单独3结束语的训练，以及时纠正学生不良的读音，从而获得最佳的演唱效综上所述，发声训练涉及到发声姿势、腔体共鸣、咬字吐果。字及声乐呼吸等方面，这些都对提高大学声乐教学的发声训。
2.4强化呼吸训练练水平有着重要的促进作用。
所以，教师应当在声乐教学中呼吸训练是声乐教学的重要组成部分，也是声乐演唱的加强对发声姿势、腔体共鸣、咬字吐字及声乐呼吸等方面的训基础与动力。呼吸除了是满足人体的生理功能需要之外，还练，引导学生掌握正确的发声方法，提高学生的声乐演唱能要满足声乐演唱的不同需要，根据演唱曲目的要求学生要学力。会调整不同的呼吸节奏，从而确保演唱时的气息能够饱满富有张力，从而使得歌声更具感染力。教师可以采用“胸腹式联合呼吸法”对学生进行呼吸训练。在训练过程中，教师要向学生明确进行呼吸训练的要领，让学生保持上半身处于自然放松的状态，协调呼吸群肌之间的运作，两肋微微舒展，腰部和上腹部自然放松挺立，胸部与肩部自然扩展，腰部往外膨胀，膈肌位置向下移动，将口腔慢慢打开，口腔与鼻腔同时打开吸气，从而顺利完成吸气过程。
声乐钢琴伴奏体会篇十七
：教师在对研究生进行音乐表演教育时，要重视提升课程创建的有效性，这样才可以对他们进行更高层面的专业教育，提升他们音乐表演的实力。钢琴伴奏，声乐是学生进行音乐学习的两个主要课程，在音乐教育中有着自身的功能和作用。本文主要是从二者进行合作的新型课程模式进行分析，对此项合作课程进行探究。认为通过二者进行合作可以提升学科交融力度，这样可以对研究生进行更加专业的潜能发挥，以此让音乐表演课程教育更加具有科学性和创新性。
让声乐与钢琴伴奏这两门课程进行合作，是一项音乐教育的创新举措，能够让两门学科实现更好的交融。可以增加音乐教师所开展课程教育的效率，对研究生所呈现的音乐潜能进行充分的激发，同时也能够对当前的音乐教学方式和内容进行创新改革。这对当前高校的音乐教育有着一定的推动作用，需要对此创新型报课程教育进行分析，以期可以对研究生进行更高水准的音乐表演教育。
在当前音乐教育形式下，钢琴伴奏与声乐是音乐专业的两项主要课程，都有着自己的教育作用。对两项课程教育情况进行分析可以发现，很多研究生不能在两项课程中同时取得优秀的成绩。这主要是因为很多研究生在进行声乐知识学习时，只是重视技巧的学习，而忽视钢琴伴奏在整体教育中所具有的功能，所以不太重视声乐演唱和钢琴伴奏之间的合作，没有对钢琴伴奏所具有的教育功能进行深度的挖掘，二者之间没有实现有效的合作。这样就导致研究生在进行艺术实践时，出现作品风格把握或者是表演形式存在分歧的问题，在艺术表演时出现失真问题。
（一）合作型教学的作用。
两大课程有着各自的教学特点，在对学生进行专业培养上也存在一定的区别。在钢琴教育课上融入歌唱教学，或者是在歌唱教学中重视钢琴伴奏的加入，可以让学生在学习理论知识的同时对乐曲节奏进行强烈的接触和感受。这样能够让学生更好的把握音乐作品所呈现的情感内涵，可以提升研究生在音乐表演学习中理论修养和表演实力。所以说在对研究生进行专业教育时，教师通过让钢琴和声乐进行合作，能够加深他们的专业能力，提升课程教育的有效性。
（二）举例分析。
例如，音乐教师在对研究生进行“绿袖子”这首乐曲讲解时，可以将学生科学划分成两个团队。第一个团队是用钢琴进行旋律的演奏，另一个团队则进行歌曲演唱。这样就可以让学生在进行歌曲演唱中对情感和节奏进行合理的把握，能够加深自己对该首歌曲情感认知，提升他们在钢琴演奏中所具有的综合实力。而对于进行钢琴演奏的研究生讲，在演奏过程中通过听同学进行歌曲的演唱，能够让他们对歌词内容进行深度的理解。这样就可以依据一首歌曲让学生在钢琴演奏的同时，能够对情感和作品内涵进行理解，以此让学科教育实现有效的融合。
音乐表演不仅是让研究生可以对歌曲进行技巧的演唱，也需要他们在多方面提升自己的音乐实力，这样才能够满足社会发展对音乐人才提出的能力要求。在对研究生进行音乐教育时，教师不能将课程思维固定在原有的教育理念上，而是需要依据社会对音乐人才的需求进行教育观念的转变。所以在对研究生进行音乐教育时，教师通过将两种课程模式进行融合可以让专业教学更加具有严谨的结构，激发他们在音乐学习中的创新意识，能够提升他们的学科能力。
（一）实施合作课程教育是符合专业人才需求的实施合作课程教育是符合专业人才需求的。当前，高校在对音乐专业研究生进行教育时，培养目标应该以应用型和创新型为主要定位，能够让研究生实现专业技能和综合素养的协调发展。通过让声乐和钢琴伴奏进行课程的融合，可以对传统的专业教学进行创新和变革，对研究生进行更高层面的专业教育。实现教育模式的突破性改变，以此提升专业教育的质量，这是符合当前社会发展对音乐专业人才所提出的要求。
（二）提升课程教育的质量此外通过让钢琴和声乐教育进行合作对，是对课程教育模式的一种创新，也可以提升音乐表演课程教育的质量。通过开设这种合作型的课程教育模式，是对以往教学模式的一种创新思考，能够让钢琴课程和音乐教育进行有效的融合。利用学科教育之间所具有的交叉性实现课程教育的互动，这样就可以对教师的授课方式和理念进行变革。以此让音乐教学实现课程教育的改革，对研究生进行更高层面的专业教育和技能指导，提升音乐教育的效果。
本文认为音乐教师在对研究生进行教育时，通过让钢琴和声乐进行合作可以提升学科交融力度，可以提升课程教育的有效性。教师开展钢琴和声乐合作的新型课程教育，能够激发他们的专业潜能，提升课程教育的质量。此外，开展钢琴和声乐合作的新型课程教育，也能够对教学方式和课程内容进行创新，以此对研究生进行高水准的音乐表演教育。
声乐钢琴伴奏体会篇十八
音乐中声与情的关系，在中国可谓由来已久。在歌唱艺术中，声与情是不可分割的艺术整体。“声”是音乐(尤其声乐)中最基本的要素，是表达情感的重要途径;“情”是声音的表达内核，在现今浮躁的社会中“情”显得尤为重要，同时真情流露的演唱方式也成为人们最为欢迎的表现手段。因此，只有达到声情并茂，才是真正的歌唱艺术。只有这样，歌唱者才能完整且完美地将词作者和曲作者想要表达的事物和情感表达出来，把心灵深处的情感传递到听众的内心。
一、以声传情。
(一)气息。
我们都知道，气息是歌唱发声的原动力，是声乐演唱的基础，其本身也是重要的音乐表情手段。演唱中强、弱、快、慢、欢乐和悲伤、幽默和愤怒等音乐和情绪的变化，与气息的正确运用和控制分不开，没有控制气息的正确方法和能力，就不能科学地发声，就无法唱好歌，好似小提琴没有弓子就无法演奏出美妙的声音一样。这便是正确运用气息的重要性。作为演唱者，我们要正确地运用呼吸，科学地处理声乐作品中声音的强弱关系，做好歌唱前的这一基础工作。
(二)发声。
我国现在的声乐大体分为两大唱法，一种是西洋的“美声唱法”，另一种是民族风格较强的“民族唱法”，近几年在国家重大声乐比赛的舞台上，还渐渐看到了一支新的队伍的出现，那就是“原生态唱法”。由于语言上的差别，无论是在气息和发声等方面，都存在着一定的差别。美声唱法十分讲究咬字吐字的清晰度，尤其是中国作品更是要求如此。而在一些作品具有非常鲜明的民族风格，若用纯粹的美声唱法来进行诠释，便失去了作品本身所应该有的特性，同时也让听众难以接受。所以，演唱者必须具备熟练掌握“美声唱法”和“民族唱法”的异同，同时针对不同风格的作品，并结合作品中沉淀出的意境，辅以自己的真情实感，才能将作品得以完美的诠释，引起听众的共鸣。由此可见，掌握熟练的发声方法对于一个演唱者来说是至关重要的，它关系到演唱者演唱技术水平的高低，甚至影响到歌唱者的歌唱寿命。
(三)咬字、吐字。
咬字与吐字，是发声时前后出现而又密不可分的两个步骤。咬字主要是指咬住字头，一般要求是字头咬得要准且紧。需要注意的是，咬字头既不能松散，也不能僵硬，要遵循自然的咬字原则。咬字是声母的形成，吐字是韵母出来时形成的一个点，咬字必须在吐字的基础上产生。吐字必须根据“四呼”的要求(“四呼”即开口呼、合口呼、齐齿呼和撮口呼)，将韵母各因素结合为一体，并保持一定的口形，尤其当一个字唱几个音时，要一直保持到该音的韵母到最后时刻。在诠释作品时，又不能片面地讲究咬字和吐字的原则。咬字、吐字的规律是表达声乐作品思想情感的一种方式，它的目的是更清晰有效地表达作品思想内容的实质。因此，演唱者应该养成良好的咬字和吐字习惯，这是完整表达声乐作品内容和情感的一个必要环节。
二、以情带声。
清代声乐理论家徐大椿在《乐府传声》中说到：“歌曲之法，不但声之宜讲，而得曲之情宜重。”这说明了歌唱中“声”与“情”的关系，强调了情在歌唱中的重要地位和作用。情感是人们对客观世界的一种特殊反映形式，是人们对于客观事物是否符合自己的需要而产生的体验。情感是歌唱艺术的精髓灵魂。每一首作品它所蕴含的内容、所要抒发的情感，都是需要通过一个主体——演唱者将自身融入到作品中，用自己的切身感受去将它演绎出来，演唱者的情感出来了，动人的声音必将油然而生。
(一)挖掘歌词内容。
每一首好的声乐作品，总要揭示一个主题，反映作者的内心感情，在选择一首音乐作品之前，首先要了解该作品产生的时代背景，挖掘歌词要表现的'真实内容。例如歌剧《原野》中女主人公“金子”的咏叹调《啊!我的虎子哥》中的歌词是这样的：“啊!我的虎子哥，你这野地里的鬼。这十天的日子，胜过一世!我又活了，我又活了活了，这活着的滋味，什么也不能比!”歌词虽然简短，但是充分表达了金子对虎子深深的情，一个“鬼”字，足以说明金子心中对虎子的爱之深、恨之切。这样的歌词如果只是通过演唱者乏味单调地演唱出来，便无法激起听众心中的涟漪，进而也达不到作曲家创作这部歌剧的预期效果。因此演唱者不仅要再现那些曲谱上原有的元素，更要深入挖掘那些无法记录、不易被表现的内在情感。作为每一个学习声乐演唱的同仁，我们都要清楚地知道：在声乐艺术表情的再创作中，时刻离不开对歌词的挖掘与主题的表现。
(二)培养艺术修养。
任何人的艺术修养都不是先天的，都是需要在艺术创作或艺术欣赏的实践中，逐步锻炼和培养的。各种艺术形式之间都存在有机的联系，只有广泛通晓各种艺术流派，才可能有比较有鉴别，才可能采各家之精华，培养起高尚的艺术情趣。由于每个人声音条件的差异、对音乐感悟能力的差异，使得他们对音乐作品在唱法和感情的处理上也产生了不同的差异。若要声情并茂地诠释一首声乐作品，不仅要具备扎实的演唱功底，还要有较高的艺术修养。除此之外，还有更好地人类文化的精华，任何音乐作品都是通过人物的情感表达来感染听众和观众的。我们国家有很多经常活跃在舞台上的著名歌唱家，例如阎维文、戴玉强、殷秀梅等等，他们嘹亮的嗓音、优美的举止和动人的感情不是一朝一夕就能习得，而是经历了漫长的时间、阅历的沉淀。只有不断的提高自身的艺术修养水平，才能将作品所要反映出的实质理解的更加透彻。
声乐钢琴伴奏体会篇十九
民族声乐艺术的“韵味美”具体从“文字、声音、感情”三个方面来体现，具体一点来说就是文字的表达、声音的表现以及感情的体现。一方面三者同时做好，才能完整表现出民族声乐艺术的“韵味”。而另一方面，一首民族歌曲的好坏也要通过字、音、情这三个重要的审美特征来评判。
汉族的语言表达讲究“字正腔圆”，民族声乐艺术的表达也同样重视“字正”。字的“韵味”体现在语言的规律和表达上，咬字清晰有力是传递歌词意思，表达感情的良好途径，而选择对的字也是正确表达意思的首要考虑。另外，歌词的语气、情态、语势等方面的处理和表现也能促进民族音乐的韵律表现，只有拥有深厚的文化修养的作词者才能创作出与音乐旋律相符合的歌词。中华文化博大精深使得文字的表现有着多种方法，也为民族音乐创作提供了巨大贡献。在民族声乐艺术进行表演时，如果观众只闻其声，不见其字，则根本无法完整理解演员要表现的意思和情感。而字的选择稍有偏差也会影响观众对整段歌词的理解，甚至会误导听众对整个歌曲的感情表达。如何用耳鼻口等发音器官发音是每个民族歌唱艺术家的必修课，而歌词的描述也是民族歌曲能否达到人人传唱水平的重要因素。因此，文字不仅是民族声乐的精华，也是民族声乐艺术的重要审美特征之一。
仅仅在文字上的完整表达并不能使民族歌曲受人喜爱，生活中往往一段好的曲子即使没有文字也会令人听之难忘。例如90年代全球畅销的金曲”myheartwillgoon”，其英文歌词并不是多数中国听众能够理解的，但是其旋律越感情却征服了一大批人，由此可见声音的“韵味”可以说是歌曲的灵魂。所谓音韵是通过文字发声的长短、婉转等技巧来控制和表现的，民族声乐中的技巧运用尤为丰富，最突出的特点是声音高亢、响亮的同时又不失优美。在民族声乐艺术中，讲究声音的发声技巧、共鸣、腔体等表现手段，这些手段是感情表达的有效方法。现代的一些歌厅的歌唱者，没有对歌唱技巧进行掌握练习，只一味追求民族声乐中的声音高亮，常常让听众感到声音刺耳和疲惫，不能把民族音乐的优美传达给听众。好的歌唱家拥有深厚的歌唱技巧，唱起歌来表情甜美，无论唱怎样的歌曲都带有自己的声音“韵味”，即能提升自身的音乐形象，也能和听众形成情感共鸣。由此可见，声韵是打动观众的不可或缺的因素，是民族声乐的最高审美特征。
作为一种情感艺术，感情是否投入自然可以成为评判民族声乐艺术的标准。唱歌讲究“声情并茂”，通过情感的表现可以为艺术家与听众建立起一个不分距离的沟通桥梁。一首歌曲是否受欢迎不仅仅因为其词曲的精妙，更因为其情感的表达，比如现在的一些选秀歌手往往唱歌无瑕疵却不能得到观众的喜爱，这种情况正是由于歌者过于重视比赛，无法体会歌曲创作者的情感表达，也无法将歌曲原本的情感的“韵味”带给听众。人类判定美是由于情感的波动，情感也就成为了民族音乐艺术审美的重要特征。而感情的体现也是艺术家自身修养的表现，通过感情的判断不仅仅可以对民族音乐进行审美，也可以对其演唱者的艺术修养进行衡量。生活中常常用“动人心魄”的词语来形容一首好的歌曲，正是因为其情感的“韵味”使人心动、情动，情感不仅仅是艺术的表达，更加是艺术的创作来源，只有充满情感的民族音乐演唱才能拥有巨大的音乐魅力。总之，情感的“韵味”是民族音乐创作的意义所在，魅力所在。
中华民族声乐艺术的“韵味美”是字韵、声韵、情韵的共同表现，字韵使得听众意动，声韵使得听众耳动，情韵使得听众心动。因此，字、声、情三者的协调融合，才能确保民族音乐的韵味之美。从“韵味”的角度对民族声乐艺术进行解读，一方面能够对民族声乐艺术的审美特征有着更好的认识，另一方面也可以为推动民族声乐艺术的发展做出贡献。
声乐钢琴伴奏体会篇二十
声乐演唱是广泛被大众接受和认可的艺术形式。它不仅有较强的感染力，而且还牵动着观(听)众的情感，并有多种风格的表演形式，可以满足观(听)众多元的审美情趣和情感的需要。声乐演唱是以人声作为载体，来表达声乐作品的内容、情感和风格等。音色、音高、音长和音强并称为音乐属性的四个要素。而声音的高低、音量的大小、音色的变化都会给观(听)众带来不同的情感体验。其中音色在声乐演唱中发挥着重要的作用，通过音色色彩的变化、形式多样的美学特质使得声乐表演更加的丰富，能够把作品表达得更加淋漓尽致，丝丝入扣，从而更能打动观众的心弦，更能震撼观(听)众内心深藏的情感。分析声乐演唱中的音色的美学特质，不但可以丰富我们对声乐演唱表现理论的认识，而且还将这种认识运用到声乐演唱实践中。
一、音色的基本内涵。
音色可以理解为声音的颜色，它是声音的重要属性之一。通过音色，可以将一个人的声音从其他人中辨别出来。声乐艺术不仅是以人的嗓音为乐器的演唱艺术，也是形成表演者独有特色的重要元素。总的来说，音色是独一无二的，所以声色也是一个人独有的个性特质。
既然我们知道，每个人的嗓音都有着独一无二的音色，每位声乐演唱者本身具有良好的音质基础，那么通过自身不一样的.表达方式和表现风格，凭着熟悉的音乐技能技巧，准确地将自身的嗓音调整为最为合适自己的状态，就能演绎出唯美的音乐效果和呈现出独有的艺术作品风格，给广大听众以广袤无垠的遐想。
音色自身就带有强烈的美学特质，并且具有独特性。在声乐演唱过程中拥有不同音色的表演者可以向观众展现出不同风格的声音，不管是激情豪迈的还是甜美婉转的，都体现出了声乐演唱中不同音色的美感。
依照人声的不同，可以把男女声音划分为不同的声部：女高音、女中音、女低音和男高音、男中音、男低音。在艺术歌曲中，不同的音色通过演唱者音色变化可以塑造出不同的人物形象。歌唱是依靠声音来表达情感的，它需要运用歌声中的各类色彩，来对人的各类情感进行呈现，在声乐演唱中音色是歌曲情感重要的一种表现技巧，比如在《魔王》歌曲中，父亲的慈爱、惊恐、失落与悲痛等情感，就需要演唱者运用不同音色进行表达。在歌唱中，色彩变化需要依靠气息力度进行掌控，同一个人演唱同一音高时，用的气息力度各不相同，其音色所产生的效果就大不一样。如果气息强，音色相对就强一些，而气息弱，其音色就相对柔和一些。我们知道音色明亮一般能给人带来愉悦、兴奋与积极之感，暗淡音色则会给人沉闷、凄惨与哀愁之感，音色是具有等级的，如同色彩一样，丰满深厚与单薄的脆亮均是音色等级中的两极，如在民歌《跑旱船》里，不仅要演唱出豪迈奔放之感，还要唱出美、甜、脆亮的音色来。我国民歌大多追求甜、脆、亮的音色，在腔体打开的同时需要声音的位置靠前，并形成中国独有的音色美学特质，在声乐演唱与人物塑造中，音色运用是非常重要的。
在中国几千年的历史演变中有很多关于声乐演唱中音色美学的研究理论。如：在儒家重要经典之一的《左传》中，就提到了声乐的长短、大小、急缓、清浊、刚柔等辩证观点。在现代音乐美学研究中，随着审美意识和审美情趣的变化对歌唱的音色美更有越来越新的诠释。在声乐演唱中，音色极具重要性，音色具有演唱美、表演美、情感美、文字美、吐字清晰等美学特质，能有效塑造人物形象，充分表现作品的风格和内涵，并丰富演唱者对艺术作品的情感表达，推动声乐演唱艺术向更高层次发展。
音色在提高演唱者风格、塑造人物形象、表现不同地域的作品风格时有着不同的美学特征体现，通过音色人们就可以在脑海里刻画出某种形象及变化。在声乐演唱中，演唱者运用不同的音色来塑造不同人物形象的性格特点，仿佛就像在戏曲中运用不同音色来表达净、旦、丑、生、末等角色一样，比如说，在体现声乐艺术的歌剧中，演唱者根据人物性格、歌唱语气、歌词内容并结合个人嗓音特点和审美习惯在音乐节奏、音色旋律等表现方法进行即兴的处理，使观(听)众听其声便知其歌剧的人物性格。观(听)众从而感受到歌剧中鲜活的人物形象，而且对歌剧要表达的意义也有了更为深刻的理解。
不同的演唱者在演绎声乐作品时会有不同的音色和风格，给观(听)众不同的美的享受。比如宋祖英的音色非常的甜美、亲切，纯净而且十分具有穿透力，同时还具有极强的艺术表现力和感染力，而迪里拜尔的音色圆润、浑厚、纯美，她们通过不同的音色演绎不同的个性特征，表达着不同的情感，由于她们个人独特的音色，造就了她们不同的演唱风格，为不同审美趣味的观众所青睐，也使演唱者们百花齐放，各展其姿，这些都是音色所赋予的。
另外，不同地域、不同民族的风格迥异的歌曲风格，其音色的运用也大不一样，产生美轮美奂的效果也大为不同。如：青藏地区的民歌音乐唱家们有意识地使用一些涩滞或者不甚圆润的音色，听起来有高原沧桑的感觉，有的还有一种凄凉之感，有时也通过换气、换词之机营造一唱三叹之感，使这种音色有着极强的穿透力，这种音乐调式的应用一直延续到青藏高原边缘的河陇一带和河套上游。同时，青藏高原地区的民歌特别是山歌类型，在音色中常常使用真假声结合的演唱方法，而且假声的时值延续得比河陇，河套一带的山歌还要长一些。再如：蒙古族长调民歌的基本音色，大致可划分为两大类型：明亮色和暗淡色，从其地域分布来讲，呼伦贝尔、科尔沁、鄂尔多斯、乌兰察布等地区的蒙古族长调民歌，音色明亮高亢，属于亮色系统;而锡林郭勒、昭乌达、阿拉善、新疆卫拉特等地的长调民歌，则音色柔和浑厚，属于暗色系列。
音色属于非物质文化范畴，是历史发展和文化沉淀的产物。如：蒙古族长调民歌的音色，之所以出现亮色和暗色的区别，有其社会和历史的原因，山林狩猎文化时期的蒙古族猎人，情感激烈，肃杀狞厉，喜欢模拟野兽的叫声，狩猎成功后集体舞蹈，高声呼喊，故其音色以明亮尖锐为主;反之，草原游牧文化时期的蒙古族牧民，关怀生命，充满仁慈之情，既不模拟动物的叫声，也没有集体舞蹈和高声呼喊，而是以优美抒情的蒙古族长调民歌来表达内在的情感，故其音色以柔和浑厚为主。江南是云朵林镜，烟柳画屏，庭院曲靖，小桥流水，这样的自然条件和生活环境养育了江南人民温柔敦厚的民风，歌曲是地方民俗民风具体生动的体现，可以淋漓尽致地体现出一个地区人民的品质、性格、兴趣、爱好及其他方面的特质，因此江南民歌音色曲折动人、清新优雅、温柔娴静、婉约轻扬。我们可以在音色的美学特征中，品味着风格迥异的风土人情。而在黄土高原，浩浩黄河养育了朴讷温厚、爽直豪放的陕北人民，因此在演唱陕北民歌时要根据不同地域风格选取恰当的声音，表现所理解和感受到的情感，塑造音乐形象。表现悲愤情绪时，一种是用少量的气息，音色较暗，音量轻而力度较强，产生一种压抑的、悲痛的、强忍的听觉效果，这种痛苦是往心头去的;另一种是用大的音量和较大量的气息，汹涌澎湃而出，并且有意漏些气息，喉咙的空间较大，甚至可以出现某种戏剧性的破音，形成一种倾诉感无法控制的宣泄声音，与观众产生强烈共鸣并有极强的感染力和震撼力;在演唱欢乐的陕北民歌时，演唱者的声音位置要高一些，喉咙的空间不必过大，气息要均匀而且要流畅，声音必须有光彩，轻巧而畅快，并提高声音的灵敏度和明快的声音色彩;当表达严肃的情绪时，演唱者的声音相对粗糙而坚硬，爆发性强，气息坚实，不能漏气。
在声乐演唱中，不同的音色的运用，能恰到好处地表达不同地域、不同民族的歌曲的风格和特点。这些风格和特点，是由于不同地方的历史环境、自然环境、生活环境、社会文化及民俗民风所形成的，通过音色这个载体，观众能品味到不同歌曲所承载着厚重的中华民族的风土人情，不同民族，美美与共，天下大同，这正可以通过民歌的演唱来表现，通过音色来体现，从这个意义上来说，音色的美，就是中华民族的美，也就是各民族的美。
总之，音色在声乐演唱中发挥着极其主要的作用，它可以使音乐风格得到更多元化的体现。听众从音色的美学特质中，品味到不同地域歌曲的不同风格及不同地方的风土习俗;也可以欣赏到歌曲中所塑造不同的人物形象而尽情陶醉其中，还可以领略到不同演唱者的风格和个性特征。演唱者可以通过分析音色在声乐艺术中的作用和美学特质，在演唱中更能自觉地运用音色来进行演唱，提高自身的演唱技能技巧和底蕴，更好地赋予作品应有的丰富内涵、深厚情怀和神韵。
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