总结是对过去所做努力的评估和总结，也是为了更好地迈向未来。在写总结时，我们应尽可能客观地评价自己的表现，既发现问题，又肯定自己的成绩。收集整理的写作范文集。
读解电影与电影音乐论文篇一
音乐在诠释情感方面有着天然的优势，或舒缓或充满激情的音乐响起，总会让人产生情感的带入。电影音乐因其题材的特殊性，往往要与电影画面相结合，才能发挥其作用。只有在全片结束后，电影音乐才会作为一个独立的整体，在播放字幕的阶段以完整的形式呈现。因此，如何与画面相配合，就成了电影音乐工作者的重要课题。
大体上来说，音乐与画面的配合可分为两种方式，即：相辅相成和相反相成。首先，电影音乐常常与画面同步，构成两者天衣无缝的配合，从而使观众在试听上形成美的享受。
如影片《为奴十二年》中，黑人音乐作为黑人文化的重要组成部分，常常会出现在影片中。当埃德温艾普斯种植园中的老黑奴埃布拉姆在摘棉花时倒下后，所罗门和其他两个黑奴将老人家安葬。埃布拉姆是其他黑奴口中的叔叔，他非常照顾那些黑奴小孩儿，如今他们都已成年，成为种植园中的主力。此时画面变化为特写镜头，一个老年黑人妇女的硕大脸庞占据了几乎整个画面，在没有任何背景音乐的情况下，她开始了歌唱，而她歌唱的形式正是黑人的灵歌。她边唱边拍手打着节拍，当她唱到“roll，jordan，roll”时，其他黑人开始跟着合唱。围绕在老妇人周围的黑人，每个都在拍手，并且摇头晃脑地跟着唱，只有所罗门紧闭着嘴唇。画面中所罗门面容悲戚，但他还是没有开口，而背景中则是其他黑人的合唱。在这哀伤的氛围中，所罗门的情绪无处发泄，他终于跟唱了起来。起初他只是微微张开嘴唱，渐渐地，他高声合唱，而此时音乐中的男声部也加入了所罗门的音色。随着所罗门声音的渐强，他的头也开始随着节奏摆动起来，直至那歌声滑向遥远的天空。
此外，电影音乐还可以从反面对画面形成衬托，从而形成音画相反相成的配合方式。此种情况下，音乐所提供的情绪与画面刚好相反。在音乐画面的强烈反差下，观众体验到带有矛盾冲突的情绪氛围，从矛盾中对剧情的理解更加深入，如《辛德勒的名单》。
电影配乐带给观众的审美享受往往不是单一的和同一层面上的，而是立体的和丰富的。不但存在着视觉审美、情感抒发，以及精神体悟等多层次的体验，不同的配乐形式，也能够带给读者不同的审美感受。这些审美感受也并非单独产生作用的，而体现为一种综合的审美效应。
一方面，就主题音乐来说，它带给观众的审美体验是立体性的，是超越了“纯音乐”的审美体验的。如《加勒比海盗》中，汉斯季默的配乐给人留下了深刻的印象。尤其是影片的主题音乐，每次都在主角出场或是影片高潮到来时恰当地响起，有力地烘托了影片的氛围。纵观《加勒比海盗》系列影片，杰克船长无疑是其中铁打的主角，也是对观众产生深深吸引力的核心要素。因此，杰克的出场一定要辅以主题音乐，这样才有男一号的范儿。在《黑珍珠号的诅咒》中，杰克在桅杆上的第一次亮相，就伴随着主题音乐。只不过，这段音乐被精心地改编了，可以说是主题音乐的变奏版，其中加入了一些充满谐趣的滑音，并加入了码头上搬运工人的嘈杂声，以及绵羊的咩咩声，使杰克的出场音乐充满了欢乐。此后，凡是电影中出现浩大的场面，如壮观的海战等场景，主题音乐必定会适时响起。宏大的交响乐与壮观的场景搭配得天衣无缝，使观众沉浸在充满美感的视听享受中。
另一方面，除了主题音乐外，场景音乐也是电影音乐的重要组成部分。场景音乐的作用不仅能够提供叙事背景、烘托场景氛围，也对影片的主题具有揭示性作用。黑格尔在《美学》中曾反复强调“灵魂中一切深浅程度的欢乐、喜悦、谐趣、轻浮、任性和兴高采烈；一切深浅程度不同的焦躁、烦恼、忧愁、哀伤、痛苦和怅惘等，乃至敬畏、崇拜和爱之类情趣都属于音乐所表现的特殊领域”。
如《驯龙高手》中，场景音乐的表现就极其出色。不仅有力地烘托出场景氛围，也极大地调动了观众的审美激情。当希卡普用鳗鱼吓退能喷出毒雾的丑陋双头龙时，他的小把戏使所有小伙伴目瞪口呆。此时，希卡普潇洒地挥挥手，说自己还有事要做，就闪人了。在众人惊愕的目光中，背景中的鼓声响起。这激动人心的前奏，带给观众欢快的情感氛围。继而弦乐不断上升，使快乐的情绪进一步蔓延开来。希卡普带着他做好的鞍子追着夜煞，而夜煞则开玩笑似的在前边跑。终于将鞍子固定好后，希卡普驾驭者夜煞开始了飞翔。随着希卡普一次次的失败和一次次的尝试，音乐中充满了谐趣的调调。而希卡普也在此期间，发现了众多龙特有的弱点。他就利用这些弱点来对付训练场中的龙，弄得小伙伴都崇拜不已。当希卡普终于实验成功，他和夜煞一起翱翔天际，美妙的天际之境就在希卡普的身边。但夜煞冲得太高，导致希卡普从其背上松脱，好不容易希卡普重新回到了龙背，此时面对的是十分紧急的场面。嶙峋的怪石群峰突起，希卡普也丢掉了他的驾驭指南，凭借感觉来操控夜煞的尾部，不断躲过惊现的场景，人与龙在这一刻融为一体，交响乐在此处也达到了高潮。
三、结语。
综上所述，接受美学认为，观众是作品的积极解读者和审美再创造者。电影作为一种大众艺术形式，格外强调观众的接受美学。电影音乐能够丰富和拓展影片的审美空间。在电影配乐上，能够满足和超越观众审美期待，是提升一部影片审美价值的关键。
读解电影与电影音乐论文篇二
影视作品中的音乐，通常简称为电影音乐，其概念顾名思义，广义的是指电影中所用的一切音乐和歌曲。但是我们在现实用法中，狭义指的是作曲家为电影专门创作的音乐和歌曲。影视作品中的音乐是影视作品不可或缺的重要的一部分。影视音乐在不断的发展运用中，逐渐形成了一种特有的音乐艺术，成为音乐艺术的一种新的体裁。影视作品中的音乐仍具有其本质构成要素，即旋律、和声、节奏和色彩，但是因为其置于电影的大背景中，其所表现出来的特质是音乐的听觉形象与语言、音响效果、视觉画面相结合起来。音乐元素受到电影情节的艺术构思、艺术结构的影响，受到画面视觉形象的制约。
电影音乐最突出的特点是其抒情性，但是因为其音乐本质决定了其叙事性较差，需要通过听觉来感受、需要通过一定的时间过渡、过程展现、通过演奏和演唱呈现等。
其特点主要有以下两个方面。
一是与电影题材、情节、风格的紧密相关性。音乐构思由电影的题材内容、风格样式、人物性格及导演的艺术总体构思来决定，音乐的听觉形象与最终与画面的视觉形象紧密融合。电影中的音乐，除神话、童话、科学幻想类影片等，一般都具有很强的现实性，很少有夸张和程式化的东西，这一点明显区别于音乐会乐曲和舞台歌剧音乐。
二是音乐常常与对话、自然音响效果相结合。当影视由无声电影进入到有声电影以后，音乐即与电影中的对话、音响效果、画面紧紧融合在一起。基于影视作品的美学功能和要求，影视作品中在表现抒情性、戏剧性气氛的时候恰当地、有效地使用音乐。
二、在学前教育音乐课中发挥影视音乐欣赏在素质培养中的作用
影视音乐的一些作品中流淌着不同的音乐情感。通过欣赏一些多媒体影视音乐，并结合教材讲解片中的剧情，可以让学生更加深刻地理解影视作品的主题和寓意。比如在欣赏了《祖国的花朵》、《妈妈再爱我一次》片中的主题歌曲时。让我们又想起和重温了童年时在影院里面的那份美好的时光和记忆。通过欣赏这类的影视歌曲，使学生切身地体会人们相互之间的亲情，教育他们珍惜来之不易的幸福，教会他们懂得如何珍惜，这样的教育方式和教学方法所达到的效果，是通过说教难以达到的。在进行人性教育方面，让学生欣赏一些动画片中的音乐，例如《小鲤鱼历险记》、《宝莲灯》等影视音乐，通过欣赏和讲解音乐的内容，教育他们应该保持并发扬敢与邪恶势力作斗争，不畏艰险、不怕辛苦；通过欣赏《泰坦尼克号》的主题歌曲《我心永恒》，更好地教育学生，爱情不只是甜蜜，不是大难临头各自飞，而是无私地付出、是双方心灵的交融。只有坚定世上存在纯洁的爱情，才能真正地体会到爱情的滋味与可贵。总之，通过把影视音乐进行分类以及一些片段式的欣赏，并结合一定的剧中内容进行讲解，会更有效地提高学生的人文情怀和人文精神，促进今后的幼教事业发展。
另外，可通过影视音乐欣赏课，让学生对影视艺术的了解、喜爱，来激发他们对影视音乐的热情和对音乐知识的渴望。在选修课中，我们不难发现，几乎每个学生都看过电影，有的同学还会根据自己的喜好，选择欣赏不同风格的电影作为自己的业余爱好。在这样一个个性充斥的课堂中，给予大家更加广阔的开放空间去探寻影视音乐的魅力是十分必要的。通过给学生们提出一些问题或者一些主题，让学生们到课堂外去找寻答案：或者通过学生站在讲台授课的方式，让他们亲自去体会把自己的所知与同学们分享的快乐。
三、在学前教育音乐课中发挥影视音乐对学生器乐演奏表演意识的提高
在器乐演奏中“演”的把握需要教师指导，帮助学生学会分析、理解、诠释不同历史时期、不同文化背景和不同地域风格的音乐作品的过程，是激发学生表演意识、表演欲望的过程。在此过程中需要教师针对学生的学习特点，通过灵活的教学方式，教给学生如何合理地表现音乐作品、表现其音乐内涵，使自己的演奏以情感人，感染所有的听众。将影视音乐融入到器乐演奏实践中去，是提升器乐教学效果的一种有效尝试，在教学实践中可以通过运用影视音乐来提升学生的表演意识。
首先，运用影视音乐的艺术性培养学生的想象力和创造力。影视音乐是听觉的艺术、时间的艺术，通过优美的旋律、跃动的节奏、悦耳的音响，结合跳动的画面，可以充分展开想象，去感受乐曲所描写的景象，看到五彩的画面，使影视音乐的艺术性得到充分的展示。器乐演奏中，部分学生虽然技术比较熟练，演奏时却木讷、刻板，没有生气，这是缺乏想象的表现，此时教师可以运用影视音乐不受时间、空间限制的特点，提示学生抓住音乐情绪抽象的关键，通过想象将音乐形象生活化、具象化。演奏作品时，以形象思维为主，想象看到的情节画面，或者联想影视作品画面，再现其中情节，把握角色所处的具体生活环境和时代背景，使演奏表现出较高的艺术性和强烈的时代感，促进了学生想象力和创造力的提升。
其次，运用影视音乐的文学性激发学生的情感。艺术教育的主要任务和目标之一就是陶冶人的情感，培养完美的人格。音乐教学大纲强调，“音乐教育应寓思想教育于音乐艺术之中”，要把美育渗透到音乐教育中去，这既是音乐教育的立足点，又是音乐教育的最终目的，所以说在器乐教学中，体现音乐作品的思想内涵、艺术性、时代感尤为重要。从音乐教育的功能看，音乐对于心灵的塑造、道德的教化具有独特的功能，音乐具有一种潜在的力量，在震撼人的心灵和感染人的情绪上有一种难以形容的穿透力，直撞心灵。利用影视音乐“以情感人”、“寓教于乐”，既使学生获得深刻的情感体验又完善其人格，因为影视音乐作品所表现主题思想是多方面的：有热爱党、热爱祖国的，有对革命先辈的缅怀，有对大自然、对生活的热爱，有对人生的思索与追求，有对未来的向往与憧憬的，有对人类社会美好情感和行为的赞颂与讴歌的等等，这些有利于学生体验作品的时代感，培养学生把握不同时代作品的能力，提高艺术审美能力，从而使学生有意识地表现音乐作品的情感情绪、艺术性与时代性。
四、结束语
在媒体高度发达的当今社会，影视音乐作为一种特殊的音乐形式得以广泛传播，它以独有的特性及魅力极大地影响着人们特别是年青一代的生活。针对学前教育专业学生，我们要多运用影视音乐所独有的的特点，有效提高音乐课程教学质量，提升学生整体素质。
读解电影与电影音乐论文篇三
对于学前教育阶段幼儿而言，音乐的艺术魅力在于音乐本身的感染力，通过音乐欣赏课的开展让幼儿更好地在倾听音乐的过程加深对音乐的理解，这对于幼儿音乐经验的累积和音乐视野的开阔有着积极的指导和促进意义。除此之外，音乐欣赏课教学中还能够依据具体的音乐作品培养幼儿的记忆思维能力，在良好的倾听习惯中提升自我音乐素养与审美能力。然而，当前学前教育阶段音乐欣赏课教学往往很难从材料选择与组织方面达到提升幼儿音乐感受力的目的，音乐欣赏课的实施流程尚需完善。
一、借助聆听和欣赏途径培养幼儿的音乐感受力
（一）适宜的选材
学前阶段幼儿一般年龄较小，这一时期音乐欣赏课教学旨在激发幼儿对音乐的学习兴趣，因此适宜的选材就显得至关重要。教师可选择简单易懂、旋律琅琅上口的幼儿歌曲，比如《解放军进行曲》、《我是小兵》、《虫儿飞》等，这些歌曲幼儿能够理解和感受，且倾听过程中也能够随着音乐轻声附和。
（二）重视动静交替
音乐欣赏在幼儿园中的开展不应是被动消极的过程，而应当在积极的教学氛围中更好地促进幼儿对音乐的整体感知，这是培养幼儿审美意识的关键所在。动静交替是音乐欣赏课教学需要重视的问题，幼儿天生好动，因此知识的呈现也应体现这一特征，这就需要教师在语言和教具的辅助下加之必要的动作来辅助幼儿音乐感受力的提升。
（三）突出情感培养的重要性
学前教育音乐课程并非是纯粹的音乐知识讲授，更重要的是人的培养过程，因此我们往往将音乐作品的感受和体验视为学前教育阶段音乐欣赏课教学的核心目标，旨在更好地引导幼儿理解音乐中蕴藏的情感。作为生活和情感的一种反映，音乐在情感表达方面有着突出优势，这正是音乐感召力的体现过程。比如在欣赏《摇篮曲》时，幼儿或怀抱娃娃、或手扶摇篮，这样宁静唯美的画面是幼儿对音乐的理解和感受，这足以证明情感教育在幼儿音乐欣赏中的重要性。
二、通过儿童生活经验辅助他们对音乐的感受
指导幼儿学会倾听声音和切实感受音乐的表现力是学前教育阶段音乐欣赏课的宗旨所在，这对于幼儿音乐欣赏能力的提升至关重要。学会倾听音乐可从倾听大自然的声音入手，比如对各种动物声音的倾听都是幼儿感性认知的重要积累过程，这对于幼儿音乐感受力的形成有着积极的促进作用。音乐欣赏课教学中可设计特定的音乐场景，在舞蹈、游戏和表演等方式的推动下更好地加深幼儿对音乐的感受。学前教育阶段幼儿已然能够从音乐作品中分辨出音乐速度与节奏的变化，因此音乐欣赏的过程可将音乐作品与幼儿生活经验相结合，在肢体动作和语言的配合下突出直观教具的教学优势，帮助幼儿在音乐作品中发现情感，并运用自我想象将画面情景表演出来。这不仅与幼儿年龄特征及心理特征相符，同时也能够在音乐欣赏过程中渗透必要的音乐情感，有利于幼儿对音乐作品的全方位感知。
三、通过想象力激发促进幼儿自主欣赏音乐能力的提升
故事体验是幼儿在学前教育阶段最为明显的特质，这时我们可以将故事与音乐欣赏相结合来体现音乐教学本身的趣味性，与此同时对于幼儿音乐感受力的培养也有积极的促进意义。幼儿对于音乐结构和风格的理解也可借助故事的方式得到呈现，然而这一过程中需要首先加深幼儿对音乐内容的理解，并在故事情节中渗透音乐的内容。在全面理解和掌握音乐结构与风格之后，教师可针对幼儿对于音乐内容的理解进行绘画、故事或是表演的编排，通过直观形象来满足幼儿心理需求，并且在相互欣赏与学习的过程中更好地提高音乐欣赏课教学的实效性。可见，借助想象力激发来促进幼儿自主欣赏能力的提升对于幼儿综合音乐审美意识培养意义重大。
四、以多种感官辅助下提高孩子音乐整体感受力
多种感官辅助下的音乐欣赏过程可完善幼儿对音乐作品的理解、感受与想象，在情感因素的影响下提高自我音乐认识和体验，这对于幼儿心理水平和认知能力的发展极为重要。需要注意的是，学前教育阶段幼儿的欣赏水平还相对浅显，因此音乐作品的.选择及教师的指导就显得至关重要，教师应当引导学生学会倾听和感受音乐的美感。比如在音乐欣赏课教学时若是播放一段节奏缓慢、声音低沉的音乐，幼儿的注意力很难被吸引，但若是配之以笨狗熊走路的画面并指导幼儿随着音乐一起模仿狗熊走路他们就能够很快记住音乐，并且印象深刻，这正是音乐感受力培养的重要过程。不难发现，一段描绘动物的音乐仅仅是播放很难激起幼儿的主动性，但若是配合对应的舞蹈动作，则能够起到事半功倍的效果。由此可见，多种感官配合下的音乐欣赏过程不仅是学习兴趣的有效激发，同时对于提升幼儿音乐感受力也大有裨益。
综上所述，现阶段学前教育音乐教学尤其重视音乐欣赏课教学实施，依据幼儿实际心理特点选择与之相适应的幼儿音乐作品，这对于幼儿整体音乐感受力的提升有着深远影响。然而，在具体的教学策略选择方面却还需要加以斟酌，借助有效的欣赏途径培养幼儿综合审美能力，在和谐融洽的课堂氛围中获得知识，这是当前学前教育音乐欣赏课教学亟需解决的问题之一。
基金项目：
本文为甘肃省教科所科学规划项目“高校学前教育人才培养模式研究——基于幼儿音乐艺术教育的实践反思”，项目编号：gsghb0843。
参考文献：
[1]许蕾.音乐聆听：培养幼儿音乐能力的关键[j].学前教育研究，，（11）.
[2]陈婕.在生活中学习音乐在音乐中体味生活[j].学前课程研究，，（03）.
[3]徐莹莹，许卓娅.3～6岁幼儿自由律动的特点研究[j].幼儿教育：教育科学，，（06）.
读解电影与电影音乐论文篇四
一、电影音乐具有的特质
在最初的有声电影中，音乐还没有被运用于电影中，只有人物对话以及简单的声响，其效果不是特别理想，当电影与音乐相融合后，电影的综合水平得到了显著提升。有了音乐的融入，提升了电影的效果，给观众带来了更多的乐感。
（一）电影音乐结构的灵活性。
电影音乐的特别之处在于其音乐的结构无限制，[1]具有较强的灵活性。比如《盗贼同盟》中，无论在哪一个片段都会听到一些由演奏者即兴而来的弹奏，这些音乐片段看似不规则，让人没有头绪，可是实际上，它们有着较大的关联性，此音乐可以阐释为盗贼在偷窃时心虚的表现，也可阐释为警察与盗贼在斗智斗勇时信心与胆识的自然流露。
音乐是一种较为灵活的语言，它没有规定的语义。电影音乐内容的可阐释性是其首要特质。不同的观众对电影音乐会有不同的阐释，当电影音乐响起时，观众可从音乐中感受故事的情节发展。在《假如爱有天意》中，以小提琴演奏的卡农序曲来开场，悠扬的琴声似乎将一幅幅完整的画面展示在观众眼前，使人浮想联翩，让人回味无穷，使观众感受到了大自然的宁静。
（三）电影音乐的联想指向性。
电影音乐的联想指向性主要由电影音乐内容可阐释性延伸而来，电影音乐的自由想象空间与其他的音乐相比较小。[2]电影音乐最先带给观众的是画面的即视感，随之而来的是个人对电影的想象与联想。当观众展开想象时，电影音乐的出现就给观众带来了一定的指向功能，在《飞屋环游记》中就有一个镜头：主人公卡尔在自己屋顶上系上成千上万个氢气球，当这些氢气球飘出，房子缓缓上升时，伴随着上行琶音音节，使观众无论从视觉还是从听觉上都有一种腾然而上的感觉。这就是电影音乐的联想指向性。
二、电影音乐的组成结构
（一）电影背景音乐。
电影背景音乐指在电影影片中，作为背景进行衬托的音乐，一般都是无人声的。电影背景音乐主要是标识电影地域、环境以及场合的音乐，一般以画内音为主要电影背景音乐。当观众在观看电影时，调动观众情绪的除了电影情节外，还有电影的背景音乐，当两者相结合才可有效的抓住观众的眼球。许多经典的电影作品由于时间的流逝使其人物和情节被观众忘却，但影片中的背景音乐，其节奏、旋律和带给观众的感受等都是让人无法忘记的经典。
（二）电影场景音乐。
电影场景音乐主要是在电影的某一场景中所选用的音乐，电影场景音乐具有情节性，是根据电影中出现的某一情节或具体场景而定的，其目的是对电影中人物的情感变化进行渲染、铺垫以及烘托。比如在《飞屋环游记》的影片开始时，主人公卡尔由于希望自己成为一名冒险家，便拿着气球，想象自己是一名能翻山越岭的`冒险家，与此同时，场景音乐便响起，这里的音乐是一种欢快的爵士乐，其风格非常活泼幽默，不仅贴近主人公卡尔的童趣，还能有效地将观众引入影片中，推动了故事情节的发展，对影片情节氛围有着较强的烘托作用。
（三）电影主题音乐。
电影主题音乐是概括电影感情与主题思想的音乐，在一些具有鲜明主题思想、人物性格和情绪基调的影片中，其音乐常常带有一个主导动机式、动机式或旋律式的核心，这就是电影主题音乐。伴随着影片主人公的出场，电影主题音乐多以原型出现。电影主题音乐除了表现影片主人公的性格或者思想感情，还可表现影片的某一观念或者某一事物。[3]电影主题音乐大多是由作曲家来创作的，但也不排除选用已有的电影主题音乐作品，比如《城南旧事》便选用《送别》作为电影主题音乐。电影主题音乐的功能主要是将观众带到一个特定的文化氛围、历史情境或者情感范畴中。在《黑天鹅》这部影片中所引用的主题音乐是《天鹅湖》，整部影片中贯穿着不同的演奏风格，以此来渲染气氛，引领主题。
三、结束语
电影音乐运用于电影行业中，为观众带来了较好的即视感。在今天，人们无法想象在观看电影时只有电影情节而没有电影音乐的现象。在一部经典影片中，或许观众会忘记电影中的某一情节、某一桥段，但是当其熟悉的音乐响起，便会让观众不由自主的想起那段精彩的片段。电影音乐运用于电影中有着无可替代的作用，即使一个不了解电影情节的观众，只要听到电影播放的音乐，也能帮助其感受影片情节，这便是电影音乐的独特之处。
读解电影与电影音乐论文篇五
摘要《绒花》是影片《小花》中的一首脍炙人口的电影插曲，它曾获得第三届电影百花奖最佳电影音乐奖、听众喜爱的广播优秀歌曲奖等。
关键词电影插曲《绒花》音乐要素情节发展
“世上有朵美丽的花，那是青春吐芳华，铮铮硬骨绽花开。沥沥鲜血染红它……”凯传词、王酩曲的电影插曲《绒花》创作于20世纪70年代末，它应电影《小花》的剧情发展需要而生。以新颖的视角、清新的音乐风格深入细致地刻画了女主角翠姑内心世界的情感美。歌曲旋律优美抒情，情深意笃。感人肺腑。
一、电影《小花》概述
改编于前涉小说《桐柏英雄》的电影《小花》，故事梗概为：1930年，桐柏山区的一户赵姓人家。将不满周岁的女儿小花卖给他人。当晚，伐木工人何向东将地下党员董向坤和周医生的女儿董红果寄养在赵家，因红果和小花同岁。就改名也叫小花。十七年后。赵小花(董红果)到部队中寻找投身革命的哥哥赵永生未果，却遇到周医生，母女相见不相识。赵永生的亲妹妹小花被卖后，被何向东赎出收养。改名何翠姑。已成长为游击队长的翠姑在一次战斗中“跪走风车矶”救了身负重伤的亲哥哥永生，但她自己却不知情。之后，小花与哥哥相逢，翠姑也得知了自己的身世。在一次战斗中翠姑为营救小花身负重伤，战斗结束小花与亲生父母相认。永生和小花一起去医院看望翠姑，翠姑在昏迷中，断断续续地呼唤哥哥，小花接过哥哥手中的枪，决心踏着烈士的血迹，去迎接新的胜利。
二、电影插曲《绒花》的音乐分析
《绒花》全曲为二段结构大调性色彩。第一段主题部分选用平实的叙述性音乐语言进入，为9+9的两个平行关系乐句构成。两乐句内部结构均为5+4的乐节。旋律进行以二度及进为主，内含小三度跳进。主题上句半终止于属功能，其和声走向为t－s－t－d，上句旋律在第四小节突出了下属功能组中的“4”音，第六、第八小节强调了导音“7”到主音“1”的小二度解决。既巩固了主和弦，又为属功能半终止进行了铺垫：主题下句完满终止于主功能，其和声走向为t－sii－tsvi－d－t，下句旋律在第十五、十六小节连续两次运用纯五度下行大跳。加重了歌曲情感的深度表达。值得一提的是，《绒花》的音乐主题在西洋大调的基础上，巧妙的融入了中国音乐所特有的“12356”五声音列元素，增强了作品的民族风韵。在节奏的`选择上，曲作者精心设计了以切分节奏为主的歌曲基本节奏，在听觉上形成一咏三叹的音乐效果。歌曲的第二部分为副歌的创作手法，呼唤性、山歌风味的旋律中，连续多个三连音的运用使全曲的音乐层次逐步增涨。这部分和声功能上突出了下属和弦色彩，使得调性暂时离调至下属关系的大调。形成全曲的高潮，直至歌曲结尾处回原调。歌词部分，朴实无华的歌词创作与质朴的音乐风格相统一，歌词中叠字、叠词的运用与旋律中叠音的运用遥相呼应，既增加了音节的美感，又加深了歌曲的情感表达。
三、《绒花》对影片情节发展所起到的作用
电影《小花》以“两朵小花”(赵小花、何翠姑)寻找哥哥的故事情节为主线，描写了战争年代人的生离死别，淋漓尽致地抒发了兄妹情、母女情，并在“翠姑跪走风车矶”的特定场景适时地推出《绒花》这首电影插曲，为影片高潮的出现进行了情绪上的铺垫，有效地渲染了影片气氛，升华了主题内涵，推动了剧情发展，给观众留下了深刻的印象。
影片中，《绒花》这首抒情的青春颂歌。以“反色调”的处理方法与“翠姑跪走风车矶”这个场面同时出现，它不是外在的一般性的称赞，而是通过委婉的叙说深沉地揭示了人物内心无比崇高的精神世界。银幕上，一方面是翠姑为救哥哥艰难地抬着担架爬越石梯：一方面起伏的山峦、挺拔的青松、美丽的光斑交替出现，汇集成一幅壮美的青春图画。这时，电影插曲《绒花》响起，音乐以影片主人公的视角。如说如唱，倾诉心声。首唱者李谷一老师收放自如的“气声唱法”的运用，使其旋律虚幻飘逸。优美中略带淡淡的哀愁。形成了典雅、细腻、含蓄的音乐美。达到了朴实自然、亲切生动的艺术效果。在这里，《绒花》不是对何翠姑艰苦攀登这一画面意义的简单重复。而是以优美的歌声赞颂她崇高的思想、美好的心灵。电影插曲成功地作为一个独立的因素与画面相对位而存在。抒情的音乐和艰苦攀登的画面。从不同的侧面同时揭示了人物的内心世界和外部动作的意义，使人物呈现出多侧面、立体感。电影插曲《绒花》的有效运用给观众带来视听合一的巨大震撼，为翠姑这一人物的塑造、为影片的成功起到了画龙点睛的作用。
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读解电影与电影音乐论文篇六
摘要：电影音乐为画面所服务，画面提供了我们直观的感受，人们，也通过画面来感受音乐，给人更深刻的理解，电影音乐，虽然不那么具有功利性，因为，有着一定的限制，所表达的社会意义，并不能全面，与现实也有一定的差距但是也正因为内容的确定性，是现实与画面相连接使画面丝丝入扣，解决了画面所不能传达给我们的东西。
关键词：电影音乐；画面音乐；艺术价值
电影音乐是指影片中的非自然的音响，其中包括配乐，插曲，主题歌等，用来补充画面感，提供画面情绪的画面音乐。尽管音乐是抽象的，音乐也没有像画面一样那么直观，那么形象生动快速的进入脑海中，但是，电影音乐，凭借着他独特的影响力，起到了很重要的辅助作用，它能给我们直观的电影，带来不一样的色彩，更好的掌控情绪，它不是服务于画面的，它是服务于叙事的，直接或间接的推动了电影情节的发展，烘托了整体氛围，给人一种更加强烈，更加直观的感受体验，烘托主题，渲染氛围。而我们知道，西方音乐史中，电影的诞生是在浪漫主义晚期，众多的市民进入音乐厅，音乐更广泛的流行于市民当中，这时候电影的放映，基本上是在音乐厅，或剧场在这期间，会有钢琴师们演奏音乐但并没有人真正在意演奏的是什么音乐，渐渐的，随着电影技术的发展，开始有独立的钢琴师为烘托电影情节的氛围而弹奏，符合情节的音乐，所以当时的电影音乐是与现场紧密相关联的，随着技术的进步，声音也可以记录在胶片上，音乐开始为电影情节，提供心理暗示及情感的需求，从而慢慢的产生了一个新的名词，叫做电影音乐。西方著名的现代作曲家，斯特拉文斯基，曾经说过，“电影中，剧情和音乐的关系同餐厅中的音乐同餐桌上的谈话的关系，没什么两样”这样尖锐的话，但我们应该了解，电影艺术，流行不过半个世纪的时间，这同歌剧，舞剧都存在很大的差别，似乎是稚嫩的，是不成熟的，但是，在如今，电影音乐，已经发挥着它不可磨灭的价值，依靠自己独特规律的艺术形式和艺术形态出现在人们的眼帘，电影音乐，有着不同于其他艺术的特殊本质。电影音乐如果独立于电影之外，那么，它体现的是创作者的一种思想感情，和创作灵感！而当电影音乐进入视觉艺术当中，那么，他便是一个有机的整体，音乐与画面感的融合，使得剧情更加的突出，情感色彩也可以更加灵活的表达出来，这是一种相互依存，相互依赖的关系，在电影中，当主题曲响起并配合精彩的剧情的时候，通常观众，或潸然泪下或拍案叫绝，不同场景，配合不同音乐，使整个电影情节的连贯性也得到了很好的补充，音乐与画面的有机统一，会使整个电影，更添上一抹风采！比如电影，《音乐之声》当中，那潺潺的流水，青青的草地，自由的小鸟，蓝蓝的天空，还有可爱的白云，这时候伴随有教堂那低沉的钟声，这时候我们似乎看到了主人公纯洁的心灵和美好的向往，以及带给观众的愉悦的体验，和宁静的片刻。比如，《匆匆那年》讲述了阳光，而青涩的青春，记忆与友情的.故事的时候，配上王菲的匆匆那年，轻快而又充满忧愁，影片的电影情节和电影音乐的节奏，把握上很契合，让观众在看了这部电影之后，想到校园时光，校园的那些青葱岁月，最美好，最宝贵的那段日子。以及在电影《教父》之中，婚宴午宴晚宴都离不开音乐，甚至是在菜市中也夹杂着音乐，剧中人奢华的场景，需要音乐，每个人的内涵也需要音乐来表达，甚至画面的处理，情感的诉求，也离不开音乐。电影音乐为画面所服务，画面提供了我们直观的感受，人们，也通过画面来感受音乐，给人更深刻的理解，电影音乐，虽然不那么具有功利性，因为，有着一定的限制，所表达的社会意义，并不能全面，与现实也有一定的差距但是也正因为内容的确定性，是现实与画面相连接使画面丝丝入扣，解决了画面所不能传达给我们的东西，而电影的意境是通过想象来传达给人脑的，而想象并非，都是音乐所传达给我们的，在电影音乐中，并不全都是音乐的因素，还有着一些非音乐因素，也非常的重要，电影，有歌词的，歌词是表达内容的，歌词，同样能引发人遐想，补充剧情或台词的不足，给人带来，悠远的思考，推动剧情的发展，除听觉以上，能给人一种更加广阔的空间。音乐的基本特征，使音乐具有抽象性，它不像其他来的直观，具体，或直接，或间接参与到电影中来，有时候电影音乐不直接叙述情节，而是间接的循循善诱，音乐的语言是奇妙的，通过暗示，交代，来对电影进行深刻的，彰显，表达，或歌颂，或赞美，或愤慨，或控诉。其次，影片当中运用了，节奏，旋律等等，对事物进行了描述，与其相对应，有着它极致抒情的一面，不是诉诸观众的理性，而是更加善于用感性的表达，如电影是特勒名单当中，潜藏着创作者的一种感受，给体现出来通过如泣如诉的音乐，对不堪的往事的重拾。可以看出，电影音乐的很多功能，并不是孤立的，而是相互独立，又相互依赖生存的，他们有效的结合在一起，共同的表达出电影的中心思想，特别其抽象性，模糊性，不确定性，引人遐想，给人空间，完善电影的表达力，渲染力，影响力，她不断使人追寻着美好，将感性推的另外一层次，给人强烈的指示性，随着电影语言不断的丰富和发展，其相互作用和结合的方式，也在不断发展中，音乐在一部影片中，所发挥的功能，是交汇在一起的，各种功能，相互渗透，才形成了电影音乐的小价值。
[参考文献]
[1]袁智忠.影视鉴赏[m].重庆:重庆大学出版社.
[2]赵明.音乐之声中的音乐元素的美学价值研究[j].艺术学苑,,21.
读解电影与电影音乐论文篇七
欧洲文化是以神权为基础的文化，其文化的发源地是古希腊，古希腊神话对整个欧洲的影响不言而喻。就音乐美学思想而言，古希腊文明中就有一定体现。欧洲音乐美学思想逐渐形成两大理论体系：情感论音乐美学思想与形式论音乐美学思想。二者不断完善与交织，对音乐的发展起着重要的影响。
一、神话中的音乐思想。
古希腊文明是整个西方文明的发源地，不但产生了许多人类思想、文化的闪光点，而且诞生了许多对后世有着深远影响的思想家、哲学家。“西方自希腊人走第一条路就有许多科学、哲学、美术、文艺发生出来，成就真是非常之大。接连着罗马顺此路向往下走……”。就音乐美学思想而言，要追溯到公元前6世纪的希腊神话中。
以众神之王“宙斯”为首的家族体系掌管着世界上的万事万物。诸神拥有各种事物的权利和地位，其中包括音乐在内的人类艺术活动由“缪斯”掌管。时至今日英语中“音乐”一词即来源于此。“缪斯”掌管下手持竖琴和拨子的忒耳普西科瑞女神就专司歌唱与舞蹈艺术;手持长笛的欧忒耳佩女神专司抒情诗艺术。
由此来看，在古希腊人的心目中，音乐、舞蹈以及抒情诗这三种艺术之间存在着某种特殊的内在联系。关于音乐的抒情性，古希腊半人半神的牧师潘与纯洁美丽的山林女神叙任克斯的故事，就更加说明了古希腊人的一种信念：抒情性是音乐的基本功能，当某种情感在现实中受到挫折或阻碍而不能得到满足和排遣的时候，音乐便可以充当一种精神上的替代物。
另外一个神话故事就更能说明音乐的抒情性了：奥菲欧是古希腊神话中的伟大诗人和歌手，其存在时代先于盲人诗人荷马。阿波罗赠给他竖琴，缪斯教他弹奏，其琴声能使草木点头、石头移动、猛兽驯服。他用音乐驯服了双头狗克耳柏罗斯、让复仇女神厄里尼厄流泪，使冥界女王佩尔塞福涅感动，最后救回被毒蛇咬死的妻子。
古希腊神话中反映出了最早的音乐审美意识，这些神话故事赋予音乐的神奇力量与今天西方音乐美学思想有着一定的共同性，即：用音乐触动人的心灵、打动人的情感、唤起情感上的共鸣;改变人的心理和生理状态;用音乐的力量战胜邪恶，挣脱厄运对人的束缚。音乐在听觉感知上具有的魅力存在，却是音乐审美意识的重要内容，因为在很多情况下，感人既是美的体现。
二、数与和谐(1)――毕达哥拉斯。
古希腊人对音乐的理解与他们的宇宙观和道德观是紧密结合在一起的，而在宇宙、音乐及人的灵魂这三者之间起着衔接作用的一个首要概念是“和谐”。这一概念首见于希腊毕达哥拉斯(约公元前580年―前500)学派的论述中，他们认为：世界是依照数的关系构成的，数的原则就是万物的原则。
不同的事物按照一定的数的比例关系联合为一体，即为和谐。他们相信，“和谐”是宇宙的基本属性，声称“整个天体就是一种和谐和一种数”。形成了希腊美学坚不可摧的理论基础：美在于和谐，而和谐则取决于数、尺度和比例，也是各个组成部分之间的数学关系。
而因为整个天体是一个和谐体，你们人体与天体一样遵循着和谐的原则，不管是身体的各部分之间的比例是对称的，而且灵魂也被这一种内在的和谐所统一。“人(小宇宙)的和谐与外部世界(大宇宙)的和谐之间有着‘同声相应’的契合关系，人一旦遇到和谐的外界事物(诸如：和谐的音响、比例均衡而有秩序的物体等等)，便会与之产生感应。
因此外部的和谐对于人的内在和谐起着调节作用。”他们从数的和谐与感情的净化的角度，探讨了音乐的本质。形成后来情感论美学思想的理论基础。
从音(音程)构成，发现发音体数量上的差别(长短、轻重等)与音调高低之间的比例关系，从音乐审美听觉上的音乐和谐感与数量关系的研究中，提出该学派最为著名的.美学思想，即“音乐是对立因素的和谐的统一，把杂多导致统一，把不协调导致协调。”认为音乐美的产生取决于数学规律，取决于尺度和比例，如此就形成了影响后世的形式论音乐美学思想的雏形。
由此可见，这个看似略带神秘色彩的数的和谐论，实际上提出了音乐美学的两大论题：即音乐的情感和形式两大问题。尽管当时的毕达哥拉斯并没有意识到，这两大问题在日后的西方美学史上会产生如此大的影响和争论，甚至引发多种不同的音乐形态特征。在西方最早的音乐美学观念中，情感与形式并不是两个互不相容的对立范畴。在古希腊的思想中，美善是合为一体的。
古希腊时期并没有现代意义上的纯粹感性美，音乐的意义问题既包含了感性意义上的美，更体现了伦理意义上的至善。对于朴素的古希腊哲学来说，人的内心情感世界与外部现实世界具有相同的结构原则，音乐的和谐正是这种结构原则的体现，因此音乐充当着人与外部世界相互沟通的媒介。
通过音乐，“人所获得的是同整个世界心心相印的共鸣，在这种共鸣关系中，并没有一个绝对的认识者和被认识者，更没有主客体的区分。一切皆归于和谐之中，和谐的心灵、和谐的视界，都在音乐中融为一体。”这种主客合一、天人合一的思想，与我国古代的哲学思想有着一定的相似性。只是其内在本质有一定区别。
三、数与和谐。
继承与发展了毕达哥拉斯和谐理论的是当时的思想家赫拉克利特(约公元前540年――公元前480年)，与毕达哥拉斯学派侧重音乐数的比率关系，以抽象的数字为基础来谈和谐、侧重平衡和静态的观念不同，他是在对音响运动的审美观照中认识有一些和本质特征。
他把矛盾和斗争的意义引进到了和谐的范畴之中，指出：“自然是由联合对立物造成最初的和谐，而不是联合同类的东西。艺术也是这样造成和谐的……音乐混合不同音调的高音和低音、长音和短音、从而造成一个和谐的曲调”“看不见的和谐比看得见的和谐更好”。所谓“看不见的和谐”就是指人类心灵的和谐。
表明人类当时除了注重人体美外，更注重人类内在精神的健全与完美。在这种思想理论下的哲学家还有德谟克利特(约公元前460年――前370年)，他以灵魂上获得的快乐为“高尚的快乐”，突出强调和肯定了审美体验中精神上的愉悦之情，由此可以看出当时的哲学思想已经触及到审美认识和体验中理性与感性、美感与快感等问题。柏拉图(公元前427年――前347年)，虽然柏拉图认为真正的美既不属于现实的物质世界也不属于人的精神世界，而是独立于这两者之外的“理式”世界。
古希腊文化对欧洲的文化的影响不言而喻，其逐渐形成的情感论音乐与形式论音乐美学思想，也就是后来18、19世纪流行的自律论与他律论音乐美学思想。二者如影随形般地交织发展，对欧洲音乐产生巨大影响。
读解电影与电影音乐论文篇八
1895年,法国人米埃尔兄弟在巴黎“大咖啡馆”放映了世界上最早的电影,也是最早的无声电影(默片)《火车进站》和《拆墙》等数部影片,这标志着电影的诞生。无声电影顾名思义就是没有声音而只有画面。其实无声电影也有人物的对白,只不过在当时电影的录音技术落后于摄影技术,观众只能通过演员的口型、表情、动作、姿态以及插入的字幕来揣摩故事里的情节。无声时期的电影是纯视觉艺术。无声电影时期的音乐可大致划分为三个阶段,即早期、中期和后期。
一、早期的无声电影音乐
早期的无声电影音乐大约为1895――19间。那时电影刚刚起步,为了掩盖播放影片时机器运转产生的杂音,以及器材的故障与换片之间的时间空白,也为了弥补眼睛看到画面耳朵听不到声音的缺陷,往往在放映现场安排乐队演奏,于是音乐便成为无声电影的组成部分。这个时期的音乐通常是在电影放映现场用钢琴,小提琴或乐队现场伴奏,有时电影院也用留声机播放唱片代替现场伴奏,而这些音乐与电影的题材和剧情是完全不符的,尽管如此,这却是最早的电影音乐或电影的伴奏,并成为弥补视听不平衡的一种方法。这个时期的代表作包括《火车进站》,《婴儿午餐》,《拆墙》,《卢米埃尔工厂的大门》以及中国电影《定军山》等。
二、中期的无声电影音乐
中期的电影音乐大约在1905――19间,《吉斯公爵被刺》是电影史上第一部原创的电影音乐。由法国著名音乐家圣・桑作曲,包括序曲和五个场面的乐曲。该影片虽然只有一首序曲和五段音乐,但却很成功,音乐和剧情十分融洽,圣・桑也因此成为电影作曲的先河。电影从早期到中期经历了数十余年的时间,在这一时期中电影迅速传到各地,音乐作为电影的组成要素,以临场伴奏的形式也普及到各地,代表作是《吉斯公爵被刺》。19,郑正秋、张石川拍摄中国第一部故事片《难夫难妻》,黎民伟拍摄香港第一部故事片《庄子试妻》。
三、后期的无声电影音乐
后期的无声电影音乐大约在1915――1927年间,这是一个从无声电影到有声电影转变的重要时期。电影之父大卫・格里菲斯将音乐的观念引入到电影中,其代表作《一个国家的诞生》。他首次与音乐家约瑟夫・卡尔・布列尔创作出美国民俗歌谣的完整配乐形态,显示了音乐属于电影本身的要素,这是电影音乐的一大转折。1915年2月上映《一个国家的诞生》是美国电影史上较早根据剧情创作配乐的作品之一,作曲者约瑟夫・卡尔・布列尔根据影片的情节发展创作了一些主题,还改编了一些观众所熟悉的旋律。为了获得良好的剧场效果,布列尔还动用了40人的管弦乐队现场演奏,《一个国家的诞生》并不属于原创电影音乐,它带有浓厚的舞台配乐色彩。之后出现的《宾列传》和《战舰波金号》都是不折不扣的无声电影时代的电影音乐的代表,还出现了以威廉・艾克斯和大卫・曼多扎为代表的著名的影片作曲家。在无声电影时代为某一部影片专门谱写音乐作曲者的出现使得电影音乐向前迈进了一大步,也为有声电影的发展积累了经验。
四、无声电影音乐的作用
无声电影时代的音乐功能比较单一,音乐与电影之间的这种关系并未得到深刻的发掘。但是我我们依旧不难看出无论是在无声电影时期的音乐早期是为了掩盖播放影片时机器运转产生的杂音,填补器材故障与换片之间的时间空白,维护电影院的噪杂的声音,还是偶尔用在影片放映的前面和中间是为了调节电影院的气氛,以及后来开始出现了与剧情相吻合的.音乐,这使得电影音乐开始被认知,默片的电影音乐帮助观众理解剧情和加强电影情节的感染力,后期的电影音乐出现了专门为无声电影谱曲的作者,由于受到录音技术的限制,无声电影音乐依然未能完全表现出它的功能。
无声电影中通过音乐表达出各种复杂的情绪,音乐可以通过不同的节奏、旋律迎合电影不同的场景和风格。在无声电影中音乐不仅可以增强电影的画面感,还可以达到视觉和听觉的统一,起到烘托渲染画面的作用,从而扩大了无声电影的表现力。
结语
在各种艺术形式中,音乐最擅长充分深刻、抒发人的内心情感,善于表现各种节奏,适当的伴奏音乐,能加强电影的感染力,对观众造成一定的心理影响。随着电影音乐的发展我们已经深刻地认识到这一点。让我们翘首以盼电影音乐带给我们更多的震撼。
读解电影与电影音乐论文篇九
在音乐欣赏这一环节中，作为审美主体的欣赏者是怎样对音乐作品进行能动的再创造的伊瑟尔在其接受美学理论中提出了文学本文的“召唤结构”这一概念。这种“召唤结构”是一个开放性的结构，充满“不确定性”和“空白”，具有多层面的未完成的“图式结构”，所有这些组成文学作品的否定性结构，成为激发读者进行创造性填补和想象性连接的驱动力。当一部音乐作品以其鲜明、优美的旋律激发起听众的激情、想象时，欣赏者就会将自己的人生体验以及独特的理解置入音乐作品中，并通过本身的理解对作品进行具体化，将作品中的空白填充起来。当欣赏者将作品具体化后或许会有一些对作品的新的发现，而这些发现可能是作者也不曾意识到的东西。
2、音乐史的形成离不开接受者。
当我们打开音乐史册，不难看出，传统的音乐史几乎是一部反映音乐创作的历史，音乐史中所研究的对象也主要是作曲家居多。因此在考察音乐史的过程中也应把接受者放在一个重要的位置上。在我们讨论音乐接受者对音乐史的形成的影响之前，先来明确两个概念：一个是接受者对音乐作品理解的历时性，即垂直接受；另一个是接受者对音乐作品理解的共时性，即水平接受。前者指的是，一部音乐作品一经产生，它将要面向的不仅仅是当时代的接受者，而是从它产生之日起，就要受到不同时代的接受者的欣赏和理解，同时也就会赋予它不同的意义。后者指的是，即使一部音乐作品在同一时代，也要受到不同文化背景的接受者的欣赏。所以，因为审美主体的差异，对这部作品的理解也会大相径庭。
因此，即便我们肯定了接受者对于音乐史形成的影响，当我们在考察这种影响的时候，也要将接受者对于作品的垂直接受和水平接受相结合。只有这样才能更全面、更客观地对待一部音乐作品。
二、音乐理解的多解性与共同性。
1、多解性。
接受美学家强调接受者在接受活动中的核心作用，他们认为在考察接受活动的时候应充分考虑接受个体的存在。在音乐审美活动中接受者的核心作用就体现在审美主体对作品的理解上。音乐理解是音乐审美的高级阶段,审美主体在这一过程中获得精神和理性的双重满足。在整个音乐实践过程中,作为音乐作品的接受环节，可以说，音乐理解不仅体现在接受者和作品的相互作用之中，它还直接影响到音乐创作活动。因为音乐创作的最终目的是为了音乐接受，只有通过音乐接受这一环节一部音乐作品才能真正实现其自身的价值。而音乐作品能否被人理解接受,理解接受者有多少,这常常也是衡量一部音乐作品是否成功的关键。
2、共同性。
接受美学虽然强调审美主体的能动性与创造性，但并未走向“读者中心论”。该学派也从未放弃过对“本文”的研究，也就是说它从未否认过客体的共同性。多解性虽然是音乐艺术中的一个突出现象，但它们在最基本的方面，却有着一定的共性。在音乐理解活动中无论听众的理解多么具有创造性，都不可能脱离开音乐作品本身对他的制约和规定。否则音乐理解活动就会成为无端的臆想。
三、音乐审美活动的交流性。
首先，作曲家与音乐作品之间的创作活动。在这一环节中，作曲家具有中心地位。任何一位伟大的艺术家，总是把自己的创作置于社会和时代之中。音乐家也一样，他们所从事的一切活动都是与自身所处的时代和环境密切相关。他们对社会动态有着敏锐的反应，并以此做为音乐创作的思想依据。作曲家不会毫无目的地去从事创作，他们的创作情绪的由来以及灵感的激发都基于对生活的感受。因此，作曲家的世界观、人生观、心理个性和思维方式等，必然直接或间接地反映在作品之中。如贝多芬的《第三交响曲》反映的是法国大革命时期资产阶级式英雄的形象，符合当时处于上升时期的资产阶级的要求，反映了他本人的理想与希望。
其次，音乐审美活动的表演环节。与文学、美术等艺术活动的呈现方式不同，音乐艺术活动的特殊之处在于在音乐作品与欣赏者之间，存在着表演环节。前面我们从音乐理解的多解性的角度谈了音乐表演者在在其表演中能够发挥其主观能动性，在演奏中掺入自己的理解。因此，如果说音乐创作是第一个创造过程的话，那么音乐表演则是对作品的第二个创造过程，即“二度创作”。作为二度创作，音乐表演的本质意义主要体现在两个方面：一是对一度创作的忠实传达和再现，这是使音乐表演获得真实性的基本保证；二是对作品的再创造，用以填充和丰富音乐作品的内涵。
最后，音乐作品与欣赏者之间的接受活动。音乐审美活动的第二环节也即由音乐作品到欣赏者这一阶段，具有决定性意义。可以说，一个人对音乐作品的欣赏能力是天生就有的，它与人的生理、心理状态有关，欣赏活动既可以在有意识中进行也可以在无意识中进行，是个性审美经验的累积。进行音乐欣赏活动的基本前提是对音响的感知，即在音响中感知到音色、力度、和弦的协和与不协和等音乐的外部特征，但这并不妨碍个体对音乐的欣赏。听众就是依靠这种感知能力体验音乐的情绪，并开联想活动。音乐理解则是在音乐欣赏活动基础上产生的，可以说，是音乐审美活动中的高级阶段，在这一阶段听众并不只是单纯的感知音响体验音乐的外部特征，而是能够充分理解作品，在意识中对艺术形象进行再创造，并以此在作品中找到自己的情感寄托，以达到对音乐的完满的认识。
读解电影与电影音乐论文篇十
对美感经验着墨最多的杜威(johndewey)，不仅着重于探究师生间教学互动过程中所蕴含的美感体验，也主张课程应透过完整经验，使经验的主体能专注于经验的过程中，使个体内在理性与感性达到融合的状态，同时在经验过后能获得完满自足的美的感受。这里的经验主体不仅指涉教师，最主要的是幼儿。教学是教师与幼儿共同完成的一件“作品”，教师与幼儿既是“做”，也是“受”的对象。换句话说，杜威的经验观不只是重视课程经验要能引发个体内在完满的感受，同时也重视经验过程中，相关人、事、物间的统一性与协调性。
“想象力”和“艺术”对人们的启发，希望透过美育可以使个体破除习以为常的态度，产生不同的视野进而丰富生命经验，还希望能改革过度理性化的教学与课程，让学校重视美育的影响，最后希望藉由美育来改变社会，打造一个和谐共荣、自由民主的社群。将艺术中有关鉴赏与批评的观点应用于课程当中，研究者认为他在《启蒙之眼》中指出人类具有认识世界的多种表征形式，无论是艺术家、科学家、舞蹈家或是作家等，皆有与世界有关的重要事物要诉说，对于肯定多元认知与意义的诠释具有相当重要的意义。
多元的美学观点，除了有助于研究者重新省思自身的教学模式与过于制式化的课程经验外，如何将课程经验“艺术化”也包括了理解幼儿对于经验的感受，以及本身对于课程互动过程中各种条件因素的敏锐性，教师不单只是如研究者所述无意识的教书匠，而应是具有个人意识的艺术工作者。更重要的是，如何使幼儿透过教育的过程，摆脱社会意识与主流价值的操控，使自身得以自由地存在，这才是研究者最终所关心的问题：如何使幼儿得以展现其主体自由的意志。
二、美学价值就在于它重新审视了课程中幼儿的主体问题。
以及对课程意涵的扩大与充实。而随着美学如何激发幼儿主体性，并使之得以展现的主张不同，也在课程上形成不同的课程美学派别。就此目的看来，同样也借助美学做为主体展现的另一种途径的。傅柯的生存美学思想，是从各种权力论述与社会脉络中来思考人可以如何存在的问题。如前所述，当幼儿进入到教育体系开始，幼儿本身都直接或间接地受到社会主流意识与价值的影响，而且经由各种评量机制与学校制度的运作，幼儿不自觉地成为规训下的主体，就傅柯看来，这其实是论述实践的结果。过去研究者习惯以“唯有念书才能换取好的未来”这种主流意识来思考课程问题，致使课程成为知识训练的场所，深究其原因其实也是一种论述实践的结果。傅柯提出生存美学思想的目的，正是积极寻求身为人的“能动性”。他透过自身对于界限的体验与超越，不仅展现出人与权力论述抗衡的那一面，也呼应了前述研究者在教学现场中的困境与无奈。更重要的是，他从古代希腊人对性活动的道德反思而发展出各种具自我意志的节制风格所获得的重要启示，揭示出人作为自身的统治者，对自身的行为实践所行使的自我决定的能力。换句话说，傅柯的美学观不在于探究课程中的美感经验，或是探究课程本身蕴涵的艺术性，而是着眼于人的“自由”与“解放”，探讨人一方面既能满足自身的欲望，一方面又能妥适地生存的生存艺术。因此，许多的课程美学观点虽也是重视幼儿的主体经验，以及探讨如何展现主体性之问题。但研究者认为，傅柯的生存美学思想从主体的解构与重构来探究人的“存在“问题，能有助于我们重思课程目的与经验之合理性，也响应了研究者自身所遭遇的教学困境。这也是何以研究者聚焦于探究傅柯生存美学思想的原因所在，为的就是寻求课程的另一种可能性。
美的客观论始自古代毕氏学派起就奠下了基础。他们主张”美”乃是内在于事物本身，它们必须合于某种秩序、规则，才能算是美的事物。而当时，认为宇宙万物所蕴含的自然法则是一切美的事物之法度。这样的观点在柏拉图、亚里士多德与其它学者身上，同样获得了支持与延续。正是认为人为之美必须符合自然法则的这种观点，使得艺术的目的为透过”模仿”来呈现事物美的属性；而艺术家的职责则在于为我们呈现出美的原理原则。总的来说，主张美是客观属性的论点在古代是非常流行的说法，且一直持续至中世纪。
美的客观性内涵区分为两派。一派认为美是物质对象的形式规律或自然属性，例如事物的比例、秩序等，尤以建筑或是雕塑最为明显；另一派是认为美是表现在对象所体现的某种客观精神上。
举例来说，透过乐理的教学，我们认识了各种和旋、曲调的规则；同时经由各种乐由的欣赏，我们方能掌握美妙的音乐之原理原则，而这有助于我们在聆听乐曲时对各种音乐曲目进行审美的判断。又或者是绘画的学习，学习者必须掌握某些调色的原则、比例的掌握以及物体位置的安排等，将这些元素加以组合后，才可能成就一幅好的作品。总的而说，美学的客观论者提供了我们美是具有特定本质与秩序的概念，使“美“不再是不可言喻的抽象名词，而是仍有其遵循的方式。但这种客观论的说法却无法解释，何以同样一件事物，对不同的人来说却具有不同的美的感受。而持反对论点者，则从美的主观性来说明这一现象。
读解电影与电影音乐论文篇十一
人们在观看电影时除了受到视觉刺激，还会受到听觉刺激。音乐就是电影表达声音艺术的途径之一，是一种美的呈现形式。一般来说，电影会配有背景音乐，也会有片头曲以及片尾曲，但歌舞电影一般以音乐作为剧情的推动机制，突出影片的关键情节，营造影片氛围，其创作与影片的关联性是密不可分的。本文主要从电影音乐的简介、歌舞电影的特点以及音乐对歌舞电影的影响三个方面进行阐述。
一、电影音乐的简介
电影音乐就是为电影而创造的音乐，它作为电影的背景音乐、片尾曲、片头曲等形式呈现给观众，是电影这个综合艺术中的重要组成部分。电影音乐的演奏一般与电影的对白合为一体，会在电影放映的过程中被观众熟知。无论是哪一种电影类型，都会有其相应的电影音乐。歌舞电影属于一种比较特殊的电影，一般这类电影中会穿插很多音乐，甚至以音乐作为对白，推动电影的剧情向前发展。音乐电影与普通电影相比具有更明显的音乐性，也具有更高的艺术境界，更能调动观众的情绪。音乐之所以能充分调动观众情绪主要是通过其音调结构来表现，在音乐当中，旋律的流动或休止、加速或抑制、冲突与解决都会带给听众完全不同的情绪。音乐正是通过这一点来推动影片情节的发展，帮助观众更好地投入到影片当中。
二、歌舞电影的特点
歌舞电影在世界电影发展史上占据着重要的地位，其兴起于好莱坞，后在印度不断发展，至今已经到了一个非常成熟的阶段，这种类型的电影在情节中会插入很多不同类型的歌曲，以推动电影的发展而著称。歌舞电影的叙事、影像风格以及歌舞艺术手法都有很鲜明的特点。歌舞电影的叙事结构比一般电影更加分散，更有艺术性。很多歌舞电影的发展都是通过人物对白、戏剧冲突来实现，而歌舞电影的戏剧冲突在很多时候会通过歌舞或者音乐表现出来。在歌舞电影中，歌舞的节奏决定着电影的节奏，整部电影与音乐息息相关，通过音乐来表现电影的故事梗概。歌舞电影的影像风格与普通电影有区别，普通电影的影像风格通常通过电影拍摄的角度、电影总体的画面特点来呈现，但是歌舞电影的影像风格除了通过电影的`视觉效果来呈现，还通过电影的音乐来呈现。[2]一般来说，歌舞电影中的音乐节奏明快，其影像风格就会相对鲜明；而音乐电影中的音乐节奏轻柔，其影像风格就会相对温暖。歌舞电影中的歌舞艺术手法与普通电影也有很大的区别，在很大程度上，普通电影中的音乐是辅助部分，为剧情的需要调节音乐来营造电影情绪。但是歌舞电影中的音乐占主要地位，无论是台词还是剧情的发展都离不开音乐，整个电影可能会呈现出一派歌舞升平的景象。
三、音乐对歌舞电影的影响
音乐对歌舞电影的影响非常大，主要体现在表现文化精神、抒发人物心情以及参与叙事三个方面。每一个时代每一个地区都有自己的文化特征与精神风貌，因此，不同地区、不同时代的电影象征着那个时代、地区的文化精神。而歌舞电影中的音乐自然也具有时代性，我们可以从音乐的特点中感受到那个时代的代表元素。例如《歌舞青春》就代表着21世纪青少年的活泼好动，也代表着欧美特有的文化底蕴。歌舞电影中的音乐能够很好的表达电影人物的心情，很多时候，电影中的音乐可以作为对白来呈现，通常各个时候都带有一定的戏剧冲突。将人物的心情用音乐表现出来可以增加电影感染力，强化电影的叙事特征。电影叙事学实际上是指电影通过哪些元素、手法来达到叙事目的。电影叙事系统通常是由画面、音响、语言、音乐、字幕五个部分构成。[3]在叙事元素中，语言、画面、字幕及音响的叙事能力是显性的，具有客观、具体、直接等特点。音乐在电影叙事中呈现出隐性特点，具有间接、主观、抽象等特点。电影音乐的应用是实现叙事的一种有效手段，它对电影情节、叙事时空、观众接受心理的构建都具有重要作用。
四、结束语
电影的成功不外乎演员精彩的演绎、导演的正确指导、音乐元素的充分应用。在电影中，音乐始终是为电影服务的，它不仅能起到推动电影情节发展的作用，还能引起观众共鸣。为了加深观众对电影的理解，我们必须将电影与音乐有机结合，创造出引人入胜的视听盛宴，将电影赋予更多生命力与活力，营造主体氛围，从而促进我国电影事业更好地发展。
读解电影与电影音乐论文篇十二
自《卧虎藏龙》上映以来，片中优美的音乐得到众口一词的好评，作曲家谭盾再次为世界所瞩目。在音乐中，他加入了许多中国传统元素中的戏曲元素，《月亮爱人》《永恒的誓言》等都是《卧虎藏龙》中的优秀作品。其中，《月亮爱人》是电影的原创歌曲，《永恒的誓言》是流行音乐和古典音乐相结合的作品。他用中国传统的音乐表达形式和西方的音乐相结合，并结合得恰到好处，音乐所散发出的古典美、现代美带到影片中，烘托影片剧情，使影片散发出一种独特魅力，效果极好。这部影片音乐的创作独树一帜，同时也获得了奥斯卡电影节最佳原创音乐奖。影片是以含有悲伤情绪的大提琴为主旋律，这样的声音不禁让人联想到中国古典的乐器―――二胡，二胡演奏的忧伤情绪最能感染人，然而，谭盾不走寻常路，他用大提琴代替二胡，所奏出的声音依然让人折服。在音乐中，他也把东方古典乐器的演奏和西方乐器的演奏结合得很好，在音乐中得到充分的体现。古琴和大提琴的配合奏出了浓厚的戏曲味道。在“南行”一章中，他运用了笛子，婉转悠扬的声音把江南秀丽的美景表现得淋漓尽致;在“交锋”中，又运用了琵琶，让人感到胆战心惊;在“穿越竹林”中，他运用了萧，使整个情节都充满强烈的江湖杀气;在“思慕青冥剑”中，又巧妙地运用了二胡，给人一种空灵的惬意;还有维吾尔族乐器和葫芦丝的运用，都表现出了一种神秘的音乐文化气息。
《卧虎藏龙》让谭盾被更多的人所熟知，他为东西方音乐的结合作出了巨大的贡献。后来，他又为张艺谋导演的《英雄》作曲，再一次充分发挥了自己的特长，把东方音乐的神秘和西方音乐的浪漫完美地融合，创作出了优秀的作品。在《英雄》的音乐中，谭盾使用了许多让人意想不到的音乐创作方法。他把小提琴的琴弦换成二胡的琴弦，使发出的声音呈现出一种深远、苍凉的音乐曲风，他用这种方式来表现大漠的荒凉、孤寂、辽阔，准确地表现出古代大漠的风味，很好地表现出电影所要表达的意境。谭盾对乐器的改造还体现在多种乐器上，他把中国东北的二人转与西洋交响乐曲相结合，把西方的爵士乐和摇滚与鼓点相结合，这样的设计把东西方的音乐有条不紊地融合在一起，将影片中的情节和音乐很好地结合，给人一种画面与想象相配合的感觉。在《英雄》中，那种气势磅礴、唯我独尊的气势是从管弦音乐中来的，管弦音乐在千军万马中迎面而来，构成了让人为之震撼的画面。“闯秦宫”一段中，谭盾使用了一种很古老的乐器―――古铙。古铙大约有4000多年的历史了，是一种极具东方特色的乐器，发出的音乐低沉而又神秘，如泣如诉。谭盾邀请了极具东方特色的日本著名的鼓童和西方浪漫主义的小提琴演奏家帕尔曼，并找了50名男低音共同演绎了这段音乐。在这段情节中，打斗的场景在古老钟声的气氛中沉浸着，再加上小提琴和男低音的淳厚使得电影演绎出一种空灵缥缈的感觉，三者结合表达出一种很独特的效果。同时，这段音乐也是这部电影的主题音乐，电影一开始的'时候，是鼓曲和交响曲的结合，流露出一种苍茫大地的情怀。谭盾是大胆的，他把古琴和小提琴巧妙地结合在一起，表现出中国的雅致和西方的唯美。这种东西方的结合，获得了别样的音乐风格。“在水一方”的水战，打斗很激烈却听不到一点声音，这与谭盾独特的音乐创作有关，缥缈而又安静的画面，给人独特的视觉享受。在“永别英雄”这一段中，把二人转和秦腔的旋律与小提琴相结合，奏出了一种苍凉而又宁谧的感觉，成为电影音乐上的经典。
《英雄》中所表现的音乐是粗犷的、沧桑的，并且要表现出大漠的辽阔。谭盾所创作的音乐中，是柔情和阳刚相结合的，在《卧虎藏龙》中表现了南方的柔情;在《英雄》中，则表现的是粗犷宏伟的音乐。《卧虎藏龙》大部分都是以简单、清新的风格为主，配乐就像故事情节那样单线条发展。两者虽然一个粗犷，一个细腻，但是两种音乐风格都有一个相同的特点，也是音乐最独特的地方，那就是传统的音乐用西方的音乐形式表现出来了，把东方的传统音乐和西方的弦乐相结合起来了。《夜宴》的音乐创作把谭盾的事业再一次推向高峰。《夜宴》中所呈现的音乐给人一种耳目一新的感觉。在配乐中，谭盾再一次巧妙地把我国的民族音乐用西方的音乐形式表现出来，把东方的静谧、神秘感表现得淋漓尽致。这种结合，使他又一次大获成功，给影片增加了许多亮点。《夜宴》中的音乐《越人歌》《我用所有报答爱》为影片的成功作出了重要的贡献。
谭盾在《夜宴》的音乐制作中，为了渲染出唐代的盛世，抛弃了大提琴声音悠长的优点，而是用钢琴的低声区来表现，又把周迅声音的沙哑、张靓颖声音的悠长和泰戈尔声音的低沉巧妙地结合在一起，描绘出一幅美好的画面。影片的开头是《越人歌》，歌曲声音委婉、唯美，与影片情节相得益彰，把影片的情节烘托得恰到好处。其中，钢琴和弦乐的配合，使乐曲很有层次，也将画面呈现得错落有致。片尾是《我用所有报答爱》，悲伤的旋律让人们沉浸在影片中无法自拔。任何事物都不会凭空而来，《夜宴》也是如此，《夜宴》的成功创作离不开《哈姆雷特》的影响，莎士比亚的《哈姆雷特》中富含丰富的西方音乐特质，而在《夜宴》中，谭盾巧妙地将东西方音乐结合在一起，将中国文化元素寓于西方音乐之中，从而完成完美创作。正如《夜宴》和《哈姆雷特》一脉相承，两部作品中反映的世界观极其相同。但在东西方不同的环境中，人们的反映就会不同。小提琴在配乐中富有一种神秘感，不同的人会有不同的理解，这种奏出的曲调要人们自己去细细地品味、体会、解读。每一部作品都有其要强烈表达的东西。《夜宴》这一作品是想挖掘人内心最深处的寂寞，让人们在这份寂寞的感染下去寻找那份希望，从而达到心灵之间的共鸣，最终使不同文化不同地域得到完美结合，形成一个完美的整体。《夜宴》所讲述的故事较之《卧虎藏龙》要早1000多年，其音乐也比《卧虎藏龙》的音乐更加古朴与唯美。仿佛来自千年之前的天籁，在时空的罅隙连绵不断，而结尾处摇滚音乐的闪现与古典音乐形成强烈的对比，视觉与听觉的双重刺激，将人们从遥远的唐朝拉回到现实中。古典与现代的完美结合，给人一场跨越时间与空间的盛宴。通观整部影片，音乐随着剧情的发展不断变化，时而紧张凝聚，时而舒缓凋落。音乐的不断变化将人物的悲与喜表达得淋漓尽致，中华民族含蓄内敛的情怀在西方古典音乐热烈、深厚的风格中燃烧，将那份深藏在内心深处的情感毫无保留地表现出来。
谭盾创作的电影音乐都是以中国古典纯正的文化为根基，再将西方的乐曲技巧、乐曲形式很好地融入其中，这就弥补了东方传统文化拘谨、扭捏的短处，也创造了富有东方情调的音乐硕果。深受广大观众的热捧，为中国传统音乐的发展提供了更大的空间。谭盾敢于打破常规，挣脱陈旧俗套的创作思维的束缚，将古典与民间融合，传统与现代结合，民族与地域结合，从而酝酿出别有一番韵味的音乐曲调。其实，创作电影音乐本就需要敢想、敢闯、敢突破的头脑和任其自由飞翔的领域天地，一味地墨守成规只会令音乐停滞不前。谭盾的敢想敢闯的精神着实令人折服。他为中国现代音乐和中国电影的发展创造了更为广阔的发展空间，让国际上更多的人对中国的传统文化与音乐色彩有了更深的了解，也为中国电影音乐营造了新的传奇。
读解电影与电影音乐论文篇十三
记得中国顶级的成功学激励大师陈安之讲过：比尔盖茨之所以会成为世界首富，答案是他具有非凡的眼光，选择了最具前景的软件行业，如果他选择卖烧饼，答案一定是否定的。由此可见“选择”的重要性。在我们身边很多人每一天都在任劳任怨、勤奋努力的工作，但收获颇少，平凡依旧，原因是没有选择真正属于自己的方是与方法。高中音乐鉴赏教材作为教师教学、学生学习的依据，对整个教学活动起着至关重要的作用。因此，根据大纲、教师、学生的实际情况选择适当教学内容就显得尤为重要。
学生强烈呼喊：我们努力过但没有“兴趣”
与时俱进，追求音乐的流行美
现代世界，包括音乐在内的各方面都在飞速的发展。无论是音乐创作，还是音乐表演，都在技术上，艺术上有了很大突破，紧紧的体现了时代气息和人们对音乐文化的需求。作为欣赏主体的学生，理所当然对音乐的品味也越来越高。经过笔者教学实践发现：
时尚旋律美，是学生音乐鉴赏的首要需求。在《学堂乐歌》单元中，学生对教学内容比较陌生，缺乏兴趣，甚至认为其旋律老土，没有新意。课后，我认真的反思并作出了调整，我将“学堂乐歌’和“校园民谣”结合起来，课堂上简略的聆听“学堂乐歌”，重点是欣赏具有时代气息的“校园民谣”。比如《同桌的你》、《睡在我上铺的兄弟》等，这样既抓住了学生的兴趣，又自然的进行了同类音乐的拓展，收到了良好的教学效果。
明星表演美，是他们内心的“榜样”需求。在欣赏民族歌剧唱段《清粼粼的水来蓝莹莹的天》时。因为他们这个年龄阶段基本上都有自己的偶像，都有自己的“明星梦”。所以，笔者在教学过程中总是找到不同明星的多个版本的音乐给同学们欣赏，以便使学生产生良好的共鸣。
浪漫意境美，是他们放飞心情的需求。在钢琴音乐单元，我们欣赏了肖邦的《“革命”练习曲》和李斯特的《爱之梦》，两首音乐都是浪漫主义钢琴音乐的杰作。但学生更喜欢《爱之梦》，因为《爱之梦》更让他们觉得“浪漫”，更适合高中生的情感需求。所以在教学过程中，笔者总是从他们的兴趣入手，由浅入深，选择一些诸如《神秘园》、《神话》等音乐作为教学内容的补充，逐步过渡到对他们来说较“难”的音乐，受到了较好的教学效果。
动听配器美，是他们体验音乐魅力的需求。在流行风单元，我们欣赏的是毛阿敏1988年春节联欢晚会上演唱的《思念》，学生反映普遍较差，随后我立即播放了同样是毛阿敏在“同一首歌”上演唱的《思念》，学生马上兴奋起来。因为音乐家对这首歌曲进行了重新配器，使其在音色、和声等更富于流行美。
由于高中生的年龄结构和心里特征，他们对“流行美”的需求还很多很多，作为老师，我们应该用“心”去发现，用“行”去实现他们的“需要”。帮助他们挖掘出时尚、经典的音乐作品。
简单直观，力求音、画、舞结合
音画结合。例如：在欣赏《西出阳关无故人》和《高山流水致家园》两个单元时，我们可以根据音乐所蕴涵的意境，选择《唐之韵》等视频音乐文件进行播放，使学生在听觉中领悟意境，在视频中理解音乐。这样就让较难的音乐变得直观简单、一目了然。
音舞结合。例如：在欣赏《非洲歌舞音乐》单元时，由于其音乐和舞蹈有着相当密切的关系，所以，我们在教学过程中应忌讳对他们进行孤立的欣赏，而要让音乐与舞蹈有机的结合，从而更加深刻的了解非洲歌舞音乐的相关知识。
音画舞结合。例如：在欣赏《爵士乐》时，笔者找到了著名爵士舞的视频片断进行欣赏，让学生一边聆听，一边哼唱，一边模仿舞蹈，既满足了学生的“需求”，又使课堂得到了良好互动。
读解电影与电影音乐论文篇十四
摘要：我国民族声乐艺术历史悠久，其文化内涵和底蕴极为厚重。
传播民族声乐艺术，不单单是延续声乐艺术，更是发扬光大中国优秀的文化传统。
伴随着日益深化的改革开放，人们也开始拥有了时尚化和快餐化的审美取向。
尽管在传播过程中，我国民族声乐艺术取得了一定的进步，但也同样面临着诸多困境，亟待我们去突围，以促进多元化时代民族声乐艺术的健康发展。
关键词：民族声乐艺术;传播;困境;突围
当今时代，大众文化开始趋向于消费式和快餐式的发展模式。
作为高雅艺术的民族声乐，由于群众基础的严重匮乏，特别是因为对年轻一代失去吸引力而被束之高阁。
目前，我国传统民族声乐艺术在传播过程中，存在种种的困境。
而作为我国文化艺术宝库的瑰宝，传播民族声乐艺术，是每一个中华儿女的光荣使命。
本文通过研究民族声乐艺术传播的相关问题，旨在为突破民族声乐发展的瓶颈献计献策，使民族声乐艺术能重新回到人们的视野，以大众所喜闻乐见的形式，而重获人们的喜爱和欢迎。
一、中华民族声乐艺术传播困境
我国民族声乐艺术在多元化背景下，已经取得了长足的发展。
随着丰富多样的传播渠道和传播媒介，民族声乐艺术的传播态势极其良好。
但因为受到民族声乐自身的特点以及传播效果、受众和传播内容的影响，民族声乐在传播过程中，还存在着诸多的困境。
1.娱乐性与审美性的失衡。
现代社会处处充满着竞争，而日益加快的生活节奏，使人们更趋向于一种娱乐式和快餐式的艺术形态，对于民族声乐艺术，已经很少有人能静静的欣赏了。
由于严重缺失受众群体，民族声乐试图探索一条有效的发展和传播途径，而探索的路程并非一帆风顺。
由于目前开始逐渐向娱乐性的方向倾斜，以迎合受众的心理，使民族声乐艺术的传承出现了审美性和娱乐性的失衡。
民族声乐艺术实现自身价值的关键所在，就是观众的喜爱和欢迎。
所以，为了与群众的审美趋向相适应，民族声乐艺术不仅要更好的彰显自身的个性，同时还应在教育、表演方式和创作方面及时的更新、与时俱进，赶上时代发展的主流，这样民族声乐艺术才能更好的与时代精神相符合。
2.民族性与教育性的失衡。
中西方音乐艺术的沟通和交流的历史极其漫长，是在曲折中不断发展的。
由于国家政策的导向和支持，在20世纪80年代以来，开始兴起了多种唱法，在这一时期，提出了“三种唱法”。
通过对比，西洋唱法越来越突出，并取得了更大的进步。
在国际大型的赛事中，我国一些年青的美声学子频频展露头角。
基于这样的背景，西洋唱法开始备受追捧和重视，导致我国民族声乐艺术中民族性与教育性的失衡，出现了日益减弱和淡化民族观念的现象。
很多人迎合潮流，认为美声唱法是最好的，最时尚的，将我们的民族性逐渐丢失。
在民族声乐教育中，为了解决声音基本训练的问题，而单纯的分割各种唱法，或者是只用科学的唱法训练，而没有将民族的特殊和个性彰显出来。
3.专业性与大众性的失衡。
目前，在音乐领域内，具有名目繁多的电视选秀节目，并且有越来越多的地方卫视热衷于这类节目。
而流行音乐在形式各异的音乐选秀节目中，占据着重要的地位。
和流行音乐相比，民族音乐的却备受忽视，甚至很难找到立足之地。
一方面，是因为确实存在着社会化的影响因素，人们的思维方式开始不断的更新换代，同时随着日益兴盛的大众传媒，快餐式的文化普遍被人们所接受，在这种形势下，流行音乐更容易受到欢迎。
由于流行音乐成为人们的焦点，使民族声乐艺术遭受冷遇，在传播的过程中，也自然受到阻碍;另一方面，和流行音乐相比，民族声乐的专业性更强，如果大众的知识水平达不到一定的层次，就不能对民族声乐艺术很好的欣赏。
同时，由于一些年青的观众将民族声乐艺术视为是“麻烦的高雅艺术”，使民族声乐被束之高阁。
民族声乐艺术在传播的过程中，正是受以上两个因素的影响，而出现了专业性与大众性的失衡。
二、中华民族声乐艺术传播的策略
1.对现代化媒体充分利用，更好的传播民族声乐文化。
目前，在人们群众生活的方方面面，已经被新媒体所充斥，现代化大众传媒是人们参与社会经济和获取各种信息的重要途径。
中华民族声乐艺术利用大众传媒的传播，能更好的走进人们的生活，赢得广泛的群众基础，被人们所认可和接受。
现代大众传媒涵盖了报纸、广播等各种形式，每一种传播媒介的特点都是非常的独特。
在对中华民族声乐艺术传播的过程中，需要对每一种传播媒介自身的优越性充分的挖掘，将广大人民群众的热情最大限度的激发出来，以实现最佳的传播效果，赢得广大人民群众的欢迎和喜爱。
虽然，大众传媒已经成为传播民族声乐艺术的重要渠道，但在传播的过程中，我们不能为了博人眼球，而一味迎合商业化的需要，强制向公众传播。
而是应该通过有效的引导，使大众传媒的社会责任感增强，将其先进的正能量的作用充分发挥出来，不仅向广大群众广泛传播，同时还要将正能量的民族声乐文化推向全世界。
2.对大众健康的审美取向正确引导。
虽然民族声乐类电视选秀节目已经呈现上升趋势，但是和流行音乐类电视选秀节目相比，其上升的数量还相对较少。
目前，流行音乐类电视选秀节目正在如火如荼的进行。
各大卫视为了获得更高的收视率，吸引更多的注意，对各类选秀形式，往往在挖空心思的更换。
如2012年浙江卫视的《好声音》，凭借其专业的导师带队和新颖的形式，而赢得了较高的收视率和良好的口碑，将流行音乐类选秀节目推向新的高潮。
而随着蓬勃发展的音乐类电视选秀节目，巨大的冲击着我国民族声乐类电视选秀节目，甚至影响到中央电视台权威的青年歌手大奖赛的发展。
尽管从收视率来看，江西卫视《中国红歌会》还比较平稳，但还是竞争不过流行音乐类节目的收视率。
所以，必须从整体上规范电视歌唱选秀节目，才能促进电视歌唱选秀节目的健康发展。
希望通过规范，促进流行音乐类和民族声乐类电视节目的均衡发展。
保留那些有积极影响的、制作精良的流行音乐类电视节目，取缔那些重复的质量差的节目。
同时，要将现有的民族声乐类电视选秀节目的质量提升，鼓励推陈出新，制作更多精良的作品。
让更多优秀的民族声乐艺术走进观众的视野，以更好的传播民族声乐艺术文化。
3.树立正确的民族声乐传播意识。
首先，我们应该对在民族声乐艺术中蕴含的价值正确认识，将传播民族声乐艺术作为我们每一个人的神圣使命和光荣职责，对民族声乐艺术进行积极的传播;其次，从更深层次意识到，民族声乐是中华民族的独特标识，彰显了民族特色。
民族声乐艺术之所以能够立足于世界音乐艺术舞台的根本，就是其独具特色的民族性。
而一旦这种民族性丧失，中华民族音乐也就失去了生命和活力。
因此，在对中华民族声乐艺术传播的过程中，我们应始终坚持民族声乐艺术的民族性，保持民族声乐艺术的民族魅力，通过融合流行因素，加以创新，以大众所喜闻乐见的、新颖的形式呈现出来。
同时，还应对全世界各个民族的声乐艺术精髓积极主动地吸收，将借鉴其他民族声乐艺术和继承本民族声乐艺术的关系处理好，推动民族声乐艺术的进一步发展，走国际化的道路，与全球化的趋势相适应，使中华民族声乐艺术能走向更高的舞台。
我国民族声乐艺术在传播的过程中，出现了一些问题，面临着诸多挑战。
为了走出民族声乐艺术传播中的困境，我们应对现代化的传播媒介充分利用，以更好的促进民族声乐艺术的传播。
我国民族声乐艺术是我们民族所特有的，蕴含着厚重的文化内涵，唱出了我们心上的歌。
在当今社会趋向多元化发展的背景下，我们应对民族声乐不断创新，使其彰显时代精神和民族特色。
同时，还要营造良好的环境，以更好的发展民族声乐艺术。
我们每一个人，都应树立正确的民族声乐传播意识，使民族声乐艺术得到更好的传承，能受到全世界的瞩目。
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读解电影与电影音乐论文篇十五
艺术培训这一教育，其主要是通过授课、讲座、大众传播媒体等方式或手段来进行生产或发展。随着经济的不断发展及提升，百姓的物质生活发生了极大的改变，其对自身素质的要求也日益增强，高雅一族的艺术也日益走进普通百姓的生活，这一客观环境的出现，也就使得很多家庭期望孩子通过艺术培训使其自身得到良好的发展以适应社会的步伐，在学员家庭中，参加艺术培训已是其生活的重要组成部分。此外，在我国目前的艺术市场中存在着消费群体及市场潜力较大、经济收入也较为可观的特点,而音乐也要在美学角度下尽可能地发挥艺术形式的创新和美，这样才能让音乐的发展表现出勃勃生机。
音乐形式美的基本要素。
音色、音准、速度、力度以及节奏等是音乐艺术形式美的基本构成要素。首先，音色。在音乐形式美中，音色是最显著的要素。音色通过音质、工艺、情调三种途径表现出来。音质色彩主要表现在歌者和音乐材料两个方面。音质的水平既和乐器的制作工艺有关，又和演奏者有关。工艺色彩依赖于演奏者的技术控制能力和理解水平。情调色彩通过演奏者的控制能力和艺术想象力表现出来，赋予作品情绪变化。以音色为中心，产生或消失“完形压强”，从而获得音乐形式美。其次，音准。音准是相对的，在音乐艺术创作中，音准从陋境发展到稳境，再上升到活境。演奏者可以根据音乐情势要求恰当地运用音律、音高。第三，速度。音乐形式美的宏观表现依赖于对速度的掌控。音乐作品具体量化了音乐的速度，不过在实际演奏中由于不同的演奏者有着不同的艺术经验，对同一个音乐作品会有着相对不同的量化处理。第四，力度。音乐表演应当富有起伏变化，并且演奏者能够控制得当，赋予音响立体感与层次感。人们在力度训练上常常将“力度域”分成不同的等级。高水平的演奏者能够非常细致地把握力度等级，表现出很强的音乐力度控制技术。第五，节奏。与周而复始简单运动的节拍不同，节奏随着音乐情绪、音乐形态等因素的变化而变化。节奏涉及音乐内容、音乐风格等较为复杂的语义学表现。以上这些音乐形式美的基本感性材料，是实现音乐艺术形式美的必备条件。为了充分体现音乐艺术形式美，在此基础上还必须合理组织、加强结构美的构建，而在这些基本元素中，对于音乐美与力的把握和平衡非常关键。
音乐形式的结构美。
音乐艺术形式不仅需要处理好基本要素等细节内容，还必须处理好乐曲全局与块状性质的布局，构成富有整体性的音乐律动，产生富有一定层次的音响效果，实现音乐结构的艺术形式美。就音乐结构形式美的规律而言，国内外美学家有着不同的理论解释。托马斯阿奎那曾经指出三条规律：鲜明、和谐或适当的比例、完美或完整；荷加斯曾经指出六条形式美的规律：量、错杂、单纯、一致、变化与适宜。音乐形式的结构美可以从两个方面进行分析：总体组合规律和部分组合的关系。适用于前者的规律有适宜、和谐、统一等，适用于后者的规律有整齐、对比、均衡、节奏、对称、比例等。音乐艺术形式表现、处理、把握结构美，就应当遵循以下规律。首先，和谐。音乐形式的各个基本要素需要协调一致。音色、音准、速度、力度以及节奏等要素虽然有着质的差别，但是在一个音乐作品构架内需要相互融合，促进整体的协调性。音乐艺术形式的和谐包括三个层次：作品整体形式的协调一致、创作主体和听众的和谐、主体和对象的协调一致。其次，平衡对称。音乐艺术形式中的平衡对称主要反映为对立面的交替。每个单位元素均可以通过对立面进行反衬，以烘托自身的特征。各个单位在相互映衬时，保持平衡对称，将多样性统一到音乐整体当中。第三，整齐一律。整齐一律是音乐艺术形式美的基本要求。在音乐艺术中，将不一致的元素融入到整体当中，化为整齐一律的元素。在具体的音乐艺术表现中，速度、节拍等元素中相当范围内保持整齐一律，在整体中整合多样化的`音高、时值等因素，将各个有机组成部分统一成整体。演奏者需要将“杂多”的元素，在整齐一律的速度和节拍中有组织地展现出来，以形成音乐艺术结构美。
音乐形式结构组合。
在实际的音乐表演中，乐部、乐段、乐句、乐节和乐汇等各形式结构之间存在着契合与衔接的问题，即“间歇”，也被称之为结构间的转换。从心理分析来看，情绪唤醒水平有着一定的阈值，激发情绪需要一定的时间，平复情绪也需要一定的时间。当人们沉浸在音乐演奏中的某个情景中时，忽然情景发生了转化，新的场景突然出现会导致人们产生心理抗拒，并体验到不和谐感。因此，在组织音乐结构时，必须认真分析作品，领会作品，感受作品的灵魂，遵循音乐形式结构美的规律，把握转换分寸，才能进行生动传神的演出。要实现音乐艺术形式美，就应当适应精神需要，富有音乐形式审美价值。在注重音乐形式的基本感性材料的同时，还必须遵循音乐形式组合规律，注意音乐表演的适宜性。“适度感”是音乐形式美组合的总原则，其主要包括音乐形式对音乐形式的适应、音乐形式对人们的审美需求的适应及音乐形式对客观对象的适应三个部分。在音乐二度创作时，还需要考虑音色和音色的适应，力度层次处理恰当与否，速度变化合不合理等。由此可见，音乐艺术形式美存在于人们的审美中，其形式美的独立性是相对的。
结语。
音乐是一种时间艺术，音乐形式的各种要素均需要在时间的过程中体现出来。人们在某一段时间内感受到按照一定顺序展开的音响刺激，从而领略到音乐的美。音乐艺术形式存在于音响当中，音乐艺术形式美建立在感性材料和结构组合的基础上。音乐艺术形式美的基本构成要素包括音色、音准、速度、力度以及节奏等，这些基本感性材料是实现音乐艺术形式美的基础。为了实现音乐结构的艺术形式美，还必须遵循一定的组合规律，将各个有机组成部分统一成整体，赋予音乐作品审美价值。
读解电影与电影音乐论文篇十六
从电影的诞生到从无声电影到有声电影的变革，再从电子计算机的诞生，电子音乐技术的成熟，电影音乐也发生了巨大的变化。从简单的特殊音效到20世纪管弦音乐体系的建立。现如今电影已经融入了人们的生活中，但是，由于观众的文化背景不同所以人们对于电影音乐的选择也显得众口难调。所以不同地区的电影音乐也有着他们不同的音乐特点。正如同好莱坞的电影音乐不仅有电子音乐技术与管弦乐的令人震撼的完美的听觉效果，也同样运用了美国本土的爵士乐；而与好莱坞同样成功的印度“宝莱坞”同样运用了印度本土的歌舞音乐来丰富电影情节，宣传印度文化。这不禁使我们想到在中国的电影中我们应当用什么样的电影音乐来代表中国的特色，怎样在电影音乐运用中国元素是一个值得思考的问题。这也是中国的民族器乐进入电影领域的重要原因。
中国的`民族器乐沿袭了中华民族几千年的文化传统，可以说在文化发展相对多元化的今天，中国的民族器乐是一种保存和继承的较为完整的艺术形式，在中国的电影音乐中，民族器乐往往担任着重要的作用。民族器乐以其十分有特色的音色，在电影音乐中发挥了它不同寻常的表现力和渲染力。就二胡而言，与西洋乐中的弦乐器不同的是，取代了小提琴华丽的音色，二胡给人带来的印象是如泣如诉，更多的是温暖而古朴的音色中伴随着点点悲伤，正像是夏末秋初那一点点阳光，余温中透出点点寒意。这种柔美和哀婉对于表现女性的表现有着不可替代的作用。除了二胡之外，像琵琶、三弦等乐器都在特定的乐种中担任特定不可替代的角色。想苏州弹词中的琵琶、京韵大鼓中的三弦，都代表这一种指定的地域的地方特色。所以说中国的民族器乐在电影音乐中不仅仅是特殊的表现力和对于情节的推动作用，还是中国广袤的土地上发展起来的丰富多元的文化特色的体现。
民族器乐在电影音乐中的应用
我们的民族器乐以其迷人的音色打动了很多人，但因为文化或者条件的原因，在国际上的应用并不广泛。所以，我们想要民族器乐在电影音乐中更好的发展，我们可以考虑民族器乐与电子音乐的结合。在好莱坞电影中我们不难发现，越来越多的中国元素进入好莱坞的电影之中。例如，《花木兰》选取的是中国的传说故事，《功夫熊猫》中用了中国熊猫的形象和中国功夫等元素。《功夫熊猫》的电影音乐中更是成功地运用了民族器乐，将民族器乐中的竹笛、二胡等融入了好莱坞式大片的音乐制作中。这为民族器乐在电影音乐中的应用做出了成功的范例。在我们国内也有许多电影音乐运用了民族器乐，运用的最多的要数展现英雄形象的中国特色武侠片。像李安的《卧虎藏龙》、张艺谋的《英雄》、《满城尽带黄金甲》和我们所熟知的李连杰的成名作《少林寺》中都能发现，民族器乐可以说更充分和完美了诠释人物形象，推动情节发展。在张艺谋导演近期的《金陵十三钗》中琵琶不仅成为电影的背景音乐而且以一种视觉的形象出现在了观众的眼前。
民族器乐在电影音乐中应当如何发展
在电影的表现人物形象和奠定情感基调的民族器乐虽然有着很重要的作用。但是在更多的影视作品中，出于多种原因的考虑，我们不得不运用现如今发展起来的电子音乐技术来代替真人的演奏，我们在电影中听到的恢弘的交响乐队往往不是由真人录制的。我们可以想像一下，如果一个百人的交响乐队进入狭小录音棚，那是多么不方便的事情。有了电子音乐技术，我们可以只用一个制作人就能制作出一个百人乐队的音效并且可以做得非常真实，而且可以达到自然音色达不到的效果。这不仅为音乐制作提供了便利，还为电影制作节省了开支。这也是电子音乐在电影音乐中广泛应用的重要原因。所以说在电子音乐的发展成为一种大趋势的情况之下，可以使民族器乐与电子音乐的制作相结合，从而取得更好的发展。我们可以将更多出色民族器乐音色制作成为软音源，将民族器乐作为电子音乐制作中的一种特殊音色来运用，这不失为一个推广中国文化和民族器乐世界化发展的好方法。作为一个民族器乐的学习者和电影的爱好者，笔者希望民族器乐能够在电影音乐中得到更好地应用和发展。
读解电影与电影音乐论文篇十七
《春晓》一诗共四句，“春眠不觉晓，处处闻啼鸟。夜来风雨声，花落知多少?”，孟浩然的这首《春晓》是他隐居鹿门山时的时候写的，意境非常优美。诗人没有采用一般手法直接叙述眼前春天景色的手法，而是通过春天早晨将要起床和起床后的感受，以及所见引起的回想来描绘体现春天的气息，有过这种经历和感受的中国人自然能体会到诗人那刻的这种感觉。
“春眠不觉晓，处处闻啼鸟”这两句诗写出了诗人在气温适宜的春天里睡觉是多么的沉眠，以至于没有发觉早晨拂晓天亮，到处都是鸟儿鸣叫声，才吵醒了睡梦中的人儿。“处处闻啼鸟”就这么五个字，所用笔墨虽少，却充分展现了春天充满生机和活力的早晨。鸟鸣欢叫唤醒了夜晚春困沉睡的诗人，推开窗打开门春晨拂晓的光亮照进屋来。春天给人们夜晚一个美好的睡眠，早晨起来自然神清气爽，活力四射，听到鸟儿欢快的鸣叫就知道有多美好，向读者生动地展现了春晨鸟鸣的场景，体现了诗人对春晨的喜爱和怜惜。诗人就差直接感叹“春天多么没好”了。中国诗词的美妙之处正在于没有明说，却是无尽的赞美。这么美好的春天拂晓差点就淡忘了昨夜的风和雨，看看地上那么多落下的花瓣，方能肯定昨晚确实刮了风下了雨。昨夜沉眠的睡梦中似乎听到了风声和雨声，看看外面那么多落下的花儿又有多少是风吹下雨打下的呢?这多少让人有些伤感和失落，没有昨夜的微风和细雨，枝头依然挂满鲜花，在阳光的照射下那又会是怎样一种春日早晨的景象呢?应该会更美吧!虽然昨夜的微风细雨凋零了一些春光，但微风细雨也纯净了春日早晨的空气，柔和了清晨的阳光。音韵的和谐让人们读来朗朗上口，自然传唱千古，而且接地气贴近生活，自然为大众所接受，更重要的是景情交融引发人们无限遐想的空间。
德国一个大学教授提出来的“接受美学”强调文学作品应该从欣赏者的角度来考虑。一部好的作品，一篇好的诗词，作者写出来或者翻译者翻译出来只完成了一半，另一半需要欣赏者读者来填补其中留有的无限遐想空间中的内容。
接受理论意在强调，每一首诗词的文字只是每一个作品的一个简单构成部分，诗词的符号和文字构成相当于一个作品组成部分中的载体。在没有读者阅读它之前，它仅仅只是文字和符号而已。然而经过读者的阅读，结合阅读者自己的情感经历再进行赏析想象，丰富了文字和符号的内涵，才成为了作品。作者和翻译者的作用在于提供了指引读者思考的文字和符号。好的作品在于为阅读者指引的这条道路仅仅只是相对固定，有比较大的自由度，需要融入读者的思想情感和经历体验。诗词的文字和符号可以离开接受读者的审美经验和感知而保持其结构形态永远存在不变。诗词作品却需要读者接受并主动融入自己的审美体验和生活感受。读者生活经历的不同，思想感情的变化都会影响作品的呈现。诗词作品是阅读者升华的之后的文字和符号。
好的翻译文字和符号会引导读者在阅读过程创造性地去使文字符号变成详细具体的形象和感受。中国的诗词作品总是含有许多隐含而未透漏的东西，读者阅读之后这些不确定的东西就能呈现出来，所以诗词文字符号的人物和场景等就含有了读者所赋予的一些美的内容了。不同的阅读者对相同的诗词文字符号，在理解方面会有细微的差别，只要总的感情基调没变，都是可以的，这正体现了潜在审美价值在不同阅读者身上的表现。翻译诗词作品时所用的文字符号应该考虑阅读群体普遍的生活经历和情感体验，这样才能到达原作者所作诗词的境界。诗人写出文字符号时赋予了文字符号生活经历和情感体验，使其得以流通并被众多阅读者阅读接受。阅读者接受诗词文字符号时，用自己的生活经历和审美体验丰富了诗词文字符号的内涵而使其成为了作品。诗词的文字符号永久不变，但他们处于不同时代或者换了存在的社会环境就会成为不一样的作品，这就是我们为什么理解诗词时要交待作者是在什么样的背景之下写出来这篇诗词。诗人写作诗词的文字符号给阅读者理解诗词划定了一个范围，阅读者自己的生活经历和情感体验也给自己理解诗词划定了一个范围，因此就会有不同阅读者对相同诗词在感受方面会有细微的差别，就像诗词赏析时各考生不会有完全相同文字符号的答案一样。
诗人写出那些文字符号时，他就希望阅读者从这些文字问号中读出他所期待阅读者读出来的东西，读者依据自己的生活经验和感情经历与诗人产生交集。这种诗人与读者联系的`交集，一方面决定于诗词的文字符号，另一方面决定于阅读者所读类似作品而积累的经验。翻译者所要做的就是翻译出好的作品让读者能读出原作诗词的内涵。诗词作品存在一些不确定性，诗人恰恰期待读者用个人体验去发现这种不确定性。从接受美学的角度来说，给人启发越多的作品越好，阅读者的主动参与思考，使得诗词作品的内涵和意义不会一成不变。诗词文字符号需要阅读者自己润色补充内涵增添情感。诗词的文字符号只是作品里一串拨通联系读者的电话号码，读者接听了，接受并有自己的理解，与诗人产生共鸣才算达成了诗词作品的目的。
翻译者在翻译《春晓》的时候，应该考虑阅读者的生活经历、情感经历以及阅读经历等，更多地从读者接受角度来翻译。有了阅读者的参与，翻译出来的诗词在语言和风格方面都会更加贴近原作，因此接受美学在《春晓》诗词作品翻译过程中所起的作用不可小觑。
传统翻译诗词的方式主要是从原作者诗词文字符号着手，而按照接受美学理论进行的诗词翻译更加注重读者阅读接受并调动自己思维积极参与的过程。按照接受美学理论翻译出来的诗词作品像原作一样含有一些空白和想象空间，必须读者根据联想来填补这些空白，让他们具体化。读者依据自己的阅读经验、生活经历以及情感体验会期待翻译诗词呈现某种画面，这必然和翻译者的翻译工作有关。《春晓》诗词作品翻译也一样必须考虑所翻译作品的大部分阅读群体的接受度。
将接受美学融入《春晓》诗词翻译，前者对后者有良好的适应性，从一些优秀的作品中，我们可以感受到运用了这一理论，诗词的翻译将会有更美的效果，翻译作品也就从文本正真的走向文学。
译文一：
这首翻译作品出自bynner，他是一位对中国古诗词翻译很有见地的外国翻译家，他的翻译作品，评论家意见虽有出入，但是褒多贬少，在诗词翻译方面能够达到令多数人肯定的状态，已属不易，在对《春晓》这篇译文进行赏析之时，我们可以领略到大师的风采。外国翻译者相较中国的翻译者而言，优势在于对于外语的熟练掌握和运用，以及对于外国受众内心的熟悉了解，这两点是中国的翻译者所无法企及的，而他们翻译的弱势在于对中国文化的了解以及对诗词意境的真正领悟，如果能将这二者结合，外国的翻译者能够翻译出很美很受大众喜爱的翻译作品。
首先，分析翻译者外语翻译技巧的采用，词语“light-hearted”和“singingofbirds”应用的十分贴合场景，让读者读起来有身临其境之感，刚刚从睡意朦胧中，被鸟儿的轻盈的歌唱声敲打着蒙睡的心，初醒。读来喜爱春天的感觉慢慢升温。接下来译者用到了连接词语，来将诗歌中看不到逻辑思路用介词连接的方式表达出来，作者在描述一个春天的早晨时，不经意的就回忆起了夜晚似有听到楼外风雨和花瓣飘落的轻声。翻译成外语之时，作者选择了用连接词来表达这种逻辑，也不失为一种方法，同时，也和外国受众的逻辑思维方式相切合，我们注重感性的感受，重感性，少重逻辑，而西方受众的思维方式则是有这严密的理性思维，如此翻译，更加的贴合他们的审美。
其次，《春晓》这首诗，情感的表达方式，作者选取的是形象的描绘方式，并无虚无缥缈的词，多是精准的选用了和诗词内容意义对应的英译词，描绘出来的场景也和原诗词并无出入，从晨起蒙蒙睡意，处处可听见鸟儿的啼叫，敲打着刚苏醒的心灵，忽忆起昨夜，有风雨穿林打叶，不小心打落一地花瓣。西方受众读到翻译者对意境描写的诗歌，可以很直观的想象到这样的美好的场景，能很快的吸收并感受到作品的美，似乎可以与作者一同去欣赏这春的美景。从情感表达方式的选取上，译者充分的结合了接受美学，并使作品产生了好的接受效果。最后用“broken”来形容落花，花落到泥土里的状态，也将也来风雨打叶的感觉描绘得非常直观形象，贴合作品原有的语义和境界。
译文二：
onemorninginspring/late!thisspringmorningasiawakeiknow/allaroundmethebirdsarecrying,crying/thestormlastnight,isenseditsfury/howmany,iwonder,arefallen,poordearflowers!
这是诗词翻译家翁显良先生作品，他的主张是自由译，对格律与散体实现完美转换。这一篇译文，将他的理论观点很好的表达，在这首诗歌的翻译当中，译者并没有逐词逐句的进行对译，而是换了一些词语的说法。中国诗人英译的优势是读得懂中国诗人词人，能够将传统文化很好的理解领悟和表达出来，而较外国翻译者的劣势在于，如果不是很好的掌握外语翻译技巧及西方文化特色，对西方受的喜好和审美并无所知，则会产生翻译时表达不够贴合西方读者的口味，而最终没有使文本变为优秀的作品。译者的此篇译文，没有看到直译诗词的身影，是以一种意译的说故事的形式表达，而在表达的过程中，着重将原作者的感觉和心情描绘出来，使受众通过心境去了解情景。此词描绘的心境与第一首译文比，则略显悲凉凄婉，第一首叹春，这一首是有悲春色彩，与中国古代的词人喜欢借景抒发悲意是一致的，至于受众是否理解，取决于受众对中国文化了解的程度。
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